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CAMBIO DE BLOG A JESÚS MARTÍNEZ CLARÀ (JOSHU)

jesusmc | 14 Diciembre, 2014 21:26


                                      HOLA AMIGOS

               Matsutani.

   A PARTIR DE HOY PODEIS SEGUIR MIS ACTIVIDADES Y OPINIONES EN EL BLOG

                      JOSHU MARTÍNEZ CLARÀ.  LA ESFERA VIRTUOSA

                        http://joshumartinezclara.balearweb.net/

                                        OS ESPERO ALLÍ

LICANTROPIA. LLOTJA DEL TINT. BANYOLES.

jesusmc | 03 Octubre, 2014 17:33

 

 

LA CHIMENEA DE DUCHAMP.MARINA OROZA

jesusmc | 16 Septiembre, 2014 20:10

LA CHIMENEA DE DUCHAMP .MARINA OROZA.   

En este post. os  presento la obra de una artista fascinante que se resiste a ser colocada como una mariposa de colección en casillas rígidas y estereotipadas. Marina Oroza se ha destacado en el terreno de la Performance artística, en su trabajo como actriz y tiene publicados tres libros de poesía.  Este año ha  presentado su último libro de poemas : “La chimenea de Duchamp” . Primero lo hizo en Madrid en el Círculo de Bellas Artes  acompañada por Ouka Leele y posteriormente en La Central por Antoni Marí.  No fue un acto convencional. La autora en lugar de mostrar el libro recién salido de la caja de su editor, con el olor característico de la letra impresa mostró un libro quemado con el intenso aroma de las hojas chamuscadas.   La chimenea de Duchamp no es una imagen poética es una realidad. Ocupa un espacio doméstico en su casa de Cadaqués y ha convocado la atención de numerosos especialistas en la que algunos consideran la obra póstuma de Duchamp.  Pero es, ante todo un espacio útil en el que se convoca la lumbre invernal. Marina Oroza con un atrevimiento extremo ha convocado, junto a su voz poética, la palabra de Duchamp y la expresión ardorosa del fuego. Así las tres voces intervienen con fuerza en el libro de Marina y convierten el libro quemado en la fuente viva de un nuevo poema. 

A continuación publico integro el texto “El Poema que salvó el fuego”  y una breve reseña crítica de Amalia Iglesias  publicadas  el pasado mes de Junio en La Revista de Occidente  Nº 397. Las fotografias  del libro quemado son  de Rocio Arean y las de la presentación de Sabela Ojea.

        Foto Marina Oroza               

 

    

 

 

 

 

 

 

 

 

          

 

 

    

    

 

 

 

 

 

GALERIA HORIZON ,WALLS AND BRIDGES.

jesusmc | 07 Agosto, 2014 13:50

Walls and Bridges  16.08-21.09.2014

 

Exposició Colectiva

Tom Blaess, Takesada Matsutani, Hernan Ardila, Enric Ansesa, Yoon-Hee, Ralph Bernabei, Cécile Andrieu, Sven-Ole Frahm

 

Inauguració : Dissabte 16 d’agost a las 19:30 h

 

La Galeria Horizon quiere continuar la reflexión sobre los limites que proponíamos el año pasado con la exposición “Borderline”. Seguimos paseando por la frontera que señala el espacio entre la superficie y la estructura, entre el plano y  el volumen. La propuesta de este año para nuestra exposición colectiva de Agosto tiene el título de “Walls and Bridges”, los muros y los puentes, como una sugerencia poética que surge a partir de reflexionar sobre si el espacio constructivo es un tope físico o si la obra empieza en el muro proyectándose hacia el espectador.

Los trabajos que presentamos en esta ocasión son de: Tom Blaess, Takesada Matsutani, Hernan Ardila, Enric Ansesa, Yoon-Hee, Ralph Bernabei, Cécile Andrieu, Sven-Ole Frahm ,  todos ellos consiguen que los muros de la galería  dejen de ser tan solo paredes en las que se cuelgan obras, sus propuestas  transmiten la inquietud de ir mas allá de los limites, de ir más allá del muro y  tienden  puentes de conexión empática entre la obra y  quien la mira.

La empatía es una proyección emocional, según la cual se establecen vínculos entre el observador y lo observado es un anhelo perceptivo que proviene del Romanticismo alemán y que luego confirmo la física quántica con el principio de indeterminación, según la cual la mirada del observador condiciona lo observado  i viceversa. La filosofía también se pronunció sobre este aspecto con el aforismo Nietzscheano : “Cuando miras demasiado tiempo en un abismo, el abismo también mira dentro de tí.”

Duchamp nos propuso mirar  a través de la mirilla en una vieja puerta de Cadaqués hacia adentro de la obra, nosotros proponemos un viaje inverso desde el muro hacia el exterior y así cumplimos con un viejo principio en la larga trayectoria de la Galería Horizon que siempre ha mantenido esta filosofía de tender puentes sin construir muros.

          

Galeria HorizonFrancesc Ribera 2217496 Colera, GironaTel. |  972.389.185  o   info@galeria-horizon.comwww.galeria-horizon.com Horario: De martes a domingo 18.00-21:30

Lunes  cerrado | Visitas concertadas llamar a la galería

 

 

SVEN OLE-FRAHM 

 

 

  HERNAN ARDILA

 

      

   RALPH BERNABEI  

 

 

    TAKESADA MATSUTANI   

  

 

TOM BLAESS     

 

 

ENRIC ANSESA

                                          CECILE ANDRIEU    

 

 

YOON-HEE 

 

TAKESADA MATSUTANI: BEYOND THE CIRCLE. OUTER HORIZONS 2014.

jesusmc | 23 Julio, 2014 15:17

                  

 

 

 

Author :Takesada MatsutaniTitle :Beyond the Circle 2014

Technique: engravingPaper: Velin de Arches  62 x 80 cm papel  Image size: 45 x 59 cm

Edicion 30 ejemplares .

 

 

HORIZONTE ENTRE BLANCO Y NEGRO.      

 

En el año 2013 la Galería Horizon de Colera (Girona) ha cumplido veinte años. La madurez del proyecto se constata al comprobar que ha creado un estilo riguroso, abstracto,  austero, hecho del dialogo entre opuestos, entre blanco y negro que  otorga a sus exposiciones actuales una dimensión estética que considero cercana a la sensibilidad oriental. En su caso, eso que llamamos la línea de la galería no es otra cosa que la proyección estética de las inquietudes  creativas de  Silvy Wittevrongel y Ralph Bernabei, por eso, cada nueva exposición es un claro reflejo del momento artístico en el que ellos mismos se encuentran.  

 

 Cuando el año pasado presentaron el último número de la revista "Outer Horizons"  de Arte y Filosofía en el Hotel  Belvédère du Rayon Vert en Cerbère,  ví que  la portada creada por Peter Downsbrough  era un manifiesto visual de la galería. Me refiero al sutil espacio que separa el horizonte ENTRE el blanco  y el negro. Las obras de los artistas de la galería y las imágenes de la revista en la que colaboran Edvard Lieber, Gabriel, Enric Ansesa, Juan Bufill, Vicenç Viaplana Peter Downsbrough y las del propio Ralph Bernabei, son obras que exploran los límites de esos dos no-colores y de modo muy especial las cualidades de lo oscuro.     El verano de 2011 se ha confirmado  esta tendencia de la galería a través de las obras que nos han propuesto en tres magníficas  exposiciones de Lluis Vilá, Takesada Matsutani y la tradicional colectiva de Septiembre.     Takesada Matsutani (1937) nacido en Osaka y afincado en París , aborda en su actual  “Around the Circle”  dos de las cuestiones más importantes de la expresión plástica: la saturación del negro en diálogo con sus opuestos y el poder del círculo.

 

Matsutani pasó seis años trabajando en su taller de grabado, descubriendo la riqueza del color negro que ha dominado en su obra pictórica desde entonces. Sus estudios de la pintura tradicional japonesa y la técnica de pigmento y cola de hueso han derivado hacia el uso actual de la cola vinílica y el grafito. Matsutani combina la inquietud espiritual y las performances que definían al Grupo Gutai, -al que perteneció cuando en 1959, Sadamasa Motonaga le puso en contacto con ellos -junto a los espacios propios de la pintura y la litografía tradicional. Sus obras de viscosidad variable incorporan el relieve de la materia que utiliza a través de pliegues  densos y untuosos que  descienden por la tela como ampollas volcánicas movidas por la fuerza de la gravedad.  

 

El círculo es un elemento emblemático del arte japonés, pero Matsutani no lo trata como hacen los calígrafos clásicos apelando a la fuerza del gesto sino creando esos relieves sutiles, insistidos al máximo detalle que generan una sensación de ocupación total y oscura del espacio. Frente al tópico espacio blanco vacío, Matsutani vacía a través de la plenitud de un negro absoluto.    Una sensación de noble silencio recorre la sala en la que aun se pueden ver los restos de la performance inaugural. La noción de estar dentro o fuera del círculo aparecen de inmediato, haciendo hablar al espacio.  

Jesús Martínez Clará

 

 

 

 

   

 

 

 

       

 

 

  

    

 

 Fotos cortesia Galería Horizon. 

 

 

  Desde este magnifica exposición Around the Circle  (6 dAgost - 15 Septemebre 2011) en la Galeria Horizon en Colera, Takesada Matsutani ha tenido un enorme éxito. Primero en Gutai: The Spirit of an Era National Art Center en Tokyo 2012,  Galerie Richard en New York 2012 despues Gutai: Splendid Playground   Guggenheim Museum New York Feb. 15 - 8 de Mayo 2013,  y finalmente con la prestigiosa galeria Hauser & Wirth en London 18 May- 27 July 2013.

 

 

   Para el proximo número de la publicación Outer Horizons dedicado a On the Spiritual in Art, más de cien años después del clasico libro de Wassily Kandinsky, la Galeria Horizon ha elegido a Matsutani para crear la portada de este quinto numero.  Además, como en los primeros cuatro números se ha producido un grabado de edición limitada en el taller de Lupusgràfic Edicions, taller dirigido por el grabador Sebi Subiros, en Girona.   

Author :Takesada Matsutani  Title :Beyond the Circle 2014 Technique: engraving Paper: Velin de Arches  62 x 80 cm papel  Image size: 45 x 59 cm Edicion 30 ejemplares .

 

Para información sobre la venta de este edición pongase en contacto con la Galeria Horizon. info@galeria-horizon.com La publicación esta prevista de presentarlo a finales de Septiembre. Galeria HorizonFrancesc Ribera 2217496 Colera, Girona 00 (34) 972.389.185    info@galeria-horizon.com

www.galeria-horizon.com

YOON-HEE EN GALERIA HORIZON .COLERA

jesusmc | 20 Julio, 2014 21:25

YOON-HEE EN GALERIA HORIZON.COLERA  

ARTE JUNTO A LA FRONTERA. (1)

 

Cada verano se pone en marcha la Galería Horizon en Colera en el Alt Emporda, junto a los montes de Les Alberes y a un paso de la frontera con Francia. La galerista Silvy Wittevrongel y el artista Ralph Bernabei abren las puertas de su galería y de su casa a todos aquellos que quieran acercarse. Haré tres entregas en el Blog, la primera, sobre la exposición inaugural “QUIZÁS” de la artista coreana Yoo-Hee, la segunda, de la exposición colectiva “WALLS AND BRIDGES”   y la tercera, sobre la publicación de un nuevo número de la revista Outer Horizons con la edición de un grabado del artista japonés Takesada Matsutani.

