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RAIMON ÁVILA Y POOL (NO WATER) DE MARK RAVENHILL

jesusmc | 28 Noviembre, 2009 11:34

                   

                   Mark Ravenhill

  

 

      Tal como escribí en un post anterior, la semana ha estado marcada por un reencuentro con el movimiento, la danza, el gesto y la palabra. Durante cinco días se ha presentado en un taller del Instituto del  Teatro de Barcelona la  versión que Raimon Àvila ha hecho a partir de la obra Pool(No water) de Mark Ravenhill.  En esta versión se ha aplicado de un modo ejemplar algunos de los fundamentos actorales basados en el movimiento y la conmoción que desde hace años viene trabajando este profesor del Instituto del Teatro y que próximamente se convertirán en un libro que se espera con impaciencia.

 

    La obra trata sobre los limites éticos del uso de materiales delicados, y sobre la legitimidad  de la depredación artística hecha tanto por creadores o críticos. Desde el apropiacionísmo posmoderno los límites han dejado de percibirse como problema y ante este panorama aparecen situaciones que se mueven entre lo conveniente y lo inconveniente que son valores que nunca deben perderse de vista.

 

Tal como se dice en la hoja de mano: “En la era de Internet la creación artística se ha convertido , más que nunca, en un trabajo de rehacer, copiar, transformar o incluso apropiarse de la obra(ola vida) de los demás, con o sin consentimiento. Bill Viola registró en vídeo la muerte de su madre y lo incluyó en el Nantes Triptych. Sophie Calle hizo del  correo electrónico de despedida de uno de sus novios en el motivo central de una exposición,   o bien graba a escondidas la vida de alguien que acaba de conocer y lo convierte, igualmente, en obra de arte . Mientras , Paul Auster utiliza  ala misma Sophie Calle para dar vida a uno de los personajes de su novela Leviatan. Ahora bien,¿ hasta que punto es lícita(o ética) cualquier forma de depredación artística?Piscina (sin agua) trata de un grupo de jóvenes artistas que viven felices creando instalaciones y performances más o menos intrascendentes. De  pronto, uno de ellos triunfa cuando utiliza para  hcer su obra las vendas y los condones de otro que ha muerto de Sida. Finalmente instalado en la fama, el lujo y la riqueza, invita al resto del grupo a bañarse en su piscina.”  Los jóvenes estudiantes-interpretes : Marina Barberá, Laura Fité, Catalina Florit, Davis Marcé, Jordi Sanosa, Marta Santandreu y Eduard Serra se mueven con soltura en esa línea interdisciplinar en el que la danza, el gesto, la palabra y la voz adiestrada por Rosa Cadafalch exigen el máximo de ellos. Reconozco que iba con algunos prejuicios tópicos sobre la inmadurez lógica del aprendizaje. Pero, al finalizar, tuve la cómoda sensación de haber asistido a un verdadero espectáculo escénico más que a un taller del Instituto.  

A falta de imágenes sobre lo que ví, quiero añadir este fragmento promocional de la obra de Mark Ravenhill, Pool (no water)  realizado por  Frantic Assembly.

 

                          

EVENTS APOFATICS:CUNNINGHAM-TAPIES

jesusmc | 22 Noviembre, 2009 10:58

 

