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III NIT DEL GALERISME.PREMIS GAC

jesusmc | 26 Febrero, 2010 17:32

III Nit del Galerisme. Premis GAC

 

 

Breve justificación de una huída, para   Rocío S. C  y  Victor C.  

 

 

                                                      

   

No es objetivo de este intérprete, ni tampoco del Blog. entrar en cuestiones “mayores” como son los temas que afectan a las Galerías, las oscilaciones del Mercado ,  la conveniencia de que Barcelona tenga una feria propia o no, si en ARCO había mucha o poca gente, ni si el  CONCA hace una buena política cultural  y reparte bien la “pasta”.

Este Blog no se mete en esa harina blanca que para muchos es la base del pan del arte. Por otro lado, sé que lo que mueve opinión y te hace ganar un lugar en la escena artística barcelonesa es “la comidilla” de hacer ver que sabes lo que hay que hacer y opinar airadamente. En realidad, nadie lo sabe, pero eso, no es necesario, si se utiliza el tono adecuado, tienes una plataforma de opinión y se está en el lugar conveniente. En este Blog no interesa nada de aquello que se encuentra fuera de la práctica artística. Tan solo el hecho activo del arte y los avatares de los artistas.

Como ha manifestado el escultor Gabriel en una entrevista mantenida con Rafael Argullol en el catálogo de su exposición:”Plectopos”, hay en su obra y en la de todo artista fundamentado, una exploración “estricto sensu” de la idea del arte, al margen de las contingencias de tiempo y espacio que sitúa a la obra más allá del consenso político, de la gestión del arte o de la dimensión cultural que legitima las obras de arte.

 

   Sé que este puritanismo, puede parecer falso y que  no conduce a ninguna parte, que es fácil  cargárselo por ingenuo, denunciar las contradicciones que conlleva  porque las cosas son como son y tal como el difunto Jean Pierre Guillemot  me decía descaradamente en tantas ocasiones : “El arte es el mercado, y por eso yo voy a crear un supermercado del arte.”

Dada esta realidad , a pesar de todo, y aunque me toque hacer el papel de un jarrón chino que complementa los colores de la alfombra del salón, conviene que alguien juegue ese necesario papel estético en la escena crítica y yo lo quiero asumir con mucho gusto. Como si las circunstancias no afectaran a la materia prima, al núcleo duro del arte. Como si el que interpreta la obra de arte fuera un Hermes alado, inocente y puro que tan sólo ayuda a comunicar a los dioses con los hombres.

 

 

                                   

  

 La porcelana es una materia femenina que exige un trato delicado. Su tacto es el de la piel blanquecina, el rostro perfecto y una  alegoría de la inocencia. Quien busca palabras en la mujer inmóvil suele encontrar: silencio; quien busca  el  alma  en el interior del jarrón de porcelana encuentra: vacío. JMC.

 

       

ROMANTICISMO Y ARTE CONTEMPORANEO

jesusmc | 25 Febrero, 2010 22:48

Artículo publicado el 17 de Febrero 2010 en el nº 400 del suplemento Cultura´s de La Vanguardia de Barcelona

Número monográfico dedicado al "Romanticismo que viene" .Ilustrado con la serie de obras de Angel Jové: Versus Limbus.

LOS ABALORIOS DE UN COLLAR ENSANGRENTADO 

 Jesús Martínez Clarà

     Cuando en un lejano año de 1776, en Alemania, se estrenó la obra “Wirrwarr ”  (confusión,desorden,caos ) de Maximilian Klinger  se auguraba el  laberinto sin salida en el que  el sujeto romántico entraba de la mano de los jóvenes del “Sturm und Drang”. El ataque  a todo lo establecido, convirtió el tranquilo oasis de la racionalidad práctica kantiana en una borrascosa  tempestad, en una tormenta  donde dominaba el afán, la inspiración, el ímpetu y  el deseo  de la diferencia.

La conciencia de la diferencia es una de las causas más profundas del drama romántico y el principal definidor del arte contemporáneo. Ya nada sería como antes.  En Alemania , allí donde Winckelmann y tantos otros, habían recuperado la virtud y la belleza del orden clásico  se mostraban, ahora, unos  personajes que iban contra la cultura, estrafalarios, descalzos y a pecho descubierto, reclamaban su derecho a ser considerados manifestaciones  de la genialidad, un espontáneo soplo de Dios.       La búsqueda de la poesía y de la verdad, el encuentro con la palabra dirigida al corazón, junto a la pregunta sobre la auténtica naturaleza de las cosas que propiciaba la mirada sobre el ser interior, fue la raíz y el origen del arte contemporáneo. En ese lugar y en ese momento, el hilo de la tradición romántica empezó a ensartar los abalorios de un collar ensangrentado que aun no ha concluido.     

