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ROBIN RHODE :VERDAD , APARIENCIA y  LAS NEURONAS ESPEJO EN EL ARTE.-

 

  Wheel of Steel by Robin Rhode

 

 

He observado que últimamente algunos artistas como Robin Rhode , Matthew Buckingham o  los de aquí:  Tere Recarens, Begoña Egurbide en su obra "Pandora´s" e incluso Quim Monzó en el cartel anunciador de la exposición de Santa Mónica que están recuperando una antigua inquietud, propia de los inicios del "optical art" e incorporan fenómenos y efectos visuales a sus obras. Cosas sencillas , que no tienen que ver con los trucos digitales del 3D,como una imagen que cambia cuando el espectador pasa frente a ellas o cosas así: engaños a la mirada. Parece que hay  una inquietud perceptiva que cada vez va a más como corresponde a una época dominada por la visión que coincide con otra inquietud de signo científico: las neuronas espejo.

   Tengo dos amigos, Daniel y Antonio que hace tiempo me vienen hablando de las neuronas espejo. Según me han explicado, parece ser que los humanos tenemos una facultad innata para imitar  los gestos ,las palabras y las actitudes  de los otros que  es muy útil, tanto para conocer como para reconocernos. Las neuronas del individuo imitan como si la reflejaran, la acción de los otros: así, el observador  realiza lo mismo que el observado, de ahí su nombre de "espejo".  Lo más parecido  a este fenómeno lo he encontrado en la cultura tradicional del Japón donde incluso hay una expresión que lo indica es "Mitori Geiko" que se podría traducir como aprender mirando atentamente y en consecuencia imitando los gestos de quien te enseña. Este efecto se encuentra también en los "bebés" , he podido comprobar que sacan la lengua si tu se la sacas o sonríen cuando tu sonríes. Según leo en una entrevista realizada a  Giacomo Rizzolatti, de la Universidad de Parma (Italia), el descubrimiento se produjo cuando él, estaba estudiando el cerebro de monos y descubrió que las células cerebrales no sólo se encendían cuando el animal ejecutaba ciertos movimientos sino que, simplemente con contemplar a otros hacerlo, también se activaban. Se les llamó neuronas espejo o especulares. En una entrevista concedida en Madrid con motivo de su participación en el simposio: "El Sustrato de la Sociedad del Conocimiento: El Cerebro. Avances Recientes en Neurociencia" ,decía que : El sistema de espejo permite hacer propias las acciones, sensaciones y emociones de los demás. Eso es de gran  trascendencia para la ciencia" y que "La visión es la que proporciona el vínculo para comprender a los demás".

     Cuando me lo explicaron y leí esto me vinieron a la cabeza varias reflexiones de signo estético. Una es  la importancia que se ha dado desde Aristóteles a la imitación, a la mímesis como fin último del arte. Según esto, y extremando el argumento de la mímesis bajo la óptica de las neuronas espejo, al considerar un árbol, un pájaro o un mono como similares, el pintor que imita la naturaleza, la acabaría comprendiendo, formando parte de ella. Siguiendo este hilo, aparece el segundo fenómeno muy ligado a las neuronas espejo y que me preocupa desde mis primeras  incursiones en el alma romántica, un aspecto que me preucupó a partir de las famosa figuras  de G.D. Friedrich que dan la espalda al espectador pero no con rechazo sino indicando complicidad, un fenómeno" que T . Lipps estudió cumplidamente en dos sendos volúmenes traducidos al español en 1928 : "Los Fundamentos de la Estética"  en los  que estableció los principios de la  "Einfhülung"  palabra que fue traducida como" "sentir en o con" , también como: " proyección sentimental" , una proyección de sentimientos hacia lo otro. Dicho en lenguaje contemporáneo: la empatía.

     El fenómeno empático es una condición imprescindible del conocimiento. La empatía para Rizzolatti es una consecuencia del sistema de espejo, es decir te coloca en el lugar del otro. Te permite comunicar a un nivel no racional pero si muy sentimental. Worringer escribió "Abstracción y Naturaleza en 1908 , un libro de cabecera para cualquier estudiante de arte y que  algunos lo tradujeron por abstracción y empatía. En él, el autor está convencido que su libro tiene su origen en un día en que pasó junto a él ,en medio de una sala vacía del Trocadero, el afamado filósofo y crítico berlinés George Simmel&"y respiro la misma atmósfera"&pasados los años el filósofo fue el primero en reaccionar al contenido de Abstracción y Naturaleza(Empatía) con una llamada espontánea y sorprendente."

Estos fenómenos de índole psicológica afecta a las personas y a las cosas. Si  tenemos en consideración el carácter especular y su influencia en nuestro comportamiento, como ya he dicho a propósito del diseño, escogeríamos con mucho cuidado nuestros muebles, relojes y teteras , también nuestros amigos y conocidos. Diría que si todo aquello que vemos nos produce un efecto transformativo, la grave responsabilidad social y antropológica de los artistas aumenta en igual proporción.

Por último, diré que el espejo, tal como demostró Jurgis Baltrusaitis en su libro "Le Miroir"(1978) es el camino más directo para poder reflexionar sobre las leyes que actúan sobre la visión, pero también sobre sus mentiras..  El engaño a la percepción a través del teatro catóptrico, como por ejemplo, en la gruta de Tetis en Versalles se ponían los espejos  de tal modo que los motivos decorativos que solo estaban realizados  aparecieran como si estuvieran completos, descubriendo así  grandes posibilidades de engaño al ojo haciendo aparecer un espacio pequeño como algo grande. (Ver Videos). Si, el espejo es una metáfora de la existencia, es un objeto de la verdad, de verificación, pero también la constatación  de que todo es vana apariencia,  engaño y  mentira.Por eso, si deducimos que la realidad que reflejan los espejos es engañosa y las neuronas actúan como tales, podemos decir que a través de ellas verificamos y aprendemos mimeticamente pero también somos engañados en lo que no somos capaces de ver. Las cosas que no vemos que no apreciamos por la visión y que no podemos imitar pero que están ahí, también juegan un papel relevante en nuestra comprensión de la realidad. Un puente eficaz hacia la abstracción pura.

                   

 

 

  

                  

 

 

 

                 

                   Table Tennis by Robin Rhode

 

 

                 

 

                  Keys by Robin Rhode

 

 

     

 

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s  nº 398 del periódico  La Vanguardia de Barcelona 

3 Febrero 2010.

ARTE Y FELICIDAD.

  

Anke Blaue expone su obra reciente en la Galeria Fidel Balaguer de Barcelona con el título genérico de:  " Variaciones sonoras sobre tela". La artista alemana ha buscado ,desde sus comienzos con la escultura en 1993, la poética depuradora de la  abstracción estructural de la forma y un orden riguroso que luego  ha aplicado sobre el plano de la tela. Eso ha culminado en un minimalismo lírico que no es frío, ni mental, sino cálido y de colores vibrantes ya que los tejidos están exquisitamente teñidos y escogidos. Son obras compuestas con trozos de telas en las que el cosido adquiere la dimensión de una sutura simbólica propia del manto tradicional del monje budista que, él mismo, cose con recogida devoción. Aquí todo es de un gusto extraordinario y hay una ajustada proporción de ingredientes: es espiritual , moderna,  conceptual, formal y amable. Anke representa a la perfección, el anhelo de una parte de artistas  que no quieren claudicar de los valores estéticos del arte : calma, armonía y  placer visual  . Todo en esta exposición  nos dice que el logro de la felicidad  es posible  en el arte contemporáneo y eso irrita a muchos.

       Debo reconocer que su obra pone a prueba el argumento que desde estas mismas páginas he mantenido de que el arte es una manifestación del dolor producido por la extrema lucidez y la clarividencia de los artistas. Eso, lo creo firmemente, pero, nunca he descartado el logro de una "feliz llegada" como resultado de un proceso de transformación y Anke Blaue lo ha conseguido.

      Lo ha hecho utilizando, como si las conociera, las leyes de la sinestesia, una noción que ha hecho fortuna en el arte actual , desde que Kandinsky asegurara que pintaba la música.¿ Anke Blaue, oye colores o ve sonidos? Esa, si que es una auténtica inter-activación entre obra y espectador, tal como propone el actual catecismo de lo moderno. La sinestesia permite asociar números, colores y palabras: el color amarillo mimosa al número 7, mientras otros perciben la letra A en el color rojo de garanza. Hay algo mágico en todo esto, es como si el artista tuviera un ojo en la palma de la mano simbolizando el extraño encuentro de dos sentidos: el del tacto y el de la visión. Mientras, una afluencia de murmullos, mantras y notas de guitarra de Thomas Westphalen  cambian profundamente al  espectador que mira: lo hacen más feliz.

