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TOM CARR : DEL JARDIN PERFECTO

jesusmc | 27 Diciembre, 2008 13:16

            09 Septiembre, 2007 21:51                           DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6     

 

Entre los día 8 Septiembre a 30 Octubre en  la  Aliance Française  de Sabadell se puede ver la obra reciente del escultor Tom Carr  que con el título "del jardín imperfecto", muestra una parte del recorrido que inició en las galerias  Astarté,  Sala Maior  y Studio Franck Bordas de Paris. Tom Carr trabaja en formatos y proyectos siempre diferentes que van desde obras monumentales como su "Seed & Helix" que se encuentra en la sede principal de  la  Société Générale  en la Defense de Paris,  a proyectos de incidencia pública como: Project Principium  en la Illa Fantasia del Maresme  y otras obras que se pueden consultar en su página  http://web.mac.com/tomcarr1/  i  Web/footsteps/footsteps.html.

    Los  trabajos que le dieron las primeras señas de identidad artística fueron  sus ensayos con la luz, las sombras y las proyecciones, una etapa aun poco estudiada de este artista y que, desde mi punto de vista, contiene  aspectos muy interesantes que  aún no ha superado con su trabajo actual. Pudo verse indicios de esta etapa en  su instalación  "Cycle et coïncidence", que realizó en el Museé d'Art Moderne de Céret en el 2002.Pensando, brevemente, en el título de la actual exposición, he encontrado la clave de porque me gustaba tanto su época de luces y sombras. Actualmente, su trabajo es de una perfección extrema y por este motivo el título general de la exposición podría haber sido : de el Jardín Perfecto. Es cierto que, como indica el magnífico escrito de Carme Miquel de Enero de 2007 el Jardín es muchas cosas y entre ellas, yo destaco las siguientes: dentro de su aparente control y simplicidad, el jardín puede ser un laberinto, un lugar donde todos los abismos del yo son posibles, la pulsión de lo escondido se revela, afirmando contundentemente su existencia.

Me parece que Tom Carr ha ido arreglando y cuidando ese jardín hasta dominarlo absolutamente.Una vieja historia, que leí o escuche en algún sitio explica lo siguiente: Un padre y un hijo están arreglando el jardín, las hojas de otoño caen incesantemente y el hijo es el encargado de recogerlas, una y otra vez realiza esa labor pulcra bajo la atenta mirada de su padre. Recoge todas las hojas, no queda ninguna y le dice a su padre: -Padre ya he acabado el trabajo-, el padre le contesta que continúe, que el jardín  aún no está perfecto, el hijo vuelve una y otra vez y la respuesta del padre siempre es la misma: aún no está perfecto, llegado un momento y cuando ya todo era limpieza absoluta,  el padre  llama  a su hijo y sin mediar explicación coge con las manos unas cuantas hojas del cesto y las vuelve a tirar por el jardín, diciendo: ahora si que está perfecto .  

ARTE CONCEPTUAL EN LA SALA TRES DE SABADELL(1972-1979)

jesusmc | 27 Diciembre, 2008 11:53

ARTE CONCEPTUAL EN LA SALA TRES DE SABADELL (1972-1979)         

    07 Septiembre, 2007 00:31            DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6  

 

 

             

 

Las vanguardias artísticas del siglo XX son  la consecuencia del encuentro feliz de unas personas en un tiempo y con una inquietud común que los cohesiona en un lugar. Ese es el caso que hoy estoy comentando. Ayer estuve en la inauguración de una exposición repleta de añoranzas y nostalgias. En varias ocasiones escuche comentarios, como: "de todos los que estamos en la foto, ya faltan varios. Mira este y este y este otro.", "¿habeis visto a fulanita? :creo que va en silla de ruedas." .Y es que ha pasado mucho tiempo desde que en el año 1972  unos cuantos jóvenes tuvieron la suerte de coincidir en un tiempo y en un lugar. El momento de privilegio fue en la década de los años setenta en los que por una iniciativa de unos cuantos activistas culturales de la ciudad de Sabadell, se inició un períplo expositivo autogestionado por los artistas en la llamada Sala Tres de l´Acadèmia de Belles Arts, en ella se realizaron 56 exposiciones a lo largo de siete años de actividad, es decir, unas ocho exposiciones de promedio por temporada, que en el gélido ambiente cultural de la época tenía mucho mérito. Paradójicamente, la aventura cultural acabó  en los últimos días de la dictadura, en 1979, cuando se vislumbraba la feliz aurora de la democracia.   

