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ADIÓS A LA CRÍTICA. 

El fin

  

   Va a empezar un nuevo año, se acerca, se impone un fin de ciclo.  El cambio de rumbo es la consecuencia de una revisión con las herramientas de la  honestidad radical. Lo he escrito a voces, en letras públicas y en foros. Ahora me he dado cuenta que alguna decisión se encontraba escrita en mis últimos cinco artículos para la sección de crítica de arte de La Vanguardia, ellos contenían las claves . He obedecido a los mensajes, a veces crípticos, que encierra  mi propia escritura. Ellos han acabado hablando de lo que me acontece. Ahora ha llegado el momento de cumplir con lo escrito. Decir "adiós" a la crítica.

  ¿PARA QUE SIRVE EL ARTE?  

 

 

En este artículo enfaticé que todas las obras de A. Ribé, más allá del concepto y su poder formal, son un manifiesto, un programa útil que proclama al arte como método de conocimiento y transformación moral. Así lo he hecho.

  

Dije que veía en sus propuestas unos consejos que indican al espectador atento, todo lo necesario para una auténtica evolución de la conciencia. Así me ha sucedido.

 

     Para conseguir este logro, realiza diversas acciones y prodigios. En una primera proposición nos muestra la importancia de los sentidos que nos acercan a la realidad. Así lo practico.

 

      En segundo lugar nos propone un arte que acepta lo efímero y el vacío. Ahí quiero vivir.

 

     En tercer lugar la importancia de la atención extrema a los pequeños detalles ornamentales de la realidad recogidos con precisión absoluta. Así quiero mirar.

 

     La cuarta propuesta nos recuerda la necesaria adaptación a las circunstancias de cada momento para ser conscientes del momento en que vivimos e ir de modo natural hacia delante. De ahí mi renuncia.

 

   La quinta proposición es que en las idas y los regresos, en ese ir y venir  debe existir un punto de vista estable y objetivo que no rechace el hallazgo inesperado o  la acción súbita. Estas cinco condiciones transforman la actitud, la mente y el corazón. Para eso sirve el arte. Para eso me ha servido a mí.

  PINTURA DEL TODO.    

    En la exposición de Vicenç Viaplana encontré repetida tres veces la palabra TODO .      Cartografía emocional, atravesar el vació y excursión por la incertidumbre son títulos que Vicenç Viaplana ha puesto a tres de sus series pictóricas. Parece que con estos tres títulos nos indica que pueda existir un mapa del absoluto, una guía para atravesar el vacío y que ese es un paseo por la incertidumbre. Tal como insinúan estas obras podemos pasear por el absoluto, o si no nos atrevemos a hacerlo, como mínimo debemos contemplarlo. A eso me dispongo.  

   MENSAJES       

La obra de Downsbrough  exige una  descripción fenoménica de lo que se ve, tan solo nos permite preguntar: ¿qué es esto? a lo que la obra nos contesta : ¡Esto es esto! Pero entonces, ¿dónde colocar el sentido? ¿En que lugar se esconde la interpretación? ¿Porqué estas palabras?

    Los indicios principales son: un mapa en blanco y negro de una parte del mediterráneo, en el que unas líneas actúan a modo de indicador de lugar:   LLOC, una alusión temporal ARA, y la palabra TEMPS escrita al revés junto al inglés AS. (Como). En otra obra ABANS, escrita inversa y también HERE(Aquí).

Este es el momento.  

    El conjunto de las obras y esos mensajes crípticos parecen que quieran destacar el momento adecuado para un cambio, para una acción.     En este caso la radicalidad del contraste ENTRE el color blanco y el negro parece reclamar un posicionamiento, como son dos colores opuestos, obligan a que el espectador desplace y escoja pues las cosas son blancas o negras. Entonces, si el espectador se encuentra aludido o comprometido a escoger territorio, es que acaso ¿Se trata de una revolución? ¿De un encuentro? CON QUE, CON QUIEN.

     Un dibujo que parece fragmentado y las dos últimas palabras que le obligan a dejar de interpretar: AQUÍ, AHORA.    El lugar propicio para el cambio, para una acción definitiva. El espacio, el tiempo y el espacio para una nueva huida hacia delante.    La radicalidad de la oposición entre el blanco y el negro reclaman un posicionamiento final, me obligan a escoger, pues en algún momento es necesario aclarar que cosas son negras o blancas, me siento obligado a escoger territorio.¿se trata de una revolución? ¿de un encuentro?¿con qué? ¿con quién?

En una de las siete hojas cuadriculadas encuentro la respuesta a los interrogantes, un dibujo que parece fragmentado y las dos últimas palabras me obligan a dejar de interpretar: aquí y ahora.

   EL ENIGMA DE LA VISION.

           Luis Frangella con esta exposición pone de manifiesto dos aspectos que considero fundamentales: en primer lugar, el enigma de la percepción o el misterio de la mirada, y en segundo lugar una reflexión profunda sobre la vanidad y la apariencia.  La observación supone un acto de reciprocidad entre el comportamiento del sujeto y del objeto.     En Frangella conviven la investigación científico - óptica con las indicaciones de un filósofo o un poeta que se sabe en manos de la muerte.

     Todo este ceremonial óptico sobre la realidad y su apariencia no es más que para conducir al espectador a la dimensión más profunda del sentido de las cosas. Como indica el título de la obra, In the Blink of an Eye" (1986)en ese abrir y cerrar los ojos, tan rápido y efímero, el artista recupera el género de las "vanitas vanitatum" del siglo XVII en las que los pintores europeos recordaban la presencia de la muerte como un instante en la feria de las vanidades. Ese sentimiento de melancolía refuerza la reflexión sobre el paso del tiempo y la caducidad que afecta a todas las cosas. Abandono la vanidad intelectual.

  LA CABAÑA DEL DESAPEGO. 

 

     Quiero destacar las condiciones básicas del retiro cabañal a partir del ejemplo de dos arquitectos japoneses contemporáneos.  

 La primera condición es el reconocimiento de la naturaleza como paradigma y destino.

 La segunda condición, nos habla de lo mínimo necesario para existir tal como demuestra la cabaña del joven arquitecto Sou Fujimoto (1971) construida en las montañas de la prefectura de Kumamoto.  

   Ito y Fujimoto se plantean con sus pequeñas casas la búsqueda de la esencia, la raíz del acto constructivo. Unas cabañas que son el origen de la arquitectura y la vida, pero que a su vez son el lugar donde se puede realizar la liturgia de la transformación espiritual. 

    ¿Pero que tienen las páginas de este libro que no agotan su caudal inspiratorio? ¿qué sentido tiene, hoy en día, construir una casa tan pequeña? ¿Quién es el candidato adecuado para habitarla? Yo me postulo.

  

      La primera condición del candidato es el reconocimiento de que el dolor y el temor a la muerte existen y que ambos pueden cesar y que hay un camino para conseguirlo. El candidato es alguien capaz del retiro voluntario y el alejamiento social. Kamo se retiró, a pesar de su creciente fama como poeta imperial, para vivir de modo eremítico y escribir en 1212 esta pequeña joya de la literatura universal.

 

    Un elogio del retiro voluntario, pero no tanto para poder regenerar la conciencia, sino para llevar una vida hecha de soledad y abandono. El candidato es alguien capaz de comprender que todo tiene la impermanencia del vapor que se concentra y disipa. Es alguien que acepta la imprevisibilidad de la naturaleza que todo crea y destruye, es alguien que entiende la negación, el absurdo y el sinsentido de las  ausencias como factores positivos, es quien busca la independencia auténtica, el cobijo del silencio absoluto, es aquel que encuentra placer en lo mínimo y hace de todo, una experiencia fundamental del vacío que transforma su conciencia, pero más que nada es alguien que no se encuentra apegado ni a las cosas ni a la vida, ni siquiera a la tranquilidad, ni a la serenidad y sobre todo es aquel que viste el hábito de una humildad absoluta.

  

&desde donde el poeta reflexiona sobre la existencia y el modo de vivir de la gente: "Solo aquí en mi choza se está en paz y sin temor, tan pequeña como es, hay espacio para dormir de noche y sentarse de día: el espacio suficiente para un hombre" &"La realidad sólo depende de tu corazón, si no está en paz un palacio te parecerá insuficiente.

  

   La recompensa del candidato es la superación del dolor mediante la práctica correcta, el encuentro con la naturaleza y saber vivir adecuadamente con lo mínimo necesario en un espacio de apenas nueve metros cuadrados. Una vez más, la cultura japonesa, a través de su arquitectura moderna ha conseguido reunir lo más antiguo con lo más moderno y mantener viva la estela filosófica de este monje-poeta que los japoneses tienen como ejemplo de comportamiento, como la actitud necesaria para aceptar los designios de las catástrofes y para la correcta comprensión de la auténtica naturaleza del ser humano.

A eso me dispongo.

                      

          

             FELIZ NAVIDAD.

                  

   

     En materia artística, yo soy más "cool" que nadie. Me gusta el frío de  la obra de Leo Villareal  cuando en Washintong DC, en la National Gallery of Art, realizó una impresionante instalación que ocupaba un túnel de 60 metros y utilizando 41.000 Leds blanquecinos. También me "pone" la obra del minimalista Dan Flavin y la trompeta congelada del Miles Davis en "Kind of Blue".

  

 

 

 

                  

 

 

 

 

                  

 

 

 

      Pero, cada año, desde hace demasiados, cuando llegan estas fechas tengo demasiado frío. Hoy bajaba caminando por las Ramblas para ver la iluminación Navideña y he llegado a la conclusión de que en el Ayuntamiento de Barcelona debe haber algún concejal al que no le gusta la Navidad. Sea por algún doloroso trauma infantil o por su creencia ideológica, nos la hace pagar a todos los ciudadanos.

