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GONZALO TENA versus GERTRUDE STEIN

jesusmc | 26 Abril, 2010 11:52

GONZALO TENA  versus  GERTRUDE STEIN

       

 

 

 

   

 

 Begin being ready to find the human mind, 2007 Acrílico, collage sobre cartulina 18,5 x 70,5 cm.  

GONZALO TENA, (Teruel 1950) es pintor, escritor  y expuso con el  título "The relation of Human Nature to the Human Mind" sus trabajos  en la galería Fernando Latorre de Madrid hace un par de años. Nunca ha dejado de trabajar en torno a la obra de Gertrude Stein, entre otras cosas,

   Gonzalo Tena formó parte del grupo de "Trama" en los años setenta con Broto , Xavier Grau ,Javier Rubio,  fueron apadrinados por Tàpies e hicieron sendas exposiciones en la Galería Maeght de Barcelona y en la Fundació Miró, el grupo tuvo una actividad tan intensa en el debate sobre conceptualismo y pintura-pintura que, en Barcelona, aun se recuerda la polémica. Yo creo que los de Trama era tan conceptuales o más que los otros, la diferencia es que se manchaban las manos. En Trama  se daban confluencias intelectuales radicales muy diversas desde el marxismo-leninismo al psicoanálisis, de ese momento tan fructífero  que se desarrolló en Barcelona en los setenta existe un estudio completísimo en dos gruesos volúmenes con más de ochocientas páginas escritas por el psiquiatra y coleccionista Javier Lacruz. 

 

Gonzalo Tena ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y compagina su trabajo artístico con la escritura y el estudio de algunas obras clásicas de la historia de la pintura, como muestra hay que citar su libro "Bruegel en La Torre de Babel" (2005) cuya presentación fue en el Museo de Teruel y corrió a cargo de Juan Manuel Bonet, exdirector del Museo Nacional Reina Sofía, crítico de arte y comisario de exposiciones. La exposición que se presenta ahora está basada en 50 obras de pequeño formato que forman series incidiendo en fragmentos de la escritura y forma de pensar de Gertrude Stein.quien en 1935 publicó : "The Geographical History of America or the Relation of Human Nature to the Human Mind ". En los últimos años su trabajo está influenciado por la escritura y el pensamiento de Gertrude Stein.

  

 

The human mind says yes it is, 2007 Acrílico, collage sobre cartulina 18,5 x 70,5 cm   

       La obra y la actitud artística de Gonzalo Tena es muy compleja, por la brevedad que me he auto impuesto en el Blog. quiero tratar someramente algunas facetas del poliedro  de su obra. Una de esas  facetas es la que el mismo Gonzalo llama:"la tarea del entomólogo crítico" ,es decir la capacidad que tiene este artista  por percibir los minúsculos detalles de la vida y aplicarlos a su arte que exige máxima atención a lo menor. Cuando hablas con él, te das cuenta del valor que le da a una mirada o a un gesto, la importancia de la memoria y de las anécdotas. Cuando leí el estudio de Gonzalo Tena sobre Bruegel me dí cuenta  que en ese libro se pone énfasis en la importancia de la mirada en detalle sobre las obras de arte, una mirada que exige concentración, conocimiento y la capacidad interpretativa del entomólogo crítico para enfrentarse a las formas y a la vida. Solo personas como él o como el escritor e ingeniero Juan Benet son capaces de determinar la importancia de que el crecimiento formal  de la Torre de Babel de Bruegel sea de orden helicoidal o telescópica y que en eso resida un aspecto  fundamental de esa obra. Por este motivo, podríamos suponer que G.T  es un entomólogo de la forma que hace un arte cientifista basado en evidencias y análisis objetivos, pero no, no es solo así, desde la precisión y la exactitud como debemos aproximarnos a su obra.