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LA LEY FELLINI

jesusmc | 26 Diciembre, 2008 23:28

                                             

         DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6                          05 Septiembre, 2007 11:02

  Los que hayan visto algunas imágenes del Festival de Cine de Venecia de este año se habrán sorprendido por la escenografía que preside la entrada a la famosa alfombra roja de los famosos. Ahí se pueden ver  los cuatro leones alados que son el símbolo de la ciudad y cuya miniatura se convierte en la preciada estatuilla de oro a la mejor película. En la entrada al recinto había un espectacular e impresionante péndulo negro de esos que se utilizan en la   destrucción de edificios. Su creador es Dante Ferretti y es idéntico al que él mismo, diseñó junto a Federico Fellini para "Ensayo de Orquesta". No soy crítico de cine, sólo quiero referirme a esa enigmática  esfera negra. En 1979 vi la película de Federico Fellini : "Ensayo de Orquesta".  (Más)

ANSELM KIEFER : ESCENOGRAFIAS SIMBOLICAS

jesusmc | 26 Diciembre, 2008 22:42

 

ESCENOGRAFIAS SIMBÓLICAS DE ANSELM KIEFER 

 

 

 

 DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6   01 septiembre 2007 10:11 

 

 

 

 Los rezagados aun tenéis tiempo de hacer una escapada al Museo Guggenheim Bilbao que ha decidido prolongar  hasta el 9 de septiembre, la exposición antológica dedicada al artista alemán Anselm Kiefer, ante el éxito de público que ha tenido.Cerca de 540.000 personas han visitado hasta hoy esta muestra antológica, que reúne obras monumentales de los últimos 10 años del artista alemán, entre ellas un cuadro de 15 metros de altura realizado ex profeso para el museo de  Gehry.Desde la inauguración de la exposición hace cinco meses, el pasado 28 de marzo, y a tan sólo una semana de su clausura, prevista en un principio para el 3 de septiembre, una media diaria de más de 3.500 personas, procedentes de distintos puntos de España y del extranjero, han visto la muestra. Uno de ellos era yo. 

 Fui con unos amigos y entre ellos una auténtica admiradora de la obra de Kiefer que se llama Ana . Este artículo va dedicado a ella, pues creo que durante la visita los tres restantes acompañantes fuimos un estorbo para su devocional visita.

 

 

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LOAN NGUYEN: L A ARTISTA DIAFANA EN EGO GALLERY

jesusmc | 16 Diciembre, 2008 15:37

  

             

               

 

 

 

 

 

 

 

              

 

 

 

 

 

 

 

               

 

 

 

 

 Artículo publicado en la Revista Avatar BCN  Nº 9.  16-Diciembre-2008

 Jesús Martínez Clarà

La artista Loan Nguyen tiene tres nacionalidades: Suiza, Francesa  y Vietnamita. Ahora expone en la Galería Ego algunas obras de sus series fotográficas: “Mobile” y “De Retour”. Movilidad y regreso son dos palabras activas, indican un estado de alerta, de cierta tensión y cambio, sin embargo  Loan Nguyen consigue dar a sus obras una calma absoluta e intensa y lo hace con tres elementos: su propia presencia, el lugar y la luz.

 

 

 

Presencia: para realizar su obra se toma a sí misma como modelo, hace un ejercicio de conciencia personal y eso la convierte en un ser sereno que reposadamente, siempre de pie, se muestra en un lugar escogido y se auto- fotografía. No hay nada de narcisismo, ni de auto citación, a la manera de Cindy Sherman, ni rastro de auto referencia como hace Sarah Lucas. A diferencia de ellas, sin un yo idolátrico activo, la actitud personal de Loan es la de quien no quiere trabajar con ficciones, reflejos pasajeros o sombras que velan, empañan la claridad del espejo, ella se presenta a si misma sin ideas preconcebidas, sin crear ilusionismos: es concreta. En ocasiones, mide con su cuerpo, en otras compara y siempre: contrasta. A Loan Nguyen le gusta decir que adopta una  postura para que  parezca que el personaje fue colocado allí como por arte de magia, sin voluntad ni propósito, como si estuviera en medio de la nada, absorta y en calma.