     Estas fiestas tienen un origen remoto, algunos dicen que precristiano, pero lo que es indudable es que para la mayoría de la gente estas fechas son importantes, bien porque simbolizan un cambio de solsticio o porque significan la llegada de la luz divina al mundo. La teología cristiana dogmatiza que Dios es Luz. En estas fechas la luz es más que un elemento útil para favorecer el gasto, y si fuera así, no se puede olvidar que hacer regalos es  también una costumbre simbólica y religiosa. Eso se recuerda cada año en Stonehenge  cuando se celebra el solsticio de invierno.

   El argumento que se ha buscado para contener la luz es el económico. Nos dicen que cada año se consigue 14 por ciento menos de energía que en 2006,ultimo año del despilfarro, lo que supondrá un ahorro en la factura municipal de un 7%. El argumento económico quiere ser convincente por la vía del bolsillo, pero es tan patético como si un padre de familia manifestara alegría cuando al hacer similar cálculo con los regalos para sus hijos, dijera: !He conseguido gasto 0!

    La cosa se empezó a calentar cuando hace unos años la luminaria del Corte Inglés empalideció, luego vino aquello de modernizar las luces con diseños poco afortunados en los que costaba ver eso que se llama el espíritu navideño ,fue un primer intento de laicización de las fiesta y la gente se rebotó  y ahora la luz es blanca como la de los fluorescentes de cualquier academia de barrio.

    Este año, apelando a razones de sostenibilidad y ecología que normalmente mantienen los concejales menos convencidos en materia religiosa, se ha optado por unas luces mal colocadas, sin ningún criterio estético , a demasiada altura , frías, pálidas, blanquecinas, directas alusiones al aburrimiento, así la ciudad, sobre todo en las Ramblas y aledaños, se ha convertido en un témpano de hielo. Dominan los colores fríos de la luna, no la alegría solar.

       

 

 

  El argumento basado en la sostenibilidad no es convincente, detrás hay desinterés y mal gusto, es el mismo mal criterio que se utiliza para iluminar, cada vez más, terrazas nocturnas y lugares oficiales, incluso el Hotel Ritz ha palidecido bajo  esa decisión municipal.

   Me parece bien que hayan escogido los Leds, unos micro-puntos de luz de tecnología poco contaminante, de ahorro energético y que permite que con el gasto de una bombilla convencional se pueda iluminar un buen espacio de calle. Pero apelando a la arbitrariedad y su mal gusto, ese supuesto concejal traumatizado por las fiestas, nos ha escogido unos puntos de luz blanquecina a pesar de que las tonalidades de los Leds pueden ser infinitas, cálidas y variadas.

   Se trata de escoger entre la calidez del sol o la frígida frialdad de la luna.

 El que pasea por ahí siente el frío gélido de la muerte y no la alegría festiva del renacimiento de la luz o el cambio de solsticio. Lo han conseguido, no apetece pasear, no apetece comprar y uno vuelve a casa con la expresión de Hamlet ante la calavera. Pero, eso si, el planeta se encuentra mejor, más sano, más ecológico, pero a costa de mi desencanto. 

  

                                  

 

CIRLOT EN SANTA MONICA

  Cirlot y El Amor: ¿quién es María del Carmen?

 

   

      En 1985, cuando hacía unos años que Juan Eduardo Cirlot había muerto, pedí una beca a la Generalitat de Catalunya  para hacer un estudio sobre su crítica de arte y me la concedieron. Desde entonces lo tengo en la mente y en el corazón. Ayer, veinticinco años después,  asistía con actitud correcta e interesada a las explicaciones que daba Enric Granell, el comisario de la exposición que se ha hecho sobre mi celebrado crítico de arte en  Arts Santa Mónica.

 

     Estaba concentrado en sus magníficas explicaciones cuando vi aparecer en la sala un personaje de gran presencia mediática que iba acompañado de una atractiva joven. Llevados por el amor, ignorando nuestra docta presencia y el calado conceptual del comisario, se acercarón hacia nosotros y no dejaban de hacerse caricias, besos profundos en la boca , roces entre las piernas.

 

     De repente, me dí cuenta que ni Enric Granell, de quien se dice que   conoce mejor a Cirlot que sus propias hijas: Lourdes y Victoria, ni yo mismo, no nos habíamos percatado que el verdadero y quizá único motor del pensamiento y de la obra de Cirlot es: el amor. 

       Al llegar a casa, desempolvé viejas anotaciones, busqué como poseído por una extraña pasión hasta bien entrada la madrugada y esto es lo que encontré: 

 

 

      Esta noche he vuelto a soñar con María del Carmen. Pero la significación general de todas las imágenes bajo las cuales ella se ha aparecido me consternan al tiempo que me salvan.

Son ya quince años de vivir entre sueños, de rodar con la cabeza rota bajo todos los paisajes que ella ha querido darme; quince años de tener la palabra no escrita en todas mis acciones y en todos mis recuerdos, y así hasta configurar el orden de mis idiomas expresivos, el contenido de mis aspiraciones: la negatividad total de mi concepción del mundo y de la misma tierra del más allá, que Um-Napishti, el sumerio, señalaba con su escuálida mano, sobre las tristes aguas del mar inaccesible.

 

Y siempre, desde que su imagen se apartó de la mía, rompiendo la piedra de mi alma en dos trozos desiguales; el uno manchado de sangre, resplandeciente como topacio el otro, siempre -digo- su visitación acontecía para animarme en mi extraño subvivir, cuando yo llegaba a casa cansado, y había cenado mal y lúgubre, y mis padres me parecían seres de otro mundo, y la oficina resonaba en mi cerebro como una inacabable cadena de sombras asechanzas, pero entonces, desde la grieta a que me refiero, desde la torre muerta, ella venía con palabras nunca oídas, con gestos puros, con flores azules y pequeñas en la mano, o se acercaba por un lento paisaje húmedo, en el que los cipreses parecían nacer de la niebla, y su rostro de oro, como un corazón de arcángel se apretaba contra las entrañas de mi espíritu y abriéndolas con furia de cariño maternal me decía quererme, esperarme, o que me acompañaría en otra existencia, acaecida a pesar de todos mis errores, así celestialmente, aun cuando a veces soñaba estas cosas al regreso de los graves prostíbulos, manchado por la alegría de la carne joven, por sonrisas de cristales innumerables, por largas espesuras de muslos y de bocas llenas de cantos extinguidos.

Sin embargo, por primera vez en esta historia que ya tanto me pesa, ella ha venido para aclarar su motivación trágica en mi vida. Yo transcurría por debajo de un agua cenagosa, como remero de muerte, y sólo de cuando en cuando me era dado respirar, desde dentro de aquel ambiente de sapo o de serpiente. Y como al fin podía levantarme, de rodillas, sobre el barro y mirar al cielo, ella tomaba un gigantesco saltamontes de entre las malezas y me lo escupía a la cara; luego salvajemente se iba, riendo como una niña mala.

Y yo tenía en plena noche que avanzar, todavía arrodillado, por aquella línea de rocas donde el mar se rompe, al final del puerto y, como en una isla, otra imagen de mí vivía circundada por un amor cariñoso, que mi mujer Gloria y mi hija María Lourdes me daban, acaso sin saber , o tal vez por conocerla demasiado, esa penetración nocturna de mis destrucciones interiores.

Me miraba yo mismo sonreír, trabajar, escribir libros, creerme poeta y crítico de arte; me miraba mirar muchas cosas, Entonces, me he despertado con un conocimiento diferente de mis orígenes y bruscamente, he recordado que tenía que escribir estas palabras sobre la pintura de mi amigo Manuel Capdevila. No ha transcurrido mucho tiempo desde que penetré en la exposición donde se reunían sus telas, congregadas más bien con humildad, para sentir un movimiento de rechazo.  

No me gustaban aquellos óleos, en los cuales la realidad era apenas deformada por un escamoteo irónico, en el que el alma analizaba los colores, y la inteligencia se servía de la línea. No me parecía bien -a mí, con mis sólidos principios estéticos que un artista bien dotado no avanzara un paso más tras los hallazgos inventivas del arte experimental del siglo XX, Se podía retroceder mil años, pero no cincuenta. Capdevila pintaba según las directrices del gusto sutil y delicado que procede del impresionismo. En sus paisajes blandos y húmedos, en sus esenciales conjunciones de formas, sin embargo tomadas a lo cotidiano, en su típica explicación de su sentir, acendrado al tiempo que frío, aparecía algo que me molestaba. Sería posiblemente el amor. Porque me he olvidado de decir que yo soy un ser lleno de odio. Entonces, ¿qué crítica puede esperarse de mí, cómo podré comprender lo que detesto: la propia vida?    

 

 

 ODA A IGOR STRAWINSKY Y OTROS VERSOS.  (Entregas de Poesía nº 4 .Abril 1944)   

 

Si sólo pudieses acercarte.Venir a este sollozo que sufre y permanece  Si sólo pudiese, desde lejos,Mirar este desierto,Esta calma sin manos, este cuerpoYacente, sin piernas, debatiéndose.   Si solamente pudieras oírme,Si acaso, sólo pudieras oír cómo te amoSin alas, sin agua, sin labiosCómo te amo, ¡ sí, sólo cómo te amo!   Pero tú desconoces mi existenciaY vas perdiéndote en mi propio desamparo. Tú desconoces el paisaje que levantaCada una de estas mis miradas rotas.Y vives en una casa sin puerta ni ventanasY no me oyes llorar cuando atardeceY no adviertes la sangre que mancha tu vestido.    Esta noche he vuelto a soñar con María del Carmen. Pero la significación general de todas las imágenes bajo las cuales ella se ha  aparecido me consterna al tiempo que me salva. Son ya quince años de vivir entre sueños, de rodar con la cabeza rota bajo todos los paisajes que ella  ha querido darme; quince años de tener la palabra no escrita en todas mis acciones y en todos mis recuerdos, y así hasta configurar el orden de mis idiomas expresivos, el contenido de mis aspiraciones

 

 1955 

 

 

  Sueño 9

 

   Era obligado por María del Carmen a vivir Bajo el agua pantanosa. Como laprofundidad era escasa, tenia que avanzar echado sobre el vientre y sólo de vez enCuando podía sacar la cabeza del barro paraRespirar.  

