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LABORAL GIJON: Nowhere / Now/ Here del diseño contemporáneo.

jesusmc | 31 Enero, 2009 20:19

                     

 Artículo publicado en Cultura´s de La Vanguardia.Miércoles,28 Enero 2009

Nowhere / Now/ Here Explorando nuevas líneas de investigación en el diseño contemporáneo LABORAL GIJÓN Los Prados. 121 Tel. 985-185-577 www. laboralcentrodearte, org Hasta el 20 de abril

Jesús Martínez Clará 

Rosina Gómez-Baeza ha sido durante veinte años valedora del arte contemporáneo en ARCO, y ahora se ha propuesto un nuevo reto con LABoral-Centro de Arte y Creación Industrial. En su nuevo proyecto, lo sustancial es la interacción entre arte, ciencia, tecnología y sociedad en el marco de la cultura digital, una apuesta que le otorga el papel de institución pionera en nuestro país y ha creado una línea expositiva arriesgada y coherente que llama la atención de artistas y críticos de todo el mundo.

LaBoral está ubicada en las inmensas naves remodeladas de la antigua universidad del trabajo de Gijón, una especie de Escorial del mundo obrero durante el franquismo y que puede convertirse en el megacentro de arte y creación post industrial del siglo XXI. Estos días se puede visitar Nowhere/ Now/ Here,que presenta a partir de unos adverbios que indican situaciones y sugieren acontecimientos, un panorama de la vanguardia del diseño actual. La pregunta sobre las cuestiones de lugar, tiempo o situación: En ningún lugar, ahora y aquí son siempre fundamentales. El arte yel diseño viven en una pregunta adverbial constante: En ningún lugar, pero: ¿Dónde? Ahora, pero: ¿Cuándo? ¡Aquí!


Este complejo entramado situacional y temporal se da en un momento en el que habitamos en una contradicción positiva, por un lado como demuestran el banquete de redes y nodos: la inter-territorialidad, las conexiones múltiples, las redes de información que nos sugieren un lugar que es todos los lugares (nowhere),una ubicación inexistente en la casa globalizada. Por otro lado la exigencia revolucionaria de lo local, la exigencia de lo propio y de la raíz: Ahora (Now) y Aquí (Here).La inter-territorialidad la demuestra la variada procedencia de los artistas y diseñadores escogidos para ambas exposiciones. Los propios participantes en la organización de la exposición actual demuestran la complejidad del sistema en el que estamos inmersos: los comisarios, Roberto Feo y Rosario Hurtado, tienen estudio en Berlín, Patricia Urquiola y Martino Berghinz, los diseñadores de la exposición, lo tienen en Milán, Fernando Gutierrez, el diseñador gráfico lo tiene en Londres y yo escribo esto en Barcelona. Por eso se trata de hallar solución al dilema que se encuentra en armonizar lo local y lo global.

 


La mayoría de nosotros formamos ya parte del nomadismo intercultural, del hola y adiós en los aeropuertos, nos googleamos constantemente para saber quiénes somos y en dónde nos encontramos. En este contexto de intersecciones culturales e hibridación queda un poco lejos la noción vinculante y estrecha entre identidad nacional y diseño o entre arte y territorio. Los sistemas de comunicación en red están dificultando esta clásica relación, expresiones como cooperación cultural en red, la evolución hacia la complejidad social o la propia definición de nodo interconectado hecha por Manuel Castells no nos permite pronunciar, hoy, con el mismo orgullo que hace veinte años expresiones como: ¡es diseño catalán! ¡escultura vasca! ¡confort nórdico! ¡maquinaria alemana! ¡microprocesador japones! Ahora todo es de " ninguna parte", pero hecho " ahora" y " aquí" y quizá, si preguntamos mucho, sepamos de dondeode qué está hecho. El arte postindustrial puede caer en un vacuo esteticismo si no considera la cualidad y el sentido profundo de donde nace lo artístico. En la actualidad, y mientras no aparezca una nueva generación desconectada , el arte propuesto por Laboral es el futuro ahora y aquí.