  El principio de originalidad en los comportamientos y en la creación, propuso que frente al tiempo extenso de la tradición clásica se opusiera el tiempo fragmentado, el instante como momento “pregnante” de la emoción, una nueva definición del gusto y la fascinación hacia cualquier tipo de ruptura o transgresión, poniendo la semilla de la vanguardia europea que fructificó a principios de siglo XX. El modernismo recuperó la figura heroica del caballero medieval, el fauvismo saco de la jaula a la bestia, el expresionismo hizo de  los celos y la muerte  temas de la pintura, el dadaísmo y el surrealismo se atrevieron a plasmar los sueños de la noche romántica , el expresionismo abstracto y el informalismo hicieron del gesto único un trazo del inconsciente manifestado, la locura y el arte “bruto”, las performances autodestructivas de  los accionistas vieneses , los excesos vitales de los jóvenes artistas de final de siglo han llenado la historia de prematuras necrológicas.El arte contemporáneo propiciado por el romanticismo es un fenómeno de ruptura profunda con casi todo lo anterior. Digo casi, porque lo que propone el romanticismo es el reencuentro con el primer motor de lo artístico, con la magia ignota del sacrificio y de  lo sagrado. Dicho de otro modo: la genuina ingenuidad poética del primer  Goethe romántico, está más cerca del chaman oscurantista, guía intuitivo del alma humana  que del docto profesor de Weimar.     

  El romanticismo diferenciador, dio nacimiento a la noción de sujeto extrañado que consideraba todo muy raro, propuso el asombro del niño, la perplejidad del que no entiende, antes que la certidumbre de lo seguro. Por eso, el romántico  observa desde su retiro convaleciente la vida , el comportamiento ficticio y falsamente  culturizado de los que le rodean y que le hablan en lenguas que no comprende.  En esos protocolos dolorosos del yo, se encuentra  la diferencia como una de las causas más importantes del desasosiego. El  artista contemporáneo al igual que sus nobles predecesores románticos vive   preso de temores, dudas y obsesiones identitarias.

El conflicto es permanente, se hace inevitable y así aparece  un modo dramático de concebir las cosas. No obstante entre la tradición y la vanguardia, entre el yo y el nosotros, entre lo mesurable y lo inconmensurable se ejemplifica una voluntad de encontrar la equidistancia entre la quietud de la identidad y el entusiasmo trepidante de la diferencia. Después de lo sucedido en el viaje al infierno, todos debemos buscar la calma que Goethe encontró al final de su intensa vida, tumbado en su “chaise long” y protegido del sol mediterráneo con una elegante y fresca pamela de paja.    

 

 

 

 

         

NATURALEZA Y COLOR EN VICTORIA CAMPILLO

jesusmc | 25 Febrero, 2010 12:28

NATURALEZA Y  COLOR  EN  VICTORIA CAMPILLO  

  

Victoria Campillo, como era de preveer, sigue con su proyecto interminable. (consultar en este mismo blog. el artículo que publiqué en el suplemento Cultura/s   297 de  La Vanguardia , Miércoles,27 febrero 2008).  

  En esta ocasión ha dirigido su mirada escrutadora hacia las flores. El mismo modelo que utiliza siempre para sus series, ahora, nos da la espalda. La propia autora dice que esto debe interpretarse como un gesto de negación similar al que el ser humano ejerce con la naturaleza. El pretexto de la naturaleza le ha permitido explorar el color  que es  uno de los aspectos que la definen como artista. En sus series la búsqueda nominal de las referencias a los artistas o el propio tema escogido hacen que el espectro cromático pase, a  veces,  a un segundo plano. Ahora deja claro que este es un tema central en su trabajo. Todas sus series están planteadas como una progresión cromática, como un estudio propio de una paleta de pintor en donde se colocan, académicamente, los colores del óleo o del acrílico en un orden preciso.Los tratados clásicos de la técnica de la pintura como el de Cennino Cennini  , Pacheco o el de Palomino son fundamentales para la iniciación a la técnica de la pintura. Palomino, por ejemplo, en el capítulo V del tomo II, describe la colocación de los colores en la paleta del siguiente modo:

 

Habiendo, pues, de ponerse el principiante, habrá de poner primero su paleta de colores, las cuales es menester, que sepa con qué orden se han de colocar, y será en esta forma: por encima del anillo de la paleta comenzará el bermellón, después el blanco, luego se seguirá el genúli, después el ocre claro, luego el obscuro, después la tierra roja, luego la sombra de Italia, después el carmín, la ancorca, el verdacho, o tierra verde, el negro de hueso, negro de humo, o de carbón, añil o esmalte.Puestos en este orden los colores, y prevenido el secante, y los aceites en sus escudillas….

Los restauradores saben que Rubens utilizaba la paleta del blanco de plomo al negro marfil, pasando por Oro pigmento naturalOcre amarillo ,Laca amarilla, Laca de Garanza, Bermellón, Ocre Rosa Azul ultramar, Azul de Alemania, Tierra verde o Tierra de Verona, Malaquita verde, Verdigris. Tierra de Siena tostada hasta el Negro de marfil. En esta exposición el color toma las riendas de las analogías y Victoria Campillo aplica criterios colorísticos. Sus series fotográficas ,como sucede con las de Charles Frèger ,se fundamentan en criterios que parecen propios de la pintura.

La naturaleza y las flores han sido uno de los temas más tratados de la historia del arte, el mismísimo René Magritte se ganó la cena pintando unas rosas magníficas sobre papel de pared en época de escasez. Todo el mundo conoce la deriva hacia las flores de Georgia O´Keefe pero como otras referencias son más crípticas,en esta ocasión, en la galería, se ha puesto a disposición del visitante, un documento esclarecedor. En él, podrán comprobarse los puntos de partida con los que ha trabajado Victoria Campillo para hacer su trabajo, verificar de donde salen los verdes de Ola Kolhemainen, los coloridos orientalizantes de Wang Jin, Takashi Yasumura, Murakami, o Rinko Kawauchi, el exotismo nigeriano de Yinka Shonibare o las espectaculares  amapolas  de Pipilotti Rist, por ejemplo.

                           

             

 

Por último, al margen de las imagenes que acompañan este comentario sobre la última aportación de esta artista, quiero llamar la atención del lector sobre el vídeo que he colgado a propósito de una de las series más espectaculares de Victoria Campillo en la que se establece un parentesco estremecedor entre Manolo Escobar y Elvis Presley, pasen y vean.

 

                       

  

 

 

 

 

 

 

OUKA LEELE: DE MIRADA INÉDITA Y MISTERIOSA

jesusmc | 11 Febrero, 2010 08:46

Ouka Leele:De Mirada Inédita y Misteriosa.Jesús Martínez Clarà.

Artículo publicado en el suplemento Cultura ´s nº 399  el 10.02.2010 del periódico La Vanguardia de Barcelona  

      Ouka Leele ha vuelto a Barcelona treinta y dos años después de que aquí, mostrara sus primeras fotografías , ha vuelto a la ciudad en la que vivió en 1978, la ciudad que la vio pasear junto a Barceló ,Mariscal, Ceseepe o el Hortelano. Ahora , regresa con 64 fotografías inéditas, en las que el blanco y negro convive con sus últimas obras digitales plenas del colorismo que la identifica.  

     El paseante se encuentra, en la entrada de la exposición, ante el rostro en blanco y negro de una mujer joven de mirada profunda, ingenua e interrogativa. Sus ojos van directos al corazón. Es un retrato de la artista :“A working class heroine” (1985), en el inicio de todo, cuando en su camino aparecían dudas e introspecciones: “Autorretrato de fotógrafa”(1978)  ¿A dónde irán?(1977)  o “Quiero saber quien soy” (1982) , todas estas fotos están impregnadas de una melancolía que ahora, después de tantos años se intensifica por la ausencia del color.  ¿ quién es ella y qué no puede contar?     Debido al paso del tiempo, estas fotografías de una Ouka Leele inédita y sin color, acrecientan el sentimiento nostálgico que produce el recuerdo y la memoria de las fotografías antiguas encontradas en una caja de madera.     El cuerpo femenino aparece en algunas obras como en “Generoso encuentro con la belleza”(2007),  en  “Destella su piel” (2006) o en  “La Menina liberada”(2006); el cuerpo se presenta como un enigma que hay que conocer, como el sustento fenomenológico de las emociones, como el ser  físico que en cualquier momento, como le sucedió a ella, puede dar la vida o la muerte y solo obedece a sus propias leyes.   

