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BECAS DE ARTE CAJA MADRID :ARTE Y NARRACION

jesusmc | 26 Marzo, 2010 16:46

 

ARTE Y NARRACION: BECAS DE ARTE CAJA MADRID EN LA CAPELLA.

 

Jesús Martínez Clarà.

 

   Lucía Antonini, Patirke Arenillas y Nerea de Diego, Matías Costa, Patricia Esquivias, Francisca López y Santaella presentan en Barcelona sus trabajos que han sido seleccionados para la convocatoria Generación 2010 de las Becas otorgadas por Caja Madrid este año y que ahora se exponen en   La Capella hasta el 2 de mayo. Hospital, 56  junto a la Escola Massana.Sigo con curiosidad las diez ediciones que llevan otorgándose las becas de Caja Madrid. El año pasado las pude ver en la Casa Encendida y allí conocí el trabajo de Patricia Gómez y Mª Jesús González que próximamente expondrán en la galería Raiña Lupa de Barcelona. Me interesa detectar el pulso del arte recién salido del horno, porque indica tendencias, aspiraciones colectivas y este año no ha sido un excepción.

     Me ha parecido que el conjunto de obras presentadas están, casi todas ellas, orientadas hacia el  concepto de narración. En los descriptores que siguen, me he limitado a subrayar y añadir en negrita algunos indicativos con tal de enfatizar la búsqueda narrativa. Pero, lo que viene a continuación, no es otra cosa que la reseña fragmentada de lo presentado  por la comisaria de la exposición Olivia María Rubio. En la primera parte de este extenso Post. expongo la importancia que para la tarea hermenéutica tiene la NOCION DE NARRACIÓN y posteriormente el material básico de esta exposición colectiva.

ARTE Y NARRACIÓN.- 

Los lectores de filosofía habrán adivinado que el título de esta crítica, o mejor de esta crónica es un descarado homenaje al filósofo y hermenéuta Paul Ricoeur que en su libro “Tiempo y Narración” (1985) hace  unos alegatos a favor de la narratividad con el propósito de defender su posición filosófica y con la intención de convencer a los filósofos analíticos de la importancia de la fenomenología y la hermenéutica. Arthur C. Danto escribió su libro fundamental al que puso un título parecido:”Historia y  Narración”(1965).    Ricoeur se propone fundamentar una nueva ontología hermenéutica  sobre la referencia de los enunciados metafóricos y sobre las tramas narrativas. Ricoeur plantea, sin proponérselo, una de las cuestiones capitales del arte contemporáneo.     Dice Ricoeur  que todo discurso no es nunca “for its own sake”, Es decir para su propia gloria, sino que quiere, en todos sus usos, llevar al lenguaje una experiencia, un modo de vivir y de estar-en-el-mundo que le precede y pide ser dicho. Por esta razón, parece que los trabajos anteriores descritos como propuestas narrativas se liberan de la  primacía de la subjetividad. Y entonce aparece  la primera tarea de la hermenéutica: que consiste en  buscar en la  propia obra la dinámica interna que preside la estructuración de la obra; y  por otra parte,loque Ricoeur denomina: la capacidad de la obra para proyectarse fuera de sí misma y dar lugar a un mundo, que sería ciertamente la «cosa» del texto. Tanto los aspectos de la dinámica interna de una obra como su proyección externa constituyen lo que llamamos  “la labor”de la obra. La tarea de la hermenéutica consiste en reconstruir esta doble labor de la obra.Toda narración cuando contiene datos de la  histórica busca la explicación que hay que añadir porque no ha logrado explicarse por sí misma. A veces el intérprete ejerce una función básicamente explicativa y se da cuando una obra nos  afecta , nos intriga o nos deja perplejos. Interpretar es re-escribir inevitablemente pero el desafio siempre es el mismo hacer que pueda seguirse o aceptarse una obra sin desvirtuar, ni desvelar absolutamente su sentido.  