 

 Sueño 52   

 

María del Carmen me arroja un saltamontes(el animal que más temo) a la cara.  

 

 Sueño 71 

 

  María del Carmen se me aparece entre dosmontañas que resplandecen; al acercarme,veo que son dos joyas. Entonces ella se ríe y huye arrojándose contra uno de los montonesfulgurantes. Después, voy por una calle muypobre, es de noche y a mi lado va unamujer alta y despeinada. Nos paramos junto a un portal y me besa. Cuando aparto su rostro y lo vislumbro ante una claridadincierta, mortalmente me apesadumbro.    

 

 

Sueño 77

 

 

   María del Carmen clava una larga navaja enEl cuerpo de un pez palpitante aún, queAcaba de ser sacado del agua.

                    

                   

                           J.E.Cirlot.   "oscura estancia"   Collage  dedicado a R. Santos Torroella.

 

                                 

   

 

Artículo publicado en el suplemento  Cultura´s  de LA VANGUARDIA. Nº 492 (23/11/2011) 

   

 

   "Hôjôki", Un relato desde mi choza" (1212) es un breve texto que ha influido poderosamente en la formación del espíritu resignado y contemplativo del pueblo japonés y que ha inspirado a todos aquellos que han decidido hacer del retiro un lugar de encuentro con lo fundamental. En esta pequeña obra se hallan las consideraciones que el poeta, monje y músico tocador de "biwa" Kamo No Chômei (1155 - 1216) nos hace desde su ausencia, en una choza de nueve metros cuadrados, en las estribaciones del monte Hino en la provincia de Toyama. La literatura japonesa lo tiene entre sus libros más apreciados y su influencia perdura tras siete siglos de la publicación hacia el infinito y más allá.

 

    Quiero destacar las condiciones básicas del retiro cabañal a partir del ejemplo de dos arquitectos japoneses contemporáneos. La primera condición es el reconocimiento de la naturaleza como paradigma y destino. Este anhelo ha sido el primer motor de la obra del arquitecto Toyo Ito que ha sabido captar la musculatura de la naturaleza para convertirla en tensión y resistencia pero también en ductilidad, suavidad e integración. Sabemos que las olas en su fragilidad tienen estructuras moleculares que sostienen grandes pesos. El arquitecto y su ingeniero de cálculo de estructuras Mutsuro Sasaki hablan del gran misterio de la Forma y de las complejas tramas que subyacen en el crecimiento de una flor. Para ellos, arquitectura, tecnología y naturaleza están en angélica armonía.

 

    Uno de los primeros proyectos de Toyo Ito fue la "Casa Sengataki" (1974), un pequeño habitáculo construido en un paisaje renombrado por la belleza de su desfiladero y sus aguas. Unos años más tarde, volvió a rendir homenaje a la naturaleza y lo hizo con la " Aluminium Cottage" (2004) en Minamikoma, un volumen trapezoidal de pequeñas dimensiones, una cabaña ligera y móvil en la que el cálculo matemático convive con la poesía y la sensibilidad morfogenéticas.

 

     La segunda condición, nos habla de lo mínimo necesario para existir tal como demuestra la cabaña del joven arquitecto Sou Fujimoto (1971) construida en las montañas de la prefectura de Kumamoto. Conocida como la "Final Wooden House" (2008) es un habitáculo de madera que tiene solo 8 m de lado, con un área de vida de 15,13 m2. y que es la réplica japonesa al Cabanon de Le Corbusier.

       Solo el sentido de la unión de opuestos del pensamiento oriental permite reunir en una misma expresión dos nociones aparentemente contradictorias: la arquitectura teórica y la sensorial, a la vez.

   Así es como ve Toyo Itto la cabaña de Sou Fujimoto, el resultado de ese encuentro en el que surgen las cuestiones fundadoras sobre qué es la arquitectura, sobre cómo debería la arquitectura relacionarse con la naturaleza, y de cómo hablar de arquitectura, es sinónimo de hablar del mundo y de las personas, una conversación a la que los sentidos se suman para reforzar la experiencia.

 

   Ito y Fujimoto se plantean con sus pequeñas casas la búsqueda de la esencia, la raíz del acto constructivo. Unas cabañas que son el origen de la arquitectura y la vida, pero que a su vez son el lugar donde se puede realizar la liturgia de la transformación espiritual.

   Los cimientos filosóficos.

 

    ¿Pero que tienen las páginas de este libro que no agotan su caudal inspiratorio? ¿qué sentido tiene, hoy en día, construir una casa tan pequeña? ¿Quién es el candidato adecuado para habitarla?

 

    La primera condición del candidato es el reconocimiento de que el dolor y el temor a la muerte existen y que ambos pueden cesar y que hay un camino para conseguirlo. El candidato es alguien capaz del retiro voluntario y el alejamiento social. Kamo se retiró, a pesar de su creciente fama como poeta imperial, para vivir de modo eremítico y escribir en 1212 esta pequeña joya de la literatura universal.

    Un elogio del retiro voluntario, pero no tanto para poder regenerar la conciencia, sino para llevar una vida hecha de soledad y abandono. El candidato es alguien capaz de comprender que todo tiene la impermanencia del vapor que se concentra y disipa. Es alguien que acepta la imprevisibilidad de la naturaleza que todo crea y destruye, es alguien que entiende la negación, el absurdo y el sinsentido de las  ausencias como factores positivos, es quien busca la independencia auténtica, el cobijo del silencio absoluto, es aquel que encuentra placer en lo mínimo y hace de todo, una experiencia fundamental del vacío que transforma su conciencia, pero más que nada es alguien que no se encuentra apegado ni a las cosas ni a la vida, ni siquiera a la tranquilidad, ni a la serenidad y sobre todo es aquel que viste el hábito de una humildad absoluta.

      La edición bilingüe que he utilizado divide el libro en seis capítulos y 37 partes en los que van apareciendo los cimientos que dan fortaleza a tan frágil construcción en connivencia con el espacio máximo de la naturaleza desde donde el poeta reflexiona sobre la existencia y el modo de vivir de la gente: "Solo aquí en mi choza se está en paz y sin temor, tan pequeña como es, hay espacio para dormir de noche y sentarse de día: el espacio suficiente para un hombre" &"La realidad sólo depende de tu corazón, si no está en paz un palacio te parecerá insuficiente.

  La recompensa del candidato es la superación del dolor mediante la práctica correcta, el encuentro con la naturaleza y saber vivir adecuadamente con lo mínimo necesario en un espacio de apenas nueve metros cuadrados. Una vez más, la cultura japonesa, a través de su arquitectura moderna ha conseguido reunir lo más antiguo con lo más moderno y mantener viva la estela filosófica de este monje-poeta que los japoneses tienen como ejemplo de comportamiento, como la actitud necesaria para aceptar los designios de las catástrofes y para la correcta comprensión de la auténtica naturaleza del ser humano.

 

   

 Toyo Ito 

 

  Sou Fujimoto  

 

 

   

 

  

   

 

 

     

 

 

  

 

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MABEL PALACIN VERSUS DAVID. G. TORRES EN EL VII SIMPOSIO ACCA .2011.  

Otra Sesión interesante el día de ayer fue el encuentro público entre Mabel Palacin y David G.Torres ante el público asistente a la primera jornada del VII simposio del ACCA 2011.

   

    LOS PONENTES JUNTO A FERRAN MASCARELL   

 

 

  Tenía mucha curiosidad y no salí defraudado. Intentaré señalar los puntos de la conversación que se hizo en Español y que más llamaron mi atención:  

 

En primer lugar he de decir que siendo la obra de Mabel Palacín fundamentalmente basada en la imagen estática o dinámica no pudimos ver ni una sola de las muchas referencias icónicas de su propuesta "180º "que se presentó en el pabellón catalán en Venecia. 

 

 

En segundo lugar que la artista quiso dejar bien clara su independencia creativa, el estatuto de sus imágenes ,sin aceptar que el comisariado de David G. Torres hubiera tenido un papel definitorio, más allá del acompañamiento textual. Y que ella habla a través de las imágenes, aspecto bien  diferenciado de la textualidad. 

 

En tercer lugar que no fue una propuesta "site" especifica para el pabellón ,sino que hubo una adaptación del trabajo que estaba llevando a cabo en ese momento.Y que si no lo hubiera hecho allí , lo hubiera realizado en cualquier otro sitio. 

 

En cuarto lugar, destacaré la sinceridad de David G. Torres,  su libro reciente "No más mentiras" le obliga,  al reconocer el papel exclusivamente político de la participación en la bienal, reconociendo que un alto cargo le había confiado que se trataba , ante todo que la "marca" catalunya se llegará a publicitar al máximo. Si bien es cierto que apostilló que ante la intencionalidad política se encuentra la inteligencia de la cultura para hacer lo que le convenga.A la pregunta del público, reconoció algo que a menudo se  olvida, y es que  el pabellón catalán se encontraba dentro de los que en Venecia se llaman  los  "Eventi Colaterali", es decir que la exposición no representaba más que a una nación sin estado. 

 

En quinto lugar destacaré el concepto de "inconsciente tecnológico" utilizado por Mabel Palacín, según este el instrumento tiene su propia voz en el proceso creativo. Una teoría que ya los físicos cuánticos Schrödinger, Heisenberg otorgaban a la mecánica cuántica cuando aseguraban que el instrumento utilizado para una observación condiciona totalmente el resultado de esta. Según esto, la autonomía del medio añade incertidumbre al resultado.