       Cuando pienso en la obra de G. T me viene a la cabeza una frase ambigua de uso popular que dice: "verde y con asas". Esa frase alude a lo evidente, a lo objetivo, a lo claro, a lo diáfano, a lo que no ofrece duda alguna, podríamos decir una obviedad científica, sin embargo es una frase críptica, cerrada, hermética porque nadie sabe definir de una sola vez que puede ser eso que es verde y con asas. Por otro lado en esa afortunada expresión se reúne la palabra, el objeto y el color y ahí se encuentra el otro lado de la moneda de G. Tena que esta llena de franjas y turbulencias formales, de actividad energética constante y de palabras que teniendo sentido lo pierden en el conjunto y ahí es donde  yo veo su proximidad al mundo Steiniano. Gonzalo Tena obliga al espectador a definir un nuevo tiempo y un nuevo espacio, obliga al sujeto percibiente a establecer un vínculo  no causal con la obra , no ilustra conceptos, ni frases, obliga  a una percepción simultánea de los dos cerebros: el que es capaz de inteligir y el que es capaz de ver, todo ello en frases que salen de lo lineal temporal de la escritura para convertirse en fragmentos, en detalles energéticos más que de sentido. No hay progresión lineal hay coexistencia espacio temporal. Y así, sin pasado, sin futuro nace el instante, el momento pregnante del sentido. Las frases de Gertrude Stein también enfatizan esa voluntad de momento.         Con la obra de Gonzalo Tena hay que dejarse llevar sin obsesionarse por el sentido, no hay que descifrarla necesariamente por el hecho de que existan unas palabras escritas, como tampoco queremos descifrar el entramado complejo de un garabato sígnico lleno de energía. En este aspecto y por mi deriva hacia lo japonés diría que  Gonzalo Tena , además de a Gertrude Stein, se acerca en su obra a esa sensibilidad oriental en la que corazón(Human Nature) y cerebro(Human Mind) forman parte de la misma expresión poética en la que la palabra es la que es, pero en la que el sentido se muestra abierto y a menudo cerrado.     

 

 

 

 

  

LA ARMADURA DE MARCEL.LI ANTUNEZ

jesusmc | 24 Abril, 2010 09:24

LA ARMADURA  DE MARCEL.LÍ ANTÚNEZ

  

   Escribo esto tras la resaca del día de Sant Jordi , justo cuando acabo de reservar entradas para ver la actuación de Marcel.li Antunez en Antic-Teatre.

    Por la noche, en sueños y como una visión extremada e inexplicable he visto la armadura de Sant Jordi levitando en el aire  que se dirigía hacia mi como un cuerpo inerte. Buscando la razón del sueño me he dado cuenta de que esa espantosa visión es muy lógica. Se debe al hecho de que en mi mente se han cruzado  las imágenes de dos fábulas: la del santo libertador de princesas y la de uno de los mejores artistas del país.

     La moderna por no decir futurista armadura del neo-santjordi se llama dreskeleton, exoesqueleto y robot interactivo.  Marcel.li Antunez es el principal usuario de estas neo-armaduras del sigloXXII. El dreskeleton es una interfaz corporal de naturaleza exo-esquelética vestida por Marcel·lí Antunez, una especie de armadura eléctrica que le permite actuar sobre unas pantallas o en el aire, mediante unos sensores  controla el sonido, hace música, controla las imágenes que aparecen en las pantallas y la máquina de gritos, construyendo de este modo la narración de la pieza. El antecedente  del dreskeleton es la performance interactiva Epizoo de 1994 en el que una chica, desde una silla de ruedas ejecuta acciones de movimiento a su voluntad sobre el cuerpo de Marcel.li Antunez.

Este creador es un prodigio de la naturaleza. Su fuerza personal genera una actividad permanente. No cesa. La experimentación punta convive con la tradición mítica que en un lejano horizonte, nunca deja de estar presente. La tecnología  de su dresqueletron y su interfaz es  capaz de generar imagen y sonido a través del movimiento de su cuerpo, sus experiencias ingrávidas en vuelos al espacio con los investigadores rusos y su sutileza ingenua conviven con la brutalidad descarnada de las "performances".Los  títulos de sus obras aluden a un mundo cibernético y orgánico, futurista y del pasado más remoto: epizoo, afasia,  transpermia, protomembrana y este último hipermembrana pero todo ello en un contexto própio del origen mismo de lo imaginario y fabuloso

   Su mundo es indefinible  hay que verlo desde la perplejidad que suscita. El crítico Pere Salabert es el único que , hasta ahora, en nuestro país ,se ha atrevido valientemente  a aproximarse a la obra de Marcel.li Antunez en su libro” El Cuerpo es el sueño de la razón y la inspiración de la serpiente” Ed. Cendeac, Barcelona,2009 .