1ª Narración:

El vídeo de Lucía Antonini, Cuentos chinos, es sobre  ciudadanos de origen chino en nuestro país. La artista se ha paseado por las ciudades de Lugo, Ponferrada, La Coruña, Oviedo, Gijón, Pamplona,Madrid, Málaga, Sevilla, Cádiz, Granada, Bilbao o Barcelona para acercarse a esas personas y hacerles leer ante la cámara un relato perteneciente a su tradición cultural. Además de constatar el nivel de integración la propuesta gira en torno a la narración ya que  Lucía Antonini les ha mostrado el libro Esperando a lasliebres y otros cuentos chinos, en el que se recopilan una serie de esos cuentos que los niños chinos estudian en el colegio, y les ha pedido que elijan el que más les guste. Posteriormente debían contarlo con sus propias palabras ante la cámara, en el lugar que ellos mismos seleccionaran para ser grabados. La artista utiliza la idea del “cuento” por la importancia que éste tiene en la tradición oral china como vehículo del conocimiento. La paradoja es que, mientras para ellos sus cuentos son una forma de transmitir ese saber, para nosotros la expresión contar un “cuento chino” tiene una connotación negativa: contar una mentira. Ello nos hace reflexionar sobre los diferentes sentidos que se dan a las cosas dependiendo de las comunidades, pero también sobre la riqueza que los elementos de otras culturas pueden aportar a la nuestra.  

 

   

2ª Narración

 Contar a destiempo es una video instalación de de Patirke Arenillas y Nerea de Diego en la que mujeres en el desierto nos introducen en otra realidad no precisamente lejana para nuestro país, ni en espacio ni en el tiempo. Patirke y Nerea han viajado a los campos de refugiados saharauis en el desierto argelino con el objetivo de reflejar el patrimonio material e inmaterial de las mujeres refugiadas en esos campamentos; y ello entendiendo por patrimonio todo aquello que contribuye a conformar una identidad: voces, idiomas, olores, sabores y recuerdos que esas mujeres atesoran y que corren el riesgo de caer en el olvido o en el puro folklore. Las autoras no establecen la estructura narrativa del documental o la ficción sino que crean un salpicón de situaciones e imágenes, pero es otro “CONTAR” a destiempo con lo que aparece de un modo evidente el segundo momento calificado de narración.  

 

 

   

 

3ª Narración

The Family Project, de Matías Costa, es una indagación en la memoria familiar, y también en la desmemoria o el olvido. El artista ha realizado un viaje en el espacio y en el tiempo –se ha retrotraído un siglo atrás–, con el fin de reconstruir la narración de su pasado a través de imágenes y acontecimientos raciales o sociales. Ese recorrido por la memoria personal es también, de alguna manera, un recorrido paralelo por la historia del pasado siglo.

 

  

4ª Narración

Una reflexión sobre la historia y sus múltiples narraciones aparece en el trabajo de Patricia Esquivias. Folklore III [serie “Folklore”],  es el tercero de una serie de vídeos sobre España que la artista viene realizando en los últimos años. Explorando de manera heterodoxa aspectos de la historia y la idiosincrasia españolas y apoyándose en acontecimientos cotidianos y fenómenos de la cultura popular Patricia Esquivias vincula Historia, microhistorias e historia personal para indagar cómo, en las posibles relaciones y vinculaciones entre ellas, se crea la identidad de un país. La forma que adopta el resultado final es la de un “vídeo-relato” conformado por ensayo informal, microrrelatos y anotaciones diversas. Los vídeos se presentan narrados por la propia artista, subrayando así su carácter performativo,y en inglés con subtítulos en español, con el fin de establecer cierta distancia.Esto, junto con la manera deliberadamente un tanto ingenua, improvisada, de la narración, que la separa de los formatos normalizados y asertivos con que se transmiten a diario las informaciones en los medios audiovisuales de masas,descoloca al espectador, creando en él una sensación de extrañamiento que, paralelamente, le pone en guardia respecto a la veracidad de los contenidos de esos formatos normalizados. 

 

    

 