 

 

 La sexta proposición es cambiar el rol del espectador al enfrentarse a una imagen múltiple. 

 

La séptima que se trata de ver con el cuerpo, no tan solo con los ojos, ver con el cuerpo y con el cuerpo social. 

 

La octava es la inspiración en el clasicismo pictórico más convencional de la historia del arte como son la "vedutas" venecianas. Es decir las vistas de la ciudad realizadas por Canaletto o Guardi en el Settecento italiano, han podido influir en el corazón mismo de la  imágen contemporánea. 

 

La novena es el reconocimiento por parte de David G. Torres de que el comisariado está en crisis. 

 

 

La décima es el descubrimiento de la "altanas" venecianas . Una altana o altane es una terraza de madera. El uso que se le daba en la antigüedad a estas terrazas altana o altane, no deja de ser curioso. Eran utilizadas por las damas nobles como una especie de salón de peluquería donde secar sus cabellos al sol, después de haberlo teñido según la antigua receta del rubio veneciano: ungüentos a base de azufres y plomo.    A través del proyecto "180º"  Palacín, descubrió una ciudad en las alturas de los tejados venecianos, una supracidad QUE INVERTÍA EL USO ESTETICO POR EL USO SOCIAL , ahora son ocupadas por las revueltas de los estudiantes indignados, para llamar la atención sobre sus reivindicaciones.

 

 

ACCA .VII SIMPOSIO INTERNACIONAL CRITICA DE ARTE EN UN MUNDO GLOBAL.2011.

  

Cada año espero con ilusión la celebración del Simposio sobre Crítica de arte organizado por la Asociación Catalana de Críticos de Arte a la que pertenezco. Nunca me defrauda.

    En esta primera sesión he asistido estupefacto a las reflexiones, como no, de alta complejidad.  Ya en otras ocasiones se han utilizado neologismos aplicados a la crítica de arte, aquí , se ha hablado de transterritorialidad, de descolonización, de alter modernidad , de mediación electrónica y  flujos migratorios.

      Yo, como siempre, he quedado arrasado por la alta complejidad de las reflexiones de un "curator" que antes de dedicarse al mundo del arte trabajó en el campo de la consultoría estratégica.La sesión presentada por Hammad Nasar ha introducido un nuevo concepto el de "Lineas de Control" el de la "capacidad productiva de las particiones" y el "cunnilingus". Su sesuda intervención ha acabado con un video :  "Cunnilingus in North Korea" de Young-Hae Chang Heavy's 2004.

      Si han leído bien, "cunnilingus". He dado un salto en el asiento y he quedado anonadado. El video es el que aquí se puede ver y va acompañado por el tema  "See Line Woman" de Nina Simon.

 

 Naturalmente era un ejemplo clarísimo del concepto de "partición".Para que luego digan que la crítica es aburrida.

                  

            

 

                   

 

 

 

EDO EN EL MUSEO DE TERUEL

  El pasado día 11.11.11 se inauguró en el Museo Provincial de Teruel y en el Museo Salvador Victoria de Rubielos de Mora la exposición antológica del pintor Godofredo Edo(1926)con el título general de  s/t.

   Edo es un pintor "discreto" que apenas ha mostrado su trabajo durante más de cincuenta años de perseverancia pictórica. Edo estuvo en Paris en el momento de la eclosión informalista, allí inició un camino que nunca ha dejado de recorrer y que le ha llevado a este momento de reconocimiento general. Bajo el doble comisariado de Gonzalo Tena y de Jesús Martínez Clarà se presentan dos grandes murales  que centran la atención de los visitantes, junto a ellos, las obras  más representativas del pintor entre 1964 y 2009.   

    Con este motivo he escrito el texto que publico a continuación que  se encuentra recogido en el magnífico catálogo, junto a unas páginas biografiadas por el artista Gonzalo Tena. El resultado es la constatación de que la inercia creativa y la esencia del arte no se detienen nunca por numerosos y difíciles que sean los obstáculos que se encuentren en el camino.

 

 

EL GESTO UCRÓNICO.

       Godofredo EDO  tuvo el privilegio de encontrarse bajo el volcán en el momento de su erupción. Él, estaba allí cuando una gran fuerza telúrica  lanzaba por los aires la materia  abstracta del  informalismo y vió como la lava incandescente, venida desde los universos  no formados, descendía por la ladera de la montaña de Montmartre. En 1947, los magmas pictóricos del informalismo  aludían a un mundo artístico que nacía de las entrañas de la conciencia y en su manifestación no encontraron obstáculos, pues el territorio europeo estaba arrasado por la segunda guerra mundial.

Mientras ,en USA, tras la explosión de Hiroshima, aparecían las descomposiciones moleculares de los expresionistas abstractos con Pollock  líderando la  "Action Painting", también en Europa, el crítico Michel Tapié  hablaba de "Un Art Autre"(1952).Una nueva manera de ver y tratar la pintura que aun hoy en día busca una definición definitiva: Abstracción Lírica, Tachismo, Informalismo o Nueva Escuela de Paris&sea como fuera, a través de sus aspectos más poéticos,  matéricos o con una nueva gestación del gesto: la revolución estaba en marcha y los mejores representantes de este arte activo y expresivo fueron:  Georges Mathieu, Hans Hartung ,Pierre Soulages, Henri Michaux ,Jean-Paul Riopelle o Antoine Mortier.    

 

 Godofredo EDO, hijo de una familia de procedencia aragonesa, estudió Bellas Artes en Barcelona y se fue a Paris donde conoció a jóvenes artistas como él y entre ellos a  Salvador Victoria.  Llegó  a la gran ciudad junto a unos jóvenes que se negaban a vivir bajo la atmósfera  enrarecida por los vapores de la guerra fraticida que aún  perduraban bajo la dictadura y hacia 1957, cuando llegan a la capital de europa se encuentran con el volcán aún en erupción y consiguen vivir intensamente ese momento de privilegio. EDO inicia allí su camino informalista junto con  Salvador Victoria, Sempere, Isidoro Balaguer y Joaquín Ramo en el Colegio de España en París. A diferencia de los Millares, Feito, Lucio Muñoz , Martín Chirino o Saura, él, nunca se organizó en grupos, sino que siguió su camino informalista de modo solitario, independiente y perseverante, hasta la actualidad. Desde entonces la obra de EDO no cesará nunca y su espíritu vanguardista y revolucionario le ha acompañado durante toda su vida posterior en España, a donde regresó en 1959.  

 

Desde esa  fecha de iniciación ha trabajado constantemente, sin parar, día tras día. Cincuenta años que parten desde los albores del informalismo y la abstracción en España, hasta la actualidad. Durante todos estos años, EDO ha convivido con su compañera Aurelia quien convirtió su librería de la calle Ferrán de Barcelona en un centro de inquietud intelectual en los  años de disipación política y lucha generacional. Durante todo este tiempo no ha tenido muchas oportunidades para enseñar su obra. Creo conveniente recordar esa injusticia  y rendir un modesto homenaje a los artistas, que como él, sin gozar de reconocimiento público, nunca han dejado de trabajar en lo que ellos han considerado como necesario.

 

Mi primera visita al estudio de EDO la hice acompañado de mi amigo Gonzalo Tena, fue en ese  piso-estudio del ensanche barcelonés en el que  vive y trabaja este apóstol de la pintura de acción. Al entrar se percibe un olor intenso  a aguarrás y pintura que exige que, en pleno invierno,  las ventanas y las puertas estén  abiertas,  la calle invade el espacio privado y el frío atmosférico contrasta con la temperatura de su obra.       EDO ha trabajado mucho y sus obras se amontonan, unas sobre otras, pero en orden riguroso, montañas vivas de energía perseverante en óleo sobre papel o en acrílico que son el testimonio de una incesante actividad. EDO es un ejemplo de artista coherente, pues obedece, exclusivamente, a la voz de su necesidad expresiva, nadie le exige la obra, nadie más que él, es juez implacable de su propio trabajo, una labor que nunca considera concluida. Sus trazos caligráficos entroncan con la mejor tradición gestual de los artistas europeos o americanos de la época. Porque como puede verse en  las obras que acompañan este catálogo, nunca ha abandonado su manera de pintar desde la eclosión de su estilo informalista en Paris. Cincuenta años de energía perseverante y fuerza concentrada en tres letras: E-D-O.   

 

 

 

 

                              

 

    

                               

     

 

 

 

 (Más)

 

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s Nº 490  de LaVanguardia (09.11.11).

 

EL ENIGMA DE LA VISION.

 

     La Fundació Suñol nos propone una muestra fundamental que auguro como una de las mejores de esta temporada. En ella se pueden ver 32 piezas del artista argentino Luis Frangella(1944), muerto en Nueva York (1990).

    Las necrológicas son precisas, en pocas palabras revelan lo fundamental. Cuando se publicó el óbito de Luis Frangella el 14 de Diciembre de 1990 en el New York Times se escribió claramente que vivía en Manhattan, que el motivo de la muerte se comunicaba por decisión familiar y que era pintor y escultor.

      En los eclécticos años "80", la galería Ciento de Marisa Díez de la Fuente y Buades en Madrid eran dos epicentros del resurgir de la pintura. En ellas se pudo ver, por primera vez, la obra de Luis Frangella. Lo que llamaba la atención, de inmediato era el talento con el que trabajaba en su doble condición de pintor y escultor. Los cuadros de gran formato, convivían con pequeñas y misteriosas cabecitas sobre peanas. Tenían algo de ritual o de exvoto.

      Luis Frangella con esta exposición pone de manifiesto dos aspectos que considero fundamentales: en primer lugar, el enigma de la percepción o el misterio de la mirada, y en segundo lugar una reflexión profunda sobre la vanidad y la apariencia.

