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IN-EDIT.WILLIAM S. BURROUGHS: A MAN WITHIN

jesusmc | 31 Octubre, 2010 22:09

IN-EDIT .WILLIAM S BURROUGHS: A MAN WITHIN 

 

 

                         

 

Un año más , con las lluvias de Otoño, las castañas  y los boniatos   perfuman la esquina de los cines de la calle Aribau con Universidad, llega el Festival IN-EDIT-Beefeater de cine documental musical de Barcelona. Va por la 8ª edición. El otoño es un buen momento para la nostalgia y cada año tengo ocasión de hacer memoria y poner música a los recuerdos. También es momento de descubrir músicos de los que no conocía absolutamente nada y de constatar hacia donde camina la sensibilidad contemporánea ,es momento de saber hacia donde vamos.

 Ayer empecé las sesiones del festival de la mano huesuda y desnuda de William S. Burroughs. La “beat generation” está siempre  presente en este festival: Kerouac, Ginsberg o Burroughs acaban saliendo en la pantalla, recordándonos el horror , el aullido y la muerte desde el que se forja gran parte de la música contemporánea que nos gusta. En esta ocasión ha sido con el  documental de Yony Leyser con música realizada especialmente para la obra por Patti Smith y Sonic Youth, junto a esporádicas apariciones de  Laurie Anderson, Iggy Pop, U2, incluso del inocente Sting, todos ellos confirman la adoración que la cultura musical tiene hacia este maldito escritor.   La película documental de 88 minutos es una “premier” del 2010 y su director ha hecho un repaso impecable, casi didáctico, por todos los capítulos  de la vida y de la obra del “tio Williams”,tal como él mismo Burroughs se nombra en la declaración introductoria a su “Naked Lunch” (1959). Un tío que estuvo rodeado de jóvenes sobrinos  hasta el momento de su muerte en 1997.La gran cola de entrada al cine , así como la juventud del director, confirmaba el interés permanente de nuevos lectores desde la publicación castellana de “Almuerzo Desnudo” en Anagrama en 1989, este libro ha tenido una reedición anual que ha llegado a la veintena de  reediciones en la actualidad. En ese rito periódico, cada año jóvenes y potenciales sobrinos conocen a través de sus libros el mundo abisal del infierno , un descenso que pueden continuar con lecturas del  respetable anciano como: Yonqui(1953), Marica(1985),   o Las cartas sobre la ayahuasca que se cruzó con Ginsberg(1963). 

 

 Contra Burroughs. 

 

 

      William S. Burroughs deja de ser una curiosidad intelectual  cuando más allá de la corrección crítica y de la valoración sobre la importancia de su obra o su modelo de vida, se acaba comprobando que el testimonio cinematográfico nos muestra cómo su vida era un espejo idéntico de su obra. A través de tantos años consiguió ser un  yonki superviviente pues ,tal como alguien dice en el documento, siempre era el  primero en usar la jeringuilla y mientras los demás sucumbían a lo que el mismo consideraba un invento de laboratorio y causante de la gran  peste del siglo XX, mientras su amigos caían rendidos por el Sida, él seguía viviendo como un yonki extrañamente longevo y satisfecho. Coleccionista de pistolas no sólo las tenía, sino que siempre tenía una  cargada bajo la almohada por si debía matar nuevamente a sus fantasmas. Matarlos  tal como hizo con su mujer al ponerle un vaso  sobre la cabeza y jugar puerilmente a Guillermo Tell. La cabeza le estalló como una manzana madura. Sin sentimiento de culpa alguno se dirigió sin escrúpulos a su próxima victima : su hijo Williams Burroughs III que queriendo emular el  comportamiento de su padre y buscando la inspiración que le faltaba en la bebida y las drogas murió a los 32 años.     Los hijos de la genialidad sufren las consecuencias de la alta creación  de sus padres son las víctimas sacrificiales del rito del arte.  Sobre esto, hace unos años escribí un poema en prosa que se llamaba : Muerte en  Barcelona. Lo escribí como reconocimiento a los excesos del cineasta  Jacinto Esteva y como homenaje a la serenidad de su hija Daría:  

 