EVENTS APOFATICS: CUNNINGHAM- TAPIES.La semana se presenta movida, quiero decir llena de movimientos. Hoy he ido a ver “Events”  en el teatro del Mercat de les Flors y entrada la semana iré invitado por Raimon Avila a ver el taller Piscina (sens aigua), de Mark Ravenhill, a l'Institut del Teatre. Hace tiempo tuve cierta proximidad al mundo de la danza contemporánea. Conocí a Cesc Gelabert en la época de su primer viaje a N.Y. y  en ese ambiente ilusionado de los primeros pasos de la danza contemporánea en nuestro país, nombres como Marta Graham, José Limon o Merce Cunningham eran profundamente reverenciados. Referencias obligadas. Cada uno escogía su tendencia, su deriva estética y la seguía con la fidelidad que se debe a un “guru”. En 1964 Cunningham creó los “Events” que hoy he visto  en el teatro del Mercat de les Flors. Han pasado cuarenta y cinco años de su ideación y sigue siendo un ejemplo de audacia moderna. Los movimientos  esquematizados a unos “patterns”  son muy bien ejecutados a dos , a tres o en grupo con una armonización perfecta, sin caer nunca en mecanicismos. La sutil combinatoria de esquema y azar se corresponde a la metodología del libro de los cambios, el I Ching, que tanto agradaba al coreógrafo. Igual que en este libro sapiencial, lo fijo y lo móvil se van enzarzando de un modo continuo. Sin pausa. Durante setenta y cinco minutos la improvisación musical de Arnau Sala(perc.), Xavier “Liba” Villavecchia(viento) dirigidos por Takehisa Kosugi(violin elec.y varios) lleno de sonoridad electro acústica el escenario mientras los 14 bailarines  ejecutaban unos movimientos programados con una coordinación perfecta. Me interesaba especialmente comprobar como Antoni Tàpies había resuelto la escenografía. No era la primera vez que el artista participaba en la creación visual de proyectos escénicos. Colaboraciones con Brossa, Yusaki Saburu, J.Guimet, también  Josep Costa, el año 1992, concibió la escenografía del proyecto operístico Cap de mirar (Cabeza de mirar), con música de Mestres Quadreny y libreto de Joan Brossa aun por estrenar. El año 1999 la Fundació Antoni Tàpies organizó la primera gran exposición en Europa de la obra de Merce Cunnigham. La muestra celebraba los cincuenta años de la trayectoria de Cunningham, desde su papel como primer bailarín en la Martha Graham Dance Company hasta la formación de la Merce Cunningham Dance Company en el Black Mountain College, el año 1953; desde su uso de las “operaciones fortuitas” hasta su innovadora obra actual, realizada con el programa de ordenador LifeForms (actualmente denominado DanceForms) . La muestra recogía documentación diversa sobre las coreografías, performances, decorados, vestuarios y músicas para sus ballets, creados en colaboración con otros artistas como John Cage, Jasper Johns, Bruce Nauman, Nam June Paik, Robert Rauschenberg, Frank Stella y Andy Warhol, entre muchos otros.
La escenografía de Tàpies consistió en presentar cuatro obras sobre material textil (Signes, Cadira, Apofàtic, Cara ) que iban apareciendo y desapareciendo verticalmente en el escenario y su obra :”Porta” (pintura sobre bronce) que en un lateral del escenario presidía totemicamente la sala. Todas del año 1991.
Me gusto mucho ver la obra:”Apofatic” en el escenario porque aludía a uno de mis intereses visuales más profundos. Me refiero a la distinción teológico-artística entre  la visión catafática o visión de una teología positiva que presupone la posibilidad de conocimiento de Dios y por lo tanto de su representación y por otro la posición apofática una visión  teología negativa sobre  la imposibilidad de llegar a la naturaleza incognoscible de Dios.  Esa dialéctica teológica que tanto influyó a la estética Bizantina o Islámica , supone el reconocimiento de uno de mis temas favoritos, sobre la imposibilidad del conocimiento de la esencia de lo artístico  que se evidencia especialmente en los movimientos abstractos de la danza contemporánea y que enfatiza con “acontecimientos” o “eventos” la diferencia que existe ENTRE DECIR O SER.     

ALEKSANDRA MIR EN JOAN PRATS: FICCIONES SAGRADAS

jesusmc | 05 Noviembre, 2009 21:38

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia. Nº 385  4/09/09

ALEKSANDRA MIR EN GALERIA JOAN PRATS: FICCIONES SAGRADAS.      

