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BAYRLE.MEIRELES.RABASCALL:LA I.F EN EL MACBA

jesusmc | 22 Marzo, 2009 19:22

 BAYRLE.MEIRELES.RABASCALL : LA INTELIGENCIA FORMAL EN EL MACBA.

    

    La triple exposición de Thomas Bayrle , Joan Rabascall  y Cildo Meireles que se está llevando a cabo en el MACBA es una buena ocasión para profundizar en una cuestión que nunca pierde actualidad, me refiero a la antigua querella entre conceptos y formas.

   La batalla más reciente de esta “querella” se produjo hace un par de años en la ciudad alemana de Kassel , cuando en la  doceava edición de la Documenta, Robert Buergel escogió a Ferrán Adrià como representante del arte español. Artistas y crítica  ardieron de ira  por esta elección y  para más "inri", el comisario argumentó que Ferran Adrià generaba celos porque: " no hay nadie en España, de esa generación, que se le pueda comparar con su nivel de inteligencia formal."

   La expresión  Inteligencia Formal despertó muchos recelos y antiguos agravios, pero , milagrosamente, la historia equilibró la balanza con  la elección de Ignasi Aballi como representante español en la Bienal de Venecia, eso supuso un triunfo de la inteligencia conceptual que ,como sabemos ,ha hecho de la documentación, la  reflexión , el archivismo y la imagen sus principales herramientas .

 

  Es muy conocida la expresión de Baudelaire de que cada tiempo tiene su gesto, su sonrisa y su mirada. La concordancia entre los artistas, críticos o pensadores con la época que les ha tocado vivir es uno de los fenómenos más inquietantes de la cultura moderna. Todos estamos sujetos a la caducidad que imponen las modas y tendencias  en el arte contemporáneo. Debido a ello hemos tenido que soportar soporíferas sesiones  escogidas por la crítica moderna en las que la obra más interesante, era  en un documento fílmico  que recogía como un palestino cruzaba el paso de Erez en Gaza para regresar luego a su domicilio, por ejemplo.

Ahora, por el vaivén de las circunstancias, hasta los críticos más reacios a considerar el poder de la forma, los surgidos del antiguo círculo de Santa Mónica  que les sentó como una patada en las ingles la elección de Adriá, ya no están en guerra y han hecho críticas respetuosas hacia la triple exposición que ha propuesto el actual director del MACBA Bartomeu Marí. Estas muestras son  el reconocimiento de que en el arte, la FORMA  Y LO INTELIGIBLE deben ir de la mano siempre. 

El equilibrio entre medios y fines, entre el tema y el sistema de ejecución de la idea, nunca debe perderse. La obra contemporánea debe mantener el “musterion” griego, el enigma que permite  una interpretación afectiva y respetuosa. Para ello, el concepto no es aislable de su producción material, se manifiesta en el acto de la realización, es decir en el momento de su epifanía, de su aparición, el momento sublime en el que la sagrada forma aparece con su poder, la debemos celebrar como un éxtasis estético.  

 

Bayrle. 

Meireles

         Rabascall

 

MURAKAMI ´ S

jesusmc | 21 Marzo, 2009 19:28

 MURAKAMI ´S

    

           En cierta ocasión, estaba viendo un reportaje de la “2”  y descubrí la pesca con cormoranes en China. Los pescadores colocan a los amaestrados y resignados pájaros sobre una tabla que flota sobre las aguas del río, dan pequeños saltitos balanceando la “embarcación” mientras cantan una canción. El cormorán se lanza al agua y va sacando peces en su pico, el pescador los recoge y de vez en cuando les da a comer uno de ellos. La ceremonia me llamó la atención pero aun más, el hecho de que todos los que se dedican a este antiquísimo oficio pescador se llaman: WANG.

       En Japón, actualmente, llamarse MURAKAMI es sinónimo de creatividad. Ryu Murakami (1952) es director de cine y escritor, Haruki Murakami (1949) es escritor y  Takashi Murakami(1963) es artista plástico y muchas cosas más. En los tres los dos “kanjis” que corresponden a su apellido tienen el sentido de “pueblo y arriba”. Etimológicamente se podría decir que los tres llevan inscritos en su apellido su deriva hacia lo popular, hacia lo Pop.