 

      Algún exégeta ha asociado la obra de Anke Blaue a la de Rothko; sea por el orden constructivista del espacio, o  por como los colores se encuentran en una frontera imperceptible, o porque ambos han relacionado música y pintura tal como hizo Morton Feldman en la Capilla Rothko . Pero hay una gran diferencia entre ellos y es que si bien ambos tienen una deriva espiritual que les ha llevado a adentrarse en las técnicas de meditación de la lejana tierra oriental; Anke ha cosido su " kesa " con sencillez y ve las cosas como son, sin afectación, ni artificios, ella ha sabido confeccionar el manto de la Atención y de la Compasión. En cambio, Rothko se suicidó en 1970.

         

 

 

  

        

 

 

  

      

 

         

 

 

 

   

       

Perfecta imperfección 

               

     

    En esta exposición, Barbaformosa se propone un ejercicio moral muy arriesgado. Por un lado, quiere respetar la condición de la porcelana y despertar su auténtica naturaleza, su perfecta condición, y, por otro, la quiere someter a la prueba del azar imperfecto, del accidente controlado. La porcelana es una materia femenina que exige un trato delicado. Su tacto es el de la piel blanquecina, el rostro perfecto y una  alegoría de la inocencia. Quien busca palabras en la mujer inmóvil suele encontrar: silencio; quien busca  el  alma  en el interior del jarrón de porcelana encuentra: vacío. La magia del blanco sobre blanco, hace desaparecer cualquier macula, es materia inmaculada y es quebradiza, dura y frágil como el vidrio. La brisa es una sensación inherente a su tacto y desprende luz transparente cuando la miramos. La perfección y la fragilidad del caolín, su estructura, contiene la pureza de la atmósfera en las altas montañas, de donde proviene su nombre, y contiene también la geometría perfecta, la belleza cristalina y rígida de los tetraedros y octaedros que forman las capas hexagonales de su suave superficie. Pero ésta, como toda perfección llevada a su punto más extremo, crea una tensión insoportable. La perfección absoluta niega cualquier posibilidad de emoción, la materia perfecta es incognoscible, es autárquica, puede llegar a ser autista y, si no tuviera el contrapunto de la imperfección, sería fría e inhumana. Por eso, Barbaformosa quiere introducir el caos de lo indeterminado, el azar, y, en definitiva, introducir las imperfecciones de la vida en el espíritu perfecto de la porcelana. Esta acción transformativa la debe hacer sin debilidad, de una manera enérgica, decidida, incluso con acciones manuales un poco violentas, sacudiendo las piezas, rompiendo su perfección simétrica, conseguida con la rueda del torno cuando llega al borde , en la boca, al límite de la pieza de porcelana. Esto explica estos temblores azarosos y las quiebras propias del movimiento convulso. Es evidente que, si es cierto lo que dice Gaston Bachelard, autor preferido de Barbaformosa, en el sentido que somos "pasta primigenia", esta exposición está hablando de la condición humana, de la necesidad de modelar el comportamiento y el ser, como estas obras de porcelana, perfectos en nuestra imperfección.

 

 

 Jesús Martínez-Clarà

 

                  

 

 

 

 

                 

                  

 

 

 

 

 

 

                  

 

 

 

 

 

 

 

 

Artículo publicado en el suplemento CULTURA´S nº 389  del periódico LaVanguardia el día 2.12.09

 

 

 

 

Charles Frèger  ama  a Caravaggio.

 

       Quien insista en distinguir fotografía y pintura, en los tiempos que corren, está sencillamente: equivocado. La fotografía contemporánea ha roto las cadenas que la obligaban a ser una excepción alejada de lo artístico. Loan Nguyen,   Victoria Campillo, o tal como se ha podido ver  en la magnífica exposición "Not for Sale" de la Galería Toni Tápies: Cindy Sherman, Thomas Ruff, Candida Höfer, Elger Esser ,o  como sucede con Charles Frèger, no se sienten deudores de Cappa, de  Avedon, de Cartier-Bresson & no buscan  poses sofisticadas, ni instantáneas bélicas, sino el sentido de la composición, la forma, el color, la sugerencia pictórica de Van Eyck , de Hamilton  o Caravaggio. Le deben más a la pintura que a la tradición fotográfica y el espectador contemporáneo  ya no discrimina, solo mira ,sin importarle nada el  litigio que alimentan los especialistas ,ni se plantea si está ante un lienzo o un cibachrome.

      Charles Freger utiliza el medio fotográfico actúa a través del realismo de sus figuras y sin embargo el resultado es estrictamente plástico. En su primera serie conocida« Pattes blanches » utilizaba la piel blanquecina de los trabajadores de una lechería industrial que le parecían ,según confiesa él mismo, como personajes sacados de cualquier cuadro de la escuela flamenca.

       Para fotografiar a sus personajes crea grupos por afinidades corales: lecheros, soldados, negros, actores de la ópera china y utiliza  un naturalismo extremado sin artificios: si un joven tiene una espinilla se ve , si un anciano tiene una arruga aparece .Sus grupos no son selectos ni elegantes  como los del recientemente fallecido Irving Penn que  fotografiaba, con muy buen gusto, a celebridades de moda. Los sujetos de Frèger  pertenecen a las bases sociales más comunes, la elección de sus modelos se encuentran entre la gente que no suelen tener una presencia brillante que son poco protagonistas de lo social.

        Sin intención de lograr ningún tipo de efectos escénicos, sus proyectos están vacíos de cualquier propósito psicologista. Suele utilizar la estrategia estética de la repetición, de las series y a través de la insistencia en lo mismo, consigue que lo igual y lo diferente se reúnan en un conjunto en el que domina la identidad común: coral. El sujeto desaparece en el  todo, se convierte en un fragmento formal, en una nota de color que Fréger coloca dentro de un conjunto o serie de imágenes. El artista tan solo constata la presencia de unas figuras  para convertirlas en "tesellas" , partes de un gran mosaico de fotografías en las que el tono de los fondos, si están más cerca o más lejos, si las vestiduras son del mismo tono o el ritmo mismo determinan el resultado.

       En definitiva, todas las estrategias plásticas   se ponen al servicio de un mural  pictórico y figurativo hecho de colores diversos o gradaciones buscando un efecto claramente estético en el que  a base de realidad detallada consigue un alto nivel de obra abstracta. Pero ese, es otro cantar.

 

                   

                   Mark Ravenhill

  

 

      Tal como escribí en un post anterior, la semana ha estado marcada por un reencuentro con el movimiento, la danza, el gesto y la palabra. Durante cinco días se ha presentado en un taller del Instituto del  Teatro de Barcelona la  versión que Raimon Àvila ha hecho a partir de la obra Pool(No water) de Mark Ravenhill.  En esta versión se ha aplicado de un modo ejemplar algunos de los fundamentos actorales basados en el movimiento y la conmoción que desde hace años viene trabajando este profesor del Instituto del Teatro y que próximamente se convertirán en un libro que se espera con impaciencia.

 

    La obra trata sobre los limites éticos del uso de materiales delicados, y sobre la legitimidad  de la depredación artística hecha tanto por creadores o críticos. Desde el apropiacionísmo posmoderno los límites han dejado de percibirse como problema y ante este panorama aparecen situaciones que se mueven entre lo conveniente y lo inconveniente que son valores que nunca deben perderse de vista.

 

Tal como se dice en la hoja de mano: "En la era de Internet la creación artística se ha convertido , más que nunca, en un trabajo de rehacer, copiar, transformar o incluso apropiarse de la obra(ola vida) de los demás, con o sin consentimiento. Bill Viola registró en vídeo la muerte de su madre y lo incluyó en el Nantes Triptych. Sophie Calle hizo del  correo electrónico de despedida de uno de sus novios en el motivo central de una exposición,   o bien graba a escondidas la vida de alguien que acaba de conocer y lo convierte, igualmente, en obra de arte . Mientras , Paul Auster utiliza  ala misma Sophie Calle para dar vida a uno de los personajes de su novela Leviatan. Ahora bien,¿ hasta que punto es lícita(o ética) cualquier forma de depredación artística?Piscina (sin agua) trata de un grupo de jóvenes artistas que viven felices creando instalaciones y performances más o menos intrascendentes. De  pronto, uno de ellos triunfa cuando utiliza para  hcer su obra las vendas y los condones de otro que ha muerto de Sida. Finalmente instalado en la fama, el lujo y la riqueza, invita al resto del grupo a bañarse en su piscina."  Los jóvenes estudiantes-interpretes : Marina Barberá, Laura Fité, Catalina Florit, Davis Marcé, Jordi Sanosa, Marta Santandreu y Eduard Serra se mueven con soltura en esa línea interdisciplinar en el que la danza, el gesto, la palabra y la voz adiestrada por Rosa Cadafalch exigen el máximo de ellos. Reconozco que iba con algunos prejuicios tópicos sobre la inmadurez lógica del aprendizaje. Pero, al finalizar, tuve la cómoda sensación de haber asistido a un verdadero espectáculo escénico más que a un taller del Instituto.  