   

Quizás - Yoon-Hee

  

 

La Galeria d' Art Horizon presenta la obra de Yoon.Hee por primera vez en España. La exposición consta de una serie de esculturas en bronce, así como tres grandes obras en papel con  pigmento negro sobre papel Velin d'Arches. La exposición, titulada "Quizás", se inauguró el sábado, 12 de julio de 2014, con la presencia del artista. La exposición estará abierta al público hasta el 13 de agosto. El horario de la galería es de martes a domingo 18:00-21:30. Lunes cerrado.

 

Yoon-Hee nació en Corea del Sur. Se trasladó a Francia en los años 80. A partir de ese momento empezó a exponer en Francia y Corea. Sus obras se encuentran en las instituciones públicas en ambos países (Castillo Oiron, Busan, Metropolitan Museum).

No sé si me he dejado llevar por mi fascinación por la sensibilidad oriental, pero intuyo que la obra Yoo-Hee es una verificación de principios estéticos que asociamos a la filosofía de los países del extremo oriente. Como por ejemplo, los tres sobre los que he construido este breve comentario: aleatoriedad, imprevisibilidad y respeto a la energía primordial de la forma vórtice y poder de la materia.

 

El título de esta exposición es “Quizas” y esa primera indicación menciona lo posible, lo que puede suceder o no. Sobre el principio de aleatoriedad de la materia diré que esta artista trata el metal con la facilidad del que trabaja con el papel o con la tinta. Las tres esculturas que presenta están hechas a base de estratos superpuestos que se enmarañan creando un orden interior. Parece como si hubiera querido dejar hablar al material  facilitando el camino para que este manifieste su voluntad de poner, quitar o segregar. Según dice la propia Yoon-Hee , ella trata el metal en su estado líquido, lo vierte, lo tira y se pone a trabajar  antes de que la materia se enfríe. Esto le permite dar la impresión de movimiento instantáneo con una materia que tiende a ser estática. Así se genera una estratificación donde la voluntad de la artista no se impone nunca sino que se suma a la del proceso. Es común asociar las edades del hombre con los metales y el uso del hierro, el cobre o en este caso el bronce se suele relacionar a procesos de transformación y cambio, la alquimia de la metalurgia convierte el proceso de trabajo escultórico en sabiduría.

 

La imprevisibilidad de la naturaleza es una constante en el extremo oriente del mundo, allí las estaciones son muy marcadas e intensas y las circunstancias climatológicas han moldeado el carácter de sus habitantes. Esa condición los convierte en resignados pacientes de los “caprichos” de la naturaleza y muy especialmente de los  movimientos atmosféricos. La formación de los tifones, los movimientos circulares de las borrascas o la ondulada fuerza de las olas gigantescas son una clara manifestación de lo que no podemos predecir, hay en ellos un designio maravilloso que casi siempre culmina en una fuerza destructora que ellos aceptan con resignación. Cuando hablé con la artista me dijo que vivía “ a plain aire” y pensé que la estrategia formalizadora de la naturaleza es una fuente de inspiración constante. Por eso me imagino esa especie de nidos de vida como metáforas de la energía vital y sobre todo de la transitoriedad de la existencia.

  

En tercer lugar, la energía de las  formas vórtices se detecta en el interior de estos nidos de fuerza que si bien son aparentemente simples, tienen un gran poder. En la naturaleza, la mayoría de los vórtices son de forma cónica. Los tornados y remolinos son conos giratorios. Tales fenómenos naturales ejemplifican bien la naturaleza dinámica de las formas vórtice.

 Desde un punto de vista físico-energético diría que sabemos o se nos asegura que hay en la materia una energía encerrada que se libera  y que cuando se libera puede adoptar un movimiento en forma de vórtice. Sin querer meterme en berenjenales científicos, he leído por ahí que Einstein describió la materia como energía congelada y también que el vórtice es una buena imagen de liberación  y movimiento .

He visto las obras de Yoo-Hee como manifestaciones de  energía  dinámica, de acción y de cambio. Esculturas de puro movimiento que tienen una fuerza constatable. El “chi” más allá de las palabras.

  En las obras sobre papel se aprecia ese movimiento como una línea que tiende a crear un círculo. Se constata como una línea que se enrosca sobre si misma en espiral que forma un vórtice esférico, un círculo que puede culminar en una bola de energía, en un torbellino. Las ligereza de las obras en tinta  me llevan a lo blando , a lo  suave y  me aparece la imagen de la obra  “Acromo” de Piero Manzoni, una esfera blanca de piel de conejo sobre una base de madera quemada . En las esculturas de Yoon-Hee sucede  algo parecido a lo que le sucede a un ovillo de lana,  en él, la lana orbita en una espiral tridimensional alrededor del  único punto del vórtice esférico. Con la lana se puede producir un movimiento giratorio en espiral alrededor de un punto central. Tan solo al momento de formar la bola, o también al desenrollar el hilo, se forma una representación precisa del vórtice de energía. Pienso en ese vórtice de energía y me sorprende como puede haber conseguido el efecto maravilloso de dar movilidad y ligereza a la compacta densidad del bronce.

  Por lo tanto estas obras  muestran la aleatoriedad,  la imprevisibilidad  y la energía del vórtice, tres estados temporales de la materia congelados en un momento  en el que  según la propia Yoo-Hee  aparece un punto de equilibrio en el proceso de transformación que afecta de forma permanente a todo el universo. Eso lo saben todos aquellos que beben en las fuentes del origen y frecuentan el poderío de la energía primordial.

 

Jesús Martínez Clará. Verano 2014

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Fotos

Cortesía de Galeria Horizon 
Foto: Bernard Borgeaud
 www.yoon-hee.com/avec-yoon-hee-dans-son-atelier

ARTE CASUAL EN LLANÇA PARA FRANCISCO FERRER LERIN

jesusmc | 14 Julio, 2014 19:20

                 

 

 Arte Casual 

 

 En Diciembre 2013 publiqué en este blog, un artículo sobre Francisco Ferrer Lerin con el título de “Ojo Avizor”. De ese artículo escojo este fragmento que destaca la sabiduría del arte casual propuesto por este entrañable amigo. Le ofrezco estas imágenes y se las cedo con mucho afecto para que engrose su ya larga colección de "casuals".

Sin ánimo de alardear diré que esta selección tiene el mérito indiscutible de tratar sobre pintura. Digo esto porque  es más habitual encontrar instalaciones o incluso performances , pero pintura ya es más raro. Por eso creo que estas obras espontáneas no desdicen en nada de las de algunos pintores contemporáneos como Richard Diebenkorn o Rafols Casamada.

 

.  El texto era el siguiente:   

 

 

 

FFL ha roto todos los límites, ha saltado incluso las lindes que separan tradicionalmente la cultura de la vida, todo ,con él y en él, es literatura viva. Ese es un antiguo deseo de los mejores artistas coetáneos convertir la vida en el escenario de toda creación. Él, lo ha conseguido, ha hecho de la concreción de los paradigmas científicos un caos, de la precisión un delirio, creando así un genero literario en el que todo es verosímil y falso a la vez. Es por eso que ha conseguido que la realidad misma se vuelva artística ante sus ojos. Todo se expande y contamina con su presencia. “Ahora sólo queda reconsiderar, reeducar nuestra mirada, ver simetría, composición, cromatismo, armonía en suma, en la distribución azarosa de estos vertidos, reclamarlos para apreciar en todo su esplendor la margen del olivar, la acequia hortelana, el sendero de la ermita dominguera o la orilla tortuosa del arroyo de montaña”.(5)Con ese espíritu, bajo el estandarte avizorista surge  una nueva raza de buscadores dispuestos a capturar  emociones estéticas que se encuentran de modo casual en cualquier rincón de la realidad.

 

 

     El 4 septiembre de 2011 en la página 12-13 del suplemento Cultura´s de La Vanguardia Francisco Ferrer Lerin publicó su manifiesto de  Arte Casual.(6)

 

¿Qué es Arte Casual?

1. El que se da en objetos o grupo de ellos, materiales sin vocación artística, que por su ubicación, colocación o combinación producen en el observador un placer visual sin haberlo pretendido el responsable de la situación.2. Todo lo que es capaz de crear una“emoción estética” partiendo de elementos no “naturales” pero no “pensados”, en su construcción y/o en su colocación, con “mentalidad artística”.

 

Características:1.Casualidad, espontaneidad, involuntariedad de la Obra.2.Transitoriedad, temporalidad, fugacidad del Hecho Artístico.3.Adogmático, abierto, subjetivo, infinito, impredecible, aleatorio.4. Popular, libre, democrático, público, comunitario.

 

Reflexiones sobre el Arte Casual:1. No es sarcástico; no se burla (del arte actual).2. No es revanchista; no venga una afrenta al arte.3. No es crítico.4. No es iconoclasta.5. Sino que es deudor del arte último porque éste nos ha enseñado a ver, a apreciar la descontextualización, las series, los nuevos agrupamientos de objetos, los acotamientos del espacio, los empaquetamientos, los apilamientos, el azar como fuente de placer estético.------------------------------- (5) Ibid. Ferrer Lerin.Blospot.es.comReconsideración del paisaje inmediato” Viernes 24 de Abril de 2009(6) Ibid  Suplemento Cultura´s de La Vanguardia 4-9-11 p.12-13    

 

 

El arte casual  pretende recuperar esa edad primera en la que se produce el alejamiento del suelo. Una edad inocente en la que todo consiste en avistar rastros , escudriñar la realidad , capturar  indicios.

 

“Con la edad nos alejamos del suelo, dejamos de escudriñar las marcas del terreno; rayas, manchas, pequeñas miserias aplastadas que configuran una geografía que sólo se aprovecha durante la infancia. Al erguirnos, al dejar de reptar, perdemos una información preciosa; quizá la posibilidad de esta ausencia sea la causa del miedo a transformarnos, algún día, en adultos.(7) 

 

 

  Para que exista un auténtico arte casual es muy importante el regreso a esa edad de perplejidades y sorpresas. No debe existir intencionalidad artística, sí, puede haber una motivación funcional  que lleva a alguien a cubrir unas balas de paja con plástico y neumáticos viejos o a  pintar una pared de colores sorprendentes para protegerla de humedades. Me decía Paco un día: lo cierto es que soy un tipo emocional y una mancha en la pared, sea espontánea o fruto del Tapies de turno, me produce emoción estética, placer. Y nada más, porque no hay nada más que decir “.

Las  manifestaciones de Arte Casual  son  auténticos descubrimientos , impactos visuales en el receptor .   El arte contemporáneo liberado de la obligación de representar la realidad  desde las primeras vanguardias se ha hecho  muy mental y morfológico. La intención permite que Duchamp coja un dato de la realidad: botellero o urinario y lo sacralice como obra de arte. Tan solo por la intención tan solo por la elección. Así, la forma se ha ido haciendo conceptual  y compleja. Incluso ha llegado a desaparecer en aras de una ecología objetual. La Bienal de Venecia de este año  ha premiado al artista Tino Sehgal un vendedor de momentos y situaciones a coleccionistas. Su trabajo no existe, no deja huellas, ni rastros, pero se puede vender, la compra consiste en  un contrato oral , una vez concretado, el artista explica en la oreja del comprador la idea de un trabajo del que se adquieren los derechos de producción y presentación. Además no son exclusivas, no son obras únicas. -------------------------(7)Ibid. Ferrer Lerin. Blogspot.es.com  “Alejamiento del suelo “ Sábado 11 de Febrero de 2012  Cuando un miembro del comando de las guerrillas orníticas detecta y observa un buitre leonado es capaz de apreciar su cualidad de ave, de ejercer sobre ella todas sus dotes apreciativas, queda como una experiencia fugaz como la de Sehgal, la diferencia es que en ningún momento se pregunta por la intención del autor de tamaña criatura, ni quien es el ingeniero de tanta belleza. La respuesta sería compleja y el curioso podría acabar estudiando teología, evolucionismo o metiéndose  a Masón. 