 De Ouka Leele se suelen destacar el nombre y los apellidos que enmascaran su alter ego: Bárbara Allende y  Gil de Biedma, esta mención no es una demostración de linaje, sino la afirmación  de que para ella son  muy importantes sus amigos y lo demuestra con retratos de todos ellos , su familia, su hija, le interesa la experiencia vital  de lo cercano y están repletas de entrañable amor y amistad.    Desde siempre, ella, ha querido sublimar lo cotidiano, convertir lo cercano en algo mágico  y por eso se declara a favor de una mística doméstica, en la que lo ordinario se transforme sin dejar de ser lo que es: “Un lugar precioso para un retrato de familia”, un  rostro, una flor, un muro o su propio nombre. La vida es imprevisible como la misma Ouka Leele y Bárbara lo sabe.    

    En varias ocasiones he visto a Ouka Leele acercarse a un  muro calentado por el sol y poner sus palmas sobre él. Se ve en el documental que acompaña a la exposición, en el paseo por la Segovia de sus recuerdos , se ve en la película de Rafael Gordon, el comisario de la exposición  y director de la película “La Mirada de Ouka Leele que opta a los premios Goya de este año ,cuando se enfrenta ante el muro que pintó en Ceutí(Murcia) en el que iba a representar una serpiente inmensa y  acabo pintando una “floraleza”. Esas manos que palpan el muro buscan con piel sensible, constatar la realidad y  a la vez descubrir su trascendencia misteriosa.     Un tintineo de cimbalo anuncia que estamos en el final de la exposición, allí  en un  manifiesto de estilo simple, directo, tal como ha demostrado en  su obra poética: “De la embriaguez desnuda”, la artista se reafirma en la idea, ya manifestada en otra ocasión , de que la cámara o la pintura son un pretexto y que lo importante es el amor; nos dice que ella esta aquí, con voluntad de ser pero no de causar fricciones ni desconciertos, que busca belleza y sonrisa .

 

     Ouka Leele pertenece a ese raro grupo de personas que hemos hecho de la reflexión sobre la muerte algo natural y cotidiano. En frase rotunda, asegura: “ la muerte es una maestra”. En el documental de Rafael Gordon,” se ven   unos insectos, las  lápidas de un cementerio antiguo y flores de mil colores “oukaleelianos”. Un insecto ha caído en el agua y  absuelto de su agonía, recupera el vuelo de la mano de la artista : en un instante todo cambia. El bicho sigue dando “la vuelta al círculo de la vida” que es lo que significa Ouka Leele en una extraña y lejana lengua.

 

    

                                                                                                                               

"A working class heroine" (1985)   

 

 

 

 

 

 

 "Generoso encuentro con la belleza" (2007)   

ROBIN RHODE :VERDAD Y APARIENCIA y LAS NEURONAS ESPEJO EN EL ARTE.-

jesusmc | 08 Febrero, 2010 22:40

ROBIN RHODE :VERDAD , APARIENCIA y  LAS NEURONAS ESPEJO EN EL ARTE.-

 

  Wheel of Steel by Robin Rhode

 

 

He observado que últimamente algunos artistas como Robin Rhode , Matthew Buckingham o  los de aquí:  Tere Recarens, Begoña Egurbide en su obra “Pandora´s” e incluso Quim Monzó en el cartel anunciador de la exposición de Santa Mónica que están recuperando una antigua inquietud, propia de los inicios del “optical art” e incorporan fenómenos y efectos visuales a sus obras. Cosas sencillas , que no tienen que ver con los trucos digitales del 3D,como una imagen que cambia cuando el espectador pasa frente a ellas o cosas así: engaños a la mirada. Parece que hay  una inquietud perceptiva que cada vez va a más como corresponde a una época dominada por la visión que coincide con otra inquietud de signo científico: las neuronas espejo.