 

 

 

Lugar: ahí, instalada en un no-lugar, hace sus fotos de manera solitaria, concentradamente, hasta el punto que esa actitud tan relajada se convierte en meditación. Este aspecto de alta contemplación, similar a la percepción del vacío, favorece una paradoja interesante: por un lado, el lugar no es relevante porque desaparece como consecuencia de su extrema concentración, pero a su vez esa cualidad meditativa le permite ver las cosas y esos mismos lugares de un modo diáfano: tal como son. Por eso, los lugares en los que hace sus fotografías no quieren tener nombre propio, no necesitan definirse. Bajo la óptica de Nguyen  la vacuidad genera anonimato, pero, a su vez, por el contraste que he mencionado, sabemos, con precisión,  donde están esos sitios: un exterior en Laussane, junto al lago Leman, en el que se  fotografía a si misma con los puños enfundados en  unos guantes rojos,  un montículo en Madrid con un avión de papel entre las manos y en el que se ve una línea marcada en el suelo, o en el interior de un espacio sin importancia, mirando tras una cortina verde en Suiza , ese es el extraordinario efecto de las obras de Loan Nguyen y es que siendo fotografías de ella misma y de  lugares concretos y localizados ambos aspiran a la categoría de no-lugar, de no-presencia, dos estrategias de desaparición en una atmósfera estática.

 

 

Luz: la luz es el auténtico causante de esa sensación diáfana, de esos espacios, de esos lugares que no quieren definirse. La luz, la diafanidad y la transparencia otorgan a sus imágenes el misterio más sublime, aquel que se encuentra tras lo claro, tras lo evidente. Loan evita cualquier tópica  utilización de  la misteriosa bruma propia de la estética oriental, por otro lado tan seductora. La luz de sus obras es la de un día cubierto por nubes ligeras que le sirven de “parasol” sin tener que utilizar otros recursos técnicos, la naturaleza le da la luz que necesita para conseguir unas tonalidades, unas atmósferas blanquecinas, claras, limpias. Una mujer diáfana haciendo unas fotografías en las que, aparentemente, no sucede nada y en las que ni su cuerpo, ni los objetos generan sombras.

 

DAVID LEVINTHAL: TODO ES REAL

jesusmc | 13 Diciembre, 2008 20:28

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                          

                             DAVID LEVINTHAL: TODO ES REAL.  Jesús Martínez Clarà

          Artículo publicado en el nº 337 del suplemento Cultura´s de LA VANGUARDIA.3 Diciembre 2008

 

  La Galería Raíña Lupa de Barcelona presenta una buena muestra del recorrido del  fotógrafo David Levinthal (San Francisco,1949),allí se pueden ver parte de algunas de sus series más conocidas como: “The Wild West”, (87-89)“American Beauties”(89-90), “Blackface”(95-96) de esta última se ha hecho una edición con un texto inédito de Antonio Muñoz Molina, también presenta su serie  reciente sobre la guerra de Irak (2008).

 

Este fotógrafo ha dirigido el objetivo de su cámara, en  sistema Polaroid Polacolor, hacia los acontecimientos, a los hechos más significativos de la historia americana, esos que  marcan a una generación. David Levinthal ha encontrado, en su imaginario, el lado oscuro de la realidad a través de la miniaturización, a partir de unos muñecos de juguete convertidos en alegorías de la vida adulta que utiliza como modelos para sus fotografías. Su primera serie bélica “Hitler Moves East”(75),o  “Mein Kampf (93)  revisa, bajo su  peculiar óptica minúscula el apogeo del nazismo, sugiere nuevas miradas sobre el amor en “Modern Romance”(84) o el sexo extraduro en su serie “Desire”(90).Este artista recrea mediante un ambiente desenfocado , brumoso y saturado por el color ,  unas atmósferas alusivas a los arquetipos de la vida humana: historia, amor, guerra o muerte Casi nada, todos ellos son aspectos vitales que bajo su óptica adoptan las maneras de un juego perverso.

 Levinthal consigue hacer una simulación, un simulacro de todo lo fundamental. Los antropólogos saben que para aprender, para conocer mejor la realidad en la que se vive, se utiliza  en muchas culturas, la simulación de la muerte anticipada. Tener en vida la experiencia del tránsito a otra vida  ha sido, también, un lugar común de la literatura jesuítica desde el siglo XVI. Sin ir tan lejos,  ese simulacro está en el juego de los niños, cuando con las artes de un actor, simulan la muerte heroica e incruenta de un soldado o  de un vaquero en el oeste salvaje. Todos estos procesos simuladores de experiencias, ese mundo de ficción es trasladable a la fascinación adulta por la belleza tópica americana o a los delirios de sexo extremo. El tiempo es otra condición del juego de Levinthal, juega con el espacio de sus escenarios y figuras, pero sobre todo es un manipulador del tiempo, puede citar la situación histórica, cuando y cómo le parece, por eso le resulta factible recrear el auge del nazismo en 1993, una visita al oeste en 1989 o explicar lo que pasó en Irak en el 2008.