 

Los ornitólogos de campo practican el "bird-watching",  convirtiendo a sus practicantes en fervorosos buscadores de especies de aves que observan con sus prismáticos y anotan en sus libretas. El primer logro del Arte Casual es hacer lo mismo y convertirlo todo en arte , el arte no se encuentra distante como  si estuviéramos viendo un cuadro, como “Arabe y su Corcel” del paisajista Jean-León Gérôme, por citar un pintor del  gusto del escritor. El arte está en todas partes. Otro logro de Francisco Ferrer Lerin a través del  Arte Casual es que convierte a la gente en entusiastas mirones de la realidad, en candidatos potenciales para la práctica de un  Avizorismo ilustrado ejerciendo las  poderosas virtudes de la atención y la concentración de la mirada que los llevará a ser adictos del arte contemporáneo y sin apenas darse cuenta quedarán transformados.  

PAU RIBA Y EL QUADERN OBERT. LA MASSANA AL LICEU. 85 ANNIVERSARI. .

jesusmc | 29 Junio, 2014 14:23

 

QUADERN OBERT.  PAU RIBA .JORDI BATISTE. MARIA DEL MAR BONET .OSCAR FONT. JAUME MADAULA .MONT PLANS. VICTORIA PAGES .TURNEZ Y SESÉ. 

 

La Massana al Liceu. 85 anniversari.

 

 Un plato blanco e inmaculado se rompe en dos trozos y aparece la forma zigzagueante del rayo que une dos letras griegas: Alfa y Beta. El inicio y un punto entre A y B , entre ellos no solo hay una línea recta, la línea puede ser quebrada y continua siendo un alfa-beto. La lengua del arte. Ayer Sábado 28 de JUnio se conmemoró en el Gran Teatre del Liceu , las bodas de mármol , el 85 aniversario de la fundación de la Escola Massana de Barcelona. Con el título general de Quadern Obert subieron al escenario un escogido grupo de cantantes que canalizaron sus inquietudes iniciales, sus primeros gestos de crisálidas creativas en la Escola Massana .  PAU RIBA .JORDI BATISTE. MARIA DEL MAR BONET .OSCAR FONT. JAUME MADAULA .MONT PLANS. VICTORIA PAGES .TURNEZ Y SESÉ. Todos ellos pusieron música a poetas que se han acercado a la creación plástica como Palau i Fabre, Ràfols Casamada, Perejaume, Dylan Thomas o Salvador Espriu, Alexandre Tornabell entre otros. 

 

Todos los poemas merodeaban alrededor  de la forma, del color,  de la acción creativa pero solo uno de ellos se acercó al centro. No podía ser de otra manera, el concierto finalizó con una canción compuesta especialmente para esa ocasión por el genial Pau Riba.   En el texto de la canción se abordan las cuestiones fundamentales de nuestra labor en una escuela de arte, son cinco dedos de una mano. Del pulgar al meñique que sirven de indicativos para una refundación. De entrada el estribillo menciona la condición del artista y es que para serlo el neófito o candidato debe llevar en su interior el germen, el “alien”, si es así nacerá acompañado, la pedagogía es acompañamiento nunca dicción. Y ese acompañamiento se hace desde el encaje de manos, desde la cordialidad. Se da la bienvenida al  mundo del arte. El índice cuando se despliega es para desvelar caminos, atajos y formas para su inquietudes. Para ello se ha de escuchar la voz de la necesidad del candidato.El dedo medio es troncal, en él reside la protección para aquello que es fundamental en la creación y que Pau Riba conoce bien, me refiero al destello relampagueante que produce la piresis de toda creación. El incendio en un dedo que erguido se convierte en el gesto de máxima provocación. Ahí residen los sueños, lo mitos, los símbolos desconocidos. El pulgar destroza, es rudo y combativo, ayuda a coger la herramienta sea pincel o hacha. El dedo anular se presenta como el depósito de la necesaria experiencia, la voz que  el neófito le cuesta más de escuchar porque ahí residen los ritos. El lugar exacto en el que deben colocarse los anillos de poder del arte.Por último el meñique es el dedo de la perplejidad, con el nos podemos rascar la cabeza en señal de reconocimiento tal como yo hago con Evru cuando me lo encuentro. Un gesto arcaico, simiesco pero repleto de la acción fundadora del arte. 

 

   Esta canción de Pau Riba es un acierto que propongo como fundamento de un nuevo himno para la refundación de la Escola Massana desde este significativo año del 2014.

   

La mà sana

 

Tot lluc, poll, cadell o crisàlide d'artista necessita i vol per ell una mà sana que s'encaixi bé amb la seva

i li digui: hola, benvingut al món de l'art

 (fetus d'art que el neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat ai, ai, ai, ai, ai, ai, ai, ai)  

 una ma sana amb (1 ... !) un gran índex desplegat que li indiqui formes, dreceres, camins amagats ...

  

 (fe tus d'art que el neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat mà, mà, mà, mà, mà, mà, mà, mà)  

 una ma sana amb (2 ... !) un dit del mig parallamps que li aguanti la carpa dels somnis esclatants

 

 (fetus d'art que el neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat no estil de més tenir-la a mil)  

una ma sana amb (3 ... !) un polze rude i combatiu que s'afarti

d' aixafar-li nius d'ous nocius

 

 (fetus d'art que el neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat mil que et pot fotre un cop de mà)  

 

una mà sana amb (4 ... !) un anular savi i vell

que li mostri com fer les coses, com dur els anells

 

 (fetus d'art que el neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat ma que et prepara pel demà)  

 

una mà sana amb (5 ... !) un dit xic eixerit que en rascar-li la closca li'n tregui profit

 

 (fetus d'art que el neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat)  

 

tot lluc, poll, cadell o crisàlide d'artista necessita i vol per ell

una mà sana que s'encaixi bé amb la seva

i li digui: hola, benvingut al món de l'art

 

 (fetus d'art que el neòfit porta a dintre, fetus d'art que vol néixer acompanyat ai, ai, ai, ai, ai, ai, ai, ai)

 

Lletra i música: Pau Riba

Pau Riba: veu i guitarra

     

HISTORIA DE LA MEVA MORT DE ALBERT SERRA EN LA ESCOLA MASSANA

jesusmc | 22 Marzo, 2014 10:28

HISTORIA DE LA MEVA MORT DE ALBERT SERRA.                

                  

 

El pasado día 19 de Marzo se organizó  un acontecimiento no convencional y con propósito especulativo en la Sala Gótica de la Escola Massana. Una charla con Albert Serra, el hombre de moda, organizada por el CFGS de Escultura y Joan Navarro responsable del Departamento de Artes Visuales y en la que participaron junto al  Director de Cine, Gabriel Escultor y Jesús Martínez Clarà .

  Gabriel abrió el acto con la lectura del texto “La Casa de Asterión” un capítulo del Aleph de Jorge Luis Borges. Sabemos que Asterión es el nombre propio de Teseo , el Minotauro, cautivo en su laberinto que vive solo,soberbio, misántropo y loco. Aunque las puertas están abiertas a todos ,allí hay silencio y quietud. Asterion vive con el convencimiento de que es un ser único y no le interesa lo que un hombre pueda transmitir a otros hombres pues desconfia absolutamente de la capacidad de poder comunicar algo y mientras está pendiente de la llegada de aquel que lo ha de redimir. La descripción de Asterión y el espacio en el que habita se convirtió con la lectura de Gabriel en una resonante alegoría del creador puro que se encuentra más allá de su condición humana.  Mientras leía ese texto aparecía ante mí una de las escenas más dramáticas de la película de Albert Serra me refiero a la escena en la que cortan con hacha y serrucho el morro de la cabeza de un astado muerto. Siempre hay alguien que desea vengarse de Teseo tal y como se demostró en el turno de preguntas no se tolera la independencia del creador cuando frívolamente se aludió a la frivolidad del invitado.

                  

 

 

 

Tras la lectura se inició la charla y en ella Albert Serra abordó todo tipo de cuestiones propuestas por los interlocutores con una eficacia y soltura propias de quien tiene un cuerpo de trabajo, un bajo continuo bien definido a partir del cual  puede generar todo tipo de improvisaciones dichas con verdad e inocencia. A continuación publico el material de trabajo que no desplegué totalmente en la conversación del día 19, era impropio ante tan genial improvisación por parte del director de cine, por su capacidad dialéctica y a quien hay que reconocer parentescos con aquellos otros artistas, que como Dalí, han sido clasificados de “idealistas, oportunistas y mercuriales”.    

 

 

 

Presentación.  ..... onderque fetonandes parargo polimeni etexandromes ... ormal ... ormal .... etquiesquemes mita ..... nonaum neas . 

 

Es preciso recordar a una escuela de arte que las palabras son vehículos necesarios pero no suficientes para acercarse a lo fundamental. El retorno a los hechos, reclama las evidencias de lo que cada uno de nosotros es capaz de hacer, los hechos hablan, de ahí el importancia de abrir las puertas a los hacedores como Albert Serra y cerrarla  a los especuladores del arte , como yo mismo . Cuando la lógica quiere imponerse en exceso, considerando su presencia en ocasiones útil, debemos ser capaces de decir no, y detenerla. La radicalidad lógica hace que aparezca el caos en la exactitud, el desorden en aquello que quiere ser demasiado concreto . Surge el caos de la concreción en palabras de mi querido amigo Gabriel La dualidad es la trampa de los lógicos, esto es, esto no es, luchando con esta dictadura nació la palabra interdisciplina o transversalidad que quería romper con las distinciones duales: esto es pintura , esto es cine , esto es literatura , ahora esta palabra ya no dice nada a nadie por que ha sido capturada por los académicos y adoptada por los filisteos . Aún así debemos continuar buscando el mismo estado de no diferenciación. Más allá de la dualidad de lo que es frente a lo que no es . Creo que esto lleva a una comprensión profunda del arte y sus formas. Ante la mayoría de las películas de Albert Serra, del arte de Gabriel o de mi palabra, aparece la pregunta : ¿Qué es esto? Nos preguntamos, la respuesta es: esto es esto, pero la respuesta también es esto no es esto. Las cosas verdaderas se conocen en su afirmación y negación a la vez y este “desiderátum” riguroso, tan exigente, la lógica es incapaz de entenderlo. Todo lo que aparentemente parece irracional convoca las potencias forjadoras del alma. El arte no obedece a pautas de comprensión convencional , es una manifestación profunda de la energía primordial que da la esencia a todo lo que sabemos . Por esta exigencia , nos encontramos con que los procesos pedagógicos de los pedagogos del arte cada vez más son incapaces de alcanzar lo que el arte posee como verdad absoluta , incapaces de alcanzar su poderoso enigma . El Altaió es Casanoves , el Altaió es el Altaió , el Altaió no es el Altaió . Esta es una auténtica subversión , superadas las antinomias y las trampas dialécticas los hechos se contemplan en sí mismos , la forma del arte ha sido liberada , y con ella Albert Serra , ya no la usamos para explicar, narrar , convencer , estudiar nuestro comportamiento social o antropológico , ya no es un vehículo de nada. Ya no hay representación , hay presencia  y presentación . La mejor manera de ponerse delante de la obra y ante el mismo Albert Serra es pensar que estamos ante un espejo y que la única manera de corresponder es convertirnos nosotros mismos en espejos . Utilizar las mismas herramientas que él utiliza y sin ninguna oposición dialéctica nosotros nos convertimos en él ,y así, diluida nuestra resistencia dejamos entrar la magia de su trabajo :  deberíamos corresponder el silencio con el silencio , los tiempos largos con temporalidades infinitas , sus delirios con los nuestros .... y recuperar el habla ultra autárquica y hermética de la forma que no se deja expugnar por los académicos y se libera de sus servidumbres domesticadoras, sí, y de cualquier posible interpretación . Hablará así el principio de la potencia que excede toda potencia , el principio que no tiene principio , cuando el silencio habla surge la energía primera , la fuente de donde brota todo, aunque no sea posible darle nombre ..... onderque fetonandes parargo polimeni etexandromes ... ormal ... ormal .... etquiesquemes mita ..... nonaum neas .  