  No quiero olvidar aquel día en el que ebrio de ti, como siempre, disparaste contra el radiador de agua. Tu “magnum” lo destrozó , el vapor se esparció por toda la casa. Aun veo  las brumas, sus sombras.Disparaste contra todo. Elefantes, amantes, hijos, cuadros, puertas y radiadores de agua. De tus perturbadas dotes de artista sólo te queda una bolsa del Corte Inglés con las cenizas de tu hijo. Con algunas de sus cosas y la soledad del aeropuerto y el vapor de agua. Sólo he escrito una vez  contra ti, contra Jacinto, en un arrebato de ira, en un pensamiento sobre la muerte, y me quedo aquí, admirando la serenidad de tu hija Daría.   

 

 

La  prudencia en el arte.

 

 

  Me imagino a un espectador maduro, alguien que  conoce en carne propia las intensas y emocionantes historias que narra  esta película y que cuando  regresa a su casa  se encuentra a su hijo tirado en una cama revuelta con los rastros de una noche de amor con una desconocida y con el desorden adolescente propio de la vida recién inaugurada, ahí se respira  la atmósfera opresiva del tigre en la jaula, se  lo encuentra, tal como hizo él hace tantos años, leyendo los últimos  capítulos de  una nueva edición del “Almuerzo desnudo” con la guitarra eléctrica en un rincón de la habitación. Las escenas de la película vienen de repente aglomeradas a su cabeza, el reguero de sangre y dolor que el “tio Williams” dejó tras sí, y entonces no puede hacer otra cosa que empezar a revisar los cimientos sobre los que se ha construido la mítica romántica del artista como apóstol del exceso, y muy especialmente la vida de los músicos de rock. Entonces  llevado del miedo y la compasión se convierte en  la encarnación misma de Prudencia:

Prudencia : esa mujer rica, vieja y fea que es cortejada por la incapacidad. 

Entonces recuerda los conocidos versos  de los Proverbios del Infierno de William Blake: Conduce tu carro y tu arado sobre los huesos de losmuertos. El camino del exceso lleva al palacio de la sabiduría. Prudencia es una rica vieja y fea mujer cortejada por la Incapacidad. 

 

El riesgo de la Prudencia es obvio y ya lo sabía Blake en el siglo XVII cuando decía que :  Aquel que desea pero no actúa alimenta la Pestilencia. Nunca el águila malgastó tanto su tiempo como cuando se avino a aprender del cuervo. 

 

 

La prudencia y el amor  abren el camino del medio. Un camino más adecuado para caminar, a veces lentamente, otras apresuradamente pero sin los sobresaltos autodestructivos propios de la pasión desatada. La esperanza de una vida basada en el amor es de los últimos pensamientos  que escribió el tio Burroughs, unas palabras póstumas, un auténtico testamento vital de alguien que al final de su vida añoraba el valor de los valores; la carencia del amor llevó a este joven heredero de una empresa de maquinas de calcular formado en Harvard a vivir constantemente al borde del acantilado. ¿pero acaso no tiene más prestigio la aventura, el suceso frente al nunca pasa nada? Sé que al leer esto un puñado de amigos estarán un tiempo sin hablarme. La poética del exceso es siempre atractiva, tanto para artistas  jóvenes como para mayores, la búsqueda de la templanza suena a autoayuda y la calma que los franceses anuncian incluso en las autopistas: “soiyez zen”, un perfecto aburrimiento positivo a la espera de la armonía y el amor.        

CAOSSONOSCOP: ZEPPELIN 2010 SONIDOS EN CAUSA

jesusmc | 31 Octubre, 2010 10:49

Convocatoria Zeppelin 2010. Seminario – Taller Sonidos en Causa
6 – 11 de diciembre de 2010

Zeppelin 2010 se complace en anunciar la convocatoria para el Seminario - Taller Sonidos en Causa dirigido a artistas y creadores, que tiene como finalidad estimular el interés por el paisaje sonoro como elemento básico de la creación artística musical y el acercamiento a parte del patrimonio inmaterial latinoamericano. Como inspiración y punto de partida, Sonidos en Causa pone a disposición de los participantes su base de datos, resultado de los recorridos a través del Trapecio Amazónico (Brasil, Colombia, Perú), Costa Rica y Argentina.

