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SWAB 2011. EL ALGODON EMPAPADO

jesusmc | 29 Mayo, 2011 18:32

SWAB 2011 El algodón empapado.

  

 

En el año 2007 , el algodón clínico estaba impoluto, (esa es la definición que los organizadores dieron a esta palabra fundadora) ahora pasadas cuatro ediciones ya está empapado. Lo que se ha dado en llamar “Low Brow Culture” o cultura de bajo perfil tenía un lugar claro en la escena artística catalana y galerías como ADN, Mito, Igua Pop por ejemplo recogían la tendencia  dominante en esta feria.

 En esta edición la obra resaltada  Swab 2011 es una obra de John Jodzio de la Fred(London)Limited de hace cinco años.

           

  

  Con motivo de la primera edición en el año 2007 de la feria internacional de arte Swab escribí lo siguiente:         

“Las ferias y bienales me interesan para conocer lo que me pasa. La capacidad del artista por captar la esencia de lo que a él le sucede y nos sucede a todos, en cada momento histórico.  Convidado por la sociedad a marcar caminos, indicar sendas, preveer lo que ha de suceder, actúa a través de unos procesos complejos que le exige esa lucidez extrema, y esa es la causa dolorosa de su misión y en esta ocasión se augura la artificiosidad neo-pop teñida de alusiones siniestras y en ocasiones lascivas de una sociedad de artificio, cirugía estética y maquillaje”….

  ….Yo diría que dominaban los usos convencionales de las técnicas artísticas: óleo, carboncillo, los acrílicos, la acuarela, el lápiz, gouache y papeles encolados, aplicados sobre soportes muy diversos, etc . Se que no es muy útil intentar reducir la complejidad de lo artístico a unas brevísimas descripciones y menos aun a tres o cuatro palabras. Creo que percibí una tendencia hacia un arte insertado en lo popular, dominado por iconografías siniestras que representaban manifiestas heridas en la conciencia , tratadas con el bálsamo de un infantilismo  repleto de procacidad y erotismo….       

 

 

……Se que no es muy útil intentar reducir la complejidad de lo artístico a unas brevísimas descripciones y menos aun a tres o cuatro palabras. Creo que percibí una tendencia hacia un arte insertado en lo popular, dominado por iconografías siniestras que representaban manifiestas heridas en la conciencia , tratadas con el bálsamo de un infantilismo  repleto de procacidad y erotismo…  Ahora pasados bastantes años de ese pop surrealista y siniestro de bajo perfil, parece que la Feria quiere abrirse a nuevas galerías y otro tipo de propuestas. Es lógico que sea así, pues una feria que aspira a la permanencia no puede cerrase a una sola tendencia a no ser que quiera correr el riesgo de quedar fuera del tiempo.

Si la feria quiere convertirse en un referente del arte contemporáneo debe reconocer que la propuesta ya se ha saturado, que el algodón está empapado y por lo tanto es lógico que los chicos con probetas de vodka de colores parecieran algo más erráticos que en ediciones pasadas. Que la página web haya generado cierta confusión y que incluso hubiera cierta desinformación sobre el lugar de celebración de la feria. Las banderas que reciben a los visitantes están descoloridas, han perdido la luminosidad colorística de otras ediciones.

 

BOSCO SODI EN CARLES TACHE.

jesusmc | 29 Mayo, 2011 17:20

 

Artículo publicado en el suplemento nº 466 del suplemento Cultura´ s de LaVanguardia(25/Mayo/2011)

Simply Red: Más allá de la Pintura.   

   Bajo el inconsciente se hallan los dominios de la memoria de un artista: su origen, su pertenencia a un linaje, pero también las formas que utiliza o los colores que aplica sobre la tela. El azul de Yves Klein  se encontraba con toda seguridad bajo las capas de sus recuerdos olvidados por la razón y Clement Greenberg  decía que Pollock lanzaba la pintura con un palo tal  como un vaquero domina su lazo.

  

    A Bosco Sodi (México 1978) le sucede lo mismo. Aunque sus obras estén realizadas en Barcelona o en Nueva York, bajo el dominio de su inconsciente se hallan los grandes espacios de su geografía natal, la tierra agrietada o las superficies coralinas del mar en Veracruz, la memoria de la obra muralista de Orozco y de Siqueiros pero sobre todo el poder, la fuerza del color rojo, grana, carmín que recuerda el pigmento sacado de la “cochinilla”,un insecto que una vez seco utilizaban aztecas y mayas en la región de Oaxaca para conseguir un tintado característico y de enorme fuerza terapéutica y simbólica tal como demuestra Amy Butler Greenfield en su libro  A Perfect Red: Empire, Espionage and the Quest for the Colour of Desire”.

 

   Este artista, tras su instalación en The Bronx Museum de una obra de 4m x 12m, y con su próxima exposición en la Pace Gallery,  presenta unas piezas rectangulares, cuadradas y circulares de gran formato en las que el rojo domina el espacio de la galería. El minimalismo monocromático  crea  una auténtica provocación perceptiva que va más allá de la retina y penetra en el espíritu del que mira. Una acción que el artista quiere que sea orgánica, una especie de reencuentro con lo natural y en el que el color transforma  la conciencia.