 

El uso del juguete no es inocente, y muchas historias contemporáneas han explorado el carácter terrorífico de la realidad simulada en un muñeco. Dar vida a un muñeco suele tener graves consecuencias, así sucede con el primitivo Pinocchio, con  Chucky el muñeco diabólico o con los mitos clásicos de terror. El Golem, en las tradiciones mágicas y místicas del judaísmo, habla de la creación de un hombre artificial que nace de un muñeco con todas las trazas de un  ser misterioso, un malvado capaz de las mayores destrucciones. La exposición culmina con unas fotografías recientes en copia digital “pigment prints” que es el procedimiento por el que llegan a USA las noticias sobre la guerra en Irak. Ya en 1990, con motivo de la del golfo, se habló de una guerra virtual en la que la imagen informativa de televisión había  sustituido a la realidad de los muertos y los heridos. En el 2003, en Irak, se gestó una guerra falsa, donde finalmente no había armas de destrucción masiva, tan falsa como se dice ahora que es la pisada de Armstrong sobre  la luna.

Con los  argumentos  de la sutil frontera entre la verdad y la mentira, Levinthal nos ofrece  una ocasión única para comprender el sentido profundo de la palabra "pensar"(noein), que significa, más bien, percatarse de la auténtica situación o de la verdadera naturaleza de una cosa, cuya realidad solo puede aprehenderse de forma inmediata, lo hace a través de la estrategia de sus simulaciones. Interpreto que el arte de David Levinthal, con sus simulaciones, quizá  nos propone que abramos los ojos  y que conozcamos plenamente la auténtica naturaleza de las cosas que se encuentra tras su artificio fotográfico: nada es real, todo es real. 

AGUSTIN FRUCTUOSO : CONTEMPLAR LA MISMA VISTA

jesusmc | 13 Diciembre, 2008 18:05

         

 

 

 

 

 

 

 

 

 

     

 

 

 

 

 

 

     Como editor de la revista Avatar, creada el 22 de Junio de 1993 a las 22 horas en el Motel Empordà de Figueres me interesan mucho los fenómenos reencarnativos y los reencuentros tal como el nombre de la revista indica. Hoy he asistido a  uno de ellos. En “La Xina A.R.T.”, la sala de arte de la calle Doctor Dou se ha producido un hecho milagroso, un reencuentro misterioso. El pintor Agustín Fructuoso ha presentado su obra reciente entre el 13 de Noviembre y hoy sábado, 13 de Diciembre del 2008, día en el que, precisamente, estoy escribiendo esto, unas horas antes de su cierre. La exposición tiene el título de:  “Mont Ventoux” 1336-1964.Homenaje a  Tom Simpson”.

Desde mi punto de vista se han producido cuatro encantamientos, citaciones o reencuentros que  nos proponen contemplar la misma vista y compartir la misma experiencia. Una fuerza ignota en la galería lo  ha hecho posible gracias a este artista que reencarna vivencias, experiencias y miradas a través de su obra y de un texto escogido para presentar su exposición. 

  

El Primer reencuentro alude a una fecha que según el texto que acompaña a la exposición, recuerda el hecho de que Petrarca visitó ese monte el 26 de Abril de 1336 que como se sabe es una cumbre famosa en la Provenza Francesa, según se dice subió con el único propósito de contemplar la misma  vista y experimentar lo mismo  que Tito Livio el famoso historiador de Roma. Inaugurando así, el placer de mirar el paisaje desde una cima, en ese momento la visión se constituye como principal argumento de lo artístico desde el Renacimiento hasta la actualidad.