  

Por mi parte he de confesar que su trabajo me gusta tanto que la última vez que hizo una exposición pública me levanté para darle un cordial abrazo ante el público que miraba atónito, sí, nos gusta a muchos y por eso se ha convertido en una citación obligada del arte español contemporáneo, está consagrado en el universo cibermático, cibernético, cibernautico y su obra se reconoce en todo el mundo. Por estas razones y muchas más, recomiendo ver su espectáculo “Protomembrana” en el Antic-Teatre

      

 ANTIC TEATRE

“Protomembrana”

Noves Tecnologies //10 € // socis 8 €
Nuevas Tecnologías // 10 € // socios 8 €
New Media // 10 € //members 8 €


HORARIS ESPECTACLE
DIJOUS  A DISSABTE: 21:00 H
DIUMENGE: 20:00 H
HORARIOS ESPECTACULO
JUEVES  A SABADO: 21:00 H
DOMINGO: 20:00 H
SCHEDULES SHOW
THURSDAY  TO SATURDAY: 21:00 H
SUNDAY: 20:00 H
reservar: anticteatre@anticteatre.com 

Autor, Performer i Dibuixos: Marcel·lí Antúnez Roca
Animació: Liliana Fortuny
Programació: Matteo Sisti Sette
Música: Alain Wergifosse
Fotografia: Carles Rodríguez
Vídeo: Lucia Egaña Rojas i Francis Gómez de la Cruz
Disseny d’il·luminació: Oriol Ibáñez
Assistent de producció tècnica: Lucia Egaña Rojas
Producció executiva: Eva Vilaró Móra
Producció: Panspermia SL

                              

                                

TAPIES.MARQUES.MASSIVE ATTACK

jesusmc | 21 Abril, 2010 15:49

TAPIES. MARQUES. MASSIVE ATTACK

 

      Ya he dejado bien claro en un post. anterior que considero a Antoni Tàpies como parte viva de mi biografía intelectual. Desde que saltó la noticia, en Barcelona, todo el mundo comenta lo inoportuno que sería que el artista aceptara el Marquesado que se le ofrece desde la institución monárquica. Desde la honrada y emotiva carta de su amigo personal Antoni Llena en el Avui hasta la ira de los necios, todos se han cebado en el hecho con un inquietante ataque masivo. Hoy mismo en un acto al que asistía, un laureado doctor universitario ha hecho una intervención pública en la que parecía exigir una respuesta ante el  comportamiento poco ético del artista. Yo me he levantado y he contestado con algo escueto y  algo críptico que ahora quiero explicar. Mi defensa ha consistido en recordar  por un lado , citando a Goethe, que:  Sólo un hombre de ochenta años puede juzgar a otro hombre de ochenta años. El otro argumento  ha sido citar un celebrado cuadro de 2002 que se llama “Dietari num.3, y  en el que aparecen escritas dos frases:  NI PUR/ NI IMPUR.

   

     Esta obra la  expuso en la Galería Charles Lelong con motivo de su ochenta aniversario, y tiene el significativo título de una confesión íntima: “Dietario” , la obra se convierte en una especie de libro abierto en el que se anotan los debes y los haberes de la conciencia:

En ella, un cubo sujeto a la superficie del cuadro deja ir un espeso contenido gris que circunvala el perímetro de la obra, en el centro y con un fondo negro el “grattage” de una figura con los brazos hacia delante y las manos extendidas parece orar o reverenciar.  En ambos lados del cuadro escritos en blanco, como la cruz central que lo preside dos frases: NI PUR/NI IMPUR.

 

NI IDENTIDAD

  

     Dukkha(1995) Prajna=dhyana(1993) o la que acabo de citar, por ejemplo son obras que confirman algo que sabe todo el mundo desde que Lluis Permanyer divulgara en su libro” Tàpies i les Civilitzacions Orientals” (1983) la influencia reconocida del budismo y del taoísmo en la obra del artista y su lucha permanente contra el dolor. Por poco que se sepa de estas influencias filosóficas se debe saber que ,tal como escribe Tàpies en su cuadro: NI IDENTIDAD del 2003 , hay algo fundamental para aproximarse adecuadamente  a su obra, tan solo hay que considerar lo siguiente:  Ni identidad permanente, ni idea de persona, ni de ser viviente, ni de un tiempo de existencia.