      Respecto a la primera condición debo recordar el afinado criterio expositivo del equipo de la Fundació Suñol que nos permitió acercarnos a esta cuestión  perceptiva con motivo de la  inauguración del Nivell  Zero   ACTE 1: Observació.(2007)  Ya entonces se pudo ver "La Jarra vertiente o Máquina de dibujar" de Luis Frangella  junto a obras de Antoni Abad, Roman Buxbaum,  Federico Guzmán, Joan Leandre, Glòria Martí, José Noguero, Joan Rom, Idroj Sanicne, Toni Serra i Zush/Evru. La actual exposición reafirma las tesis de la propuesta de entonces: Observar es mirar algo con atención e implica atender, examinar, contemplar, notar, advertir, vigilar. La observación supone un acto de reciprocidad entre el comportamiento del sujeto y del objeto. 

      No se puede definir mejor la sensación que el visitante tiene cuando se pone ante obras como "Cuchillos"(1986), sus dibujos dobles de tinta sobre acetatos o la misma "Máquina de Dibujar. En todas ellas el efecto es contundente, el espectador debe colocarse  unas gafas anaglíficas con lentes de dos colores distintos y la imagen plana se convierte en 3D. La realidad que veíamos de un modo, desaparece y la forma se abalanza hacia nosotros de modo inesperado:  "Geométricos"(1980).  En Frangella conviven la investigación científico - óptica con las indicaciones de un filósofo o un poeta que se sabe en manos de la muerte.

     Todo este ceremonial óptico sobre la realidad y su apariencia no es más que para conducir al espectador a la dimensión más profunda del sentido de las cosas. A su doble realidad. Es ahí cuando aparecen las obras más expresionistas. Sus 14 estudios sobre el movimiento de una cabeza (1985), la serie sobre velas encendidas que se consumen hasta el pabilo (1987), el crucifijo y su sombra de (1987),o su "Bola" duplicada (1986) culminan en esas dos calaveras de "In the Blink of an Eye" (1986)

     Como indica el título de la obra, en ese abrir y cerrar los ojos, tan rápido y efímero, el artista recupera el género de las "vanitas vanitatum" del siglo XVII en las que los pintores europeos recordaban la presencia de la muerte como un instante en la feria de las vanidades. Un tono de recuerdo y nostalgia se percibe en los textos del catálogo: Ángel González García y Carlos Pazos mencionan sus vivencias junto al artista y Marisa, María Vela, Ángel, Quico, Juan  y tantos otros nombres de la edad de oro de los ochenta, cuando todos nos sabíamos jóvenes y estupendos. Ese sentimiento de melancolía refuerza la reflexión sobre el paso del tiempo y la caducidad que afecta a todas las cosas.

    Lo que creíamos un juego visual con colores y formas, Luis Frangela lo ha  transformado  y acaba explorando un sentimiento moral .En "In the Blink of an Eye" utiliza un último efecto de percepción, la mirada se dirige hacia la parte izquierda, esa parte del cuadro esta iluminada con la luz de una vela, luce como la vida  y en la derecha la vela consumida, con una gama de grises oscurece la mirada, nos deja  sin luz.

  "La jarra vertiente o la máquina de dibujar"     

  

                           

 

 

Artículo publicado en el nº 489  del suplemento Cultura´s(2.11.11) de LAVANGUARDIA. 

 

MENSAJES

  

   Esta es la segunda exposición del norteamericano Peter Downsbrough (1940) en la galería Angels de Barcelona. En primer lugar, quiero destacar la valentía  de exponer la obra de un artista de sesenta y un años que acaba con los prejuicios epocales tan al uso en nuestra ciudad.

    La obra de Peter Downsbrough es diversa y actúa con la misma eficacia cuando lo hace sobre la página de un libro en blanco, al hacer un video, con material de audio o como en esta ocasión interviniendo en el espacio mismo de la galería. El espectador pudiera pensar que la galería se ha construido para albergar la obra de Downsbrough. Y no al revés. La conjunción es perfecta.

   El tono de sus obras reduce el mensaje al nivel máximo. El blanco y el negro se aúnan a la luz fluorescente que refuerza la tonalidad blanquecina del conjunto del espacio. Las líneas continuas se distribuyen sobre la pared en apenas tres intervenciones magistrales y siete pequeños hojas de papel cuadriculado capaces de transformar la sala en una lanzadera de mensajes crípticos.

    Aquí la palabra y la línea se alían para reforzar la emoción del espacio vacío. La cartografía de cada pared indica recorridos y encuentros.

     Las palabras cobran la fuerza de las formas. Por eso las preposiciones, los adverbios o las conjunciones, algunas en catalán, dejan abierto el sentido, los puntos suspensivos pueden continuar a través de líneas rectas de vinilo negro que crea direcciones y recorridos.

      La obra de Downsbrough  exige una  descripción fenoménica de lo que se ve, tan solo nos permite preguntar: ¿qué es esto? a lo que la obra nos contesta : ¡Esto es esto! Pero entonces, ¿dónde colocar el sentido? ¿En que lugar se esconde la interpretación? ¿Porqué estas palabras?

    Los indicios principales son: un mapa en blanco y negro de una parte del mediterráneo, en el que unas líneas actúan a modo de indicador de lugar:   LLOC, una alusión temporal ARA, y la palabra TEMPS escrita al revés junto al inglés AS. (Como). En otra obra ABANS, escrita inversa y también HERE(Aquí)

    El conjunto de las obras y esos mensajes crípticos parecen que quieran destacar el momento adecuado para un cambio, para una acción. Un gran cuadrado negro sobre fondo blanco acoge la mirada del espectador hacia la pared. Downsbrough sabe que las principales inquietudes  humanas se encuentran en las nociones de espacio, tiempo y recorrido.

     En este caso la radicalidad del contraste ENTRE el color blanco y el negro parece reclamar un posicionamiento, como son dos colores opuestos, obligan a que el espectador desplace  y escoja pues las cosas son blancas o negras. Entonces, si el espectador se encuentra aludido o comprometido a escoger territorio, es que acaso ¿Se trata de una revolución? ¿De un encuentro? CON QUE, CON QUIEN.

   En una de las siete hojas cuadriculadas, el visitante encuentra una respuesta a los interrogantes. Un dibujo que parece fragmentado y las dos últimas palabras que le obligan a dejar de interpretar: AQUÍ, AHORA.

 

 

 

 Documental publicado en el nº 489(2.11.2011) del suplemento Cultura´s de LaVanguardia.

Isidre Manils.1948    Pintor nacido en Mollet del Vallès. Vive y trabaja en Sabadell. Ha hecho numerosas exposiciones individuales en galerías de Madrid , Barcelona y Castelló. Su obra se encuentra representada en las Fundaciones Suñol y Vila Casas y otros coleccionistas privados. Presente en numerosas ediciones de ARCO Madrid. En el año 2008  el Museo de Sabadell  y el Museo de Mollet conjuntamente le hicieron una exposición retrospectiva: Isidre Manils. Cine Ateneo.   Cine y Pintura. 

La frase preferida de Isidre Manils es :"le debo más a Hitchcock  que a Picasso". Su formación cinematográfica ha ido paralela a su pintura y por esta razón la exposición que revisaba por primera vez la totalidad de su trabajo se llamó: Cine Ateneo.(2008) Ese era el nombre del cine familiar de Mollet donde se forjó el imaginario de este artista. Ozu, Lynch o Syberberg son inspiradores de este gran mural de veinte y tres metros de largo por dos sesenta metros de ancho y que ocupaba la totalidad de una de las paredes de la sala del museo. La reciente exposición en  Caixa Forum :"El efecto del cine. Ilusión, realidad e imagen en movimiento. Realismo" ha puesto de manifiesto la deuda entre los dos géneros. Estos cuadros de medidas variables con el acontecimiento de su elección, al verlos unos junto a los otros han generado su propia película bajo la mirada sorprendida del artista. Este megapalíndromo visual permite mirar la secuencia en diversas direcciones tal y como exige la poética situacionista. Actualmente Isidre Manils está explorando la incorporación de la mirada tridimensional que  aplicada a su pintura las convierten en auténticas holografías plásticas.

          

La Galería Alegría abrió en Diciembre del 2010, es una realidad de 12 metros cuadrados en la calle Consell de Cent, la calle de las galerías importantes de Barcelona  que ha impulsado Sebastian Rosselló con una filosofía e ingenio propias de un artista. Ocupa uno de los espacios interiores de una antigua fábrica de  muñecas de porcelana. Alrededor de la gran chimenea de ladrillo  hay un patio y un ficus gigantesco que nace de una pequeña maceta. En los estudios que hay allí conviven diferentes artistas y creadores dedicados a  actividades diversas. 

 

 

 

    Ese ficus me hizo pensar en el sentido de este proyecto galerístico , un pequeño territorio capaz de arraigar con fuerza, echar raíces y elevarse con fuerza hacia el exterior. La filosofía propuesta es :

dar cobertura y difundir el trabajo de artistas -emergentes y no tan emergentes-, que destacan por tener una actitud libre, generosa y desafiante&.En la GALERIA ALEGRIA se pueda disfrutar de una programación muy particular y esperamos satisfacer al público que busca en el arte contemporáneo, un espacio para la reflexión sin tener que renunciar a una plasticidad sin complejos y por supuesto, al sentido del humor.

   

 La nómina de los artistas expuestos hasta hoy  va creciendo y en poco tiempo lo han hecho : Ruben Garzas, Sinead Spelman, Pablo Morata, Pablo Milicua , Ferran Blanco, Roger Casas, Juan Escudero, José Ramón Ais, Paloma Blanco, Stella Vine, Agustí Garcia, Carmen de Ayora y hoy ha inaugurado Clemente Benito.  (Fontellas, Navarra 1918)      

 

 

CLEMENTE BENITO :CUERPO Y MENTE. 