    El martes pasado a las siete de la tarde, una gran cola de dragón daba varias vueltas alrededor de la biblioteca Jaume Fuster en la plaza de Lesseps. El motivo era una conversación pública entre Haruki Murakami e Isabel Coixet (Madame Wasabi).

Fui  sobrado de tiempo con la idea de que sería un encuentro íntimo entre los dos creadores y algunos amigos más porque me habían dicho que este escritor,  protegía su intimidad de modo casi patológico que era raro verle en fiestas, que no recibía premios, que no daba conferencias, ni  charlas, ni firmaba libros. Que prácticamente no concedía entrevistas, ni dejaba que lo fotografiaran, por todo eso pensé que estaríamos solos. No fue así.

Una multitud de lectores y fans del escritor se habían presentado de la cita y finalmente no pude entrar, a pesar de ir con amigos de Isabel Coixet y haber cenado con ella hacía una semana. Marché decepcionado, algo cabizbajo pero pronto encontré remedio. Empecé a pensar en este “post” para dar cauce a mi frustración, con regusto de venganza y me di cuenta que bueno, no era para tanto, que en realidad el Japón que representa Murakami no es el Japón que me interesa y que aunque parece ser que su abuelo era monje budista , él ya no era otra cosa que hijo de la ocupación americana tras la guerra y que lo suyo no era el “Wabi-Sabi”, sino los discos de jazz y su bar  "Peter Cat " en Tokio. Que lo que le gusta es vivir en Europa.Con su literatura post-posmoderna pop , humorística y  algo surrealista da “cancha” al “Manga” popero, y a todos aquellos que en lugar de decir japoneses, dicen de un modo snob “japos”.

Me sorprende la fascinación que algunos japoneses tiene por los americanos que no son otra cosa que los verdugos de su tradición y cultura, me sorprende que Art Blakey & the Jazz Messengers cumplieran  su propósito evangelizador cuando Murakami tenía dieciséis años y sus padres le regalaron una entrada para un concierto  por su cumpleaños. Fue entonces cuando USA se  presentó ante él con todo su esplendor. Desde entonces, no me sorprende que se dedique  a traducir autores americanos al japonés como F. Scott Fitzgerald, Raymond Carver o John Irving. Que le guste el béisbol o que uno de sus libros favoritos sea  “La traición de Rita Hayworth” de Manuel Puig. Que le encanten las series de televisión, las películas de terror, las novelas de detectives, la ropa de sport, las canciones pop y que busque la complacencia de los lectores.Pero lo peor es que en lugar de pasear junto a un templo rodeado de musgo, prefiera correr un triatlon.

       Takashi Murakami es el más versátil de los tres, toca varios palos, pero como sucede con su “tocayo” está  fascinado por lo “popy” de la cultura americana y los nuevos medios. Su estética es la de un niño cibernético rodeado de dulces y empalagosas chucherías.

       Sus esculturas o mejor sus figurines tienen la amabilidad de un muñeco de peluche carnívoro dispuesto a darte un “bocao” en cualquier momento.  El cómic y la cultura del anime y el manga, dominan todas sus historias y son un buen reflejo de en que lugar se encuentra la moderna vida japonesa. Por si fuera poco , a este Nipon, le gustan las setas  y “Smooth Nightmare" , con sus hongos Murakami  alude a temas de la cultura underground y psicodélica.

   Buscando un estilo no contaminado por las influencias esteticas del arte contemporáneo  occidental se ha inventado un modelo de gestión y producción como si se tratara de un reloj “Casio”.Asi la firma de Murakami produce: figuras de vinilo, juguetes de peluche, llaveros, camisetas, carteles, y  todo tipo de contaminaciones estéticas. Su estilo se llama “Superflat”, se caracteriza por colores planos e imágenes gráficas, con un estilo de carácter derivados de anime y manga.  Superflat es un estilo artístico que surge del estilo de vida y la subcultura Otaku, basados en el consumismo y el fetichismo sexual. Murakami acepta que el arte y el comercio se mezclen, y se extraña de que en Occidente exista una rígida y pretenciosa  jerarquía entre "gran arte" y “arte menor”. He leído que en mayo de 2008, "Mi Solitario Cowboy" (1998), una escultura de un niño masturbándose, se vendió por $ 15,2 millones en una subasta de Sotheby's.