A falta de imágenes sobre lo que ví, quiero añadir este fragmento promocional de la obra de Mark Ravenhill, Pool (no water)  realizado por  Frantic Assembly.

 

                          

 

EVENTS APOFATICS: CUNNINGHAM- TAPIES.La semana se presenta movida, quiero decir llena de movimientos. Hoy he ido a ver "Events"  en el teatro del Mercat de les Flors y entrada la semana iré invitado por Raimon Avila a ver el taller Piscina (sens aigua), de Mark Ravenhill, a l'Institut del Teatre. Hace tiempo tuve cierta proximidad al mundo de la danza contemporánea. Conocí a Cesc Gelabert en la época de su primer viaje a N.Y. y  en ese ambiente ilusionado de los primeros pasos de la danza contemporánea en nuestro país, nombres como Marta Graham, José Limon o Merce Cunningham eran profundamente reverenciados. Referencias obligadas. Cada uno escogía su tendencia, su deriva estética y la seguía con la fidelidad que se debe a un "guru". En 1964 Cunningham creó los "Events" que hoy he visto  en el teatro del Mercat de les Flors. Han pasado cuarenta y cinco años de su ideación y sigue siendo un ejemplo de audacia moderna. Los movimientos  esquematizados a unos "patterns"  son muy bien ejecutados a dos , a tres o en grupo con una armonización perfecta, sin caer nunca en mecanicismos. La sutil combinatoria de esquema y azar se corresponde a la metodología del libro de los cambios, el I Ching, que tanto agradaba al coreógrafo. Igual que en este libro sapiencial, lo fijo y lo móvil se van enzarzando de un modo continuo. Sin pausa. Durante setenta y cinco minutos la improvisación musical de Arnau Sala(perc.), Xavier "Liba" Villavecchia(viento) dirigidos por Takehisa Kosugi(violin elec.y varios) lleno de sonoridad electro acústica el escenario mientras los 14 bailarines  ejecutaban unos movimientos programados con una coordinación perfecta. Me interesaba especialmente comprobar como Antoni Tàpies había resuelto la escenografía. No era la primera vez que el artista participaba en la creación visual de proyectos escénicos. Colaboraciones con Brossa, Yusaki Saburu, J.Guimet, también  Josep Costa, el año 1992, concibió la escenografía del proyecto operístico Cap de mirar (Cabeza de mirar), con música de Mestres Quadreny y libreto de Joan Brossa aun por estrenar. El año 1999 la Fundació Antoni Tàpies organizó la primera gran exposición en Europa de la obra de Merce Cunnigham. La muestra celebraba los cincuenta años de la trayectoria de Cunningham, desde su papel como primer bailarín en la Martha Graham Dance Company hasta la formación de la Merce Cunningham Dance Company en el Black Mountain College, el año 1953; desde su uso de las "operaciones fortuitas" hasta su innovadora obra actual, realizada con el programa de ordenador LifeForms (actualmente denominado DanceForms) . La muestra recogía documentación diversa sobre las coreografías, performances, decorados, vestuarios y músicas para sus ballets, creados en colaboración con otros artistas como John Cage, Jasper Johns, Bruce Nauman, Nam June Paik, Robert Rauschenberg, Frank Stella y Andy Warhol, entre muchos otros.
La escenografía de Tàpies consistió en presentar cuatro obras sobre material textil (Signes, Cadira, Apofàtic, Cara ) que iban apareciendo y desapareciendo verticalmente en el escenario y su obra :"Porta" (pintura sobre bronce) que en un lateral del escenario presidía totemicamente la sala. Todas del año 1991.Me gusto mucho ver la obra:"Apofatic" en el escenario porque aludía a uno de mis intereses visuales más profundos. Me refiero a la distinción teológico-artística entre  la visión catafática o visión de una teología positiva que presupone la posibilidad de conocimiento de Dios y por lo tanto de su representación y por otro la posición apofática una visión  teología negativa sobre  la imposibilidad de llegar a la naturaleza incognoscible de Dios.  Esa dialéctica teológica que tanto influyó a la estética Bizantina o Islámica , supone el reconocimiento de uno de mis temas favoritos, sobre la imposibilidad del conocimiento de la esencia de lo artístico  que se evidencia especialmente en los movimientos abstractos de la danza contemporánea y que enfatiza con "acontecimientos" o "eventos" la diferencia que existe ENTRE DECIR O SER.     

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia. Nº 385  4/09/09

ALEKSANDRA MIR EN GALERIA JOAN PRATS: FICCIONES SAGRADAS.      

The Dream and the Promise es el título de la actual exposición de Aleksandra Mir en Joan Prats. En su anterior paso por la galería  ya nos proponía diversas indicaciones al viaje  con su instalación "Aeropuerto" (2005),un trabajo que culminó con su escultura "Plane Landing"(2008) un avión inflable de 20 metros que hizo aterrizar y fotografió desarmado de helio y flácido en diversas ciudades europeas.  No hay ninguna duda de que a Aleksandra le gusta viajar: nacida en Polonia, ha sido ciudadana sueca, norteamericana y actualmente vive en Palermo. Su hiperactividad creativa le ha llevado a trabajar , los últimos quince años,  sobre más de 100 propuestas  muy diversas y de compleja realización. En todas ellas, hay una alta preocupación por cuestiones de índole social ,de genero femenino, pero sobre todo lo que más le gusta es vivir en la frontera entre realidad y ficción, entre  sueños y promesas .   

 

En su celebrada obra" Gravity" (2006) empezó a preparar su viaje hacia el universo con una nueva ficción, haciendo honor al pensamiento clásico de que aquello que no podemos poseer, nos lo da el arte. Construyó un cohete de 20 metros durante cinco meses con enormes residuos industriales, un artilugio que nunca despegó y que recuperaba la estrategia posmoderna del juego entre la veracidad y el simulacro. Un territorio que nunca ha dejado de cultivar a través de medios muy diversos: performances, videos, textos, entrevistas, fotografía, libros, dibujos en blanco y negro o como en la actual exposición: el collage.      Esta inquietud por la conquista espacial le ha llevado ha realizar la serie que hoy expone con el nombre de "Sueños y Promesas" .Esta serie la empezó en el 2008 ,cuando  apuntó  la proa de su deseo hacia el cielo estrellado y el espacio exterior con "Aim Stars", "Declaration for Space" o  "Made in Heaven", unos collages de dimensiones varias, montados con marcos de pan de oro. Su ficción en estas series es mezclar las Promesas hechas a los creyentes sobre la existencia de vida en el más allá , con todo tipo de artefactos provenientes de la tierra creados por los humanos en el más acá. Digamos que quiere demostrar "heideggeriaramente" el benéfico encuentro entre la metafísica y la física. Para ello, utiliza las imágenes de los viajes humanos al espacio como si en realidad se tratara de una  búsqueda de la prueba cosmológica de la existencia de Dios y de su corte sagrada. Intenta conciliar los sueños de los humanos por conquistar el espacio exterior y las promesas religiosas de la fe cristiana, haciendo convivir los logros del avance científico en la tierra con los celestes y auténticos habitantes del espacio exterior: ángeles, vírgenes y hasta el mismísimo Sagrado Corazón de Jesús. 

   Es probable que el espectador quede con una sensación de duda sobre el grado de convicción o ironía que trasmiten las ficciones de Aleksandra. Pero conviene saber que la ironía no es otra cosa que una estrategia del conocimiento humano que nos protege de todo aquello que nos asusta. Las ficciones de Aleksandra, sus sueños y promesas abordan los misterios fascinantes, los enigmas sagrados que no logramos comprender.