   Tengo dos amigos, Daniel y Antonio que hace tiempo me vienen hablando de las neuronas espejo. Según me han explicado, parece ser que los humanos tenemos una facultad innata para imitar  los gestos ,las palabras y las actitudes  de los otros que  es muy útil, tanto para conocer como para reconocernos. Las neuronas del individuo imitan como si la reflejaran, la acción de los otros: así, el observador  realiza lo mismo que el observado, de ahí su nombre de "espejo".  Lo más parecido  a este fenómeno lo he encontrado en la cultura tradicional del Japón donde incluso hay una expresión que lo indica es “Mitori Geiko” que se podría traducir como aprender mirando atentamente y en consecuencia imitando los gestos de quien te enseña. Este efecto se encuentra también en los “bebés” , he podido comprobar que sacan la lengua si tu se la sacas o sonríen cuando tu sonríes. Según leo en una entrevista realizada a  Giacomo Rizzolatti, de la Universidad de Parma (Italia), el descubrimiento se produjo cuando él, estaba estudiando el cerebro de monos y descubrió que las células cerebrales no sólo se encendían cuando el animal ejecutaba ciertos movimientos sino que, simplemente con contemplar a otros hacerlo, también se activaban. Se les llamó neuronas espejo o especulares. En una entrevista concedida en Madrid con motivo de su participación en el simposio: “El Sustrato de la Sociedad del Conocimiento: El Cerebro. Avances Recientes en Neurociencia” ,decía que : El sistema de espejo permite hacer propias las acciones, sensaciones y emociones de los demás. Eso es de gran  trascendencia para la ciencia” y que "La visión es la que proporciona el vínculo para comprender a los demás".

     Cuando me lo explicaron y leí esto me vinieron a la cabeza varias reflexiones de signo estético. Una es  la importancia que se ha dado desde Aristóteles a la imitación, a la mímesis como fin último del arte. Según esto, y extremando el argumento de la mímesis bajo la óptica de las neuronas espejo, al considerar un árbol, un pájaro o un mono como similares, el pintor que imita la naturaleza, la acabaría comprendiendo, formando parte de ella. Siguiendo este hilo, aparece el segundo fenómeno muy ligado a las neuronas espejo y que me preocupa desde mis primeras  incursiones en el alma romántica, un aspecto que me preucupó a partir de las famosa figuras  de G.D. Friedrich que dan la espalda al espectador pero no con rechazo sino indicando complicidad, un fenómeno” que T . Lipps estudió cumplidamente en dos sendos volúmenes traducidos al español en 1928 : “Los Fundamentos de la Estética”  en los  que estableció los principios de la  “Einfhülung”  palabra que fue traducida como” “sentir en o con” , también como: “ proyección sentimental” , una proyección de sentimientos hacia lo otro. Dicho en lenguaje contemporáneo: la empatía.

     El fenómeno empático es una condición imprescindible del conocimiento. La empatía para Rizzolatti es una consecuencia del sistema de espejo, es decir te coloca en el lugar del otro. Te permite comunicar a un nivel no racional pero si muy sentimental. Worringer escribió “Abstracción y Naturaleza en 1908 , un libro de cabecera para cualquier estudiante de arte y que  algunos lo tradujeron por abstracción y empatía. En él, el autor está convencido que su libro tiene su origen en un día en que pasó junto a él ,en medio de una sala vacía del Trocadero, el afamado filósofo y crítico berlinés George Simmel…”y respiro la misma atmósfera”…pasados los años el filósofo fue el primero en reaccionar al contenido de Abstracción y Naturaleza(Empatía) con una llamada espontánea y sorprendente.”

Estos fenómenos de índole psicológica afectan tanto  a las personas como a las cosas. Si  tenemos en consideración el carácter especular y su influencia en nuestro comportamiento, escogeríamos con mucho cuidado nuestros muebles, relojes y teteras , también nuestros amigos y conocidos. Diría que si todo aquello que vemos nos produce un efecto transformativo, la grave responsabilidad social y antropológica de los artistas aumenta en igual proporción.