En esta ocasión, Zeppelin contará con invitados tan especiales como Gonzalo Bifarella (Argentina), Manuel Rocha (Mexico) y Xabier Erkizia (Euskadi), quienes nos orientarán durante las tomas de contacto con la base de datos y a lo largo de las discusiones del seminario. Al mismo tiempo, realizarán intervenciones sonoras los días 9 y 10 de diciembre.

Los participantes en el Seminario – Taller prepararán durante los días 6, 7 y 8 de diciembre una intervención colectiva que tendrá lugar la noche del 11 de diciembre como clausura del Zeppelin 2010. Las pruebas de sonido tendrán lugar los días 9, 10 y 11 de diciembre por la mañana.

_________________________Calendario de actividades

Seminario - Taller: 6 – 8 diciembre de 2010 de 16h a 20h
Pruebas de sonido y ensayos : 9, 10 y 11 de diciembre de 12h a 14h
Presentación colectiva: 11 de diciembre 20h. Sala Mirador del CCCB
Intervenciones sonoras de Gonzalo Bifarella, Manuel Rocha y Xabier Erkizia: 9 y 10 de diciembre 20h. Sala Mirador del CCCB

_________________________Inscripción

La inscripción es gratuita. Unicamente se requiere una carta de motivación y curriculum, que deberán ser enviados a caos@sonoscop.net antes del 26 de noviembre de 2010. La aceptación o desestimación de canditaturas será comunicada por email.

_________________________Número de plazas

10

DAVID MALJKOVIC EN NOGUERAS-BLANCHARD

jesusmc | 28 Octubre, 2010 19:48

                        

Artículo publicado en el suplemento nº 436 de  Cultura´s de LaVanguardia. 27.10.2010

LA TRISTEZA DE MALJKOVIC.    

 

   David Maljkovic (Croacia 1973) es un claro ejemplo de lo que la crítica llama artista emergente: Mncars,Arco,Moma,Capcc  o Whitechapel en Londres son algunos lugares en los que en solo tres años se ha recepcionado su trabajo. La instalación que propone en Nogueras-Blanchard es un artilugio expositor que simula los escaparates que en los años “50” realizó EXAT 51 (Experimental Atelier)  para mostrar el esplendor de la sociedad comunista  en ferias y exposiciones universales.

   Esta instalación, este “gabinete perdido” deja al espectador afligido, apesadumbrado. Todo alude a la funesta, a la deplorable sensación del fracaso. Eso lo ha  conseguido reproduciendo una estética fría que ya en los años del triunfo  pronosticaba su triste final, así : la construcción del expositor se ha hecho  con madera de poca calidad,  tiene un acabado deliberadamente deficiente  en el que el color blanco ,con rastros de pinceladas y algo rozado, sirve de fondo para sus obras enmarcadas , unas cortinas deshilachadas cubren la fría luz de unos fluorescentes, tres ficus polvorientos a ambos lados de la instalación recuerdan la vida de lujo artificial de la burocracia en los despachos. En las obras colgadas  hay  imágenes recortadas con precisión geométrica de la prensa o de revistas antiguas, un “decollage” que genera la poética de la  ausencia , de lo que ya no está. También hay añadidos, formas- collage, foto-collage y algunos esbozos de lápiz sobre papel. 

  Este es el gabinete de la pérdida, autentica generadora del sentimiento  inevitable de tristeza  cuando tras  haber postulado la ilusión de la utopia de una vida mejor finalmente esta acaba con la decepción. Como ciudadano joven de Zagreb, Maljkovic ha vivido la tragedia del tránsito de la antigua Yugoslavia comunista a la independencia de Croacia en 1991.Ha visto, en poco tiempo, unos cambios ideológicos tan bruscos como ningún país europeo podía imaginar con miles de muertes, limpiezas étnicas y todo tipo de barbarie.

    Por estas vivencias, sus obras realizadas en los últimos años utilizan la revisión de la memoria histórica aplicada al arte, con la intención que  la imágenes , los lugares y las cosas  impresionen los sentidos y  graben en la mente del espectador el aforismo según el cual: “Aquellos que olvidan su pasado están condenados a repetirlo”.