Jesús Martínez Clarà

                

           

 

 

 

     

 

 

 

 

     

 

 

 

 

                   

Se ha colgado  en Youtube el video  "Effekten". Es un resumen de la correografía estrenada por las bailarinas: Blanca Noguerol  y Àfrica Manils con  musica de: Lluís Rueda  y Albert Alfaro, con la  Video proyección de Pol Penas y  Editado por: Nicholas Gruenke. Este espectáculo se creó con motivo de la exposición sobre el pintor Isidre Manils en la que yo actué como comisario y de la que ya he dado noticias en el Blog.

                         

MISCELÁNEA:LUIS RACIONERO Y EL CAPULLO DE JEREZ

        

Fui a mi librería habitual ,con decisión y amagando la mirada de la dependienta, le pedí que me encargara el libro de Luis Racionero:"Sobrevivir a un gran amor seis veces". Que va por su tercera edición. Cuando la chica me miró, tuve esa sensación  de injustificado rubor que se tiene cuando uno compra el "Playboy" en un quiosco o preservativos en una farmacia. Vaya, vaya&

   El libro es muy divertido, recomendable y solo apto para hombres. Esconde secretos de la relación con el sexo contrario que ellas no deben conocer. La primera parte es un tratado sobre la condición humana y la segunda un ejemplario de los numerosos sucesos vividos por el escritor.

   Conocí a Luis Racionero en la UAB, yo era estudiante de Letras y él venía, con el seiscientos que aparece varias veces en el libro, desde Barcelona para hablarnos de sus experiencias en Berkeley y predicar sobre la contracultura americana. Mientras nuestros compañeros revolucionarios hacían un alto en la lucha para comerse el bocadillo de mortadela, unos pocos escogidos, nos quedábamos en el aula en ascético estado de contemplación escuchando la palabra del maestro que vestido con una mítica americana de terciopelo rojo con estrellitas plateadas se sentaba encima de la mesa sobre la que unas horas antes estaban los apuntes del catedrático sobre estructuralismo lingüístico o freudomarxismo, encendía una varita de incienso tibetano y nos hablaba de Lao Tse ,Watts, y otros atmanes. Desde entonces he seguido, con afecto cómplice, los sorprendentes giros y avatares por los que ha transcurrido su vida pública.

    El libro es una buena memoria personal de ese y otros momento de su vida a través de su experiencia amorosa que acaba, y eso no es desvelar el final de la película, con la frase siguiente: "El verdadero amor, el amor del bueno, es una paradoja: consiste en estar totalmente colgado de la pareja y ser a la vez, totalmente desinteresado. Bellísimo,¿no?, pero: ¿cómo se hace?"

    Este consejo final tiene el intenso aroma del perfume taoísta, el sabor del encuentro de contrarios y toda la sabiduría de un proverbio chino. Debo reprochar a Luis Racionero que no haya sabido darse cuenta que la respuesta a su pregunta se encuentra dada por él mismo en su libro. Este olvido, se parece al viejo cuento que narra la historia de un hombre que se lamentaba  de su mala fortuna cuando sin embargo llevaba cosido en un pliegue de su vestido, un maravilloso brillante. La respuesta a la paradoja sobre el verdadero amor se encuentra en el propio libro de Luis Racionero, cuando dice:.&....con la actitud del ser liberado que no exige ni desea nada de las cosas, solo espera que se manifiesten como ellas son  y se desarrollen como les plazca, con el deleite de flores abriéndose al sol de la mañana" (p.76).

En la vida  todo se manifiesta de un modo armonioso en la que la verdad y la mentira , el amor y el desamor van siempre juntos, como la luz y la oscuridad y eso lo sabe bien  hasta el cantante hondo "El Capullo de Jerez" quien en acertado estribillo canta:

La vida es una mentira. La vida es una mentira. Apágame la luz, enciéndeme la luz. Canto con el corazón , canto para ti. La vida es una mentir. Apágame la luz, enciéndeme la luz.

 

DAC: ART UNDER THE BRIDGE FESTIVAL BROOKLYN.N.Y.

                          

 

 

    He llegado a casa con las suaves notas de la trompeta de Chet Baker en los oídos. Acabo de ver "Let´s get lost" un documental buenísimo sobre la difícil vida de este músico. Para algunos una de las mejores películas musicales de la historia dirigida por Bruce Weber. La referencias  a N.Y y a Europa son constantes en este documental que acaba con una melancólica canción, de esas que Baker susurraba: "Almost Blue".Entre el correo me encuentro con un envío postal de Lluisa Climent-e, que me da información fresca desde New York.

    Se ha celebrado entre en 25-27 de Septiembre la 13 edición del festival "Art under the Bridge organizado por el DAC (Dumbo Arts Center) una organización alternativa de Brooklyn que con el apoyo de instituciones y fundaciones de la ciudad propone una muestra de los artistas emergentes  que exponen durante tres días  sus creaciones bajo la sombra del gran puente en un ambiente que quiere ser de participación y una fiesta para todos, como demuestran los siguientes videos . Gracias Lluisa y Olivia. Nuestras corresponsales en N.Y.

 

                   

 

 

 

 

 

 

 

 

                   

 

                                  Almost Blue. Chet Baker.bcn 5.10.09

19 Octubre de 2008

Salonkritik, el primero entre los blogs de crítica

Entre los blogs españoles más longevos destaca Salonkritik, dirigido por el teórico José Luis Brea y con una brillante nómina de relevantes colaboradores. Este blog está vinculado también a w3art que, a sí mismo se define como "el portal de referencia en castellano, el lugar de encuentro de la comunidad especializada en las prácticas artísticas más actuales".

Dentro del grupo de los blogs más teóricos figuran tambíén 8.1, subtitulado como "distorsiones, documentos, naderías y relatos" o AMASSARTE, "un espacio de reflexión sobre la identidad del Arte Contemporáneo y la presencia-ausencia de éste en los medios de comunicación de masas". Conparada, de Alava, insinúa aportar "materiales para un acercamiento al arte en condiciones contemporáneas" y contemporaneiz[arte], de Madrid, lo define Álvaro Vargas, su creador, como una "sala de reflexión y debate acerca del arte contemporáneo, del arte del presente, del arte emergente y de sus nuevas formas de expresión". Art Neutre?, de Barcelona, es una "publicación virtual que difunde informaciones y opiniones sobre el mundo del arte". Sus coordinadores son Emma Giné, historiadora de arte, y Daniel Solano, periodista.

Por último, Sinapsis - Dunadigital, creado por José Vicente Araújo, "es un boletín abierto a colaboraciones sobre lo que recurrentemente se viene llamando intersección entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. El origen de Sinapsis son las discusiones mantenidas en la lista Ad*e*e a lo largo de la segunda mitad del 2004, con el propósito de establecer una plataforma de comunicación abierta a artistas digitales hispanoparlantes".

Blogs para aprender

Juan Diego Caballero, catedrático de Geografía e Historia en un instituto sevillano, creó hace unos años Enseñ-Arte, un "blog dedicado a la enseñanza de la historia del arte, para jóvenes estudiantes y amantes del arte en general. Recientemente, he agregado un nuevo blog, EN CLASEDEARTE, en el que se fomenta que sea el propio alumnado el que emplee esas tecnologías", señala su autor. Aquí hay Arte es otro blog dedicado a "la historia universal del Arte contada para alumnos de Bachillerato", mientras culturavisual.com, todavía en versión Beta, se dedica a la "educación artística, arte, crítica, historia, filosofía del arte ..."

Didáctica aunque dirigida a todos los públicos se presenta también Visitaguiada.es buscando "arrojar algo de luz sobre los problemas concernientes al arte. Para ello, intentaremos abordar la cuestión de una forma amena y directa y, principalmente, despojada de eufemismos o frases trilladas que no ayudan en nada a solventar nuestras dudas. Por el contrario, sólo contribuyen a aumentar la confusión que previamente habían sembrado los críticos, intelectuales y hasta los mismos artistas, ensanchando aún más la brecha ya existente entre el creador y el público".

Blogs divulgativos

Junto a este pequeño colectivo de blogs dedicados expresamente a temas educativos relacionados con el arte, el grupo más extenso de blogs lo integran aquellos de caracter divulgativo general. Es el caso de Arterias de Arte, de Zaragoza que "pretende apoyar y fomentar la creatividad artística de los jóvenes de Aragón, facilitando a estos nuevos creadores la posibilidad de poner en marcha proyectos artísticos concretos y dar su obra a conocer". En la misma Zaragoza, Analizarte se define como "una manera de acercarse al arte, de forma entretenida, sin clases magistrales, una forma de entender el arte diferente a la que estamos acostumbrados ..."