 

   Bosco Sodi es pintor pero trabaja como un escultor. Monta la tela sobre el bastidor en un primer gesto de reconocimiento de la técnica tradicional, pero lo hace de manera que ya en este primer paso, genera un volumen que con el  tejido tenso  retumba como un tambor ritual con el que empieza una ceremonia pictórica que puede durar dieciocho horas de trabajo continuo. El pigmento mezclado con aglutinantes como el serrín de madera u otras texturas le permite materializar el color en unos grumos  que va esparciendo y modelando con sus manos como si fuera un escultor.

 

   Bosco Sodi va más allá de la pintura pues su magma matérico es auténtica inmersión en lo indeterminado, en el origen. Su obra se encuentra en el territorio de la PRE-FORMA , en lo que Cirlot citando a D´ Ors , define como que”: lo subconsciente es amorfo . Esta obra se halla en lo germinal, en lo  anterior a lo formado, en el enigma de la lava volcánica o de la tierra reseca del desierto. Una fascinación terrosa en la que sus mentores reconocidos por él mismo son Rothko y Tàpies.

    Según la citada Greenfield, el antropólogo Brent Berlin y el lingüista Paul Kay en su” Basic Color Terms: Their Universality and Evolution (1969)” han demostrado que los primeros términos que las culturas han desarrollado con respecto a los colores distinguen entre lo claro y lo oscuro y que si un idioma ha evolucionado hasta el punto de incluir tres palabras que describan colores, casi siempre la tercera palabra se referirá al color rojo y el resto de los colores vienen detrás.

 

 

 

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ENTRE LA INSPIRACIÓN Y EL PROYECTO,LA ZONA INTERMEDIA.JESUS MARTÍNEZ CLARÀ

jesusmc | 22 Mayo, 2011 21:29

    

 

      

 

 

El pasado día 17 de Mayo, presenté mi libro “Entre la Inspiración y el Proyecto. La Zona Intermedia” editado por Edicions de l ´Escola Massana. Este libro recoge los artículos, presentaciones o conferencias que durante años me han propuesto los profesores o los alumnos de la escuela Massana. Es un libro coral en el que todos los textos tienen un destinatario concreto. La amplia franja temporal que representa va desde los albores posmodernos en los años ochenta hasta la actualidad y por eso es un buen reflejo de las circunstancias artísticas y estéticas de una época.El libro lo ha diseñado Ferrán Giménez   y de él son también las 16 obras fotográficas en doble página que  acompañan al texto.    

 La presentación corrió a cargo de Antoni Marí, Raimon Arola, Gabriel y Lluis Doñate que desde la diversidad abordaron la relación entre Inspiración y Proyecto. Al final de las breves intervenciones quise corresponder, a su generosa participación, con una “Performance”. La acción tenía como título: “LLetraferida.”  Consistió en una proyección fija del logotipo de las ediciones Massana en el que se ve un libro atravesado por una flecha. Retiradas las sillas y con el magnífico espacio gótico vacío, los arcos de piedra destacaban poderosamente. Caminando lentamente se presentó en el centro del espacio, el maestro de Kyudo Javier Parrilla que  apareció vestido a la manera tradicional japonesa, llevaba un arco asimétrico de dos metros veinte centímetros en una mano y una flecha de un metro diez centímetros en la otra. Tras un respetuoso silencio, el kyudoka se dispuso a hacer su ceremonial (sharei) previo al lanzamiento de la flecha. Tras los movimientos rituales el arco de abrió en su máxima apertura y la flecha salió con fuerza poderosa y atravesó las páginas del libro que se estaba presentando y que se hallaba sujeto a una “makiwara”, una especie de cilindro horizontal hecho de tallos muy prensados. La emoción fue absoluta. El libro estaba abierto hacia la mitad, en la pág . 136 en la que aparece el artículo:”Moriré Callando o La metáfora en el arte”. La flecha impactó, tal como se ve en la fotografía en la palabra “metáfora”.   

Teniendo en cuenta el contenido del artículo aquí aparecen varias cuestiones de interés. La primera y principal es la inversión del viaje creativo, el arte se mueve bien en la creación de metáforas, casi con la misma dignidad que la poesía. Siempre es la realidad el primer motor que posteriormente se trasciende con el sentido de una metáfora y así, el diseñador Pere Fradera pudo hacer un logotipo para la colección en el que el libro atravesado por una flecha alude al termino catalán “lletraferit”, literalmente “herido por la letra” y que indica aquel que gusta de cultivar la lectura y las letras. Aquí, la letra fue herida por la flecha. Y no fue cualquier letra de cualquier palabra, no, fue herida de muerte la palabra metáfora.  He de decir que este artículo estaba dedicado a Gabriel, Raimon Arola y Carles Hac Mor quienes participaron en la mesa sobre la metáfora y sobre el símbolo en aquella lejana actividad que recogía el texto de 1997 y por esta razón la performance tenía especial interés.  

  Así pues, si el recorrido que conocemos es de la realidad a la metáfora, en este caso, el viaje se invirtió y fuimos de la metáfora a la realidad de un libro atravesado por una flecha.  

 
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