  

 Bodhidharma ,uno de los filósofos preferido de Tàpies escribió en  un texto llamado "Sobre la contemplación de la mente" : Cuando un gran bodhisattva ahonda profundamente en la perfecta sabiduría comprueba que los cuatro elementos y las cinco sombras carecen de un yo pesonal.Ycomprende que la actividad de su mente cuenta con dos aspectos:puro e impuro.A causa de su naturaleza, ambos estados mentales están siempre presentes.Se alternan como causa o efecto dependiendo de las condiciones, la mente pura se complace en las buenas acciones, la impura piensa en el mal. Aquellos que NO SON AFECTADOS POR LA IMPUREZA SON SABIOS.Trascienden el sufrimiento y experimentan el gozo del nirvana.Todos los demás , atrapados por la mente impura son mortales"

 

Quiero decir con todo esto que cuando una persona persevera por el camino del Dharma budista, y Tàpies lo ha hecho, es fácil que lo que la mirada común entiende por contradicciones, no sea otra cosa que el cumplimiento riguroso de un mandato filosófico: la superación de toda dualidad al encuentro del camino del medio.

Hay muchos fragmentos atribuidos a Bodhidharma que podrían complementar esta reflexión, por ejemplo: Cuando aparece la mente mortal, desaparece la budeidad. Cuando desaparece la mente mortal, aparece la budeidad…quien sepa que nada depende de nada, habrá encontrado el Camino”

  

Por eso, la polémica continuará hasta el agotamiento , porque no hay entendimiento posible entre aquellos que juzgan las cosas desde el conocimiento racional, positivista, hecho de códigos binarios de si y no, de amigo-enemigo, de conmigo o contra mi  propios de la vida mortal y aquellos que al aceptar un honor saben que nada depende de nada. Y quien sepa entender la respuesta de alguien que ha superado esta dicotomía es que se encuentra, como Dalí en su día y Tàpies ahora en otra dimensión. Lo puro o lo impuro, ni existen ni no existen: es lo que se denomina el Camino del Medio al que llegan los artistas que consiguen ir más allá.

 

                        

CYRIL LEVAN:RES DUPLICATA

jesusmc | 15 Abril, 2010 21:04

                          

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de LaVanguardia. Nª 408.14 de Abril 2010    

 

    Res Duplicata es el titulo de la exposición que en el año 2008 hicieron los artistas Cyril Hatt y  Cyril Levan. Ahora, uno de ellos, Cyril Levan(1970) expone en  “Ego Gallery” que se está convirtiendo en un lugar de referencia para constatar como la  fotografía  se ha erigido en un arte de última generación.    Este artista  francés, duplica la realidad como hacen los fotógrafos pero en vez de quedarse con la imagen plana del papel emulsionado, crea un objeto escultórico y ocupa el espacio. Así, reconstruye, a escala real: un coche de emigrantes  cargado hasta los topes, una rueda, unas zapatillas de deporte, una televisión y diferentes cazadoras deportivas  de marca que  aluden a un mundo en el que el consumismo crea un fuerte contraste entre el deseo de “glamour” o el  anhelo de vestir una marca que tienen los jóvenes en los barrios periféricos  y  la pobreza, la exclusión o la desigualdad en la que viven. Estos objetos  parecen castigados por el uso y las experiencias limite  y en ellos, el deterioro y cada una de las grapas del cosido se convierten en suturas imaginarias de las heridas físicas o sociales de sus portadores. 

 

 Magia.-         

Los  objetos de Cyril Levan están en la sala :vacíos  e inmóviles, son imágenes y  semejanza de otras cosas que allí no vemos .Eso inquieta.  El artista  transita del volumen  al plano y nuevamente al volumen creando una redundancia , una “res duplicata” en la que la insistente dualidad  despierta la conciencia del espectador . El  fotógrafo se convierte en un demiurgo que quiere crear realidades    a través de las tres dimensiones. Esta ilusión del fotógrafo  viene de lejos. La imagen estereoscópica es un método que crea un efecto mágico que ya sedujo al espíritu científico de Dalí que la cultivaba como si fuera algo secreto y misterioso.   Levan construye sus esculturas como contenedores vacíos de espíritu pero con la misma esperanza  que aquellos que haciendo un muñeco de barro o un monstruoso Frankenstein recompuesto ,lleno de suturas , quieren darles vida insuflando el aliento vital sobre su rostro.

   Estos “Doppelgängers” objetuales son alter egos fantasmáticos de la realidad  que nos lanzan   una  provocadora pregunta sobre la esencia, sobre la verdad y la apariencia, sobre lo mismo y lo otro  tal como se encuentra en  toda buena reflexión filosófica o religiosa  que indague sobre el origen y la auténtica naturaleza de las cosas.

                 

                          

 

 

                        

                       

 

  

                          

                           

 

 

Fotos:  Guille M.Lucas.  

 
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