ABPRESS.NET dice ser una "Revista de Actualidad Cultural: Cine, fotografia, pintura, escultura, literatura , música, arquitectura, espectáculos, festivales, exposiciones, danza, ..." como revista mono, autodefinida como "una revista cultural independiente que ofrece una visión personal sobre literatura, música, cine, artes plásticas, teatro, política..., con una actitud comprometida social e ideológicamente".

Artespain, integrado en el Grupo Publispain, "es una publicación dedicada a diversas disciplinas del Arte Contemporáneo (pintura, escultura, video arte, arquitectura)". El Dado del Arte "es un blog que muestra novedades en el mundo del arte desde un punto de vista poliédrico: video-arte, escultura, pintura, arquitectura, diseño, ..." Y los blogs gemelos Exposiciones en Madrid y Exposiciones en Zaragoza aseguran recoger, actualizado diariamente, "todo lo relacionado con el arte, cultura, música, cine, museos, salas de exposiciones, ..."

Isabel Erro está detrás del blog Los Mejores Artistas "con el objetivo de difundir de una manera cercana el Arte, gracias a la fuerza democrática de internet". Y MAD Painters "es una herramienta de participación en la que puedes opinar sobre el panorama de la pintura actual que se exhibe en la ciudad de Madrid". También Pasatiempos Vanguardistas, creado por José Luis Palacios Alonso, "supone un acercamiento al arte (vanguardista y clásico) en forma de pasatiempos, mediante reflexiones, preguntas y respuestas". La lista de blogs divulgativos podría prolongarse con Todo Arte, autodefinido como "... el arte que nos rodea", Art y Lugios o Info Art.

Algunos de estos blogs son, simplemente y nada menos, que un canal de expresión de su creador. Es el caso de Arte Procomún , en el que escribe Juan Carrete, director del Intermediae madrileño; Arte y Arquitectura, de Enrique Castaños; La mano y la mirada, del mallorquín Juan Luis Calbarro; o el mismo Julio Marín Alvarez.

Superespecialistas en fotografía o graffiti

Otros tienen una vocación temática como Fotografías.net -perteneciente también al grupo de Artespain-, Barcelona Photoblog, Encuentros Fotográficos -dirigido y gestionado por María G. Molina- o Xataka Foto -blog sobre fotografía digital-. Orientado al arte urbano y/o graffiti, encontramos en Barcelona a Graffiti Bombing.

Y herramientas de comunicación al servicio de los museos

Señalar por último los blogs de dos centros del arte, el del granadino José Guerrero (Blog del Guerrero) y el del salmantino Domus Artium 2002 (DA2), que asegura ser "el primer Museo de Arte Contemporáneo en tener un blog propio. La intención del blog del DA2 es informar tanto acerca de las exposiciones como de las actividades que tienen lugar en el Domus Artium 2002. El blog es una herramienta de comunicación con un lector que busca más información que la que aparece en la página web y que va buscando una visión distinta y más amena de la que ofrece una web institucional. Además de la información, el blog también ofrece diferentes imágenes de las exposiciones y grabaciones en video de las mismas, para que la gente interesada pueda tener una idea de lo que va a encontrarse al venir al DA2". ARTEINFORMADO

    

 

Zeppelin 2009Sonidos del poder / Escuchas del miedo . Convocatoria de obras sonoras electrónicas

Sons del poder / Escoltes de la por . Convocatòria d'obres sonores electròniquesSounds of Power / Listening of Fear . Call for electronic sound works Abierta la convocatoria de obras sonoras electrónicas para Zeppelin 2009 - Sonidos del poder / Escuchas del miedo. Dedicamos Zeppelin 2009 - Sonidos del poder / Escuchas del miedo a la reflexión acerca de cuestiones que nos vienen rondando insidiosamente desde hace tiempo. Nos preocupan los signos que podrían indicar que retrocedemos en logros y libertades de naturaleza social e intelectual, todos hechos realidad con gran esfuerzo. Acerca de esta preocupación hemos elaborado una serie de preguntas que, parcial o totalmente, deseamos que inspiren las piezas presentadas a esta convocatoria.

 

 Son las siguientes : 1. ¿Qué significa recibir y/o dar una orden?2. El vínculo entre los verbos obedecer y oír es bien conocido. Entonces, ¿en qué términos hemos de considerar una sociedad que parece cada vez más presta a obedecer sin detenerse a pensar? ¿Qué significación tiene el vínculo entre obedecer y creer?3. ¿Por qué tenemos necesidad de verdades absolutas, incluso en aquellos dominios donde las sabemos imposibles? ¿Por qué pensamos que ya lo sabemos todo? ¿Es o no es necesario conocer las técnicas? ¿Por qué pensamos que cualquiera puede hacer cualquier cosa? ¿Hay que recuperar el respeto por el hacer? ¿En qué medida el término arte es o no es vigente? 4. ¿En qué sentido hemos pasado de una alienación en el ámbito laboral a una alienación en todas o casi todas las instancias de la vida? ¿Está desapareciendo la consciencia de alienación?5. ¿Qué quiere decir que el control se ejerce en nombre de la seguridad? ¿No nos sentimos seguros? ¿Por qué en nombre de la democracia admitimos lo que denunciaríamos en una dictadura?6. ¿Sociedad del bienestar quiere decir sociedad del crecimiento? (Cage decía: "No sé si la vida se caracteriza por el progreso.") ¿Por qué creemos que vivimos en el mejor de los mundos?7. ¿Cuál o cuáles funciones tienen los sonidos en la sociedad del bienestar y el crecimiento? ¿Inciden en la pérdida de privacidad? ¿En qué medida el vecino de al lado se ha convertido en un nuevo sistema de control en manos del Estado?8. ¿Qué importancia damos al hecho de que nuestros instrumentos para organizar sonidos estén emparentados con los instrumentos que sirven para controlar? ¿Existe relación entre organizar y controlar?9. En un tiempo en el que los términos sufren modificaciones paulatinas hasta que su nueva acepción termina siendo regulada por ley y disentir de los criterios de otros abre la puerta a ser tachado de intolerante, ¿cómo desenmascarar la tergiversación del lenguaje sin que ello entrañe nuevas descalificaciones?

 

 

 

Invitamos a todas las personas interesadas en el sonido a que reflexionen sobre estas cuestiones y nos envíen sus trabajos sonoros.Las piezas serán proyectadas al espacio en un sistema de ocho altavoces los días 10, 11 y 12 de Diciembre de 2009 en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona.

 

 

 REQUISITOS 

Todas las obras recibidas serán aceptadas siempre que se den las siguientes condiciones: 1. Las piezas NO deben tener una duración de más de diez (10) minutos2. El formato de las piezas será WAV o AIFF a 44,1 khz y 16 bits. Se admiten piezas de una hasta un máximo de 8 pistas. Cada pista deberá llegar aislada en un archivo de una pista. Así, por ejemplo, el envío de una pieza para ocho pistas deberá contener ocho archivos de una pista.3. Se debe adjuntar la siguiente documentación:3.1. Comentarios acerca de la pieza.3.2. Biografía artística del autor.3.3. Documento firmado por el autor manifestando autorización o desautoriazación explícita para la difusión de su pieza través de Internet.3.4. Documento firmado por el autor manifestando su conformidad para que la pieza forme parte del archivo de arte sonoro de Sonoscop.4. Los trabajos con la documentación tienen que llegar en soporte CD/DVD antes del 15 de Noviembre de 2009 a: caos/ZEPPELIN/convocatoriaCentro de Cultura Contemporánea de BarcelonaC/Montalegre, 5Barcelona 08001España

 

CARLES TACHE QUIERE HABLAR CONTIGO

  

  

                          

Esta es la frase que miles de artistas quisieran oír al menos una vez en su vida.    La primera vez que la escucha un artista adquiere un tono ilusionante, se llena de expectativas: ¡por fin, me ha llegado la hora!. Si la frase se escucha o se lee  después de la primera exposición, incorpora una duda: ¿será para algo bueno o será para reprocharme un primer fracaso? .Si la frase se recibe después de un tiempo de colaboración con el galerista, adquiere un tono de incertidumbre ante el futuro y augura algún cambio .