 

 

La película: la realidad clásica versus la imaginación romántica.

 

 

 Estamos en la sala gótica, en el refugio del lobo, en el nido de la Licantropia. Licaón en las Metamorfosis de Ovidio se convierte en lobo. Los lobos en la película de Albert Serra devoran el cuerpo yaciente del buen Pompeu, sirviente de Giacomo Casanova en la ficción.   La nocturnidad y el amor , la posesión dramática de lo que es estimado , forma parte de la imaginación romántica . Los mitos del terror son auténticas figuras recurrentes de todos los tiempos en los que el amor y la posesión aparecen como destinos inevitables. Por lo que he creído ver en la película y escuchado decir al propio Albert Serra, deduzco que le gustan las dualidades .En  sendas entrevistas ha reconocido que le atrae tanto lo que es terrenal, como lo celestial y que su método se basa en unir la estructura más rigurosa con la indeterminación y el azar, una improvisación guiada  por la inocencia. En su “Historia de la meva mort” aparece la dialéctica entre el principio de realidad de una época clasicista, hecha de verificaciones, de evidencias, forjada en las ideas colectivas, las costumbres, el contexto y la revolución  frente al inicio de la vaporosa modernidad romántica, nutrida por un subjetivismo extremo, la noche orgiástica y el caos de la indeterminación.

Casanova debería ser considerado sin duda como el primer escritor de costumbres moderno. Escribió Historia de mi vida y Albert Serra le ha correspondido escribiendo su Historia de mi muerte.  A Albert Serra no le gusta la representación y es conocida su opinión contraria a la labor del actor a favor de los amigos y conocidos que a modo de  “Performance” improvisan y crean su propio personaje y diálogos. Las situaciones dramáticas se crean  a partir de las presencias de los personajes y él mismo, citando a  una crítica francesa reconoce que su obra se basa en  una Dramaturgia de la Presencia.

                           

 

                             

En un alarde de capacidades interpretativas, descubrimos a un Vicenç Altaió magnífico. Mejor dicho: no interpretando, sino siendo la raíz misma del hombre que desea ser, convirtiéndose en  un modelo del principio de realidad de toda una época. Un Casanova que desconfía del melancólico poeta romántico incapaz de pasar del séptimo peldaño en su ascensión hacia lo sublime. A pesar de que no parece existir una estructura convencional en la película hay dos partes bien diferenciadas. En la primera se impone el principio de realidad, las micro explosiones ruidosas de los granos rojos de una granada o un racimo de jugosa uva explotando en la boca. Un primer plano de la cara de Casanova nos dice cuales son los auténticos placeres  de aquel hombre que es capaz de defecar con alegría, risa y dolor. ¿dónde está la esencia del placer?  Un hombre grosero que rompe cristales con su cabeza mientras hace el amor a una doncella, capaz de desvirgar con su mano a una joven como quien hace una exploración vaginal. El escritor de costumbres, el escritor de realidades hace honor a una época de revolución en el que el principio de realidad, el nosotros revolucionario, el siglo de la luz y el pragmatismo. Debo recordar que siempre he dicho y en ello trabajo desde hace mucho tiempo que el paradigma del clasicismo crea unos de los dos principios fundadores del arte moderno. Aquella línea sutil que se funda en la objetividad formal, en el orden y la belleza de la geometría con la apoteosis del objeto, una actitud de hechos y mensurabilidad enfrentada al contra paradigma romántico hecho de noche, subjetividad, desconcierto y caos.

  El Mito de la Noche.- 

 

 

 

                

                  

 

En la segunda parte aparece el vampiro ,la nocturnidad y el amor, lo que delata al príncipe de las tinieblas, más que unos poderosos colmillos, es su hieratismo y su peinado . La posesión dramática de lo que se ama  forma parte de la imaginación romántica . Los mitos del terror son auténticas figuras recurrentes de todos los tiempos en los que el amor y la posesión aparecen como destinos inevitables .  La película de Albert Serra es genial, individual, resultado de un método y una estética propia pero es también  apropiacionista, en el sentido epocal del termino y confirma el resurgir periódico del mito de la noche. La figura del vampiro es una de las claves iconográficas populares más significativas de estos tiempos de transición y crisis desde la magnífica versión de Bram Stoker 's Dracula de Coppola de 1992 hasta la moda juvenil que recientemente ha convertido a los vampiros en ídolos de culto con películas protagonizadas por Robert Pattinsson , Kristen Stewart y Taylor Lautner , basada en la saga Crepúsculo una historia de vampiros juveniles creada por la escritora estadounidense Stephenie Meyer.

 

       Desde la edad antigua vamos recibiendo periódicos resurgimientos de los valores de la noche, desde que  Nictimine, que siente un amor criminal por su padre, se ve obligada a abandonar la ciudad de Lesbos convertida lechuza , el pájaro de la noche en perpetua fuga de la luz del día. Por cierto es obligado decir que un capítulo relevante en el film es cuando una de las protagonistas se venga del padre azotándole hasta la extenuación en cruel venganza por un motivo no revelado.     Hace unos años en pleno apogeo posmoderno publiqué en La Vanguardia un artículo sobre  un vídeo realizado por Joan Pueyo y E. Vidal - Folch : " En busca del Compte Arnau ",en él se volvía a confirmar  este ritual epocal y  ponía de manifiesto que los nuevos medios tecnológicos no eran incompatibles con las antiguas inquietudes .Le mencioné esta referencia y me dijo no conocerla, pero es interesante la aparición  cíclica en nuestra cultura “assenyada” del mito “arrauxat” por excelencia y paradigma de la esencia del romanticismo.             Fue la romántica Víctor Balaguer quien configuró al Compte Arnau como príncipe de la noche , y quien puso nombre a la abadesa enamorada : Adalaisa . La activa imaginación romántica de Balaguer hizo levantar de su tumba al conde en busca de Adalaisa , los perros en cacería nocturna , enardecidos por el rastreo , persiguen a los amantes hasta alcanzar, los arrastran , los destrozan y la sangre mezclada de las dos víctimas forma una balsa , y en ella se entretienen a beber los perros . Esta cacería infernal se repetirá cada noche de difuntos a la luz de la luna . Una ceremonia cíclica que lleva regularmente el recuerdo de aquellos que no reposan nunca. El amor y la seducción de Casanova son juegos groseros y lúbricos frente al amor del vampiro. Me parece evidente que todo mito revive y se manifiesta en cada ocasión que se vuelve a narrar . Este proceso mágico de resurrección lo corrobora el propio Maragall, cuando sin miedo a parecer un alucinado , confiesa haber sido visitado por el legendario personaje en varias ocasiones . La cacería extravagante e infernal descrita en el Compte Arnau es una síntesis de amor , mordedura, sangre y posesión . Un ritual que se repetirá cada noche de difuntos , como una ceremonia necesaria a la luz de la luna . Como una "sed non satiata " a la bebida sangrienta , los perros se apoderan de lo que quieren , y nuevamente aparece el tema del amor como posesión .      El " gran enamorado " quiere chupar , oler la sangre de su víctima , fagocitar lo más profundo de su ser . Drácula le dice a Mina Harker : " De ahora en adelante vendrás a mi llamada " , es así como la voluntad del enamorado está supeditada , anulación • lada por la pasión que lo domina y que le obliga , una y otra vez , a abandonarse a la voluntad de quien es su Amo.      Ya he dicho que en el ataque del vampiro casi nunca hay resistencia , la víctima durante la mordedura y también después de ella se deja hacer . Este abandono de la voluntad permite dejarse penetrar por las cosas , permite esta integración con la realidad que caracteriza el estado de enamoramiento y que se da después de la mordedura del vampiro . Es un momento en que todo se pone en función de la misma cosa : se sueñan mutuamente y se entienden telepáticamente , y de esta manera todo hace referencia al enamorado , se obedece una ley ineludible que constituye a la vez la fuerza y ​​ la debilidad de los amantes : " si tu corazón está herido , sangra mi también" , dice Carmilla a su " víctima" . el vampiro vive en medio de una gran tristeza la exuberante vida del amado : ... " y tú morirás , morirás dulcemente por mi . es inevitable . así como yo me acerco a ti , tú , a tu vez , te acercarás a otros y aprenderás el éxtasis de la crueldad , que es una forma de amor " .    

 

  Si la posesión del amado supone , como vemos , la posesión de parte de la realidad , es lógico que este deseo de integración se de por la vía de la mordida y de la succión de la sangre . La digestión de la sangre es similar al acto de canibalismo , dando por supuesto que la ingestión de partes del cuerpo de una persona permite apropiarse de las facultades con que esta persona estaba dotada . Los mordisqueos entre los amantes y las expresiones cariñosas relacionadas con el acto de devorar son bien conocidas y comúnmente utilizadas.       Pero, ¿qué busca un hombre así ? La posesión es un término del estado de enamoramiento que se manifiesta en la succión de la sangre , en la mordida misma : es la succión de la vida . Los labios sangrantes son como el carmín de labios de mujer, o la laca en unas uñas rojas: todo alude a la pasión. Y entonces Casanova cierra los ojos y muere.         

BREVE REFLEXIÓN SOBRE EL TIEMPO EN LA PINTURA.

jesusmc | 16 Febrero, 2014 21:16

                  

Breve reflexión sobre el tiempo en  la Pintura: Los alumnos de Arte   presentarán sus trabajos de fin de ciclo en el mes de Abril. En ese momento expondrán sus obras y desarrollarán los contenidos conceptuales ante un tribunal de profesores. Hasta aquí como cada año por estas fechas. Pero, el hecho es que en esta ocasión  se  están mostrando muy inquietos por el tiempo que cada uno de ellos tendrá para su exposición . El coordinador les ha comunicado que los días son 7,8 i 10, y que hay una media de 8 alumnos por día, 10 minutos de montaje i 20 minutos de presentación por alumno dado que no se puede  paralizar toda la semana de clases. 

Sin quererl, los alumnos han suscitado uno de los viejos problemas del arte: la relación de tiempo entre autor y público, entre hacer y ver. La contemplación estética no está sometida a temporalidad alguna, incluso algunos dicen que la belleza es la experiencia recordada en tranquilidad unos años después. Pero cuando queremos hacer del arte, no una experiencia transformativa sin límite de tiempo, en un trámite académico, aquí, vienen los problemas.

                        Foto de Laura Poblet.