5ª Narración

 Los inicios del proyecto de Francisca López, Bandi Binder, se remontan a 1995, año en que conoció en Buenos Aires al fotógrafo de origen húngaro Bandi Binder (Transilvania, 1917 – Buenos Aires, 2006). Un trabajo que se extiende en el tiempo y que surge cuando, una noche de 1998, Bandi muestra a Francisca una serie de fotografías de diferentes habitaciones de la casa en la que vive con sumujer, la pintora hiperrealista de origen californiano Sally Dietrich, tomadas por él veintitrés años antes con el fin de enviarlas a los amigos que habían dejado en California, lugar donde habían estado viviendo y donde la pareja se conoce.A partir de ese momento, Francisca López decide realizar un ensayo fotográfico–que se concretará en un libro y una serie de fotografías– que reflexione sobre el tiempo y la fotografía, sobre la memoria y el recuerdo. Tomando como base esas imágenes de Bandi, la artista repite la toma en los mismos espacios, con las mismas poses tanto de la pareja como de cada uno por separado. Unos espacios vividos, llenos de recuerdos, en los que pareciera que el tiempo se ha detenido, únicamente denotado por la edad de los protagonistas y el mayor abigarramiento de utensilios, cuadros, libros, objetos, que se acumulan en mesas, estanterías y paredes. El proyecto se complementa, por una parte, con una serie de fotografías individuales de cada uno en un momento en que, habiendo perdido la memoria el fotógrafo, su mujer le cuenta una antigua historia con el fin de hacerle recordar;en su rostro vemos el desconcierto, la alegría, la interrogación, el esfuerzo por hallar esos recuerdos... Por otra parte, se suman las fotografías realizadas en diversos lugares de la Transilvania de la que Bandi Binder es originario: su casa natal en el pueblo de Malade, la fachada de una fábrica de ladrillos creada por uno de sus hermanos, la calle donde se encontraba el liceo donde estudió, la ópera, el río, un antiguo cementerio judío, etc. Francisca ha viajado a esos lugaresguiada por sus propias evocaciones de los recuerdos del autor, y también por la biografía escrita por su mujer. Fotografiando esos recuerdos, los recupera y preserva, los rescata del olvido.Fotografía, tiempo y memoria se entretejen en este trabajo de Francisca López y nos hablan de la capacidad de la fotografía para perpetuar instantes efímeros,para rescatar del olvido a personas y lugares, para recordar. Tres generaciones se unen en este proyecto en el que, a través de sus propias imágenes, la artista nos acerca al trabajo de Bandi Binder y Sally Dietrich, y a una manera de vivirla fotografía.  

 

  

   

 

6ª Narración

 Como en toda regla hay una excepción el último trabajo presentado tiene ligeros vínculos con la narración en el sentido  en que el proyecto de Santaella, Aerohabitación, consiste en la creación de un prototipo: una unidad de habitación portátil y autosuficiente energéticamente. Presentadoa modo de escultura-instalación, y alimentado por un sencillo generador o molino de viento, el prototipo está dotado asimismo de un depósito o aljibecapaz de almacenar el agua de lluvia. Es fácilmente transportable y permite su emplazamiento en cualquier lugar donde se produzca viento: campo, desierto, montaña, playa, azotea... Una arquitectura de viento realizada a una escala que la hace habitable de forma confortable, es decir, a partir del espacio mínimo quedescribe una persona en movimiento sin tocar las paredes.El proyecto de Santaellla se sitúa en un tipo de actuación artística que va más allá de la obra en sí misma para aspirar a integrarse en la sociedad y tratar de ofrecer soluciones habitacionales a los problemas del medioambiente derivadosde una construcción masiva y abusiva. Podríamos insertar esta obra en la noción de memoria , recuerdo narración dado que Santaella concibe su Aerohabitación como un lugar de evasión y de ocio, donde poder aislarse para meditar, escuchar música, leer,

descansar. Su intenso y alegre color –rosa fucsia–, su textura –blanda– y su forma –circular– remiten a un cierto erotismo / sensualidad; una especie de seno materno, una piel que envuelve, aísla y acaricia. Un espacio para soñar, para protegerse, para observar.

          

ANTONI MARI: HAN VINGUT UNS AMICS.

jesusmc | 09 Marzo, 2010 17:46

Eina, Espai Barra de Ferro C/ Barra de Ferro, 2 - Barcelona Obert de dimarts a dissabte de 16h a 20h   Han vingut uns amicsInstal·lació audiovisualLúa Coderch, Martí Ruiz i Lluís NacentaInauguració Dimarts 9 de març de 2010 a les 19.30hExposició Del 9 al 20 de març de 2010

Apunt del natural realitzat per Martí Ruiz durant l’enregistrament de Han vingut uns amics