Sea como sea, lo cierto es que esta frase anuncia una idea muy original.Propone un encuentro, durante dos días,el 3 de Septiembre y el 7 de Noviembre de 10 a 22 horas ,unas sesiones maratonianas,  entre el influyente galerista y el público en general dentro de las jornadas "Dissabtes  d´ Art a Barcelona" que se celebran durante el otoño barcelonés .

 

                 

 

            Artículo publicado en el suplemento "Cultura´s de La Vanguardia 30 Septiembre2009  

 

 

 

 CARLOS PAZOS:SER NADA

        En 1978 , Carlos Pazos quería dejar sus huellas grabadas en el suelo de la fama (The floor of fame,1978), quería hacerse una estrella (1976) y estaba convencido de que conocerle era amarle (1977) .Buscaba lo que la prensa rosa llama fotos "posadas", descendía de grandes coches ante la expectación de todo el mundo, se había propuesto ser el sujeto de su arte, ser ,él mismo, una obra de arte y su premisa era:"la técnica no me interesa, mis constantes son yo y más yo. El ego por encima de todo". En 1980 conoció a madame melancolía y desde entonces, siempre con la mano en la mejilla o en la barbilla , tal como hacen los buenos artistas, no ha dejado de trabajar sobre los conflictos y derivas de su propia identidad.

       En la exposición "Robados" se pueden ver 151 fotografías colocadas de un modo informal en las paredes de la galería y sobre tres mesas de trabajo, el conjunto es una  selección de las fotos robadas hechas a Carlos Pazos en Bali por Joana Roselló. El artista es vigilado, controlado, perseguido en diferentes situaciones y momentos de ese viaje por una "simulada" paparazzi que quiere conseguir la "instantánea", el robado perfecto. Ante este afán perseguidor, Carlos Pazos se oculta, mira furibundo a la cámara y tal como enunciaba en su exposición retrospectiva en el MACBA(2007) no quiere que le digan nada.

     Hace treinta años el artista, como todos los artistas jóvenes, construía su identidad con arrogancia , ilusión y una buena dosis de supuesta frivolidad. Se deslizaba sobre la superficie de las cosas pero aplicando una mirada atenta y se podían intuir propósitos trascendentales en todas sus obras. Sin embargo, en sus últimas exposiciones , ya se apreciaba un rechazo, una revisión de la condición exitosa y los logros del artista con títulos como "Penúltimo Grito(2007) y  "Se acabó la Ilusión(2007) .Pazos  explora de un modo dramático el efecto del paso del tiempo y constata como las ilusiones no alcanzadas forjan un carácter agrio en el que resuena como fetiche de comportamiento impertinente el famoso improperio  lanzado ante las cámaras por Fernando Fernán Gómez: !A la mierda!

 

    Para aquel que se hizo retratar hace treinta y tres años con el máximo "glamour",ahora, solo existe la decepción y el rechazo de la fama. Como un artístico Sallinger que ha hecho de su esquivez toda una leyenda, Pazos se esconde y quiere pasar del ser al no ser.

    El día de la inauguración lo encontré entre amigos y conocidos, mucha gente que como dice el título del libro de artista publicado con texto de Ramón de España, lo siguen con  "Fidelidad Total"(2007). Estaba como se dice,"todo el mundo" entonces me pareció ver escrito en su amplia frente el texto que él mismo publicó en el  "flyer" de su exposición retrospectiva : "Atacado de descreimiento absoluto, el arte es sobre todo mi espacio de resistencia ese espacio, abierto o cerrado en el que puesto que no puedo dejar de ser, casi consigo ser nada". Vi un artista confundido entre el público, sin señales evidentes de su poderío, una persona humilde, queriendo no ser nada y a la que no había que decir nada. Pero el destino y el éxito le persiguen y a pesar de su nueva actitud reservada y discreta no puede sustraerse al gran espectáculo del arte.

             

JULIAN ALVAREZ : ENTRECRUCES. EXPOSICION  RETROSPECTIVA.

  

Entre el 23 de Julio y el 31 de Agosto se realizó en León, la exposición "EntreCruces" de Julián Alvarez en el Centro Leonés de Arte y en Instituto Leonés de Cultura. Esta exposición ha generado un libro-catálogo razonado de su obra.

Poco a poco se va haciendo justicia con los pioneros del medio audiovisual en España. Julián Álvarez lleva   treinta años  como video-creador,y ha sido en su lugar de origen, Leon, donde se le ha rendido homenaje con una retrospectiva y el catálogo que la complementa de 244 páginas. Se suele decir con razón que lo que queda de las exposiciones es el catálogo y este es una buena muestra de ello y una ocasión para conocer en profundidad la obra de Julián Álvarez ;en él han intervenido con diversos análisis de su obra: Javier Panera, Josep Mª Catalá, Antoni Mercader, Claudia Gianetti, Pere Alberó, Alfonso Levy  y Jesús Martínez Clará. En el libro se encuentran lo que Julián denomina Itinerarios, más sus producciones escénicas, instalaciones, intermedias /multimedia, fotográficas y un resumen de textos teóricos  del autor.

Creo que cuando se hace la producción de una exposición sería conveniente no dilapidar el esfuerzo y aprovechar para una posible itinerancia que permitiría hacerle justicia en Barcelona , lugar en el que vive y en donde ha llevado acabo su obra en estos treinta años. La lucha continua.

                                                      

 

La Galería  Simon fue inaugurada en Ishikawa-cho, Yokohama, en octubre de 2006 y expone todo tipo de obras de arte,  artesanía,  imágenes,  fotografía, y  joyería.  

En la cafetería anexa, se puede disfrutar de un té de hierbas orgánicas, así como los diferentes proyectos y eventos, incluyendo exposiciones relacionadas con talleres, conciertos y representaciones como espectáculos de danza.

  

Entre los artistas que han expueso se encuentran Kouji Ohno, Izuru Takebuchi, Teruko Chiba, Hanamaro, Youichiro Furuya, Takashi Watanabe, Masao Sato, Kenji Matsumoto, Ikuyo Shigeno, Hisanao Aguni, Noriko Kitamura, Masahiko Furuichi, Kenji Kojima, y Junko Amauchi y Joan Navarro.

  

Joan Navarro ha expuesto su obra "Rice and Fall" en esta galería durante los meses de   Agosto a Septiembre de este año. La instalación de esta exposición está hecha de granos de arroz y madera. Pude hablar con el artista y me dijo que quería mencionar  al arroz como símbolo de Japón  y  que cada pieza aludía a diferentes ciudades y a la densidad poblacional que existe en las metrópolis que ha visitado en sus cuatro viajes a Japón. Este argumento elemental ha dado como resultado unas obras mucho más complejas en las que actúan nociones estéticas propias del Japón como son la simplicidad minimalista adecuada a las características del espacio expositivo, la sutileza del color blanquecino del arroz con la madera que son dos fundamentos de la nutrición y la arquitectura japonesa, junto a nociones formales de gran  arraigo en nuestra tradición estética occidental, tales como la escala, la proporción, la acumulación, el ascenso y el descenso. En estas obras se ven algunos vínculos con otros escultores como Isabel Banal o el difunto Ramón Guillén Balmes quienes han trabajado con la idea de miniaturización , escala y agrupación de elementos dispersos: semillas, pigmentos, arena&etc.

 La acción de  Agrupar los granos de arroz en torno a la madera es como reunir elementos dispersos que tienden a la expansión y concentrarlos en torno a seis  estructuras geométricas simples:  Línea Vertical, Horizontal, Cruzamiento, Líneas paralelas de  una escalera en el suelo, paralelepípedo convertido en mesita y una obra de escala que hace unos años, de la mano de Chari Mur en lugar de arroz ,hubiera contenido clavos, espinas y pétalos de rosas.

En este sentido sacrificial me permito una digresión interpretativa en torno al nombre de la galería. Como he leído el nombre de la galería sin "h" intercalada lo he relacionado inmediatamente con un nombre de la tradición cristiana: San Simón. Es curioso que en el santoral cristiano  a San Simón se le representa siempre junto a San Judas Tadeo. Ambos nombres , igual que el término "Shimón" para los budistas significan valores asociados a la verdad ,según dicen en su nota de presentación  sobre el nombre de la galería, el término "Shimon" se refiere a las cuatro puertas hacia la verdad, en el sentido budista, lo que implica el deseo de la galería de que sea un lugar para la expresión de los artistas que buscan la verdad de la actividad creativa y  la intersección transversal de varias prácticas  artísticas.