 

    Filósofos , teólogos y científicos se han empeñado en demostrar la relación que existe entre cuerpo y mente .  Creo que no se puede añadir nada más a todo lo que hasta ahora se ha estudiado, pero cuando ví las obras de Clemente Benito pensé que era necesaria una modesta contribución al tema.

 

   Clemente Benito tiene 93 años y desde que se levanta, a eso de las diez, hasta que se acuesta, a eso de las 11, no deja de recortar con esmero, sin que el pulso le tiemble, todo tipo de cuerpo de mujer. No escoge cuerpos deteriorados por el tiempo, ni malformados, escoge los más bellos. Rostros maquillados,nalgas, brazos, piernas inacabables, el límite del encuentro con el pubis que nunca enseña, o culos prominentes son el objetivo de su arte de cisoria. Sus tijeras trocean cuerpos sin parar, pero no para destruirlos sino para ensalzarlos. Son cuerpos que cuando se entremezclan ordenados reposan majestuosamente sobre la superficie del papel "kraft" marrón de 1 metro por 1 metro. Estos cuerpos van acompañados, aunque en menor medida de referencias a personajes de actualidad, sean políticos o personajes mediáticos. Pero, eso sí, siempre domina en el conjunto la belleza de unas pieles sensuales, frescas, lozanas y perfumadas.

     El resultado es un "collage" que bien podría haber hecho un quinceañero con dotes artísticas, extrema sensibilidad y destreza. La composición de colores y formas son extraordinarias, en ellas domina un gusto entre ingenuo y virtuoso.    Mientras veo como trabaja, pienso que él, aunque se cuida, es una clara manifestación del tiempo que pasa y pasará en todos nosotros. Nadie escapa al gran escultor. Él, es una evidencia de una dualidad inevitable y es que mientras el cuerpo va cayendo en las garras poderosas del tiempo que pasa, la mente se resiste ,no envejece, va por otro sendero y hace bueno el dicho de espíritu joven. Cualquier edad es propicia para que la mente se disocie de su lastre.  

 Keith Richards es uno de los más feroces músicos de los Rolling Stone. El tiempo y las drogas han dejado duras  huellas en todo su cuerpo, pero  cuando el "body" ya envejece y va directo hacia el ocaso, en su interior , en su mente sueña con ser bibliotecario.    El músico más oscuro del grupo, autor de muchas de sus canciones confiesa en su última biografía su amor por los libros. El cuerpo le pidió inhalar las cenizas de su padre mezcladas con cocaína, pero en su interior, su mente real es la de un ordenado, pulcro, sistemático bibliotecario inglés.     Keith Richard sueña al final de sus días realizar su pasión  e incluso se ha planteado recibir formación profesional para gestionar los libros que tiene en sus casas en Inglaterra y Estados Unidos. Es más, su dulce amor al libro le llevó, en mayo de 2006,  a sufrir un accidente mientras estaba en su biblioteca. Cuando intentaba llegar a los libros de las estanterías superiores, cayó y se dió un golpe en la cabeza, a los pocos  días al notar un dolor intenso, como consecuencia de la caída, le tuvieron que operar de la fractura de cráneo en Nueva Zelanda.   

 

    Y, es que cuando la mente se pone a la labor, como hace Clemente Benito, deja a mil kilómetros de distancia el despojo del cuerpo que ya no sirve más que para darnos la apariencia de que aun somos humanos y no asustar a la gente.  En él, aunque se mantiene con buen aspecto y peina con delicadeza su lacia cabellera blanca, dentro, en su interior, poseído por un ángel  o un demonio, la mente o eso que algunos  llaman espíritu, sigue campando a sus anchas.      Uno de los lastres del arte contemporáneo ha sido la aparición, con fuerza inusitada, de la expresión: artista joven que, a menudo, va acompañada de otra no menos hiriente, para uno que ya tiene una edad, que es la de joven crítico emergente. Lo que es indudable es que a menudo, el arte joven lo compra  un señor viejo y ahí nadie dice nada. Ahora, es el momento de la inversión térmica y acabar con ese tópico que marca  la dictadura epocal.

     Por eso celebro este proyecto de la galería "Alegría" que sin prejuicio alguno, anima a que los jóvenes acepten y admiren el arte de Clemente benito, de este artista sin edad que parece algo mayor por fuera y que es un "teenager"

por dentro.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

De la serie  CRONICAS MUNDANAS.

  

                                    

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia nº 486 (12-10-2011) 

Pintura del todo

Vicenç Viaplana Tot el que tenim GALERÍA CARLES TACHÉ BARCELONA Consell de Cent, 290 Tel. 93-487-88-36 www. carlestache. com Hasta el 18 de noviembre  JESÚS MARTÍNEZ CLARÀ

   En la nueva exposición de Vicenç Viaplana he encontrado repetida tres veces la palabra TODO. Una en el título de un vídeo del 2009, otra en el rótulo de la exposición Todo lo que tenemos y la tercera, De donde viene todo,en el magnífico texto que Carles Hac Mor ha escrito para el libro-catálogo de la exposición. La rotundidad, la mención a lo absoluto se encuentra contenida en esta palabra redonda. TOT.

La totalidad es la manera laica de mencionar a Dios. Los teólogos cristianos habían llegado a la conclusión de que la divinidad es espacio puro. El espacio es vacío y en él habita el TODO.

Del cultivo delicado de esa paradoja nacen las mejores obras de Vicenç Viaplana. En el vídeo que he mencionado, se puede ver al artista contemplando el vacío, tal como en Caminante contemplando un mar de nubes (1818) de C. D. Friedrich.

Cartografía emocional,Atravesar el vacío y Excursión por la incertidumbre son títulos que Vicenç Viaplana ha puesto a tres de sus series pictóricas. Parece que con estos tres títulos nos indica que pueda existir un mapa del absoluto, una guía para atravesar el vacío y que ese es un paseo por la incertidumbre. Tal como insinúan estas obras podemos pasear por el absoluto, o si no nos atrevemos a hacerlo, como mínimo debemos contemplarlo.

En el vídeo colgado en la red de redes http:// vimeo. com/ 29216532 se puede ver como el artista ejecuta una de sus obras expuestas. Al inicio las manchas azarosas de pintura en el suelo aluden a lo no-formado. Al caos del inicio. Un mapa azul de la ciudad de Kioto junto alguna foto de juventud en la que queda plasmada la versatilidad de Viaplana, que siempre ha cultivado las performances, vídeos, acciones y pintura. La sonoridad intensa de una obertura indica el inicio de la creación del cuadro. El lugar es exterior y luminoso. Viaplana contempla serenamente la tela en blanco absoluto. De repente: la acción. El énfasis musical anuncia el inicio.

Varios giros en el espacio con la tela hacen que la pintura empiece a desparramarse aleatoriamente en varias direcciones. Distribuye la pintura con las manos, vuelve a manchar, vuelve a girar como un derviche con la tela sobre sí mismo. Los magmas lechosos la fecundan. A veces con rapidez, de repente lentamente, se detiene. El cuadro en vertical o en horizontal. Se insinúa el perímetro de un círculo astral y vuelve a mirar, admirado de lo que surge y desconoce. Mientras el sol produce destellos entre las hojas de un árbol cercano. Micro manchas intencionadas crean un mapa estelado. La luz no le parece suficiente y la tela regresa al interior del estudio, allí el artista ejerce su voluntad, interviene decidido con pinceles muy finos y gruesos, pinta líneas y círculos. Al final el artista reposa, se sienta en una silla Mies y contempla. De esa coreografía pictórica va surgiendo el orden. Así lo he visto. Loa al demiurgo.  

 

                 

 

                  Excursio per la incertessa nº 2 2010 .200x180 Acrilic s Tela

 XAVIER BARTUMEUS: PINTURA ORACULAR.

 

   Xavier Bartumeus, Daniel Berdala, Antònia Cortijos, Ramón de Jesús y Toni Riera  son miembros de la resistencia. La Résistance  supuso  freno a la tendencia dominante del nazismo en Francia, pero la de ellos es una lucha constante contra la dominación imperativa de las corrientes de moda. Estos artistas quieren hacer prevalecer los valores de la pintura y los recursos pictóricos del arte como valor absoluto frente a otras tendencias icónicas basadas en la imagen socio-ecologista, de archivismo documental o de los excesos de  conceptualización.

 

      Dado que en Barcelona no hay un Saatchi protector de este tipo de tendencias figurativas se han tenido que organizar y tienen un lugar de encuentro, se llama La Mirada Expandida. Una galería situada en la picassiana calle d´Avinyo, 46.

   Estos días, uno de los principales "cabecillas" de esta banda de resistentes expone su obra,  se llama Xavier Bartumeus.

    En las fotografías que le ha hecho J.L.Pardina Berroy, observo que este artista se representa a sí mismo a través de múltiples máscaras, todas verdaderas, todas falsas. Pero, entre  las imágenes que he visto de Xavier Bartumeus, me llama la atención la de un autorretrato muy divulgado por él mismo para presentarse ante el mundo. 

                                                                    

 

                                             

 

    

                                                                        

 ¡Qué extraña imagen, la de un pintor, que se restriega los ojos y se resiste a la mirada!

     La negación aparece nuevamente en el autorretrato de un pintor indolente y melancólico, con un pincel apenas sostenido entre las manos. Parece que quiere pintar. La sensación de cansancio no es física. Hay un sutil aroma de incensario en combustión, de almizcle que nos recuerda el carácter sagrado de la pintura. Una sacralidad laica si es que eso puede ser, en la que el artista desnudo, tan solo conserva una pulsera en el brazo izquierdo. Su actitud es  sacrificial.