         Vista General

            Alejandro Mazuelas   

 

 

 

        Martí Guixé 

 

 

 

            Alon Meron

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LA PERSEVERANCIA PICT0RICA DE AMPARO CORES

jesusmc | 31 Enero, 2009 18:21

  

 Art.Publicado en "Cultura´s de La Vanguardia.21.Enero 2009

La Sala “Libertad” hace honor a su nombre y ha optado por liberarse de algunos prejuicios estéticos propios de la contemporaneidad; lo ha conseguido apostando por un arte basado en criterios de calidad pictórica, sin considerar la fecha de nacimiento de los artistas o que estos, sean más o menos conocidos.

En esta ocasión presentan la obra de Amparo Cores (Oviedo,1929).En la exposición hay pintura y escultura desde 1958 hasta hoy, cincuenta años de trabajo continuado y perseverante en los que el reconocimiento no ha sido su principal objetivo y eso, es virtuoso, porque en el texto de Shi –Tao, que abre el catálogo, se lee :”Los antiguos pintores viviendo en el anonimato, obtenían la gloria. Perfeccionaban su formación y comprendían la vida”. Me fascina la perseverancia de Amparo Cores y de las mujeres artistas de su generación como Mercedes Gómez-Moran o Maruja Moutas que en los años cincuenta iban a París, fuera a la Académie de la Grande Chaumière , a la Académie Julian o a asistir al “atelier” del pintor y teórico francés André Lhote.

 Amparo Cores conoció, en Bruselas, a finales de los años cincuenta, a su  esposo, el pintor y diseñador Jesús de la Sota con quien estableció una gran complicidad intelectual y estética. En el Madrid de los “60” crearon un ambiente  transversal y expandido entre : la arquitectura de Alejandro de la Sota, el diseño de mobiliario, la pintura, escultura, tapices o la fotografía de Antonio Cores de quien ella misma ha recuperado, recientemente, las fotos que hizo a Picasso en 1966.

En esta exposición se presentan cincuenta y ocho obras dominadas por dos sensibilidades diferenciadas y que, a primera vista, pueden parecer contradictorias entre lo mesurable e inconmensurable que habita en las formas y en la naturaleza. Por un lado, la medida aparece en unas series de óleos sobre tela o tabla de mediano formato con títulos tan significativos como:”Ritmos”,“Simultáneos”,“Armónicos”,“Composiciones” o, también los “collages”: “La bola” o “El Círculo”.Estas obras se basan en el estudio de las leyes que operan sobre las estructuras geometrizadas de la forma. Amparo Cores busca en ellas la coherencia , mesurada, lucida y equilibrada,   lo que André Lhote llamó: las “invariantes plásticas” del arte. En todas, la relación entre música, número y forma insinúan un misterio pitagórico que les pertenece desde antiguo, porque solo las circunstancias cambian y lo fundamental se mantiene. Pero,  a diferencia de la luz  de Klee, el rigor frío de Mondrian o del Movimiento Moderno, ella incorpora la sensibilidad exquisita que deriva de una geometría sentimental, en las que la regularidad del círculo, el triángulo, el cuadrado y la cruz son tratados con delicadeza, inspiración y silencio como si fueran rosas frente a una ventana.

En sentido contrario, opone a esa precisión de la forma que conoce bien: la naturaleza inconmensurable de unos “paisajes” abstractos inmersos en la atmósfera y la bruma;  son vistos desde un risco, una marisma, una colina o un amanecer y en todos ellos, domina un sentimiento melancólico del espacio. Con una discreción ejemplar, tímidamente, consigue captar ,con la sutileza de un paisajista chino del siglo XVII, el pulso vital de la naturaleza o penetrar sin estridencias en el centro oculto de los objetos como en sus obras “Sobre la mesa” o “Bodegón III”. En estos paisajes vaporosos también hay normas, pero las trata con la libertad de quien se encuentra liberado de la exigencia de un método. Amparo Cores ha conseguido conciliar con su pintura unos principios estéticos antagónicos y convierte esta exposición en un manifiesto de síntesis posible entre lo determinado y lo indeterminado, entre el caos primigenio de la naturaleza y el sentido ordenador del número, entre la razón y el sentimiento. En todas ellas se vislumbran tenues ausencias, nostálgicos recuerdos, amor y mucha perseverancia pictórica.  

     Jesús Martínez Clarà.