 

Yo, hace tiempo que no quiero participar en tribunales, ni concursos, porque sé que la mirada de los especialistas que decidirán el futuro de un artista se lleva a cabo en apenas unos segundo de mirada superficial. Cuando los alumnos nos presentan los trabajos en la clase sucede lo mismo, correspondemos de modo breve al esfuerzo que no siempre se encuentra tras los trabajos que evaluamos. El otro día asistí, por casualidad a la presentación de un trabajo magnífico de M.M. Se trataba de unos 50 o más pequeños cuadros que la alumna de Grado, había hecho y que presentaba ante los profesores y alumnos en un cubículo que hay en medio de un pasillo de la Escuela.  La verdad es que fue un visto y no visto. Ya entonces empecé a pensar en la desproporción de tiempos. Mi amigo Isidre Manils trabaja meses en una de sus obras y luego el crítico más sensible le dedica y ya me parece mucho diez minutos para argumentar algún comentario inteligente. Josep Madaula espera la hora de luz adecuada del día para pintar y vuelve una y otra vez , yo con mi gesto caligráfico estoy unos segundos para que se manifieste una maravilla que casi nunca aparece. Un trazo último, definitivo.

Chillida decía , citando a Hokusai que su anhelo sería , al final  de su vida, tan solo hacer un minúsculo punto sobre el papel. Ya está. Un segundo y toda la vida contemplando. Por eso , los alumnos , sin desearlo, han tocado el nervio más sensible del cuerpo del arte y eso, siempre duele. 

GONZALO TENA ASESINA A GERTRUDE STEIN

jesusmc | 27 Enero, 2014 12:43

GONZALO TENA ASESINA A GERTRUDE STEIN   

 

 

Como ya he dicho en numerosas ocasiones, el artista hace lo que le da la gana. Y eso me parece bien.El caso más reciente está en Gonzalo Tena quien después de años de dedicación fervorosa a Gertrude Stein le rinde un postrer homenaje liquidándola de su vida artística. Los exégetas nos hemos quemado las pestañas interpretando el vínculo entre Gonzalo y Gertrude y ahora va y la mata. Ese quiebro hace surgir esa expresión tan bonita en español antiguo de : donde dije digo digo diego. Es decir la cantidad de tinta que hemos gastado en entender  su fascinación por Gertrude queda ahora en agua de borrajas. En dos sendas ocasiones he hecho una cuidadosa aproximación a esa relación mórbida entre G y G.  

 

http://jesusmartinezclara.balearweb.net/post/85900http://jesusmartinezclara.balearweb.net/post/92328

en un fragmento del texto Presente Continuo  de su exposición :BEING   en el Torreón Fortea de Zaragoza, yo ya intuía que eso de disolver los sujetos era algo que gustaba a Gonzalo y escribí lo siguiente:  

 

  Contra el Yo.      Cumplida la descripción provisional de la obra, el exegeta quiere ejercer su derecho a la interpretación de estas obras y aquí aparece un nuevo desafío. Gonzalo Tena , como Gertrude Stein, se acerca con su obra a esa sensibilidad, digamos oriental que hace actuar los dos partes del cerebro a la vez, tal como insinúa la obra “The relation of Human Nature to the Human Mind” (2007)  en la que corazón (Human Nature)  y  mente (Human Mind) están formando parte de la misma expresión poética y pictórica.     Una parte del cerebro exige que  ante las obras con texto, con palabras pintadas de Gonzalo Tena se despliegue la batería argumental que ofrece la razón, extender toda suerte de desarrollos teoréticos, encadenar las palabras de un discurso que ayuden, a una mejor comprensión de su significado y  así ser culturalmente correcto. Si hay palabras, corresponder con más palabras. Es decir: romper el cristal.        Esa primera tentación crearía un ensordecedor estruendo y una violencia injusta pues, la principal tarea del intérprete es atravesar el cristal de la obra sin romperlo. Ser discreto.    La segunda parte del cerebro aconseja  que las obras de Gonzalo Tena  no deben ser argumentadas, no quieren afirmar la seguridad dominadora de especie sobre la cultura y el conocimiento humano, muy al contrario quieren eliminar el sujeto, pretendiendo desmontar los bastiones identitarios, tanto de quien las ha hecho , como de quien las mira.     Por eso, el ejercicio de su interpretación, no sería otra cosa que la afirmación egolátrica del intérprete, creyendo que solo él y el autor saben lo que la obra esconde. No es así. En una obra llena de cultismos referenciales la ignorancia administrada en conciencia, deviene virtud y no defecto. Es un paso más hacia la eliminación de la autosuficiencia del yo y del intérprete. Ahora , a propósito de su nueva exposición asesina, otro incauto y confiado exégeta ha escrito un magnífico texto que reproduzco a continuación. Pobrecillo, no sabe que a las primeras de cambio va Gonzalo y hace resucitar a doña Gertrud o la reencarna en un dibujillo digital, que parece que le está tirando. 

 

 

 

  Killing G de Gonzalo Tena en la Escuela de Arte de Teruel  El asesinato como parte del proceso 

 

 

El punto de partida de Killing G se halla en la colectiva Encajados, una exposición alternativa que puso en contacto a artistas turolenses y zaragozanos. En esa muestra Gonzalo Tena presentó un personal ready made: una voluminosa y pesada caja, rescatada no sin esfuerzo en lo más profundo de un desván, y cuyas tapas apenas se podían cerrar dejando entrever unas polvorientas toallas. Esa caja contenía la obra realizada por el pintor en torno a Gertudre Stein entre 2007 y 2008. De lo que ocultaba-mostraba ‘Redimeid (Prontohecho)’, titulo dado a la caja convertida en obra de arte, solo fueron verdaderamente conscientes quienes transportaron la caja.A primera vista en Killing G Gonzalo Tena plantea un ejercicio de iconoclasia radical, pues tras el rescate del desván de las obras decidió intervenir sobre ellas, aplicando gruesas capas de acrílico sobre la imágenes anteriores, ocultando el pastel original, las palabras entresacadas de los textos de Gertudre Stein e, incluso, su propia firma. Cuando comentó entre su círculo más próximo en lo que estaba trabajando reaccionaron como auténticos iconódulos, adoradores de la obra del pintor turolense, con extrañeza y algo de tristeza ante la destrucción de una serie importante en la trayectoria del artista, parecía que el propio autor en un ejercicio de travesura y desapego estaba emulando a los niños malos del arte británico, los hermanos Dinos y Jake Chapman, cuando pintaron caras de payasos sobre grabados originales de Goya.

En realidad nada hay mas alejado del pueril y mediático gamberrismo de los Chapman que el último trabajo de Gonzalo Tena. En Killing G, el pintor parece matar a su adorada Gertudris (más de uno a interpretado que la G hacia referencia al propio Gonzalo y no a la escritora norteamericana) tras mas de catorce años de fecunda relación artística y la entierra bajo una pintura grumosa y densa, de colores chillones, oro y plata. Este aparente ejercicio de autodestrucción, de harakiri artístico le permite desentrañar y sacar a la luz las tripas de un principio clave en su pensamiento pictórico: La pintura como proceso dialéctico de conocimiento, que ya no ofrece objetos terminados (cuadros) sino estados, etapas de un pasaje, de un proceso. Un concepto de la pintura formulado por el pintor en los años setenta dentro del grupo de Trama, y al que ha permanecido fiel durante toda su trayectoria. En Killing G, Gonzalo retoma el sendero partiendo de su obra anterior y continuando un proceso creativo como constante work in progress, sin un final previamente establecido ni buscado. Para ello recurre, acorde a sus últimas pesquisas, a una formulación cabalística y alquímica. El propio artista ha señalado que en la cábala tapar una palabra supone romper su sentido, dejarlo velado, escondido. Pero a la vez lo que se oculta reverbera, permanece tras su desaparición. La densidad de la superficie pictórica no es sino fruto de la fuerza interior de lo que cubre, que como el magma de un volcán presiona por emerger deformando hasta casi romper las capas superficiales, transformando la esencia de los materiales con los que entra en contacto. El magma que metamorfosea la superficie no es otro que la propia Gertrude Stein, rediviva por que tachar muchas veces se convierte en otra manera de subrayar.

                                                                            Ernesto Utrillas ValeroFotografías de Luis Loras    

 

 

PD. Mi relación en la distancia con Gonzalo Tena me confirma que tiene poderes. Justo cuando estoy redactando este Post. Me llama el cartero a la puerta , me trae el último número de la revista TURIA, el Nº 108, la del 30 Aniversario, con portada e ilustraciones del propio Gonzalo. Mágia Telemática.

    

        

 

  

 

   

 

 

 

     

PAISATGES EN SILENCI: PEP ÁVILA

jesusmc | 27 Enero, 2014 00:20

PAISATGES EN SILENCI: PEP ÁVILA   

 

 

 

La presencia de la bruma, la neblina y el rocío esconden el “esto” y el “aquello”. Aparece así, la sutil frontera o mejor llamémosle quicio entre lo que es y lo que no es.   Aquí, sucede  tal como dice  Aristóteles que dice Anaximandro que el  “apeiron” nombra todo aquello que es ilimitado, indefinido, indeterminado , algo así como  una especie de nebulosa, como el primer  estado del Ser.  La seducción de estas imágenes se encuentra en la negación y la afirmación , proponen al que mira  el ver y el ocultar al mismo tiempo.

El paisaje verifica lo que las cosas son en sí mismas: la piedra, el árbol, una casa…un valle o el perfil de una montaña aseguran su existencia  material absoluta y a la vez son capaces de intrigar al espíritu, son capaces de desaparecer y negarse en el momento captado por el fotógrafo que las ve diluyéndose entre la luz y la bruma. Si esto sucede, la naturaleza se nos presenta en su auténtica verdad y es entonces cuando encontramos la virtud de las virtudes, aquella que reúne lo que estaba destinado a estar separado. La suprema unión se fortalece por la mirada de aquel que ha sido capaz de comprender esta doble condición, su nombre es: Pep Ávila.  

 

Jesús Martínez Clará   

 

 

 Para visionar las imagenes ir a:           http://pepavila.com/landscape/

FRANCISCO FERRER LERIN : OJO AVIZOR

jesusmc | 26 Diciembre, 2013 23:47

ferrerlerin.caminosdepakistan.es  Artículo publicado en la Revista de Literatura Caminos de Pakistan nº7

 

 

 

OJO AVIZOR.

 

 

    Un escritor es un buen observador  y eso no sorprende a nadie. Su mirada se dirige a todo lo que se mueve, a lo fijo, al detalle mínimo, al sudor discreto en el vello labial de una joven o a una geografía.

Tras la mirada atenta hay una experiencia intransferible, un gozo íntimo,  luego se trata de encontrar las palabras adecuadas para escribirlo. Francisco Ferrer Lerin en su prosa y en su poesía ha demostrado con creces su capacidad de convertir su mirada en palabras y eso, le ha llevado a tener una presencia relevante en el exigente círculo de la literatura.

Desde hace treinta años ha utilizado sus dotes de escritor para cruzar la frontera de los géneros y se ha dirigido con total decisión hacia el territorio del arte, así como, en su día , franqueó una distancia aun mayor, una barrera auténtica, aquella que separaba la ciencia biológica de la palabra poética.

Mi propósito no es otro que demostrar sin duda alguna  que en su escritura , en sus dotes de observador y en su biografía ya se encuentran los fundamentos de un arte de la mirada.