San Judas Tadeo otorga favores , Judas significa en hebreo  "alabanzas sean dadas a Dios" y Tadeo quiere decir: "valiente para proclamar su fe".Simón significa: "Dios ha oído mi súplica". En la búsqueda de la verdad , San Judas Tadeo escribió una de las Cartas del Nuevo Testamento. En la misma, ataca a los gnósticos y dice que los que tienen fe pero no hacen buenas obras son como nubes que no tienen agua, árboles sin fruto, y olas con sólo espumas, y que los que se dedican a los pecados de impureza y a hacer actos contrarios a la naturaleza, sufrirán la pena del fuego eterno. La antigua tradición cuenta que debido a la proclamación de estos principios de su fe cristian a San Simón lo mataron aserrándolo por medio  y, a San Judas Tadeo, cortándole la cabeza de un hachazo.

Al margen de esta deriva sobre el nombre de la galería quiero resaltar el puente efectivo que  se ha  establecido en este Yokohama - Barcelona Art Session 2009  de la mano de Joan Navarro que es profesor destacado de la sección de escultura de la Escola Massana de Barcelona y buscador de verdades.Shimon.

                 

 

 

 

  

 

 

 

     

                          

 Hoy día 3 de Septiembre se inaugura :Silencio, KREA II Encuentro Internacional de Creación y Difusión Sonora. Esta  es una confirmación más de que el arte electrónico, el arte sonoro debe ocupar un lugar de privilegio en las prácticas artísticas contemporáneas. Ya no se puede demorar más su plena incorporación a lo medios críticos y a la prensa de arte. Dentro de este encuentro esta la presencia de un "rompehielos"en este campo como es Jose Manuel Berenguer y  en Vitoria-Gasteiz presenta su instalación sonora Autofotóvoros   en la Sala Araba. 

 

http://www.kreared.com/es/actividades/muestras-exposiciones/autofotovoros-instalacion-sonora-de-jose-manuel-berenguer 

Presentación

Del 3 de septiembre de 2009 al 13 de septiembre de 2009 ·       Sala Araba ·       La Paz, 5 - 1ª planta (Centro Dendaraba) 01005 Vitoria-Gasteiz ·       +34 945 16 23 81 'Autofotóvoros' es el nombre de la propuesta sonora que presentará Berenguer, Premio ARCO-Beep de Arte Electrónico 2008. En palabras del propio autor, el espíritu de la instalación "radica en el interés por la organización espontánea y la aparición de fenómenos emergentes complejos. Ello acostumbra a ocurrir en colectividades integradas por estructuras individuales de características funcionales idénticas y elementales que se organizan en red". Para ello, trabaja con autofóvoros, unos dispositivos electrónico-mecánicos dotados de fototaxia positiva, la habilidad de dirigirse por sus propios medios hacia las fuentes de luz más brillantes de su entorno.José Manuel Berenguer (Barcelona, 1955) es director de la Orquesta del Caos y del Festival Música 13, fundador de Nau Côclea, miembro de la Académie Internationale de Musique Eléctroacoustique de Bourges y Presidente de Honor de la  International Conference of Electroacoustic Music del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO. Ha sido objeto de premios y distinciones otorgados por instituciones como Internationale Ferienkurse de Darmstadt, Gaudeamus foundation, Prix de Musique Electroacoustique de Bourges, Concorso di Musica Elettronica. Fondazione Russolo-Pratella, International Rostrum of Electroacoustic Music del CIM-UNESCO,  Festival de Músiques Contemporànies de Barcelona, Radio Nacional de España y Premio de Video de Castilla-La Mancha.En los últimos años, ha tendido a expresar su pensamiento artístico por medio de la instalación y los dispositivos de computación en tiempo real, con la reflexión acerca de la filosofía y la historia de la ciencia, los límites del lenguaje, la ética, la vida y la inteligencia artificiales, la robótica y el metabolismo de la información, los límites de la percepción y la comprensión humanas. Sus trabajos más recientes incluyen instalaciones como, por ejemplo, 'Silenci', 'Trànsfer', 'la Casa de la Pólvora' o 'Mega kai Mikron'. Su pieza 'Luci, sin nombre y sin memoria', ganó el premio ARCO/BEEP 2008 de Arte Electrónico. 

 

                  

      

                     

 

 

                               

 

 

Miguel Alvarez-FernándezSeminario Los espaciotiempos del sonido. Una aproximación a la práctica del arte sonoro04/09/09   17.00-20.00 La palabra en el espaciotiempo del arte sonoro05/09/09   10.00-14.00El sonido en el espaciotiempo del arte sonoro05/09/09   17.00-20.00La imagen en el espaciotiempo del arte sonorohttp://www.kreared.com/es/actividades/cursos-y-conferencias/seminario-de-arte-sonoro-impartido-por-miguel-alvarez-fernandez Miquel BernatConcierto de percusión de músicas electroacústicas05/09/09 20:00Aula Fundación Caja Vital Kutxa Aretoahttp://www.kreared.com/es/actividades/musica/concierto-de-miquel-bernat-percusion-y-musica-electroacustica  KREA Expresión Contemporánea,  proyecto cultural de la Obra Social de Caja Vital KutxaColabora : Asociación Sinkro Más información en www.kreared.com   

MANUEL BORJA-VILLEL  Y EL NUEVO REINA SOFIA. 

Manuel Borja Villel ,nuestro hombre en Madrid, la está armando. Mientras los articulistas desde Barcelona lo argumentan y defienden, los que le pagan, desde Madrid, lo critican.

 Creo que unos y otros hacen lo que se esperaba. Nuestra cultura da signos de pobreza intelectual cuando actúa por "topicazos". Ante la nueva presentación de la colección, ya se suponía que iba a pasar lo que esta pasando. Unos que si y otros que no. Los articulistas que no suelen hablar del hecho concreto, de la materia expuesta del arte, se apresuran a generar opinión, pensando equivocadamente con otro tópico de nuestro mundillo que asegura que tu comentario se engrandece por la importancia del tema tratado y si puedes escribir sobre  la filosofía expositiva de una gran institución, siempre será mejor que no hablar de un artista que no conoce nadie y que te ha llamado la atención porque expone en una pequeña galería de enfrente de tu casa. La materia fundamental de lo artístico queda a salvo de tantos "dimes y diretes".Nada perturba la soberanía de lo artístico. Nada perturba su auténtica naturaleza.

A mi me gustaría contribuir con una pequeña noticia, con un dato fascinante y es que el REINA SOFIA SERA GRATIS ENTRE LAS  7 y LAS 9 HORAS DE CADA DÍA LABORABLE.

 Esas dos horas de visita pueden crear una adicción fascinante a los interesados en el arte contemporáneo. A dosis pequeñas, tal como deben verse los grandes museos, sin "panzadas" de propuestas complejas que se acaban atragantando al más sensible de los especialistas que tras una mañana entera de visita ya no piensa en su cabeza sino en lo adoloridos que tiene los pies.  

Me imagino a jóvenes furibundos, amantes de Matthew Buckingham  o de cualquier otro que visitan una y otra vez las salas en esas horas ya vacías de curiosos turistas que no saben porque están viendo lo que ven. Se producirá un proceso de redefinición del tiempo y la experiencia de lo artístico que sacarán al museo de la memoria histórica y lo redefinirán como un nuevo generador de  emociones furtivas. Con la misma intensidad que alguien se cita  entre las siete y las nueve con su amante secreto, el visitante tendrá una nueva visión de lo artístico, su percepción ya no estará condicionada por la prisa y podrá constatar una nueva experiencia del tiempo. Podrá ir un día a una obra y otro a otra, con lo que construirá también su propia historia del arte compuesta de modo fragmentario, más allá de las criterios, fechas y recorridos impuestos por los comisarios. Y además, porque no, en esa nueva experiencia de tiempos y fragmentos pueda coincidir, a menudo, con alguien que comparta sus propios gustos y emociones, serán los amantes furtivos del arte entre las siete y las nueve.

 

Matthew Buckingham            

Fragmento de The Spirit and the Letter (2007).

VICTORIA CAMPILLO: "AMEN"  EN SITGES.-

                       

Este es un post. recordatorio para alertar a los que estén por la localidad estival de Sitges que no duden en pasar por el Mercat Vell, junto al Ayuntamiento. Allí encontrarán una escogida muestra de las series que Victoria Campillo ha hecho en estos últimos años y que  muestra en este singular espacio con el nombre genérico de "Amen". La exposición durará hasta el 6 de septiembre y  ha sido comisariada por Ricard Planas; con este motivo se ha editado un extraordinario catálogo en el que el lector podrá recorrer varias sendas de aproximación , podrá caminar por la obra de esta artista a través de dos artículos de presentación y una extensa entrevista que yo  le realicé recientemente y en la que expone muchas reflexiones interesantes sobre su obra y sobre la historia del arte contemporáneo.