  Han vingut uns amics, el nou llibre d’Antoni Marí, és un llarg poema que transgredeix les fronteres dels gèneres, partint d’una experiència emotiva i intensa,i  porta el lector al coneixement del que només la poesia pot copsar. Escrit en una llengua precisa i subtil, el poema, d’una rara originalitat, dóna nom i sentit a allò que es clou rere l’artifici del llenguatge.«Aquí em teniu, com han fet tants d’altres, tancats a llocs remotíssims per posar ordre a la seva vida.» El protagonista líric d’Han vingut uns amics passa la convalescència a una casa solitària, «un lloc allunyat de tot, i del tot fronterer», on fa memòria de les pèrdues i el dany, i on només sembla que quedi l’aprenentatge de les darreries i el consol del pensament. Tanmateix,l’itinerari del seu ànim caigut pel present de la malaltia i per la part obscura de l’experiència acaba desvetllantel més secret de la persona. El dolor esdevé llavors una experiència il·luminadora, i les intermitències del cor, la veritable consciència del que roman i del que és necessari.Aquesta instal·lació és la nostra lectura del poema Han vingut uns amics d'Antoni Marí, publicat per l'editorial Tusquets. El poema no és un text narratiu,sinó un sistema de fragments disposats en l'ordre del'espai i el temps de la literatura -aquí en paral·lel,allà sobreposats, aquí en redundància, allà en contradicció-, i que dirigeixen múltiples mirades, desde diversos moments i llocs, sobre una sola idea. A la instal·lació, aquestes mirades prenen cos en diverses veus, que ara s'ajuden o es pertorben, ara se sumen o es neguen, i configuren una presència múltiple que,malgrat la seva riquesa i eloqüència, no aconsegueix trencar la soledat. La soledat, l'única condició en què es poden veure els canvis lentíssims de la llum.En la realització d'aquesta obra hem comptat amb lacol·laboració d'Antoni Marí, Joan Bestard i JesúsMartínez Clarà, que hi han posat les veus, i el suport logístic d'Eina, Escola de Disseny i Art, el Laboratorid'Art Sonor de la Facultat de Belles Arts de laUniversitat de Barcelona i Tusquets Editores.Centre universitari adscrit a la UABEinaEscola de Disseny i Art     Lúa Coderch (Perú, 1982), és artista visual iplàstica, formada a la Facultat de Belles Artsde la Universitat de Barcelona i a l'EscolaMassana, on ara col·labora com a docent.Com a productora exposa regularment des de2004: "Loop'04" (Barceló Sants, Barcelona2004), “Platí, 75 anys de l'Escola Massana“(La Capella, Barcelona 2005), “Utopies:desplaçaments transversals” (galeria MX espai,Barcelona 2006), “Fem Art'07” (EspaiFrancesca Bonnemaison, Barcelona 2007), “deStenen Poort” (Borkel en Shaft, Holanda 2008),“Fem Art'09” (Espai Francesca Bonnemaison,Barcelona 2009), “Fes el que hagis de fer”(Sala Moncunill, Terrassa 2010), entre d'altres.Així mateix, ha comissariat conjuntament ambDario Reina l'exposició “El model absent”(2009) per al nou Cercle Artístic Sant Lluc,amb obres de la col·lecció del MACBA.Martí Ruiz (Barcelona, 1982), llicenciat enbelles arts, artista plàstic i sonor. Dedicat a lapedagogia musical, actualment és professord'Edició Creativa a la Universitat de Barcelona.Membre del Laboratori d'Art Sonor de laFacultat de Belles Arts i del grup de recercadel Paisatge Sonor, treballa en projectes comSons de Patum. Com a músic i compositor,és membre fundador del col·lectiu i segelldiscogràfic Hamsterloco, ha publicat diversosàlbums i és director de l'Orquestra RamaderaEstocàstica.Lluís Nacenta (Barcelona, 1976) és investigadorindependent en l'àmbit de la músicacontemporània i experimental, llicenciat enmatemàtiques per la Universitat Politècnica deCatalunya, titulat superior en piano pelConservatori Superior de Música del Liceu ititulat en el Màster d'Estudis Comparatius deLiteratura, Art i Pensament (amb una tesinasobre Morton Feldman) de la UniversitatPompeu Fabra, en la que ha col·laborat com adocent a l'assignatura d'Història de la Músicadel Segle XX. Escriu habitualment a la RevistaMusical Catalana i al suplement Cultura's de LaVanguardia i és membre del consell editorial dela revista Forma de la Universitat Pompeu Fabra.    