     Este Murakami artista, dinamita la tradición, arrasa con los valores seculares y confirma la “empanadilla” japonesa contemporánea, en la que los jóvenes quieren redondear sus oblicuos ojos y tener pechos y penes inverosímiles y es que no puede ser bueno pasar de la edad media a Warhol, Oldenburg o Lichtenstein sin que se te atragante el sushi.

 

                                   

 

 

 

 

                                     

 

 

 

 

                          

 

 

 

                         

CAPTAIN BEEFHEART PROJECT FAST´N´BULBOUS

jesusmc | 17 Marzo, 2009 20:36

No es la primera vez que me sucede. Me llama Javier, me dice que hay un concierto que vale la pena y sin pensarlo voy. En esta ocasión se trataba de: Captain Beefheart  Project Fast 'N' Bulbous + Za.

 

Asistí al concierto, lo disfrutÉ, había poca gente y la sala Apolo se convirtió, por un par de horas, en una especie de “the knitting factory” de Nueva York. Fast 'n' Bulbous es un grupo que se ha  creado con la participación de unos músicos con talentos diversos  procedentes del mundo del  rock y del jazz contemporáneo: el guitarrista Gary Lucas,(que fue sustituido por accidente) el saxofonista/compositor Phillip Johnston (de Microscopic Septet), el bateria Richard Dworkin, el  saxo baritono  Dave Sewelson , el trombonista Joe Fieldler ,el contrabajo Jesse Krakow y el trompetista Rob Heinke .

 

En este comentario quiero destacar el interés musical de la banda Fast 'N' Bulbous y para ello he seleccionado uno de sus videos , pero sobre todo quiero hacer mención al  homenajeado “Captain Beefheart”.

 

Captain Beefheart es el pseudónimo de Don Van Vliet la quintaesencia del músico y artista “outsider” de la segunda mitad del siglo XX. Compañero de aventura musical de Frank Zappa, lideró su propio grupo llamado “Magic Band” desde los años sesenta a los ochenta, después se retiró como músico y continúo su carrera como artista, actualmente vive con salud precaria, huraño y aislado. Su influencia en la música contemporánea está fuera de toda duda. Proyectos como los de John Zorn, Marc Ribot o los propios componentes  de Fast 'N' Bulbous  le deben mucho. Una marginalidad de público y ganancias pero con devotos seguidores que se dejarían la piel por él.

 

Una mención aparte merece su trabajo pictórico que es la manifestación plástica de su música. Su pintura esta influida por los antecedentes del Expresionismo Americano: Kline, Motherwell, De Kooning ,etc, etc

 

Finalmente la música de unos y otros se compone de unas distorsiones guturales, sonoras, en las que la repetición es muy importante. Los patrones sencillos e insistentes a lo Thelonius Monk, dan paso a unas desaforadas improvisaciones en los que la guitarra eléctrica tiene un lugar de privilegio. Creo que los proyectos musicales contemporáneos como los del propio grupo “ZA” o el “Masada” de John Zorn no serian posibles sin la influencia y antecedentes de músicos como Captain Beefhearth en el rock avanzado o de la libertad absoluta del jazz de Ornette Coleman.   

                                                                                                                                                                                                                                                         

  

                             

 

 

 

 

                   

 

 

 

ver:

           http://www.dailymotion.com/video/x5ldx1_captain-beefheart-some-yoyo-stuff_music

          http://video.google.es/googleplayer.swf?

                       

                         

J.C.BRACHO:DIBUJO,TIEMPO Y SILENCIO

jesusmc | 13 Marzo, 2009 18:25

                       

                       Jesús Martínez Clarà

  

 

ARTÍCULO PUBLICADO EN EL SUPLEMENTO CULTURA´S  Nº 351 DE LAVANGUARDIA DE BARCELONA. 11 DE MARZO 2009. 