                                                  

 

    En estos cuadros "el otro " aparece metamorfoseado, travestido, en la figura femenina o en la modelo. Los cuadros inacabados, la mirada sobre la modelo mientras apura un cigarrillo refuerzan esta sensación de sutil abandono .

              

 

  En el cuadro titulado "La Huella", la persona representada muestra una serenidad lasciva. Estruja los tubos de pintura sin pasión. Mirando como se desparraman en lenta eyaculación. Hay una mano que no vemos. Oigo que alguien  cercano le pregunta:¿eres tú? Queda demostrada la andrógina sensación, las máscaras que nos ofrece el pintor de sí mismo.

                                        

 

 

 

   Otros cuadros de Xavier Bartumeus son alusivos a valores humanos en recesión o decadencia. La imagen del otro saca al pintor de su ensimismamiento. Ernesto Sábato, como otros muchos escritores, ha señalado el sentimiento de profunda soledad existencial del sujeto contemporáneo. Y escribe: «la cercanía con la presencia humana nos sacude, nos alienta, comprendemos que es el otro el que siempre nos salva»

   En ese encuentro con la vida surge el factor humano, y lo humano, demasiado humano, genera "buena conducta o  celos que son los títulos de dos de sus cuadros.

    Creo que Xavier Bartumeus, ahora si, abre los ojos y mira estas flaquezas humanas desde otro lugar, les agrega otra dimensión a través de su pintura. Pintando aspectos inmediatos de la vida, exorciza las cosas que le afectan profundamente y conoce por ende el destino de los seres vivientes, como se originaron, como son, y como terminaran. La persona oscila constantemente entre el bien y el mal .Quizá esta interviniendo en una situación, conjurando el destino de los otros, cuando pinta unos jóvenes sometidos al infierno de los celos que ,como es propio, afecta siempre a tres.

    

 

 

 

    Xavier Bartumeus hace de la pintura un arte adivinatorio, la adivinación, lo oracular se encuentra encarnado en los grandes artistas. De esta manera el creador se convierte en un benefactor, en un consejero. El artista perfilado de este modo revela lo que nos pasa y nos sucederá. También el artista oracular da consejos, reflexiona sobre la ira, los celos, el dolor.

     Xavier Bartumeus lo hace con facilidad como el que no hace nada, muchas veces divirtiendo y bajo la estrategia del bufón. El bufón es el único que podía besar a la reina sin que le cortaran la cabeza y lo hacía entre bromas y veras. A través de la picardía, la astucia inteligente y utilizando las herramientas de la pintura consigue acceder al territorio secreto. Esa tierra ignota donde habita el destino.

  Este pintor parece como si hubiera estado presente el día del reparto de los atributos y de los defectos del ser humano, sabe profundizar en ellos de modo extraño. Tiene un don oracular que ejerce a través de la pintura.

             

 

 

              

 

             

 

Yamandú Canosa: el árbol de los frutos diferentes.

 

 

 

 

 

  

 

                                                           

                                              

Los frutos iguales.

     Durante cinco meses ha estado expuesta la obra de Yamandú Canosa en  la Fundació Suñol de Barcelona ( del 7 de Abril al 10 de Septiembre).  Durante este tiempo los visitantes han podido ver el resultado del trabajo de veinte años.(1992-2011) . El lector atento habrá advertido un quiebro inicial en el título. No parece que tenga mérito observar que un árbol dé frutos iguales, lo sorprendente sería que fueran diferentes. Ese era el título original de la exposición.

 

Variando la diferencia a favor de la identidad he puesto de relieve la gran coherencia conceptual y estética que caracteriza el trabajo de este artista. El desafío de Yamandú ha sido navegar siempre por el mismo río. Una de las constantes iconográficas en su obra  es la presencia de una canoa con dos personajes que a menudo reman juntos y otras entran en conflicto es así en:  Malstrom I de 1997 , en Gran psico C,1998 , en  Cenital 1998 y en El puente 2005.

 

 Coincidiendo con las fechas de la exposición hablaba con mi amigo José Luis Guerin sobre las películas que han marcado nuestra infancia: yo le dije sin dudar "Los cinco mil dedos del Dr. T " de Roy Rowland  y él a cambio, me descubrió "La noche de cazador" la única película que hizo Charles Laughton. Mirando algunas obras  de Yamandú he tenido la misma sensación que tenían esos dos niños en la canoa descendiendo río abajo, con el agua cerca de la barca escondiendo un mundo subterráneo y bajo la amenaza  que en cualquier momento, apareciera la imagen del mal, encarnada en ese predicador que llevaba tatuados en una mano la palabra amor y en la otro odio.

 

    La obra de Yamandú polariza esos dos estados de la conciencia. En la canoa de Maelstrom I la placida navegación está amenazada por el gran poder destructor de un torbellino capaz de tragar buques enteros. El topónimo maelstrom deriva de la palabra compuesta neerlandesa malen (triturar) y stroom (corriente), es decir: «corriente trituradora»

     Esa dualidad conlleva inevitablemente a la segunda constante de su trabajo que ha sido suficientemente reseñada por su exégeta Martí Peran en el catálogo y destacada por  Teresa Sesé y Violant Porcel en La Vanguardia, me refiero a la linea "h" . La línea  del horizonte visual que parece dividir el espacio en dos mitades simétricas a la altura de los ojos del espectador. Esa línea puede ser también la línea de flotación que siempre esconde una realidad oculta que no vemos.

El hermetismo de su obra viene sobre todo de la mano de las palabras. Las obras de principios de los años 90 como H-131  o  H-403. Acrílicos sobre fotografía o tela o la de 2005 "Hay Lugar/ No ha lugar " Oleo s/tela convierten las palabras en reverberaciones que van directamente al imaginario del espectador. Cada palabra pintada genera una imagen y cada imagen sugiere una palabra.

 

   Yamandú Canosa es un artista a- epocal. Su trabajo está tan bien recepcionado por la inteligencia conceptual  de Barcelona que reconoce el alto valor de contemporaneidad de su obra, como por pintores de su generación que  lo respetan y consideran. Por estas razones y una vez acabada esta exposición, la canoa de Yamandú sigue navegando por el río, sorteando obstáculos hacia arriba, buscando las fuentes del origen o el escondido lugar donde vive el coronel Kurtz.

 

                   

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia nº 483 21-09-2011

             "Around the Circle" 

  

Superpositions 92-2 1992-2011 
3.00 x 2.13 m vinilo , grafito y cuerda sobre tela

 

                     

 

Deux Cercle 7-11 2011
 41 x 32 cm  vinilo , grafito sobre papel/tela

                         

 

Une Goutte 1 1995 116 x 81 cm vinilo, grafito sobre tela

HORIZONTE ENTRE BLANCO Y NEGRO.

     La Galería Horizon de Colera (Girona) cumple veinte años. La madurez del proyecto se constata al comprobar que ha creado un estilo riguroso, abstracto,  austero, hecho del dialogo entre opuestos, entre blanco y negro que  otorga a sus exposiciones actuales una dimensión estética que considero cercana a la sensibilidad oriental.           En su caso, eso que llamamos la "línea de la galería" no es otra cosa que la proyección estética de las inquietudes  creativas de  Silvie y Ralph Bernabei, por eso, cada nueva exposición es un claro reflejo del momento artístico en el que ellos mismos se encuentran.   

Cuando el año pasado presentaron el último número de la revista "Outer horizons"  de arte y filosofía en el Hotel  Belvédère du Rayon Vert en Cerbère,  ví que  la portada creada por Peter Downsbrough  era un manifiesto visual de la galería. Me refiero al sutil espacio que separa el horizonte ENTRE el blanco  y el negro. Las obras de los artistas de la galería y las imágenes de la revista en la que colaboran Edvard Lieber, Gabriel, Enric Ansesa, Juan Bufill, Vicenç Viaplana Peter Downsbrough y las del propio Ralph Bernabei, son obras que exploran los límites de esos dos no-colores y de modo muy especial las cualidades de lo oscuro.   

  Este verano se ha confirmado  esta tendencia de la galería a través de las obras que nos han propuesto en tres magníficas  exposiciones de Lluis Vilá, Takesada Matsutani y la tradicional colectiva de Septiembre.   

  Takesada Matsutani(1937) nacido en Osaka y afincado en París , aborda en su actual  "Around the circle"  dos de las cuestiones más importantes de la expresión plástica: la saturación del negro en diálogo con sus opuestos y el poder del círculo.      Matsutani pasó seis años trabajando en su taller de grabado, descubriendo la riqueza del color negro que ha dominado en su obra pictórica desde entonces. Sus estudios de la pintura tradicional japonesa y la técnica de pigmento y cola de hueso han derivado hacia el uso actual de la cola vinílica y el grafito.     

  Matsutani combina la inquietud espiritual y las "performances" que definían al Grupo Gutai, -al que perteneció cuando en 1959, Sadamasa Motonaga le puso en contacto con ellos -junto a los espacios propios de la pintura y la litografía tradicional. Sus obras de viscosidad variable incorporan el relieve de la materia que utiliza a través de pliegues  densos y untuosos que  descienden por la tela como ampollas volcánicas movidas por la fuerza de la gravedad.

     El círculo es un elemento emblemático del arte japonés, pero Matsutani no lo trata como hacen los calígrafos clásicos apelando a la fuerza del gesto sino creando esos relieves sutiles, insistidos al máximo detalle que generan una sensación de ocupación total y oscura del espacio. Frente al tópico espacio blanco vacío, Matsutani vacía a través de la plenitud de un negro absoluto.    Una sensación de noble silencio recorre la sala en la que aun se pueden ver los restos de la "performance" inaugural. La noción de estar dentro o fuera del círculo aparecen de inmediato, haciendo hablar al espacio. 

    

  Priorato románico de Marcevol . Siglo XII (1.129)  Arboussols.