   David Maljkovic en apenas unos años ha constatado como la ilusión del mensaje comunista que anunciaba salvación y progreso se ha quedado en nada, por eso, en esta crónica quiero abundar sobre la paradoja de encontrarme ante la obra de un artista de éxito, emergente y optimizado que sin embargo con su obra desprende una insoportable sensación de tristeza absoluta definida por la pérdida y la ausencia.

    Sin embargo, no todo es una mirada sobre el abismo del tiempo pasado. En uno de los collages la fecha original de una envejecida revista de arquitectura ha sido manipulada y junto a un dibujo en lápiz y un coche del futuro sin ruedas aparece la aurora de una fecha y un lugar: Zagreb 2067. Estos dígitos escritos a mano por el artista quizá anuncien, con tímido entusiasmo, el regreso de una nueva utopia a su país. El renacimiento de una  ilusión que debido al ciclo repetitivo del tiempo y a la perversa obstinación humana, volverá a traer un nuevo e inevitable fracaso.                          

Fotos: Guille M.Lucas

GONZALO TENA EN TORREON FORTEA. BEING

jesusmc | 09 Octubre, 2010 09:32

Gonzalo Tena expone en Torreón Fortea de Zaragoza su obra reciente :BEING del 6 de Octubre al 21 de Noviembre.   

 

 

 

PRESENTE CONTINUO. Begin Being   

 

 

 

Tropismos.   

 

 

 

 

    Jean Paul Sartre , en 1939, se fijó en la obra de una joven escritora, era la primera de Natalie Sarraute titulada “Tropismes”.La publicó en una época de preguerra y post vanguardia que estaba dominada por  una  escritura atrevida y  experimental. Samuel Beckett,  Gertrude Stein  y  Sarraute  ponían los cimientos  de un nuevo modo de entender la literatura y la vida.

  

 El tropismo es un fenómeno biológico que afecta especialmente a las plantas, esta estrategia desplegada por la naturaleza consiste en que una planta que por definición se encuentra inmóvil en un territorio, sabe reaccionar de modo adecuado a sus necesidades, ante un estímulo externo , detectando aquellos factores de aceptación o rechazo que le permitan sobrevivir. Este fenómeno es apenas perceptible y muy sutil, así, casi sin darnos cuenta, tímidamente, nuestro “ficus  benjamina” se dirige a la casa del vecino  asomándose  tras la tapia, porque allí encuentra la luz que nosotros  no le damos o se retrae cuando necesita sombra.

   

    Igual que sucede con las plantas, los indicios sutiles, los pequeños gestos permiten que las obras de algunos artistas avancen lentamente o retrocedan, se exhiban o se escondan. Un modo de hacer que define no solo una obra sino también una actitud  creativa y un comportamiento personal. Por eso el “Tropismo” ha quedado para la cultura como un sinónimo de actitudes creativas fragmentadas, discretas, como el síntoma inconcluso de una acción y como calificativo útil para todos aquellos que como Gonzalo Tena aparecen y desaparecen de la escena del arte y que  actúan de modo discontinuo, discreto y perseverante.

  

   La obra de Gonzalo Tena es “Tropista” desde que en  1999 , convirtiera a la escritora Gertrude Stein en su fuente de inspiración , trabajando con :  Gertrude (1999),  Stanzas (2000),  War (2001), The relation of Human Nature to the Human Mind (2007) .Ha ido siguiendo la estela de la escritora norteamericana e impregnado por su espíritu se propone profundizar en la esencia del lenguaje creativo, quiere usar la palabra y la pintura para desvelar y para esconder. A través de textos breves y de imágenes, casi sin acabar nunca, pero empezando continuamente. Tena, se dedica a destacar y escoger las ínfimas manifestaciones del yo, a transformar sutilmente en obra las vibraciones positivas o negativas que recibe del exterior tal como he dicho que hacen las plantas, creando movimientos interiores que  calan, sutilmente, en la conciencia del que mira o del que lee.  