Toda la literatura y la actitud vital de F.F.L está impregnada  de las virtudes de lo artístico. No lo digo solo por su interés por  Guston, Jean-León Gérôme, Pep Duran o Beuys sino como un verdadero escrutador de lo real,  con ojo avizor está siempre alerta, buscando  indicios, rastros de todo tipo, interesado, atento, expectante como un perro de caza acecha su presa. Así, se ve a sí mismo  en su Blog  con un post de Jueves 9 de Diciembre de 2010: “Comencé a sentirme braco en 1986.Cabeza bien cincelada. Labios bien ajustados, bien pigmentados . Pelo corto, raso, apretado, seco, duro al tacto, ruano. Cobrador. Eficaz en el pantano.”  Por si esto no fuera signo suficiente de avizorismo activo hay que añadir la veloz habilidad del  que gusta seguir a los pájaros con prismáticos, una cualidad que se manifiesta también en la rapidez convulsiva de su narrativa.

Creo que sería interesante analizar toda la narrativa de FFL buscando esos rastros, esos indicios de buen cazador de presas artísticas. Pues en ellos existe este vínculo inevitable de cualidades literarias y visivas. A modo de muestra, he querido ejemplificar sus cualidades en este breve fragmento de escritura, en él, se encuentran los lemas claves para una visión artística: una alusión a la luz del momento en el que transcurre  la acción, una ubicación espacial , una constatación del territorio, un balcón para ejercer el arte supremo de la visión, un paisaje y un fondo. También hay direcciones descensos, planos deprimidos, presencias verticales (torre) y una final alusión a un promontorio, un nuevo observatorio. Es este:

 Voy a pasar aquí la noche. Me sitúo en diagonal, cara al nordeste, sobre una faja de tierra apisonada que hace de mirador. A mi izquierda el abismo, con las montañas aún con nieves en las cumbres- de telón de fondo. Enfrente, la carretera descendiendo bruscamente hacia la depresión media. A mi derecha, el puerto de Monrepós con sus indicadores, una torre de comunicaciones telefónicas y un pequeño promontorio.”(1)

 

 

 

 

 

Ver y Espiar.-

 

 

 

 

    El camino que ha escogido FFL le conduce, irremediablemente : al arte de ver.  Las artes visuales exigen una actitud cercana al “ voyeurisme”.Hay mucha curiosidad insatisfecha en el que mira artísticamente pero también en el que estudia los pájaros, eso lo convierte en un nuevo maestro de la mirada y así , entre pájaros y situaciones surge en la narrativa de FFL la figura del Mirón.

Es sabido que  el Mirón ejerce una acción sobre su presa visual, tanto si es un alimoche o una mujer tras una persiana, tal como describe el autor. Quizá la única diferencia sea el ir vestido  o desnudo:

    En el primer caso botas de campo, pantalón amplio, el traje de tonos guerrilleros que  permite el camuflaje y prismáticos colgados del cuello. Luego, establecer la distancia precisa para el avistamiento. Se puede decir leyendo a Ferrer Lerin sobre la cuestión que hay dos tipos de mirada la que permite ver sin auxilio de ortopedias ópticas o la inevitable aproximación prismática que intenta la aproximación a una realidad distante.

En el segundo, ni pantalones amplios ni chalecos, ni nada, tan solo un cuerpo desnudo: Un mirón mira desde detrás de una persiana. Mira a una mujer que se halla en una habitación cuya ventana queda cerrada por una persiana. De persiana a persiana. Cuando lleva varios meses mirando a la mujer descubre que la mujer le mira. También ella es un mirón. El problema del narrador es hacer absolutamente comprensible su narración. Aparatos ópticos: prismáticos, catalejo con trípode. El lugar de trabajo del mirón: vivienda sin muebles, excepto una cama y las sillas tras las ventanas; oscuridad y temperatura adecuadas. El mirón va desnudo”.(2)

En los datos ciertos o inventados, nunca lo sabremos, que maneja F F.L. en sus obras y en sus presentaciones públicas se encuentran  los de sus lances de amor , juego y espionaje.

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1.  Fancisco Ferrer Lerín  , “Familias como la mía” p.93

2.  Ibid., FerrerLerin.Blogspot.es.com. Lunes, 28 de Enero de 2008

En cualquier caso siempre con ojo avizor,  ejerciendo esas tres artes de la vida con atención y vigilancia. Actitud esta que le lleva a cultivar esos  delicados territorios en los que hay un riesgo potencial mayor, se accede de la mirada a la acción. En ocasiones alrededor de una bombilla a media altura que da la luz suficiente para enmarcar los bordes de una mesa redonda cubierta por un tapete verde se desarrolla la ceremonia del azar inteligente, la mirada del jugador de  póquer exige ocultación y disimulo. De vez en cuando un rito sexual con desbordantes escenas en las que el semen se confunde con la sangre. En ese clima surge la figura máxima del hombre que mira: el espía.

Del espionaje, el propio autor ha dado señales que parecen ir más allá de lo literario. En algunas imágenes  de FFL se ve un hombre que camina, otros lo protegen, parecen acompañarlo, están  vigilantes, sobre aviso, alertas, como si algo pudiera pasar en cualquier momento. El protegido lleva un maletín rojo. En otra ocasión narra el atentado de Carrero Blanco con la precisión del que ha participado. (3)

La sensación de leer a un autor de acción y mirada se refuerza con una imagen que guardo en la retina  y que me causa profunda  sensación de riesgo vital y aventura cuando la recuerdo; es una foto de FFL de 1959 en la que se le ve a los pies de un aeroplano Hispano Aviación HA 200 Saeta. Moderno, lustroso, con el aspecto de un avión destinado a grandes proezas. Junto a la primera evocación: volar como los pájaros que  deshecho por evidente, me aparece otra. Me fascina esa fotografía por el carácter moderno de la imagen pienso en los aviones del pintor futurista Tullio Crali lanzándose en picado sobre la ciudad, pero sobre todo  vuelve a aparecer alguien con el ansia observativa del que avizora, del que vigila, ahora desde las alturas.

 ” Una azarosa circunstancia (y las buenas artes de la doble agente N.C.B.) han permitido encontrar la base de operaciones de la pareja de espías durante esos veintidós años: hangar para hidroaviones en el puerto de Lubeca” (4)

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(3) Fancisco Ferrer Lerin. “Familias como la mía”, p.181 y ss.

(4) Ibid. Ferrer Lerin. Blogspot.es.com. Sábado 13 de Febrero de 2010

 

 

 

 

 

Arte Casual

 

 

 

 

  FFL ha roto todos los límites, ha saltado incluso las lindes que separan tradicionalmente la cultura de la vida, todo ,con él y en él, es literatura viva. Ese es un antiguo deseo de los mejores artistas coetáneos convertir la vida en el escenario de toda creación. Él, lo ha conseguido, ha hecho de la concreción de los paradigmas científicos un caos, de la precisión un delirio, creando así un genero literario en el que todo es verosímil y falso a la vez. Es por eso que ha conseguido que la realidad misma se vuelva artística ante sus ojos. Todo se expande y contamina con su presencia.

“Ahora sólo queda reconsiderar, reeducar nuestra mirada, ver simetría, composición, cromatismo, armonía en suma, en la distribución azarosa de estos vertidos, reclamarlos para apreciar en todo su esplendor la margen del olivar, la acequia hortelana, el sendero de la ermita dominguera o la orilla tortuosa del arroyo de montaña”.(5)

Con ese espíritu, bajo el estandarte avizorista surge  una nueva raza de buscadores dispuestos a capturar  emociones estéticas que se encuentran de modo casual en cualquier rincón de la realidad.     

El 4 septiembre de 2011 en la página 12-13 del suplemento Cultura´s de La Vanguardia Francisco Ferrer Lerin publicó su manifiesto de  Arte Casual.(6)

¿Qué es Arte Casual?1. El que se da en objetos o grupo de

ellos, materiales sin vocación artística, que por su ubicación, colocación o combinación producen en el observador un placer visual sin haberlo pretendido el responsable de la situación.2. Todo lo que es capaz de crear una“emoción estética” partiendo de elementos no “naturales” pero no “pensados”, en su construcción y/o en su colocación, con “mentalidad artística”.Características:1.Casualidad, espontaneidad, involuntariedad de la Obra.2.Transitoriedad, temporalidad, fugacidad del Hecho Artístico.3.Adogmático, abierto, subjetivo, infinito, impredecible, aleatorio.4. Popular, libre, democrático, público, comunitario.

Reflexiones sobre el Arte Casual:1. No es sarcástico; no se burla (del arte actual).2. No es revanchista; no venga una afrenta al arte.3. No es crítico.4. No es iconoclasta.5. Sino que es deudor del arte último porque éste nos ha enseñado a ver, a apreciar la descontextualización, las series, los nuevos agrupamientos de objetos, los acotamientos del espacio, los empaquetamientos, los apilamientos, el azar como fuente de placer estético.

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 (5) Ibid. Ferrer Lerin.Blospot.es.comReconsideración del paisaje inmediato” Viernes 24 de Abril de 2009

(6) Ibid  Suplemento Cultura´s de La Vanguardia 4-9-11 p.12-13

 

 

 

 

El arte casual  pretende recuperar esa edad primera en la que se produce el alejamiento del suelo. Una edad inocente en la que todo consiste en avistar rastros , escudriñar la realidad , capturar  indicios.

“Con la edad nos alejamos del suelo, dejamos de escudriñar las marcas del terreno; rayas, manchas, pequeñas miserias aplastadas que configuran una geografía que sólo se aprovecha durante la infancia. Al erguirnos, al dejar de reptar, perdemos una información preciosa; quizá la posibilidad de esta ausencia sea la causa del miedo a transformarnos, algún día, en adultos.(7)

   Para que exista un auténtico arte casual es muy importante el regreso a esa edad de perplejidades y sorpresas. No debe existir intencionalidad artística, sí, puede haber una motivación funcional  que lleva a alguien a cubrir unas balas de paja con plástico y neumáticos viejos o a  pintar una pared de colores sorprendentes para protegerla de humedades. Me decía Paco un día: lo cierto es que soy un tipo emocional y una mancha en la pared, sea espontánea o fruto del Tapies de turno, me produce emoción estética, placer. Y nada más, porque no hay nada más que decir “.Las  manifestaciones de Arte Casual  son  auténticos descubrimientos , impactos visuales en el receptor .

   El arte contemporáneo liberado de la obligación de representar la realidad  desde las primeras vanguardias se ha hecho  muy mental y morfológico. La intención permite que Duchamp coja un dato de la realidad: botellero o urinario y lo sacralice como obra de arte. Tan solo por la intención tan solo por la elección. Así, la forma se ha ido haciendo conceptual  y compleja. Incluso ha llegado a desaparecer en aras de una ecología objetual. La Bienal de Venecia de este año  ha premiado al artista Tino Sehgal un vendedor de momentos y situaciones a coleccionistas. Su trabajo no existe, no deja huellas, ni rastros, pero se puede vender, la compra consiste en  un contrato oral , una vez concretado, el artista explica en la oreja del comprador la idea de un trabajo del que se adquieren los derechos de producción y presentación. Además no son exclusivas, no son obras únicas.

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(7)Ibid. Ferrer Lerin. Blogspot.es.com  “Alejamiento del suelo “ Sábado 11 de Febrero de 2012

 

 

 

     Cuando un miembro del comando de las guerrillas orníticas detecta y observa un buitre leonado es capaz de apreciar su cualidad de ave, de ejercer sobre ella todas sus dotes apreciativas, queda como una experiencia fugaz como la de Sehgal, la diferencia es que en ningún momento se pregunta por la intención del autor de tamaña criatura, ni quien es el ingeniero de tanta belleza. La respuesta sería compleja y el curioso podría acabar estudiando teología, evolucionismo o metiéndose  a Masón.