The Dream and the Promise es el título de la actual exposición de Aleksandra Mir en Joan Prats. En su anterior paso por la galería  ya nos proponía diversas indicaciones al viaje  con su instalación “Aeropuerto” (2005),un trabajo que culminó con su escultura “Plane Landing”(2008) un avión inflable de 20 metros que hizo aterrizar y fotografió desarmado de helio y flácido en diversas ciudades europeas.  No hay ninguna duda de que a Aleksandra le gusta viajar: nacida en Polonia, ha sido ciudadana sueca, norteamericana y actualmente vive en Palermo. Su hiperactividad creativa le ha llevado a trabajar , los últimos quince años,  sobre más de 100 propuestas  muy diversas y de compleja realización. En todas ellas, hay una alta preocupación por cuestiones de índole social ,de genero femenino, pero sobre todo lo que más le gusta es vivir en la frontera entre realidad y ficción, entre  sueños y promesas .   

 

En su celebrada obra” Gravity” (2006) empezó a preparar su viaje hacia el universo con una nueva ficción, haciendo honor al pensamiento clásico de que aquello que no podemos poseer, nos lo da el arte. Construyó un cohete de 20 metros durante cinco meses con enormes residuos industriales, un artilugio que nunca despegó y que recuperaba la estrategia posmoderna del juego entre la veracidad y el simulacro. Un territorio que nunca ha dejado de cultivar a través de medios muy diversos: performances, videos, textos, entrevistas, fotografía, libros, dibujos en blanco y negro o como en la actual exposición: el collage.      Esta inquietud por la conquista espacial le ha llevado ha realizar la serie que hoy expone con el nombre de “Sueños y Promesas” .Esta serie la empezó en el 2008 ,cuando  apuntó  la proa de su deseo hacia el cielo estrellado y el espacio exterior con “Aim Stars”, “Declaration for Space” o  “Made in Heaven”, unos collages de dimensiones varias, montados con marcos de pan de oro. Su ficción en estas series es mezclar las Promesas hechas a los creyentes sobre la existencia de vida en el más allá , con todo tipo de artefactos provenientes de la tierra creados por los humanos en el más acá. Digamos que quiere demostrar “heideggeriaramente” el benéfico encuentro entre la metafísica y la física. Para ello, utiliza las imágenes de los viajes humanos al espacio como si en realidad se tratara de una  búsqueda de la prueba cosmológica de la existencia de Dios y de su corte sagrada. Intenta conciliar los sueños de los humanos por conquistar el espacio exterior y las promesas religiosas de la fe cristiana, haciendo convivir los logros del avance científico en la tierra con los celestes y auténticos habitantes del espacio exterior: ángeles, vírgenes y hasta el mismísimo Sagrado Corazón de Jesús. 

   Es probable que el espectador quede con una sensación de duda sobre el grado de convicción o ironía que trasmiten las ficciones de Aleksandra. Pero conviene saber que la ironía no es otra cosa que una estrategia del conocimiento humano que nos protege de todo aquello que nos asusta. Las ficciones de Aleksandra, sus sueños y promesas abordan los misterios fascinantes, los enigmas sagrados que no logramos comprender.

Jesús Martínez Clarà

                

           

 

 

 

     

 

 

 

 

     

 

 

 

 

                   

EFFEKTEN PARA ISIDRE MANILS

jesusmc | 05 Noviembre, 2009 15:26

Se ha colgado  en Youtube el video  “Effekten”. Es un resumen de la correografía estrenada por las bailarinas: Blanca Noguerol  y Àfrica Manils con  musica de: Lluís Rueda  y Albert Alfaro, con la  Video proyección de Pol Penas y  Editado por: Nicholas Gruenke. Este espectáculo se creó con motivo de la exposición sobre el pintor Isidre Manils en la que yo actué como comisario y de la que ya he dado noticias en el Blog.

                         
 
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