 

  

El paseante puede ver en Barcelona cuatro exposiciones en las que el dibujo recupera el terreno que le pertenece: Antony Williams en Artur Ramón, Lluis Lleó en Raiña Lupa, Jack Balas en Ego y Juan Carlos Bracho en la Galería Carles Taché . Todos ellos, de modos muy diferentes, demuestran la vigencia de un medio muy eficaz para experimentar y comprender la realidad.

 

El dibujo es un sistema de pensamiento mágico , necesita silencio y constancia  para que se produzca la taumaturgia que transforma lo real en  imagen, eso se produce en una  atmósfera de extraña concentración y con una atención majestuosa.  Viollet-Le-Duc  en 1879 utilizó la expresión latina: “Nulla dies sine linea”  y con ese lema estaba definiendo la segunda  condición del dibujante, aquella que le exige un esfuerzo diario y permanente.

  

J.C. Bracho(1970) tiene predilección por las estructuras constructivas, por el espacio y los muros. Ya lo había demostrado en trabajos anteriores:   Hangar,  Double Team”, en sus dibujos para una sala rectangular del 2003 o en sus “Quantum Continuum”.

  

 Ahora , con el título general de “Magnificent Obsession” presenta  sus dibujos sobre  grandes superficies murales , paredes maestras o muros exentos  sobre los que interviene con un instrumento minúsculo: el lápiz de grafito de diversas durezas  “hb”, o de colores luminosos escogidos al azar. De modo minucioso, va realizando ritmos oscilantes  que en ocasiones parecen registros sismográficos en un papel ,  latidos de un corazón o paisajes.

  Cuando parece que con el dibujo ya sería suficiente y que el muro está acabado después de horas de intervención laboriosa, Bracho da un paso más y registra su intervención dibujística a través de la fotografía. El dibujo en el muro desaparecerá cubierto por pintura blanca y en su lugar queda una fotografía idéntica al original y eso es lo que expone en una serie de  grandes formatos  C/Print sobre soporte de aluminio.   

Cuando el paseante  mira sus dibujos de cerca, se encuentra con la superficie resbaladiza, casi cristalina de la textura fotográfica,  no hay ningún rastro material del característico polvillo del grafito, la “pulchritudo” domina en todas ellas y  ya se sabe que eso es  sinónimo de orden y belleza.

  Bracho entierra definitivamente la dualidad estéril mantenida por los ortodoxos de ambos medios, para los que la fotografía y el dibujo nada tienen en común. Incluso  se atreve a negar a Nam June Paik cuando decía que el tubo catódico vendría a sustituir a la tela y  demuestra, con un video de cuatro horas y diecinueve minutos, en el que se le puede ver trabajando, que eso no ha sido así.

Culmina el recorrido con una obra realizada en el mismo espacio de la galería una maqueta 1:1 para una escultura que es un gran cubo de 244x244x244  absolutamente dibujado en su superficie. Este sólido platónico, cósmico y perfecto de caras regulares se llama : “Everlasting Love”, una la alusión  al amor eterno a propósito de un humilde hexaedro regular.

 

   

                     

                             Películas de mí mismo.C print 200x266

                    

                          Dibujo para un muro exento

 

                     

Everlastin Love 244x244x244.Proyecto virtual a realizado  en la Galería Carles Tache.

FERRAN GIMENEZ:OBRA PARALACTICA

jesusmc | 09 Marzo, 2009 18:44

 

             Ferran Giménez ha escogido un título complejo , pero acertado, para nombrar la  exposición que actualmente está realizando en la Escola Massana de Barcelona: PARAL.LAXI. Como le debe suceder al lector de esta crónica, cuando leí la palabra, empecé a hacer todo tipo de especulaciones interpretativas. Algunas equivocadas , otras iban por buen camino. Sabiendo de su afección a la geometría  empecé a pensar en el  paralex de ingenieros y arquitectos,  esa herramienta que utilizaban antes de la revolución digital y que sirve para trazar líneas paralelas horizontales, apoyando en él la escuadra o el cartabón o para trazar líneas paralelas verticales con múltiples grados de inclinación. También pensé en la preocupación que los fotógrafos tienen por el paralaje cuando retratan edificios o los límites de  un paisaje, buscando otras referencias incluso fui a parar a la astronomía y  encontré que es un ángulo formado por dos rectas que  se unen en el centro de un astro, una con un punto de la superficie de la tierra y el otro con un punto cualquiera, etc, etc, algo así como dos puntos de esas líneas paralelas que se juntan en el infinito.