EL CALCETIN DE TAPIES:ODA A LA NECEDAD

jesusmc | 06 Marzo, 2010 18:31

EL CALCETÍN DE TAPIES: ODA A LA NECEDAD

    

 

 

     Creo que no existe nadie más devoto que yo de la obra escrita o visual de Antoni Tàpies. Cada dos años espero con impaciencia la exposición que con el título “Obra reciente” expone en la galería de su hijo Toni. Por eso me reconforta que finalmente se haya hecho justicia  y se haya reparado el grave daño que se produjo a la consideración y respeto sobre su obra con la estúpida discusión pública que se dió en 1991 sobre su enorme escultura Mitjó(Calcetín) cuando tan sólo era un proyecto. Ahora en el 2010, con la reapertura de la Fundación, se han planteado unas visitas comentadas al edificio y a la escultura-calcetín con una hora de duración. Espero y deseo que durante esas explicaciones se mencione la estulticia humana que se produjo entonces con una polémica imprópia de un país civilizado. En aquel momento se desconsideró gravemente a alguien que lleva toda su vida buscando lo esencial, que ha luchado tanto contra él mismo y que ha fundamentado la practica artística en un proceso de transformación profunda del ser.

Espero que en el anecdotario histórico, al que somos tan proclives, no nos quedemos con lo superficial que fomenta el desconocimiento de lo realmente importante.Un chirrioso murmullo cotilla que se ejerce , incluso, desde sectores supuestamente especializados como crítica , galerismo y público en general .Debido a una injusticia histórica propiciada por la injustificada presencia de políticos en los órganos de gobierno de instituciones culturales de 1991, pudo hacer que un gran artista, quedara para muchos ignorantes como: “aquel del calcetín”. Cuando  los que vean esta obra, al margen de su significación en el conjunto de la obra de Antoni Tàpies, deben comprenderla como el recuerdo de una injusticia cultural y  una enorme crítica a la ignorancia y a la estulticia humana.

 

                      

 

 

Foto publicada en el País 17/02/2010Trabajos para realizar la escultura del calcetín de Tàpies en el taller de Pere Casanovas.- JOAN SÁNCHEZ

  

El miércoles 10 de marzo a las 19.00 h, tendrá lugar en la Fundació Antoni Tàpies la presentación de la publicación Memoria personal. Fragmento para una autobiografía (Obra escrita completa. Volumen I), que se publica en catalán, castellano e inglés, y que constituye el primero de los dos volúmenes que conforman el proyecto editorial que reunirá toda la obra escrita de Antoni Tàpies.

El acto de presentación del libro contará con la presencia de Josep Miquel Sobrer, traductor al inglés de la obra escrita completa de Antoni Tàpies, y de Pere Gimferrer, cotraductor al castellano de Memòria personal. Fragment per a una autobiografia.

Este primer volumen es una edición revisada de la obra Memòria personal. Fragment per a una autobiografia, publicada por Editorial Crítica el año 1977 y por Seix Barral, en castellano, el año 1983. La obra reúne la producción memorialística de Antoni Tàpies. El relato indispensable de sus vivencias en la Barcelona previa, posterior y sobre todo contemporánea a la Segunda República, la guerra civil, el régimen franquista en Madrid, París durante el periodo existencialista y Nueva York en la década de 1950, está acompañado en esta edición de imágenes históricas de diversa procedencia, algunas de las cuales forman parte del archivo familiar y privado del artista. La relación personal y la confluencia artística de Tàpies con Picasso, Miró y Duchamp, entre otros; su periplo por la ideas de modernidad y vanguardia, y los hechos históricos de su vida, desde el nacimiento en 1923 hasta mediados de la década de 1970, nos ofrecen una aproximación única a las fuentes y al desarrollo de su obra. El volumen incluye una cronología y una selección de imágenes que muestran el despliegue de su lenguaje artístico desde la década de 1940 hasta hoy en día.

Información práctica:
Miércoles 10 de marzo, a las 19.00 h
Entrada gratuita
Nivel -1, Espacio C

MARTI ANSON EN LA MASSANA

jesusmc | 04 Marzo, 2010 09:35

Marti Anson en la Massana.

        Martí Anson es un artista visual  y un currante. Hoy ha dado una magnífica explicación de su trabajo en la sala de actos de la Escola Massana de Barcelona con el título de : Producción, Exposición y Comunicación. El lector que lo conozca pensará de inmediato que  la conferencia podría  haber versado sobre sus obras recientes como: Martí y la fábrica de harina, 2009, o Fitzcarraldo. Cincuenta y cinco días trabajando en la construcción de un velero Stella34 en el Centre d ´ Art Santa Mònica. Pero no, nada de eso. Ha venido a hablarnos de su faceta como montador de exposiciones artísticas.