Por último, diré que el espejo, tal como demostró Jurgis Baltrusaitis en su libro “Le Miroir”(1978) es el camino más directo para poder reflexionar sobre las leyes que actúan sobre la visión, pero también sobre sus mentiras..  El engaño a la percepción a través del teatro catóptrico, como por ejemplo, en la gruta de Tetis en Versalles se ponían los espejos  de tal modo que los motivos decorativos que solo estaban realizados  aparecieran como si estuvieran completos, descubriendo así  grandes posibilidades de engaño al ojo haciendo aparecer un espacio pequeño como algo grande. (Ver Videos). Si, el espejo es una metáfora de la existencia, es un objeto de la verdad, de verificación, pero también la constatación  de que todo es vana apariencia,  engaño y  mentira.Por eso, si deducimos que la realidad que reflejan los espejos es engañosa y las neuronas actúan como tales, podemos decir que a través de ellas verificamos y aprendemos mimeticamente pero también somos engañados en lo que no somos capaces de ver. Las cosas que no vemos que no apreciamos por la visión y que no podemos imitar pero que están ahí, también juegan un papel relevante en nuestra comprensión de la realidad. Un puente eficaz hacia la abstracción pura.

 

                   

 

 

  

                  

 

 

 

                 

                   Table Tennis by Robin Rhode

 

 

                 

 

                  Keys by Robin Rhode

 

 

     

 

ANKE BLAUE: ARTE Y FELICIDAD

jesusmc | 05 Febrero, 2010 18:10

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s  nº 398 del periódico  La Vanguardia de Barcelona 

3 Febrero 2010.

ARTE Y FELICIDAD.

  

Anke Blaue expone su obra reciente en la Galeria Fidel Balaguer de Barcelona con el título genérico de:  Variaciones sonoras sobre tela”. La artista alemana ha buscado ,desde sus comienzos con la escultura en 1993, la poética depuradora de la  abstracción estructural de la forma y un orden riguroso que luego  ha aplicado sobre el plano de la tela. Eso ha culminado en un minimalismo lírico que no es frío, ni mental, sino cálido y de colores vibrantes ya que los tejidos están exquisitamente teñidos y escogidos. Son obras compuestas con trozos de telas en las que el cosido adquiere la dimensión de una sutura simbólica propia del manto tradicional del monje budista que, él mismo, cose con recogida devoción. Aquí todo es de un gusto extraordinario y hay una ajustada proporción de ingredientes: es espiritual , moderna,  conceptual, formal y amable. Anke representa a la perfección, el anhelo de una parte de artistas  que no quieren claudicar de los valores estéticos del arte : calma, armonía y  placer visual  . Todo en esta exposición  nos dice que el logro de la felicidad  es posible  en el arte contemporáneo y eso irrita a muchos.

       Debo reconocer que su obra pone a prueba el argumento que desde estas mismas páginas he mantenido de que el arte es una manifestación del dolor producido por la extrema lucidez y la clarividencia de los artistas. Eso, lo creo firmemente, pero, nunca he descartado el logro de una “feliz llegada” como resultado de un proceso de transformación y Anke Blaue lo ha conseguido.

      Lo ha hecho utilizando, como si las conociera, las leyes de la sinestesia, una noción que ha hecho fortuna en el arte actual , desde que Kandinsky asegurara que pintaba la música.¿ Anke Blaue, oye colores o ve sonidos? Esa, si que es una auténtica inter-activación entre obra y espectador, tal como propone el actual catecismo de lo moderno. La sinestesia permite asociar números, colores y palabras: el color amarillo mimosa al número 7, mientras otros perciben la letra A en el color rojo de garanza. Hay algo mágico en todo esto, es como si el artista tuviera un ojo en la palma de la mano simbolizando el extraño encuentro de dos sentidos: el del tacto y el de la visión. Mientras, una afluencia de murmullos, mantras y notas de guitarra de Thomas Westphalen  cambian profundamente al  espectador que mira: lo hacen más feliz.

 

      Algún exégeta ha asociado la obra de Anke Blaue a la de Rothko; sea por el orden constructivista del espacio, o  por como los colores se encuentran en una frontera imperceptible, o porque ambos han relacionado música y pintura tal como hizo Morton Feldman en la Capilla Rothko . Pero hay una gran diferencia entre ellos y es que si bien ambos tienen una deriva espiritual que les ha llevado a adentrarse en las técnicas de meditación de la lejana tierra oriental; Anke ha cosido su “ kesa ” con sencillez y ve las cosas como son, sin afectación, ni artificios, ella ha sabido confeccionar el manto de la Atención y de la Compasión. En cambio, Rothko se suicidó en 1970.

         

 

 

  

        

 

 

  

      

 

         

 

 

 

   

       

 
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