             Esta primera incursión en el nombre nos indica varias cosas: la primera,la del  interés de este artista por la ciencia a través del rigor geométrico, las leyes ópticas e incluso la astronomía. Ante esto, uno que es de letras, lo único que puede hacer es i r a lo suyo y deducir que en esas definiciones sobre lo paraláctico lo que domina es un doble punto de vista sobre las cosas y el deseo de una unión en el infinito,  pero sobre todo, lo que me gusta es la raíz griega de la palabra paral.laxi que quiere decir literalmente :cambio.  

              Ferran Giménez inicia un cambio radical en su vida y tras un paréntesis profesional que le llevó a dejar los pinceles por lo impreso, ahora, recupera su origen y vuelve a pintar. Bueno, pintar no es la palabra más adecuada para unas obras fotográficas, pero el trasfondo de su trabajo continúa siendo el mismo que cuando utilizaba los pinceles, es decir: preocupación por los espacios estructurales de la superficie, colores extraordinariamente escogidos de gamas austeras, relevancia de los detalles, líneas perpendiculares, redes y mallas.

             Su mirada fotográfica la imprime digitalmente y la enmarca sobre bastidores  gruesos, unas impresiones de gran detalle ante las que el espectador duda “paralaxicamente” si se encuentra ante una fotografía o no. La sensación ambigua despierta en el espectador recelos que quiere contestar rápidamente, y puede pensar que hay manipulación digital, pero no, aquí no hay más que fotografía. Paral.laxi sirve tanto para definir su sistema de trabajo como para el tema escogido que, a mi modo de ver, no es otro que el cambio.

            El cambio, el desplazamiento continuo que se encuentra en la raiz de la palabra griega no lo constato solo en su recorrido personal, sino también en los sujetos  inmóviles que Ferrán Gimenez ha escogido para sus fotografías. Como un reportero bélico, este artista busca, entra, a veces con peligro de su integridad física en arquitecturas derruidas, edificios, solares próximos a su estudio en  Sants. Su fotografía se nutre de los cambios incesantes, de la destrucción que aniquila su barrio y con él, parte de su biografía y de sus recuerdos. 

 

 

                  

 

 

 

                 

 

 

  

                 

 

 

 

 

                 

 

                      

 

 

  

                       

 

 

 

                  

 

    

TADANORI YAMAGUCHI:SINTESIS EXTREMA

jesusmc | 08 Marzo, 2009 19:10

 

                

   

              

Artículo publicado en las paginas de Cultura´s  n º  350  4 de Marzo del 2009 en el periódico La Vanguardia  de Barcelona

Tadanori Yamaguchi(1970) nos muestra en LA GALERIA unas pesadas esculturas de granito negro, seis polígonos irregulares junto a veinticinco piezas ligeras de papel. En la exposición, la densa oscuridad del granito y el blanco del papel crean un evidente contraste entre fortaleza y fragilidad, entre la opacidad mineral y la luz. Las esculturas de ángulos irregulares  son formas bellas, de gran armonía pero inquietan por el desorden asimétrico de sus aristas.  

 

 Para la mirada occidental, la belleza se manifiesta en el orden, la regularidad, la búsqueda de coherencia, pero la cultura japonesa es  dada a los contrastes, a las paradojas  de lo insólito, a lo desigual. La casa del té es la morada de la asimetría y del vacío, cobija las  síntesis de opuestos: si la tetera es redonda, el recipiente para el agua será angular,  la severa geometría del espacio, siempre incorporará algún elemento natural ,desequilibrante e imperfecto.   T. Yamaguchi  confirmó su gusto por estos contrastes en la  exposición  “Blanco y Negro”(2008) en la Galería Guillermina Caicoya de Oviedo, y también cuando transformó el espacio de la capilla barroca de la Trinidad de Gijón del Museo Barjola (2007) acercando el suelo al espectador , obligándole a dirigir su mirada hacia lo cercano, pues su filosofía  le  dice  que el camino verdadero esta bajo los pies y no en la lejanía celeste.