        La sensación que he tenido es  de interés y desconcierto  que son los mejores estímulos para escribir sobre arte. Yo iba con el pre-juicio del que cree saber lo que va oír y en lugar de eso, mi sorpresa y  curiosidad han  ido en aumento. Al principio todo parecía que iba por el camino de lo esperado, de lo  que ya me imaginaba y  que es propio del  grupo de artistas y críticos con los que suele alternar: Ignasi Aballí,  David G. Torres, Antonio Ortega, Eduardo Perez-Soler, David Armengol, Montse Badia, Martí Manen , Frederic Montornes : producto,pasta, gestión, institución y comunicación, saber Inglés, etc, casi todos ellos vinculados a la escola Massana.

         Pero poco a poco ha ido apareciendo un discurso muy descriptivo, formalista, casi diría: de máxima precisión fenomenológica que concordaba perfectamente con la tradición material de la escuela Massana . En primer lugar ha mencionado la servidumbre del montador de exposiciones a otros artistas o comisarios, incluso me ha parecido verle currar con clavos y martillo; aquí aparecía la primera lección:! un artista sacrificando su proverbial egolatría al servicio de otro proyecto que no es el propio!. Eso ya vale un primer gesto de reconocimiento. Una ligera inclinación d ecabeza. Luego unas lecciones de orden y sentido común aludiendo al hecho de que una exposición se debe plantear como si fuera un libro, con un orden de lectura, con una presentación y el mejor de los recorridos posibles. Para ello, es necesario conocer las alturas variables y adecuadas a la que se van a colgar los cuadros. Parece ser que la mejor es 1,47. Todo debe ser claro como el que tiene un libro en las manos y lo abre. El texto son las obras y el espectador su lector. El montador organiza el espacio de un modo razonable y económico. Este aspecto de ahorro de material parece interesarle especialmente y una exposición debe ser barata, fácil de hacer y ajustarse lo más posible a las medidas de las maderas para aprovecharlas al máximo y además, acomodarse a las  ideas del comisario. Los muros estándar son de 3, 66 m. En la conferencia, todo era un elogio de la precisión, el cálculo y el ahorro.     Las exposiciones temáticas son más fáciles porque tienen el hilo conductor de una narración, mientras que las de arte contemporáneo puro y duro se presentan más complicadas por la aleatoriedad del trabajo de los artistas. Esta humildad  y economicismo están dominadas por los números, porque según él mismo afirma: todo es matemáticas. Mi asombro iba en aumento, creía estar ante un neo pitagórico defendiendo la bondad de lo correcto, la conveniencia y la proporción exacta y armónica de todas las cosas. Hasta ese momento aparecía el lado razonable del arte en el que la búsqueda de la bondad, la verdad del material y la belleza parecían los principales y únicos argumentos.    

 

Mr. Hyde

      

     Pero de repente como si se tratara de un  Dr. Jekyll transformándose en Mr.Hyde nos ha mostrado el núcleo duro y verdadero de su trabajo a través de una maqueta de su celebrada exposición en la galería Toni Tápies: “El apartamento del 2002. En esta obra, aparentemente, veíamos las mismas acotaciones, las precisas medidas que habíamos visto en sus trabajos de montaje de exposiciones, pero aquí todo estaba alterado con espacios imposibles, con comunicación entre habitaciones absurdas y con un pasillo que era  un camino sin salida, la entrada conducía al baño, la cocina es la antesala de un dormitorio. Es decir, todo lo que hasta el momento parecía una lección de orden, decorum  y funcionalidad extrema propias del hijo desconocido de Walter Gropius: quedaba reducido a la nada de lo imposible. Este derecho a ejercer libremente lo que el artista necesita hacer, aunque vaya contra el sentido común, le condujo al límite del absurdo en el año 2007  con su proyecto delirante Fitzcarraldo. Estuvo construyendo con sus propias manos ,sin parar, pero descansando como todo currante los fines de semana,  estuvo 55 días de trabajo de construcción de un barco Stela 34  en el CASM  y  luego lo destruyó porque no pasaba por la puerta de salida.      La economía de medios, el cálculo preciso, el respeto a la medida y la máxima función ,el libro razonable del arte mostraba a través de este acontecimiento y a modo de ejemplo, la otra cara de las cosas. Todo se convertía en el punto extremo del sin-sentido, en el que el derroche y el despilfarro de esfuerzos y materiales servían para mostrar el lado más oscuro del ser humano, el espacio misterioso desde el que siempre se manifiesta eso que llamamos Arte.  