  "La Bola"  (2000)

"La Colina" (1971)

El círculo (2000)

 

"El tiempo de la cosecha" (1970)  

                        

                  Amparo Cores y Jesús de la Sota (1960)             Foto de J.R.Cores 

JOSE LUIS GUERIN EN LA CIUDAD DE SILVIA.

jesusmc | 17 Enero, 2009 20:47

                     

1 de Octubre 2007 19:48

DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 7     

Jesús Martínez Clarà | 01 Octubre, 2007 19:48 

En algunas ocasiones, de ciento a viento, salgo de casa y veo en la esquina, como buscando un taxi, a José Luis Guerin. Lo reconozco de inmediato por su característica gorra de cineasta de los años veinte, por su espigada y desgarbada figura y sobre todo porque siempre lleva una cartera portafolios debajo del brazo. La última vez fue hace muchos meses, hablamos unos minutos y me dijo que se iba a Italia a ver pintura. La verdad es que  no me sorprendió porque es conocida su inquietud intelectual , sus querencias hacia la belleza y he aquí que me encuentro sentado en una butaca de cine ,viendo en imágenes lo que durante tantos meses llevó en su cartera portafolios. Su proyecto se ha hecho realidad visible  y se llama "En la ciudad de Sylvia" una película que ha concurrido en la sección oficial del Festival de Venecia 07 junto a veintidós insignes candidatos.

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JAVIER PUERTOLAS EN MONTSERRAT

jesusmc | 17 Enero, 2009 18:26

 JAVIER PUERTOLAS Y EL MANTO PROTECTOR   

 

21 Septiembre, 2007 23:11DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6              

 

 

                 

 

 

Javier Puértolas expone en www.galeriafidelbalaguer.com  hasta el 27 de Octubre, con  un título general : "Sota l´epidermis". Ya hace algún tiempo que vengo diciendo en foros y tertulias artísticas que la Iglesia católica debería recoger el testimonio del mecenazgo que ejerció durante tantos años y desplegar su manto protector sobre el arte contemporáneo, y que los jóvenes, con menos prejuicios ideológicos que hace unos años, deberían reclamar ese amparo. La iglesia ha hecho tímidos intentos parroquiales, casi siempre nefastos, de  restaurar una vidriera o colocar un Cristo crucificado con el lenguaje estilizado de lo pseudomoderno. No, me refiero a eso, sino a lo que valientemente han hecho en la abadía de Montserrat los monjes, al habilitar un espacio único destinado a hacer exposiciones de artistas que llevan una práctica activa y atrevida como en el caso de Javier Puértolas. El ha sido el escogido como primer artista para inaugurar el espacio Pere Pruna dedicado al arte contemporáneo.   Este artista (Binéfar,1947) ha tenido el honor de  inaugurar junto al abad del monasterio Josep M.Soler. El Espai Pere Pruna  es una parte habilitada dentro del museo montserratino que  acoge valiosísimas obras de todas las épocas y culturas. Entre marzo y junio de este año los visitantes de la montaña  se encontraban con la exposición de Puértolas:" Los laberintos de lo visible". Cuando asístí a la inauguración , ya me pareció que tanto el abad de Montserrat, como el monje Josep de C. Laplana decían cosas muy interesantes  con la soltura de los conferenciantes especializados en materia artística contemporánea . Yo en esa ocasión pensaba con que criterio habrían escogido la obra de Puértolas, que es lo que habían visto en ella que pudiera relacionarse con el mundo que ambos monjes representan y hoy cuando he leído el texto que acompaña a la actual exposición:"Sota l´epidermis”, lo he entendido.    El título parece indicar que bajo la superficie de las cosas existe algo más, algo que debe buscarse en un viaje hacia el interior y eso es lo que ha hecho el monje y Director del Museo de Montserrat Josep de C.Laplana en su escrito titulado: "Un viaje maravilloso a las entrañas de un mundo fascinante que es y no es." Cuando salí de la exposición y mientras me tomaba un té negro en una terraza cercana a la galería de la calle Consell de Cent , leí el texto de un tirón y no es corto. Esta muy bien escrito y  con una sinceridad difícil de encontrar en catálogos de arte, está escrito desde la amistad y haciendo un recordatorio de situaciones vividas por ambos, un recorrido por la trayectoria creativa de Puértolas, pero sobre todo reflexiona en unos términos significativos y útiles para comprender los valores y actitudes artísticas que pueden ser  adecuados para que el director de un museo religioso extienda su manto protector sobre un artista    

 
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