 

El segundo reencuentro es extenso y resumido queda así: Agustin Fructuoso cita a un escritor del que no conozco absolutamente nada, se llama Luzien Verneuil y que ha escrito  un texto llamado “La domesticación del paisaje”. En él, explica una historia entre el escultor Bernard Fabvré y su tio- abuelo Roland Fabvré. Este, era irónico y fabulador estaba al borde de la ceguera debido a unas grandes cataratas, tan inmensas que las bautizó con el nombre de Niagara. Es decir no veía nada y bromeaba sobre su condición. A pesar de esa ceguera en ciernes le pidió a su sobrino que quería experimentar lo mismo que Petrarca, cuando quiso experimentar lo mismo que Tito Livio. Así lo hizo, con la mala fortuna que al subir al Mont Ventoux una densa niebla no dejaba ver más allá de un palmo de sus narices. El sobrino no dijo nada sobre esa niebla impertinente, dejo que su tío abuelo contemplara el paisaje desde el mirador hacia el abismo cubierto de niebla, este sin ver ni torta, debido a su ceguera incipiente, más que al mal tiempo dijo: “Es la mejor vista que nunca hubiese podido imaginar: esa ultima visión, o quizás la que retuvo bajo sus párpados, encerraba , de forma nítida y verdadera, el secreto de todas las imágenes, el elixir de todos los silencios, el molde de todas las formas y la esencia de todos los colores” .

  El tercer reencuentro es que Agustín  Fructuoso ha querido experimentar lo mismo que experimento el pintor Gonzalo Tena hacia 1978,hace ahora treinta años, cuando lideraba el  grupo Trama  en Barcelona y hacia una pintura idéntica a la que hoy nos enseña Agustín Fructuoso. Este artista ha reencarnado en vida de ambos, el mismo espíritu de Gonzalo Tena, es decir :  una obra abstracta dominada por la oscuridad y especialmente por el no-color negro. Sus superficies están llenas de pequeños detalles que solo pueden percibir los visitantes atentos, una superficie aparentemente monocroma, deja ver una rozadura, un pequeño relieve, casi imperceptible. Hay, en alguna de sus obras unos límites que enmarcan la superficie, unas franjas distinguidas del resto de la pintura por un ligero matiz tonal. Sus obras exigen una visión atenta, concentrada y minuciosa. En un texto de esa época: “La pintura a oscuras”, Gonzalo Tena, confirmando la actitud de Fabvre, dice: “Paradojicamente , las tres únicas formas de ver pintura en la actualidad son: o bien a oscuras, o bien con muy poca luz, o peor aun con muy pocas luces. Para Javier Cruz, autor del libro “El Grupo de Trama, Gonzalo Tena defiende la pintura a oscuras, donde el fenómeno de la pintura-pintura deviene en tautología carente de adjetivos, la que tan sólo precisa el gesto de encender  la luz”.

 En mi experiencia pedagógica me he encontrado con alumnos ilusionados que creían haber descubierto el expresionismo abstracto, el cubismo sintético o el hiperrealismo. Yo siempre lo he encontrado legítimo cuando lo hacen desde el corazón y la buena intención, nunca como copia devaluada de un original. En esta ocasión  Agustín Fructuoso, sin saberlo, quería experimentar lo mismo que Gonzalo Tena experimentó hace treinta años, o que Tito Livio, o Petrarca o Roland Fabvre  con la feliz coincidencia de que ambos pintores han recurrido a similares reflexiones teóricas sobre el papel fundador de la visión y de la mirada en el “paisaje” abstracto, y en el uso del negro en el arte contemporáneo.

   El cuarto reencuentro es muy críptico aparece en el título de la exposición no sé porqué razón .Recuerda algo que sucedió en  la vuelta ciclista a Francia, el “Tour”, en el ascenso al  Mont Ventoux, allí el ciclista británico Tom Simpson, en 1967, dos años después de la ascensión del tio abuelo de Bernard Fabvre, dejo su vida, exhausto, en la carretera, algunos  dicen que debido a una sobredosis de anfetaminas y alcohol y otros aun malestar intestinal que ya arrastraba desde la salida.

FALLECE EN BARCELONA EL ARTISTA CONCEPTUAL JORDI BENITO.

jesusmc | 10 Diciembre, 2008 22:35

LA MUERTE DE JORDI BENITO.

 

 

 

                    

 

 

 

 

  He asistido a  muchas reuniones con especialistas, críticos, “curators”, artistas de arte contemporáneo, sea para dar una beca, un premio o decidir una exposición . Siempre se oye a alguien que dice: “si hombre aquel de los animales descuartizados” o, si , “aquel que le gustaban los pianos y Wagner”, o “si, el amigo de Carles Santos “ o “de Tous”, o, “pero no había montado un restaurante” o “ yo lo veía pasar  por la plaza Orwell”Los artistas se pasan toda la vida trabajando y el caldo reducido de los tópicos hace un extracto, un caldito “Maggi” en cuatro palabras. Los tópicos te acompañan hasta la muerte. Y, como se dice ahora: punto pelota.  . 
 
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