    La pieza principal consiste en los bodegones con naturaleza muerta, "alusivos a la Santa Cena, en los que un mismo personaje vestido con polos Lacoste de diferentes colores hace con las manos  gestos santificados y bendice alimentos diversos ante unos recipientes ,sobre este fondo aparecen superpuestos los nombres de los artistas: Jim Dine sobre la sonrosada textura de un corazón de vaca , un pollo desplumado, a punto de entrar en el horno, alude a Rindo Kawauchi, Damián Hirst  a una magnífica escórpora roja, un pan integral  al demiurgo transformador de materia de artista Piero Manzoni, todos ellos con un fondo de polo rojo con algunas excepciones como Zachary Zavislak que tiene una gran calabaza ante unas manos en oración con fondo de Lacoste Amarillo y del que dudamos si es el verdadero o el falso. La alusión al artista como marca es obvia. En la obra de Victoria Campillo  se alude también al exceso de documentación nominal sobre arte contemporáneo que  cada vez es más extensa, debido al gran número de artistas emergentes, que están sobre la palestra, y aunque es incierto su pase a la inmortalidad, las listas no cesan de crecer y la lista de Victoria los recoge y utiliza."

  

He puesto comillas en el párrafo anterior porque corresponde a una crónica que hice de su trabajo en un artículo  publicado en el suplemento Cultura/s   297 de  La Vanguardia/ Miércoles,27 febrero 2008 con el título de PROYECTO INTERMINABLE, y que el lector puede encontrar entero en este Blog.  con buenas ilustraciones. Su proyecto interminable no deja de crecer y en su blog personal " IDEM", Victoria  ofrece sus nuevos hallazgos, sus nuevas series de manera continuada, allí se pueden ver con buena definición la mayor parte de las obras de esta exposición fotografiadas y permitidas por la propia  artista.

    Por último, me ha resultado curioso el contraste entre las imágenes del mercado antiguo que adornan la parte superior de las enormes paredes y en  las que se ven productos nutrientes y frescas verduras de temporada en un añejo color oscuro  con las imágenes de la Santa Cena en las que Victoria ha fotografiado nítidamente y a todo color: conejos, pescados o pollos desplumados. El tiempo y el arte contemporáneo han convertido la pura y dura materia nutriente en metáfora y símbolo. Aquí hay tomate. 

   

 

                   

                      

                              

                                         

RALPH BERNABEI Y LA GALERIA  HORIZON EN COLERA.  

 

Ralph Bernabei expone su  "Recent Work" en la Galería Horizon de Colera  desde el 4 de julio al 30 de julio 2009.

La Galería.- 

Desde hace algunos años, me impongo, entre las tareas de mi veraneo Empordanés, la visita  a la Galería Horizon de Colera. Horizon es un proyecto compartido entre una galerista belga Silvy Wittevrongel  y el artista nacido en NuevaYork Ralph Bernabei. A dos horas de Barcelona y diez minutos de la frontera francesa, en la población de Colera, que no se parece en nada a Cadaqués, Ralph y Silvy han conseguido tener un lugar en el mapa de la cultura artística empordanesa , catalana y universal. Galería, estudio, casa y huerto componen la base de su modo de vida. Si el visitante tiene curiosidad , podrá entrar en un lugar reservado a la amistad y la conversación a la sombra fresca, al aire libre, tal como me imagino que sería  la casa de un filosofo griego. Allí, es posible que el visitante vea al artista trabajando en su estudio, a la galerista tomando un té en el salón de su casa  o que encuentre sobre la mesa la recién escogida cosecha de tomates de su  huerto de verano. Todos estos indicios indican que Silvy y Ralph  quieren vivir de otra manera. No fuera del sistema, pero sí en la frontera y por eso están cerca de un melancólico Portbou, allí donde reposa el gigante iluminado Walter Benjamín , allí donde se halla su magnífico cenotafio.

La Revista en el Horizonte- 

Como digo, todos los indicios indican  que ellos quieren, por un lado vivir instalados en el  tópico "Carpe diem" que significa" cosecha cada día", esa máxima grecorromana tan propia de la cultura mediterránea que aconseja vivir el momento , disfrutar la cosecha de tomates recién cortados, gozar de lo que  tienes en ese momento ,  así   reivindican que debemos aprovechar cada instante de nuestra vida con intensidad. Es el lado meridional de Ralph.

Pero, por otro lado parece que buscan algo que va más allá del poder del instante, algo más planeado, más proyectado y que por eso han utilizado  la fuerza convocadora de la palabra "Horizonte" para nombrar su galería y como título de su magnífica revista de arte y filosofía : "Outer horizons" que se encuentra tanto en Colera como en Nueva York.

    Un horizonte es algo nunca alcanzado, es la visualización plástica de una intención nunca satisfecha, de un anhelo al final de un camino. Como las cosas más secretas del mundo, el horizonte, desaparece a medida que te acercas, ellos saben que además del horizonte oficial que hace avanzar a las sociedades hacia delante, existen "otros horizontes" no menos importantes a pesar de ser alternativos.

    Desde la presentación hace cuatro años del número cero de esta revista trilingüe se sabe que a sus editores les preocupa tanto cualquier suceso de impacto humano y social como la compleja obra del escultor Gabriel,la vida en las ciudades como la obra de Uclés, Bourgeois o Viaplana, arte y humanismo definen el clima general de esta revista que mantiene desde sus inicios la sobria y magnífica maquetación diseñada por eStudio Calamar.Creo que el sentido último de esta revista se encuentra en un mini manifiesto De Ralph Bernabei en el número cero, allí hacía una comparación entre la obra "La parábola de los ciegos" de Brueghel y la obligación de los artistas de conducir los pasos de la sociedad ,estimular conciencias guiándolas hacia OTROS HORIZONTES.

  

La obra de Ralph Bernabei.-

Ralph Bernabei vive en Cataluña desde hace veinte años. Siempre me ha gustado la imagen de un Salvador Dalí viajando de Port-LLigat al centro de Manhattan. Empiezo a pensar que es una costumbre muy ampordanesa, es lo mismo que hace mi amiga Lluisa entre Llança y Nueva York, Alex Gifreu desde Figueres o Ralph desde Colera hacia todo el mundo.  Ralph ha expuesto su obra en diferentes lugares: Nueva York, Conneticut o Chicago, en Europa en  Bruselas, Copenhague  y más recientemente en el Japón.

 Los que sigan mis crónicas se habrán dado cuenta de que soy amigo de los términos en oposición, de la dialéctica entre el vacío y el lleno de la existencia. Por esta razón me ha gustado esta exposición de obras recientes en las que la superficie pictórico-caligráfica se integra con armonía en los volúmenes escultóricos creados por Ralph Bernabei. En sus picto-esculturas que sobresalen de la pared o en ocasiones se encuentra exentas, reposando sobre unas peanas, se intuye una geometría oculta e irregular, un armazón, un esqueleto invisible hecho de madera de roble viejo aprovechado de barricas de vino antiguas que quedan totalmente ocultas y renovadas al ser envueltas por numerosas capas de papel japonés. El sudario envuelve el cuerpo de la obra y en la superficie de esta materia tan singular  traza caligráficamente, con tinta, numerosos gestos informales que contrastan con las estructuras de la cristalografía invisible que las sustenta. Entre el negro y el rojo se va produciendo una dialéctica elemental entre lo orgánico y dinámico del trazo vivo del artista y la inmutabilidad de sus estructuras irregulares.

    Hecho una ultima mirada sobre la pared blanca de su jardín, entre la calma de Silvy y el ímpetu de Ralph, en lo alto , fuera de la mirada ordinaria, marcando otro horizonte solo visible para quien quiera mirarlo, veo la estructura desnuda de una forma, que en su simplicidad irregular me parece altamente misteriosa. En el fondo del jardín sombreado, veo los restos acumulados de  cerámicas rotas, fragmentos de platos y recipientes que me sugieren que Ralph tiene una memoria personal, que pertenece a una tradición antigua  hecha de cálculo y medida  de la que no quiere olvidarse.   

  

 

 

 

Galeria d'Art Horizon

Francesc Ribera 22

17496 Colera Girona

Tel. 972.389.185                    info@galeria-horizon.com