 

 

 

EL SOMNI DE LES PEDRES DE MARIA LUCAS .

gyotaku sobre papel Inshu Washi Mitsumata de Aoya.Tottori

 

 . "Qui-Dort-meurt" de Anna Comellas

 

 

 

1. En el año 1.100 tan sólo veintinueve  años antes de la construcción del Priorato de Marcevol vivió en  China, Mi Fu, un maestro del arte de la caligrafía. Un día se vistió con las mejores ropas de ceremonia y delante de todos llamó a una piedra que estaba en el jardín de su casa como "Gran Hermano" y algunos dicen que la abrazó. Mi Fu, nos enseñó con este gesto a sentirnos como si todos fuéramos un poco de la misma naturaleza que las piedras.

 

2. La fuerza de las piedras en Marcevol, su presencia lítica, firme y fundadora han generado un paisaje singular donde la arquitectura sagrada de la iglesia convive con las modestas construcciones de los orris  de los pastores.

 

3. Por estos lugares, las piedras están por todas parte desde hace siglos. Sébastien Le Prestre de Vauban transformó esta parte tan hermosa de los Pirineos Orientales, en la región más protegida y fortificada de Francia. Aquí, la idea de seguridad y resistencia ha adquirido, con el tiempo, la imagen de una belleza abrupta y fascinante, provocada por el diálogo sublime entre la construcción arquitectónica y la magnitud elevada de las cumbres de las montañas.

 

4. En las obras de Anna Comellas y Maria Lucas que vemos aquí, se pone de relieve, un contraste entre dos cosas: por un lado la incertidumbre (incertum) del deseo que se quiere representar de forma intensa y viva que es ligero como el papel o la imagen, que se huidiza como el sueño, y

 

5. Por el otro, el contraste con la verdadera realidad hecha de decisiones concretas, de voluntades construidas con la solidez de las piedras y la inteligencia de la arquitectura y los constructores de Marcevol.

 

6. Esta exposición refuerza esta dualidad y quiere crear un espacio dual entre el dentro y el fuera. El espacio en el que nos encontramos, era el espacio de lo sagrado. Fuera las tinieblas, dentro la luz.

 

7. La mirada está llena de paradojas. Sólo aquello que contemplamos toma realidad. Es como un juego de magia. La realidad desaparece y se hace presente el arte, en este caso las piedras del "orri" de los pastores o los muros de la iglesia son sustituidos por estas obras. ¿Dónde está la verdad?

 

8. "Qui-Dort-meurt" de Anna Comellas nos recuerda que la vida y la naturaleza discurre en el exterior del orri y este contraste entre el interior y el exterior que la deslumbra es para ella, una metáfora del sueño, la imaginación y la escapada, en contraposición a la vida real. Esto ha generado una pintura de gran formato donde las imágenes en la oscuridad sean difícilmente distinguibles.

 

9. María Lucas en "El sueño de las piedras" ha dado al papel japonés una función similar. El papel japonés contiene también esta condición de ser tan frágil como los sueños y tan dúctil que se puede cortar con agua, pero a la vez las fibras interiores permiten la solidificación de los materiales más resistentes.

 

10.Las piedras luminosas y firmes del exterior han sido llevadas hacia el interior, colocadas en el ábside de la iglesia se vuelven un sueño sacralizado pierden solidez y se hacen evanescentes, móviles y ligeras.

    

11. Estas obras, nos recuerdan que los castillos, las catedrales, o las modestas cabañas de pastor saben que aunque proclamen su resistencia de piedra y su fortaleza, no son más que humo en el tiempo.

 

Jesús Martínez Clarà

 

ANGELS RIBE EN EL MACBA/ EN EL LABERINT

 

                                               

 

                              

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s  de  LaVanguardia. nº 482  14-09-2011

                                                                  ¿PARA QUE SIRVE EL ARTE.?

  

    Quince años de trabajo han sido suficientes para que Angels Ribé haya pasado a la historia del arte contemporáneo y se la relacione con los grandes nombres de los años "70" como Vito Acconci o Dennis Oppenheim. Pero a diferencia de estos, en ella, se encuentra el misterio de sus tránsitos, de sus desapariciones, de sus progresos y regresos. 

 

     "En el laberinto" se exponen las obras hechas entre 1969 y 1984, durante estos años tejió el hilo de Ariadna que le ha permitido acercarse a la auténtica naturaleza de lo artístico y llegar al centro de su laberinto vital y salir de  él.(1969). En ese centro imaginario encontró tres claves bien guardadas: la relación del arte con la naturaleza, la utilización de su cuerpo como medida y un diálogo perceptivo con las "Geometrías Invisibles" (1973). Una geometría emocional desarrollada a partir de su viaje iniciático a Paris en 1966, donde conoció las teorías sobre la Forma de Piotr Kowalski que influyeron en sus primeras obras. El gusto por la forma le permitió cargar sus propuestas de complejos conceptualismos, sin perder emoción, ni eficacia estética. Aspectos que siempre le han acompañado. Luego vino Chicago, Nueva York , ahora el reconocimiento del Macba y una pequeña exposición en el número  25 de la calle Valldonzella.

 

       Angels Ribé se propuso, desde sus primeras "acciones " demostrar que el arte  es "un "esfuerzo contra una resistencia", que es una actitud que no cesa, que es una fuerza continua , a menudo tan inmaterial como el aire de un ventilador  lanzado contra una plomada. A veces tan infructuosos como saltar ,una y otra vez, para alcanza el vértice de un triangulo virtual.(1978). Un trabajo constante pero muy frágil, como es la propia materia de su obra: la espuma, la luz, la sombra o la presión sanguínea, tal como se manifiestan en "Intersección de luz" (1969) o "Transporte de un rayo de luz" (1972). Estas obras delicadas, quebradizas o efímeras  nos proponen profundas paradojas, son micro explosiones  que despiertan la conciencia como la interacción de un ventilador en la naturaleza(1973) o una bombilla encendida a pleno sol(1973) 

   

Todas las obras de A.Ribé, más allá del concepto y su poder formal, son un manifiesto, un programa útil que proclama al arte como método de conocimiento y transformación moral. Veo sus propuestas como consejos que indican al espectador atento, todo lo necesario para una auténtica evolución de la conciencia.

 

     Para conseguir este logro, realiza diversas acciones y prodigios. En una primera proposición nos muestra la importancia de los sentidos que nos acercan a la realidad, así, las posiciones  de las manos  verifican la dilatación de las venas debido a la gravedad, o bien se cuenta "mantricamente" una y otra vez los dedos:"Counting my fingers"(1977).Siempre parte de la experiencia perceptiva-sensorial de su cuerpo: visión, oído, tacto, espacio y puntos cardinales (Chicago 1974), acumula e integra, asocia, contrapone (1973) y constata la presencia evanescente de los objetos inmateriales(1974).

 

      En segundo lugar nos propone un arte que acepta lo efímero y el vacío como condición, tal como sucede en "Intersecció de llum, Intersecció de pluja e Intersecció d'onada (1969) y constata que  los cambios  son aspectos  inevitables del ser, aunque este anhele la quietud.

En tercer lugar la importancia de la atención extrema a los pequeños detalles ornamentales de la realidad recogidos con precisión absoluta: "The unrelated object(1979).  La cuarta propuesta nos recuerda la necesaria adaptación a las circunstancias de cada momento para ser conscientes del momento en que vivimos e ir de modo natural hacia adelante: "Can´t Go Home(1977)

    La quinta proposición es que en las idas y los regresos, en ese ir y venir  por el puente de Williamsburg,   "Two Main Subjective Points on an Objective Trajectory " (1975), debe existir un punto de vista estable y objetivo que no rechace el hallazgo inesperado o  la acción súbita. Estas cinco condiciones transforman la actitud, la mente y el corazón. Para eso sirve el arte.        

 

 

Queridos amigos: La primera idea de esta Massana Conexión fue la sorpresa  de reencontrarme con antiguos alumnos con motivo de la presentación de mi libro que está dedicado a todos aquellos que perseveran en la causa del arte.

 Ahora con el ánimo más frío,  veo que lo bueno de esta Massana Conexión es que se puede convertir en una especie de "mini-linkedin" de profesionales de las artes plásticas y del diseño que tienen en común  la experiencia de haberse formado o vivido  unos años  en la Escola  Massana de Barcelona. La finalidad no es solo recuperar viejas amistades y recordar, aunque también, si no facilitar información, experiencias, logros y fracasos entre todos nosotros. En principio, el reconocimiento generacional facilita las cosas y he calculado el período en el que yo, como profesor, puedo llegar a recordar nombres o caras de antiguos alumnos, no tanto para hacer una operación de nostalgia sino para darle un tono de transmisión de experiencias en el campo del arte o del diseño desde 1980 hasta hoy. Es obvio que no estarán todos los que han pasado por aquí, ni aquellos que no sean dados a eso de las redes sociales, aunque todos más o menos ,disponemos de un mail , una web o una paloma mensajera.Me gustaría que estuvierais todos aquellos que  conservéis el germen de la creación artística. Además, la finalidad es sacar provecho de las respectivas experiencias, webs, mails, asociaciones y ¿porque no? algún empujoncito profesional entre vosotros.

 En este blog profesional ya he empezado a poner webs de profesores o artistas que reconozco como vinculados a la escola Massana, poco a poco se puede ir ampliando la lista a todos los que no están.

  Caso práctico: Xurí Anzizu, también conocido como Xurí Medusa hizo, siendo un jovencísimo y entusiasmado artista  unas piezas escultóricas de madera más que interesantes, luego las dejó por ahí ,yo las recogí  y se dedicó a otras "cosas", entre ellas la música. Las he conservado y ahora, él puede recuperarlas y quizá recrear viejas ideas o acabar trabajos. Es así de simple. La mirada hacia atrás solo sirve para dar un nuevo empujón hacia delante.