  Los ornitólogos de campo practican el "bird-watching",  convirtiendo a sus practicantes en fervorosos buscadores de especies de aves que observan con sus prismáticos y anotan en sus libretas. El primer logro del Arte Casual es hacer lo mismo y convertirlo todo en arte , el arte no se encuentra distante como  si estuviéramos viendo un cuadro, como “Arabe y su Corcel” del paisajista Jean-León Gérôme, por citar un pintor del  gusto del escritor. El arte está en todas partes.

Otro logro de Francisco Ferrer Lerin a través del  Arte Casual es que convierte a la gente en entusiastas mirones de la realidad, en candidatos potenciales para la práctica de un  Avizorismo ilustrado ejerciendo las  poderosas virtudes de la atención y la concentración de la mirada que los llevará a ser adictos del arte contemporáneo y sin apenas darse cuenta quedarán transformados.

 

 

 

 

 Jesús Martínez Clarà.

Barcelona Septiembre 2013

 

 

 

Bibliografía.-

Francisco Ferrer Lerin, “Familias como la mía”, Col.Andanzas, Tusquets Editores, Barcelona, 2011.

 

 

http://ferrerlerin.blogspot.com.es/

 

 

 

 

 

 

EVRU / MARTIZEN Y YO

jesusmc | 10 Noviembre, 2013 20:04

 EVRU/MARTIZEN Y YO 

Hace 13 años que utilizo como dirección mail jmartizen. En esa época parecía obligado poner un nombre singular, distintivo que destacara tu dirección de cualquier otra. Con lo fácil que era poner nombre y dos apellidos .

  Y así lo hice. Jugué con mi primer apellido, Martinez, que por si solo no indica nada, y cambié la terminación -nez en –zen o sea que quedaba Martizen. Pensé que ese era un apellido imposible que nadie en este planeta podía llamarse así. Lo filtre por Google y para mi sorpresa encontré a alguien con ese nombre era un orangután recién nacido en Borneo. Me surgía un alter ego muy simpático que incluso llevaba pañales.    

La ONG Borneo Orangutan Survival se dedica a cuidar y proteger de la extinción a estos primates tranquilos y pensativos. Yo me interesé por Martizen y en estos años me pasaban los informes de crecimiento, algunas fotografías…hoy se ha subido por primera vez a un árbol, hoy martizen se ha mostrado tímido y reservado con el grupo….martizen ha tenido un mal gesto….ha jugado con los cuidadores y así durante toda la etapa de su crecimiento. Yo me sentía muy identificado con él. Hace apenas un año o dos el tiempo pasa rápido, me comunicaron que era el momento de dejar que Martizen regresara a su bosque, que dejara los cuidados y mimos para recuperar su auténtica naturaleza y lo dejaron marchar. Desde entonces no sé nada de él

Hace un par de años, cuando me estaba alejando de la cultura oficial, publiqué algunas reflexiones críticas en La Vanguardia sobre el sentido del arte y por extensión de la cultura. Coincidió que en esas fechas fui a visitar el estudio de EVRU y la historia de Martizen le pareció propia de la república Evruga. De hecho, el saludo de reconocimiento de sus habitantes es rascarse la cocotera en la parte superior con la punta de los dedos de la mano tal como hacen los simios. Le gustó tanto que cuando nos despedimos, me regaló un catálogo de su exposición del 2006 “De Zush a Evru y en la portada hizo la dedicatoria que reproduzco dedicada a MARTIZEN en idioma evrugo. Luego nos rascamos la cocotera en señal de reconocimiento.  La historia de Martizen se ha convertido en una buena crónica de mi regreso al origen. 

 

A continuación publico con detalle los informes que me llegaron desde Borneo de los cuidadores de Martizen.    

 

MARTIZEN INFORMES 

 

 1er Informe sobre Martizen. Febrero del año 2001, mes de mi nacimiento, llega Martizen a Nyaru Menteng.

Llegó al centro de rehabilitación de la danesa Lone D. Nielsen 's,  que protege orangutanes y también replanta bosques tropicales de Borneo BOS.  Lo llevó al centro una mujer suiza que vivía en la zona. Unos furtivos habían disparado a su madre y fueron a  casa de Beatriz en un intento de vender al bebé para ella y su marido.

  

Llega con dos meses de edad y 1, 8 kg de peso. Según el informe, llegó bajo en defensas y con los ojos no focalizaban bien.

 No se sentaba por sí mismo y había que ayudarle. 

 

 

2º Informe  

Cuando ha cumplido  tres meses de edad  se cuelgan de una rama pequeña que ponemos en su cesta y patea con su piernecita mientras sonríe.

  3er Informe Martizen  ha hecho su primer ascenso vertical a los ocho meses.Subió a un árbol  y cuando quiso bajar , de repente se dio cuenta de lo alto que era y entró en pánico . Gritó con todas sus fuerzas hasta que finalmente subimos a rescatarlo.  Tardó una semana antes de que tuviera las agallas para intentarlo de nuevo y bajo por el sistema que llamamos de los “bomberos”, es decir deslizándose por el tronco del árbol. Se deslizó desde unos seis metros y cayo sobre una maleza suave los últimos dos metros. Con una gran sonrisa en su rostro, hizo lo mismo de nuevo. Esto: ¡es tan típico de Martizen! , se ha convertido en un niño de verdad , un poco temerario , con sus encantos  levanta sus ojos marrones y nos ofrece su sonrisa  y sus escapadas no coordinadas por los árboles . También le ha salido  pelusa. En enero de 2002 cumplió aproximadamente un año de edad y sus últimos caninos  acaban de romper . Pesa 7,5 kg . 

 

 

4º Informe  

 

 Cuando tenía 2 años y medio, pesaba 15 kg. No está mal para un tamaño tan pequeño. Tenía el pelo hermoso que brillaba maravillosamente en el sol, a menos que él acabara de jugar en el barro del suelo del bosque. A veces no se podía reconocer a Martizen cuando salía de la selva cercana. Estaba todo negro sobre su cabeza y su pelo estaba enredado y sucio. Aun y así consiguió sentarse en el regazo de la cuidadora. 

  

5º Informe

 

Martizen es un payaso, a veces un poco pesado . Sus aventuras locas, impredecibles en  primavera y en otoño, a menudo mueven  a la risa de sus cuidadoras. Pero tal vez sea tan solo una apariencia engañosa. Todavía tiene una mordida leve y una expresión de asombro perpetuo en sus ojos que le hace parecer como si siempre hubiera de hacer una pregunta y  pensara profundamente sobre la respuesta. Si hablamos con él, se sienta con ojos de asombro  y con mucha concentración.

  

6º  Informe 

 A los 4 años de edad  Martizen sube perfectamente a los árboles, aunque a veces lo hace con  algunos movimientos extraños que en los orangutanes salvajes parecen muy raros. Sigue utilizando el mismo método arriesgado para subir a un  árbol, ya sea porque es más rápido, o porque todavía no ha encontrado la manera de llegar a una forma más segura. Frente a algunos de los funcionarios, no tiene miedo. Con otros , sí. Puede, por ejemplo, ir a hurtadillas por la espalda y agarrar el cabello de uno y sentarse a descansar en una hamaca.  

 

 

Informe  nº 7

  Martizen en uno  de sus juegos se cayó hacia atrás de la litera al suelo. Sin embargo , no se quejó,  sonrió con aire de suficiencia y se fue corriendo. Se ríe con otros orangutanes o sonríe cuando juega con sus amigos.

      Martizen está mejorando mucho sus habilidades en el bosque. Se sube a los árboles sin ser tan atrevido como en otras ocasiones y menos tonto. Se pasa mucho tiempo en ellos. Nos solo para explorar y encontrar el alimento, sino también para jugar con los amigos. Martizen junto a algunos chicos se divirtieron mucho al subir a los árboles más pequeños. Como las ramas ceden y temblequean en las partes más blandas, acaba colgándose de los brazos llegando con facilidad al suelo. No es difícil imaginar la alegría en su rostro cuando hace esto. Los niños son niños. Y Tizen es Tizen.

  

 

Informe nº 8

  En los  meses siguientes Martizen se está desarrollando bien. No es tan activo y prefiere permanecer en el árbol de manera más relajada y tranquila. No se inquieta aunque los otros compañeros se apresuren a rodear la copa de los árboles. Aunque Martizen es alto y fuerte en relación a los otros, no muestra la misma actividad intensa  de algunos orangutanes. Una de las cuidadoras explicó que aunque Martizen era   increíblemente poderoso, sin embargo, se mostraba siempre suave y delicado. 

Informe nº 9

  En la isla, las cuidadoras ya no intervienen protegiendo a diario a Martizen. Tan solo lo ven cuando se acerca a comer fruta en la zona de alimentación. Es muy importante que deje poco a poco la dependencia y el contacto humano. De esta manera, Martizen y los otros monos tendrán la mejor oportunidad posible para sobrevivir solos en la selva.

 

 

Informe nº 10 

Martizen ha alcanzado una edad y un punto en su rehabilitación en el que se ha procedido a dar al siguiente paso en el proceso. Pronto será trasladado, en una primera fase a una isla habitada por otros jóvenes orangutanes de su edad y nivel de desarrollo. Allí, debe vivir como un orangután salvaje y esperamos que culmine su evolución, y que lo haga tan bien que lo podamos llevar a la selva real en un futuro próximo. 

  

 

 

 Este fue el último informe y desde entonces nada más he sabido de él. Espero que su regreso al origen haya estado colmado de bienes y reencuentros con su auténtica naturaleza.  

 

 

 

 PD.  Dedico esta crónica a EVRU /Alice di Carlo y Ramón Colomina que en Facebook  se mostró  entrañablemente interesado en la historia de Martizen.

 

FIN 

ANGEL JOVE : THE RAGS OF TIME

jesusmc | 16 Octubre, 2013 10:02

ANGEL JOVE: “THE RAGS OF TIME.”



 

Artículo publicado en el DOCUMENTAL del suplemento CULTURA´S  de LaVanguardia  Nª 586 de 11 de Septiembre 2013 


   Ángel Jové expuso en el “Espai Privat d´ Art Contemporani” en el carrer de Joan Maragall nº  36 de Sant Feliu de Guixols su “Paisaje : ” The rags of time”.


 

   Lo anunciaba una invitación minimalista y rigurosa. Tres líneas telegráficas escritas en abundante espacio blanco . El sobre ribeteado de negro, como las cartas que se usaban antes para notificar la muerte de alguien querido. En la presentación de la exposición, el Dr. Campo habló de la vida y de la muerte, habló  de Ángel Jové como paciente y como artista y se deduce que gracias a él, aun esta con nosotros. 

 

The Rags of Time alude al último verso de una estrofa del poema de John Donne llamado “The Sun Rising”: “El amor que nunca cambia, no sabe de estaciones, de horas, días o meses, son esos los harapos del tiempo”.

 El poeta John Donne(1772-1631) quería hacer la revolución desde su cama. Quería convertirla en el auténtico centro del mundo. Desde su habitación, rodeado de de muros silenciosos, creaba la esfera perfecta de su universo. Su lecho es el gran epicentro del mundo, un espacio reducido de apenas cuatro metros cuadrados en el que se produce la alegría de la vida recién nacida, el placer del sexo y el dolor de la muerte.

Las obras rasgadas, las formas disímiles, las pinceladas leves que mantienen la línea del horizonte, como un encefalograma o la línea siniestra que marca el pulso de un corazón enfermo. Donne como, como Jové son ejemplos de Metafísica sensualizada, son responsables de esa sutil franja que separa las claridades celestiales de los vapores luciferinos. El Sol posee las cartas, la de la permanencia, símbolo perfecto del Amor  Eterno, y la del cambio producido por el paso del tiempo. El amor, como la vida son compañeros de la incertidumbre.