                             

 

 

MERY CUESTA Y EL TAM TAM DE LA CRITICA DE ARTE

jesusmc | 02 Marzo, 2010 19:38

 MERY CUESTA Y EL TAM TAM DE LA CRITICA DE ARTE.  

 

 

 

 

 

 

 

                        

Mery Cuesta y yo tenemos tres cosas en común: somos críticos, tocamos la batería y la tercera es que una extraña coincidencia del destino nos hizo compartir espacio  en las páginas del suplemento especial de Cultura´s  dedicado al Romanticismo que viene.  

 

 

 

De ella se dijo, en la presentación del programa “Silencis” de TV3 , que:   “La comisaria de arte no se muerde la lengua ni calla ninguna crítica, pero es que además le pagan por hacerlo. Es crítica de arte, curator y organizadora de todo tipo de eventos culturales y surrealistas. Es uno de los personajes más estrambóticos del underground de nuestro país.”   Dicho de otro modo, corto y raso: es nuestra Paloma Chamorro de los años 2.000. La persona adecuada para “épater les bourgeois”, para crear un impacto, un contraste tan fuerte con lo establecido que al agredido y al agresor les acaba gustando la sensación. Esta expresión fue inventada  en pleno apogeo post-romántico y pre  dadaista pero aun hoy en día hace fortuna en artistas e intelectuales. Recuerdo cuando nuestro premio Nobel don Camilo decía en entrevista televisiva que podía sorber una palangana de agua por el trasero y se ofrecía  para hacer una demostración allí mismo.

   

      Es cierto que el orden del discurso institucional, como ya mencionó de modo preclaro Michel Foucault en su día, tiene unos mecanismos sutiles para neutralizar aquello que le perturba. Hay dos que actúan de un modo muy eficaz: el rechazo y la aceptación. El rechazo es el más expeditivo, pero propio de otras épocas más ideologizadas. Hoy, que aun estamos bajo los epifenómenos de  lo posmoderno ,actúa mejor el eclecticismo de la aceptación. La estrategia de la inclusión no se asusta ante ninguna contestación radical, es  más,  las incluye y las premia.

 

      A mi lo que me gusta de Mery Cuesta es que delira y arriesga. Yo que soy un envidioso me maravillo ante tales  atrevimientos críticos y soy muy receptivo y solidario  ante esta actitud. Lo que digo no es solo una buena intención , sino que lo escribí  y publiqué en un   artículo de mi primera etapa en La Vanguardia llamado EL DELIRIO DE LOS CRITICOS el 3 de Mayo de 1983.     A partir del discurso teórico de Achille Bonito Oliva impulsor de la Transvanguardia italiana, analizaba en  ese artículo su posición y la de los críticos de arte, que generalmente se muestran alarmados ante las incógnitas y que escriben abrigados por la certidumbre de lo seguro, sin mucho riesgo frente a los fenómenos  artísticos contemporáneos.Es decir, que el artista arriesga mucho y el crítico muy poco. En este caso, en el caso de Mery Cuesta, me encuentro ante alguien que dicho de un modo rápido, arriesga más que cualquier artista-concepto-gestor - archivista de nuestra época y Mery La Crítica, al hacer sonar su TAM_TAM anuncia con los tambores en su máxima potencia que está dispuesta para armarla.    

 

 

 

Sobre este tema ver el post de | 30 Junio, 2009 18:42: EL CRITICO DE MODA.

  

 

 

 

 Del texto mencionado, quiero destacar unos fragmentos que pueden servir para entender algunas posiciones actuales, herederas de una condición posmoderna que abrió la caja de Pandora de donde han salido algunas ruidosas actitudes críticas contemporáneas como Fernando Castro Florez, José Luis Brea o Mery Cuesta.

Decía entonces: 

 (FRAGMENTOS)

 

       La misión histórica de la crítica artística ha consistido, desde el S. XVIII, en ordenar y dar sentido a las diversas propuestas que sucesivamente han ido apareciendo sobre la mesa de la cultura. Sin embargo, en muy pocas ocasiones, la teoría artística ha sabido corresponder en igualdad de condiciones al desafío creativo de las nuevas tendencias. ¿Quién no ha tenido la sensación de que el artista arriesgaba mucho en esa mesa de juego, mientras el crítico como «croupier » aventajado y viejo, se quedaba a la expectativa de la apuesta y siempre en defensa de los intereses de la «casa»?