  

    Como buen  creador “tropico”,  cuestiona el imperio del discurso único en el arte. Despliega su voz a trozos, utilizando una estética que  propicia la repetición y en la que a través  de la  insistencia  sobre lo mismo, favorece el surgimiento de la diferencia. Esa es la cualidad de la repetición, “mantram” cultural que nunca cesa, recordando lo primordial y abandonándose a la pseudo conciencia del conocimiento del mismo modo que un orante hace con una letanía.

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EL EFECTO MUGURUZA-HIDALGO EN EL APOLO

jesusmc | 03 Octubre, 2010 15:44

EL EFECTO MUGURUZA- HIDALGO EN EL  APOLO  

 

  

 

 

 

 

 

 

    Ayer era Sábado y fue un día rico en emociones y descubrimientos. Unas cuantas casualidades me llevaron al concierto de Jabier Muguruza en el Apolo. Debo reconocer que fue un buen hallazgo. No conocía al canta-autor vasco más que de su intervención en el concierto homenaje  que mi amigo Alberto Manzano había organizado para homenajear a Leonard Cohen. Hizo una versión muy especial del “Chelsea Hotel” y “So long Marianne”. De hecho fue el mismo Alberto quien me invitó a asistir junto a unos amigos. Ahí ya capté el fondo melancólico que utiliza este músico que junto al acordeón y los ritmos   crean una sensación de alta poesía de lo cotidiano y una sonoridad relajada y opiácea.     

Las mesas estaban dispuestas como en un café-concierto, mesitas redondas una vela encendida en el centro, semi- oscuridad en la platea y en el escenario Jabier Muguruza acompañado de dos de sus músicos junto al saxofonista  Gorka Benitez. Junto a ellos, sentado en un cómodo silloncito el crítico musical del País, Luis Hidalgo que  igual que Muguruza es de Irún.    Se trataba de un concierto singular, algunos  temas  del disco Taxirik Ez(2009)  más otros anteriores se intercalaban con las intervenciones del crítico Luis Hidalgo y de las tímidas preguntas de los espectadores. La situación era muy interesante. De ella he querido sacar algunas conclusiones superficiales en relación a la práctica artística y a la crítica en general.

 

 

Una , es que muy pocas veces se puede conjuntar: autor, público y crítica en un mismo espacio. Me imaginaba si eso sería posible en el Arte: ver una obra de Barceló, sumando sus comentarios, los del crítico y el espectador.

La segunda es que actualmente se quiere explicar todo con un excesivo afán didáctico  y los museos de arte contemporáneo desmenuzan para los escolares y párvulos las terribles obras de Francis Bacon o las complejas esculturas de Eva Hesse, tal como Muguruza e Hidalgo hacían con la música y sus canciones.

   La tercera y última es que todas las preguntas del público las hicieron las chicas. Yo tuve la tentación de intervenir por aquello de la paridad. Creo que eso es debido a la superioridad del cerebro de las mujeres sobre el de los hombres. Es decir que tras la interpretación musical en el que el cantante conseguía el clima , la atmósfera  pensada para cada canción y una vez el espectador había puesto en marcha el hemisferio de las sensaciones , la audición, la vista. Las papilas gustativas en marcha debido a la cerveza que iba tomando, las imprecisas intuiciones sobre las palabras en Euskera que no comprendía pero del que me llegaba su rica sonoridad, cuando todo esto arrancaba y se colocaba a la altura de vuelo adecuada , ¡zas! se producía un brusco descenso a las simas de la palabra razonada y los argumentos, a la orbita de las preguntas, la reflexión y las respuestas con la luz encendida. Esa montaña rusa de ascensos y descensos bruscos me hizo el cerebro “fosfatina”.

Se dice que la mujer puede hacer dos cosas a la vez y el hombre solo una. Creo que esa fue la culpa de que mi cerebro acabara tan estresado. Yo, como he dicho subía  las cimas más altas de la sensibilidad musical y caía en picado al suelo de la cruda realidad. Mientras las mujeres de la sala podían hacer las dos cosas con naturalidad para ellas no había ninguna dificultad en combinar pensamiento y emoción. Nosotros no podremos hacerlo nunca y de ahí la diferencia comprobada a través del contraste entre música y palabra del efecto Muguruza.

   
 
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