 Toni Marí . Jesús Martínez-Clarà .

 

    

 

 

  

  

JUAN FRANCISCO SEGURA en Centre Cultural La Casa Elizalde

jesusmc | 11 Octubre, 2013 22:24

 

 

Por unos días el espacio del Centre Cultural La Casa Elizalde se ha transformado en un lugar en el que se propicia la meditación. La mirada interior.

 Las pinturas de Juan Francisco Segura buscan la serenidad. En su obra se encuentran valores que él mismo  resalta en  la austera tarjeta de presentación: Tranquilidad, calma, placidez, presencia de espíritu, filosofía…busca en el interior del lienzo y de sí mismo para seguir el camino.No es frecuente encontrar en el arte contemporáneo un elogio de valores y aun menos valores  que van contra la tendencia dominante.  La presencia de espíritu y todas aquellas virtudes que otorga el mantener la mente en calma, en sosiego, no son habituales.

 

He de decir que su obra transmite el sentido de esas  palabras, pero lo hace de un modo visual, silencioso. Ese es el momento de la pintura en el que al margen de otras interpretaciones, la obra  insiste, sugiere amablemente al espectador que hay que mirar de otro modo, que debemos mantener una actitud adecuada para acercarnos a ellas.

El constante ir y venir del blanco al negro, con intervalos en gamas intermedias, la aparición de un pequeño rastro de color, incluso el hecho de construir y deconstruir constantemente el lienzo lo convierte en una buena metáfora de la búsqueda de los valores absolutos y la superación de la dualidad de lo positivo y lo negativo, es en esa polaridad en donde se reconoce y habita el aroma de la profunda sabiduría oriental que Juan Francisco conoce.

   

   Es bien sabido y de obligada citación que  La Capilla Rothko en Houston,  se ha convertido en un lugar de peregrinación más allá de la religión que se confiese. Eso es posible porque  como sucede con las obras de Juan Francisco Segura cuando se trabaja desde la confianza honesta de que es posible una transformación interior a través del arte y se afirma la necesaria mirada renovada, el asistente a esa ceremonia queda sorprendido, perplejo, al encontrar en sí mismo sensaciones olvidadas de su ser profundo.

 

 (Concierto y recital poético: "Aixo no és un haiku". 25 Octubre a les 19,30. a carrec de Rafael Esteve, Valentina Marangi i J.Fco Segura)

ANTONIO ORTEGA EN BLUEPROJECT

jesusmc | 07 Octubre, 2013 15:16

EL ARTE EN LAS ESCUELAS DE ARTE.

 

 

 

Antonio Ortega ES PROFESOR  en la Escola Massana y participa en una exposición   con algunos de sus trabajos más recientes en

Blueproject Foundation(1)

 

La obra se llama “Estos cartones han sido testigos de algo que he hecho”, un díptico compuesto por dos cartones de 105x75cm c/u en los que no hay ninguna intervención del artista más que la de haber estado presentes frente a una acción de la que no se tiene noticia alguna sumado a que los cartones carecen de la capacidad de explicarla.

 

Cuatro obras de texto redactado sobre cartones de patronaje de 100x100 c/u

 

En una de ellas Antonio Ortega ha creado un alfabeto muy simple, realizado rellenando la cuadrícula impresa en el cartón, a continuación Antonio Ortega anuncia que todo aquello escrito con esa tipografía lo dice Antonio Ortega. Con este gesto, sin decir nada, puede, potencialmente, decirlo todo.

 

Para la siguiente Antonio recoge una cita que él escuchó a Julian Schnabel que dice así: "No se trata de ser el primero sino de ser el último” Antonio Ortega está convencido de que antes de Julian lo habría dicho alguien más, pero la propia obra es una prueba de que Julian no ha sido el último.

 

 

El empeño por racionalizar con encuestas, barómetros, programas, planes de estudio, pautas de objetivos, sistemas de control del  proceso de las áreas propositivas y resolutivas e incluso asistencia del alumnado se ponen en crisis con este trabajo de Antonio Ortega. El arte debe entrar en las escuelas de arte, manque duela.

 

 

 

(1)C/ Princesa, 57

Barcelona

Horario: martes a domingo 

de 10:00h a 20:00h.

COLECCIONAR, COMPARTIR, EXPONER Y CORTAR EL BACALAO

jesusmc | 06 Septiembre, 2013 20:06

COLECCIONAR, COMPARTIR, EXPONER Y CORTAR EL BACALAO.

                   Coleccionar, compartir, exponer... y yo añado : cortar el Bacalaoes una actividad complementaria a la exposición Arte, dos puntos que se celebrará el Lunes 16 de septiembre  19.00 h.Consistirá en una charla con los miembros del comité de adquisiciones de las colecciones de la Fundación ”la Caixa” y del MACBA: Chris Dercon, director de la Tate Modern (Londres, Reino Unido); Suzanne Ghez, directora de la Renaissance Society (Universidad de Chicago, Estados Unidos); Ivo Mesquita, conservador jefe de la Pinacoteca del Estado de São Paulo (Brasil); Joanna Mytkowska, directora del Warsaw Museum of Modern Art (Varsovia, Polonia), y Vicente Todolí, director artístico de Hangar Bicocca (Milán, Italia).Moderador: David Ross. Estos nombres, estas rotulaciones empequeñecen a todo aquel que se dedica al arte contemporáneo, incluidos, naturalmente artistas y críticos. Unos hacen esforzadamente, otros escriben y hablan pero nada comparado con los que realmente cortan el Bacalao. 

GALERIA HORIZON: BORDERLINE

jesusmc | 25 Agosto, 2013 21:23

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BORDER LINE :

 

La Galería  Horizon, tras la pasada celebración del 20 aniversario, se plantea un paso más en su evolución. La exposición colectiva de este año, propone una reflexión sobre los límites. La galería se encuentra ubicada en una zona  geopolíticamente limítrofe, entre países y entre culturas, el espíritu de la frontera es poderoso, tanto como vivir bajo un volcán. Hay siempre una energía en movimiento.

 Border Line alude, por un lado, a lo excepcional,  a algo marcado por la diferencia, a ese espacio invisible que separa la superficie bidimensional de la pintura, de la tridimensionalidad de la escultura. La llamada tercera vía ha roto la convencional división entre las artes.

 Por otro lado, Border Line nos sugiere otro encuentro  sutil en la frontera, casi una coincidencia de opuestos entre  brillantez y  opacidad.

En este caso la frontera  resplandece con los reflejos esplendorosos de las obras de W. Mundt , Steve Silver, y Gloria Cot, los colores luminosos, las superficies resbaladizas de colores intensos que se encuentran con las de Jaume Amigó, Silvie Turpin y Xavier Escribá. Otro límite, otro horizonte.

El dialogo entre  luz y  oscuridad, es la condición principal de la visión y por eso, esta muestra colectiva , como ya hemos hecho en ocasiones anteriores  es una buena oportunidad para ver y pensar sobre estos aspectos fundamentales del misterio del arte.

 

 

Obras de Steve Silver

 

 

Gloria Cot

Xavier Escribá

 

Silvie Turpin

 

 

 

 

 

Wilhelm Mundt

 

 

Jaume Amigó

 

 

 

 

LA BAUHAUS Y LAS FIESTAS EN LAS ESCUELAS DE ARTE.

jesusmc | 07 Julio, 2013 18:50

LA BAUHAUS Y LAS FIESTAS EN LAS ESCUELAS DE ARTE.                                            

 

 

 

                                            

 

 

 

En 2005 se pudo ver una exposición que mostraba  la vida cotidiana y las fiestas que se organizaban en la famosa escuela de diseño y arquitectura de la Bauhaus (1919-1933). Testimonio de la vitalidad y de las actividades paralelas a la docencia de la escuela.

  

Una de las características de toda escuela es dar curso a la creatividad en cualquiera de sus manifestaciones. El último claustro del curso en la Escola Massana tenía varios puntos de vista que se desarrollaron con el rigor de una escuela de altos estudios empresariales: informes de comisiones, adscripciones, registro de matriculados…..etc…etc…todo bien.  Pero, hubo un momento en el que se discutió los límites que se deben poner a las fiestas escolares, dado que en  una de ellas se  acabó en vandalismo hormonal desatado. Un vandalismo con arrepentimiento, todo sea dicho de paso.  Fue el momento de mayor intervención del profesorado que con buena voluntad, intentaba poner “puertas al campo”  

 

 

 

 La exposición   a la que me refiero incluía frases como la siguiente:  “Estábamos locos de alegría y ganas de vivir, de bailar, de hacer tonterías, de no sé qué, simplemente había un ambiente entusiasta”.  

 

 

Jaume Vidal Oliveras en una magnífica crónica de la exposición decía:  la muestra inspira una grandísima ternura: es el sentimentalismo que despierta ver a los “cachorros” de artista. El material original expuesto es inmaduro, en formación, kitsch… y también lleno de ingenio. Son recuerdos de unos estudiantes que, posterior y eventualmente, llegaron a ser profesionales de una gran repercusión. …..la vida íntima de la Bauhaus, en la que participaron, con pequeños dibujos o pinturas, entre muchos otros, Paul Klee o Wasili Kandinsky. ….Falta por explicar el sentido profundo de la noción de fiesta en la Bauhaus y cómo ésta se integra en su seno, o si al contrario, es algo anecdótico. En el dadaísmo y el surrealismo, la fiesta, el juego, esto es, lo irracional, lo absurdo, la provocación derivada del frenesí carnavalesco, forman parte de su universo y de su manera natural de expresión. Independientemente de su alcance y profundidad, ambos movimientos implican posiciones de un individualismo radical frente a todo principio supuestamente racional y universal. Aunque con diversos matices, los divertimentos de la Residencia de Estudiantes -con Lorca, Dalí, Buñuel o Pepín Bello- en el Madrid de los años veinte del pasado siglo no se han interpretado como un simple jolgorio estudiantil, sino como algo de mayor alcance y vinculado a la poética surrealista. 

Obsérvese que la Bauhaus representa unos valores opuestos. Y, sin embargo, la “fiesta” y, por extensión, el “juego”, lo “absurdo”, la “improvisación”… tuvieron una influencia decisiva al menos en el teatro (¿performance?) de la escuela. Para el profesor Oskar Schlemmer, el teatro creativo se inspiró en estas fiestas de los estudiantes de la Bauhaus, aunque también en la iconoclasia de los dadaístas y su gusto por la parodia y la sátira contra el teatro tradicional. Esta actitud es el punto de partida para la renovación del género dramático y para una nueva noción de actor, espacio y escenografía. Más aún, algunas experiencias, no siempre recordadas, en concreto las Composiciones de luces reflejadas (un espectáculo musical y luminotécnico) se iniciaron de una manera lúdica en las fiestas del centro. La fiesta -y por extensión el espectáculo- introduce una nueva óptica para observar la Bauhaus, más contradicciones y más ambigüedades”. 

Los términos de vigilancia y castigo son necesarios para garantizar el “Orden del Discurso” Institucional.  Pero, como se plantea en el texto anterior, la creación artística poco tiene que ver con la disciplina extrema. Los profesores, como se demuestra en sus fiestas sociales, viven de otra manera: humo hay, alcohol hay, hormonas sueltas hay,  una fiesta bebiendo  “zarzaparrilla” solo puede acabar en soporíferas conversaciones sobre las “ratios” o las encuestas.  He ahí el desafío, formar y mantener viva la llama frágil del arte en las escuelas de arte, incluso en las fiestas.

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