Me parece que el desafío del discurso del profesor Bonito es similar al lanzado por sus pupilos, quienes en igualdad decondiciones en el riesgo, han abierto una serie de brechas profundas e interrogantes de toda índole que afectan a la propia labor crítica.¿Acaso la crítica está a salvo de la anunciada crisis de lo Unitario?¿está libre del eclecticismo que define las nuevas tendencias? ¿tiene remedio para el nihilismo?

Esta serie de interrogantes me recuerda que los críticos, viciados por la ideología o por las buenas intenciones, se han dedicado con empeño a alejar toda inseguridad y duda de la práctica artística, consiguiendo incluso el reconocimiento de los propios artistas, quienes después de la tormenta creativa vuelven a encontrar en el discurso crítico el sosiego de lo cierto, el relax de lo seguro.         

     Sí, la práctica artística ha cambiado la mirada unitaria por el fragmento y el delirio, ha sustituido la certeza por la semejanza y la pluralidad. De igual modo la crítica debiera hacer un ejercicio similar y adecuar su discurso teórico a la realidad y al método de la Pos-modernidad.

 

 

 

Ese nihilismo no es trágico, sino más bien aquel que se desprende del reconocimiento de la duda. Recordemos los interrogantes básicos que, según Savater, caracterizan la actitud nihilista: ¿es posible actuar?¿en nombre de qué? ¿qué debe hacerse?      El discurso crítico debiera adecuar su aletargada conciencia al protagonismo de la pasión como instrumento de conocimiento y de opinión. La pasión crítica comporta ese riesgo que reclama todo acto creativo, a pesar de que el error esté al acecho. Error apasionado e histórico, como el que cometió el crítico Albért Wolff en «Le Fígaro» del 3 de abril de 1876 con motivo de la segunda exposición de los Impresionistas en la galería Durand-Ruel, cuando definió a los miembros del grupo de «dementes perdidos» y de «peligrosos delincuentes que: “como toda banda furiosa incluye a una mujer: Berthe Morizot».  

 

 

 

          La crítica debe aceptar ese desafío individual, y prescindir de los códigos universales en favor de los particulares. Del mismo modo que han hecho los Transvanguardistas, debemos encontrar un lugar para la teoría y de la historia que por medio de la analogía y la metáfora nos permitirá establecer relaciones diversas y heterodoxas que son la base de todo eclecticismo y que permite perder el respeto a la división entre los estilos artísticos.            Esa libertad contamina deliberadamente la historia y va contra el propósito de clarificación de la misma, no se utilizan modelos en su pureza inicial sino manifiestamente adulterados, pues ya no existe la confianza en esa voluntad ordenadora de la crítica.    

  

     Otra cuestión paralela al fenómeno transvanguardista es que al prescindir de la unidad del discurso, aparece un discurso fragmentario de amplio alcance cuyo único propósito es vivir a la deriva, en palabras del profesor A.B.O.: «la vida unitaria asegurada por una ideología dispuesta a, explicar todas las contradicciones y las antinomias se sustituye por una posición abierta, dispuesta a vivir a la deriva». Debe entenderse que el discurso crítico debe ser un perpetuo cruce de caminos, en el que con toda naturalidad se impone la idea de fragmento como sustituto de la coherencia, haciendo honor a aquellos que como Heráclito, Nietzsche o los hermanos Schlegel edificaron su pensamiento sobre el criterio de la pluralidad y el fragmento. Esa óptica fragmentaria y estrábica, permite trabajar sobre un sinfín de lenguajes a la vez, sin temor alguno a la contradicción; dado que no existen parámetros verdaderos, no debe temerse la utilización de referencias irreconciliables entre sí. Evidentemente debe existir algún factor que aglutine esa dispersión. Ese factor es la ironía que, como se sabe es el alejamiento o la distancia que propicia el nihilismo y garantiza un mínimo de objetividad en el proceso de conocimiento. La sabiduría en conjugar pasión e ironía posibilitará los nuevos comportamientos críticos, bien entendido que la ironía no es incapacidad sino

una estrategia del conocimiento 

 

 

 

 

                    

 

 

 

    "90"                                                                                       "2010" 

 

 

 

 

 

 

 

 

                    

 

 
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