 

  Todas estas dualidades estéticas producen una perturbación, una tensión positiva similar a la  que se encuentra en los enigmáticos  fragmentos de Heráclito , para quien : “la armonía del mundo en orden es una armonía de tensiones contrarias igual a la del  arco y su cuerda”.Yamaguchi  tiene un programa de trabajo que en  obras anteriores ha llamado: “existencias sin forma” ,  un estado abstracto, amorfo, previo a la definición concreta del objeto, unas pre-formas que no son visibles, pero si captables a través de otros sentidos como cuando el viento da en el rostro.  

Buscando una nueva dualidad me he permitido ir más allá de la presencia ensimismada , silenciosa de estas esculturas y  en  una de las obras expuestas, llamada  “Diamante Negro”(2008) ,   he reconocido similitudes con el misterioso polígono irregular del célebre grabado de Dürer  sobre La Melancolía (1514). En él hay un ángel  sentado en medio de muchas herramientas que aluden a la actividad y a la creación, pero no hace nada, tan sólo tiene la mano en la mejilla. Yamaguchi , ¿sin saberlo?, despereza al ángel melancólico  y Saturnal de Dürer , le hace dar cuenta que frente a su innata tendencia a la vaguedad nihilista y a la ausencia, se encuentra una energía activa que debe manifestarse, una forma poligonal irregular que ha sido tallada con el esfuerzo de alguien y eso supone una nueva visión integradora entre la melancolía quietista de Saturno y la actividad energética de Júpiter, un nuevo encuentro de contrarios en una síntesis extrema.

               

 

 

 

 

 

                                           

 

 

 

 

                        

JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY EN LA LABORAL

jesusmc | 06 Marzo, 2009 20:32

  En La Laboral de Gijón se ha representado la obra Isabella´s Room, una de los espectáculos de más éxito de la compañía belga Needcompany. Me ha gustado mucho el concepto expandido de la obra de Jan Lauwers (Amberes 1957) en ella, la danza contemporánea, la música en directo, las voces, la teatralidad, los objetos y la puesta en escena convierten el espectáculo de dos horas en una auténtica “Performance”. Jan Lawers  esta considerado como uno de los creadores escénicos más importantes de la actualidad. Después de estudiar pintura en Ghent, en 1986 Lauwers funda la Needcompany compañía en la que domina la visualidad plástica y una frontera sutil entre actuar y no actuar: miradas al público, miradas entre ellos, unos  breves segundos de quietud tras la participación de cada interprete, etc.

El espectador se encuentra con los protagonistas ya en escena, les miran mientras la veterana actriz Viviane De Muynck que es Isabella presenta a los diferentes personajes de la obra. Entre otros los hemisferios izquierdo y derecho de su cerebro. Los objetos en escena son reales y auténticas maravillas antropológicas dejadas por el padre de Lawers, Felix , como herencia a su familia. La frontera entre lo verosímil y la ficción, las verdades y las mentiras están siempre presentes.

  

Nueve actores y bailarines multilingües recrean la historia de Isabella, una mujer ciega de 94 años que vive retirada en una habitación de París llena de objetos antropológicos y etnológicos. Recuerda acontecimientos, sus padres, sus maridos, sus viajes. La vida de Isabella esconde un terrible secreto y mientras no se revela el espectáculo transcurre por casi todos los principales acontecimientos  del siglo XX: de la Primera y Segunda Guerra Mundial, Hiroshima y el colonialismo, pasando por el desarrollo del arte contemporáneo con Joyce, Picasso y Huelsenbeck, los viajes a la luna y Ziggy Stardust de David Bowie. La presentación de los objetos rituales de diferentes culturas es un repaso por las emociones más básicas del ser humano: sexualidad, muerte, divinidad. En el aspecto musical no dudé  en comprar un CD con la banda sonora del espectáculo en la que sobresale el tema  “Song for Budhanton” compuesto y cantado por Hans Pether Dahl y el resto de la compañía. Un espectáculo extraordinario de dos horas sin interrupción que fue seguido y aplaudido con entusiasmo por el público asistente.

                       

Presentación Isabella´s Room 

                       

Performance  "The Porcelain Project"

 
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