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CRITICA DE ARTE.

YAMANDU CANOSA: EL ÁRBOL DE LOS FRUTOS DIFERENTES.FUNDACIO SUÑOL

jesusmc | 22 Septiembre, 2011 15:59

Yamandú Canosa: el árbol de los frutos diferentes.

 

 

 

 

 

  

 

                                                           

                                              

Los frutos iguales.

     Durante cinco meses ha estado expuesta la obra de Yamandú Canosa en  la Fundació Suñol de Barcelona ( del 7 de Abril al 10 de Septiembre).  Durante este tiempo los visitantes han podido ver el resultado del trabajo de veinte años.(1992-2011) . El lector atento habrá advertido un quiebro inicial en el título. No parece que tenga mérito observar que un árbol dé frutos iguales, lo sorprendente sería que fueran diferentes. Ese era el título original de la exposición.

 

Variando la diferencia a favor de la identidad he puesto de relieve la gran coherencia conceptual y estética que caracteriza el trabajo de este artista. El desafío de Yamandú ha sido navegar siempre por el mismo río. Una de las constantes iconográficas en su obra  es la presencia de una canoa con dos personajes que a menudo reman juntos y otras entran en conflicto es así en:  Malstrom I de 1997 , en Gran psico C,1998 , en  Cenital 1998 y en El puente 2005.

 

 Coincidiendo con las fechas de la exposición hablaba con mi amigo José Luis Guerin sobre las películas que han marcado nuestra infancia: yo le dije sin dudar “Los cinco mil dedos del Dr. T “ de Roy Rowland  y él a cambio, me descubrió “La noche de cazador” la única película que hizo Charles Laughton. Mirando algunas obras  de Yamandú he tenido la misma sensación que tenían esos dos niños en la canoa descendiendo río abajo, con el agua cerca de la barca escondiendo un mundo subterráneo y bajo la amenaza  que en cualquier momento, apareciera la imagen del mal, encarnada en ese predicador que llevaba tatuados en una mano la palabra amor y en la otro odio.

 

    La obra de Yamandú polariza esos dos estados de la conciencia. En la canoa de Maelstrom I la placida navegación está amenazada por el gran poder destructor de un torbellino capaz de tragar buques enteros. El topónimo maelstrom deriva de la palabra compuesta neerlandesa malen (triturar) y stroom (corriente), es decir: «corriente trituradora»

     Esa dualidad conlleva inevitablemente a la segunda constante de su trabajo que ha sido suficientemente reseñada por su exégeta Martí Peran en el catálogo y destacada por  Teresa Sesé y Violant Porcel en La Vanguardia, me refiero a la linea “h” . La línea  del horizonte visual que parece dividir el espacio en dos mitades simétricas a la altura de los ojos del espectador. Esa línea puede ser también la línea de flotación que siempre esconde una realidad oculta que no vemos.

El hermetismo de su obra viene sobre todo de la mano de las palabras. Las obras de principios de los años 90 como H-131  o  H-403. Acrílicos sobre fotografía o tela o la de 2005 “Hay Lugar/ No ha lugar “ Oleo s/tela convierten las palabras en reverberaciones que van directamente al imaginario del espectador. Cada palabra pintada genera una imagen y cada imagen sugiere una palabra.

 

   Yamandú Canosa es un artista a- epocal. Su trabajo está tan bien recepcionado por la inteligencia conceptual  de Barcelona que reconoce el alto valor de contemporaneidad de su obra, como por pintores de su generación que  lo respetan y consideran. Por estas razones y una vez acabada esta exposición, la canoa de Yamandú sigue navegando por el río, sorteando obstáculos hacia arriba, buscando las fuentes del origen o el escondido lugar donde vive el coronel Kurtz.

 

TAKESADA MATSUTANI EN GALERIA HORIZON COLERA

jesusmc | 22 Septiembre, 2011 10:42

                   

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia nº 483 21-09-2011

             “Around the Circle” 

  

Superpositions 92-2 1992-2011 
3.00 x 2.13 m vinilo , grafito y cuerda sobre tela

 

                     

 

Deux Cercle 7-11 2011
 41 x 32 cm  vinilo , grafito sobre papel/tela

                         

 

Une Goutte 1 1995 116 x 81 cm vinilo, grafito sobre tela

HORIZONTE ENTRE BLANCO Y NEGRO.

     La Galería Horizon de Colera (Girona) cumple veinte años. La madurez del proyecto se constata al comprobar que ha creado un estilo riguroso, abstracto,  austero, hecho del dialogo entre opuestos, entre blanco y negro que  otorga a sus exposiciones actuales una dimensión estética que considero cercana a la sensibilidad oriental.           En su caso, eso que llamamos la “línea de la galería” no es otra cosa que la proyección estética de las inquietudes  creativas de  Silvie y Ralph Bernabei, por eso, cada nueva exposición es un claro reflejo del momento artístico en el que ellos mismos se encuentran.   

Cuando el año pasado presentaron el último número de la revista "Outer horizons"  de arte y filosofía en el Hotel  Belvédère du Rayon Vert en Cerbère,  ví que  la portada creada por Peter Downsbrough  era un manifiesto visual de la galería. Me refiero al sutil espacio que separa el horizonte ENTRE el blanco  y el negro. Las obras de los artistas de la galería y las imágenes de la revista en la que colaboran Edvard Lieber, Gabriel, Enric Ansesa, Juan Bufill, Vicenç Viaplana Peter Downsbrough y las del propio Ralph Bernabei, son obras que exploran los límites de esos dos no-colores y de modo muy especial las cualidades de lo oscuro.   

  Este verano se ha confirmado  esta tendencia de la galería a través de las obras que nos han propuesto en tres magníficas  exposiciones de Lluis Vilá, Takesada Matsutani y la tradicional colectiva de Septiembre.   

  Takesada Matsutani(1937) nacido en Osaka y afincado en París , aborda en su actual  “Around the circle”  dos de las cuestiones más importantes de la expresión plástica: la saturación del negro en diálogo con sus opuestos y el poder del círculo.      Matsutani pasó seis años trabajando en su taller de grabado, descubriendo la riqueza del color negro que ha dominado en su obra pictórica desde entonces. Sus estudios de la pintura tradicional japonesa y la técnica de pigmento y cola de hueso han derivado hacia el uso actual de la cola vinílica y el grafito.     

  Matsutani combina la inquietud espiritual y las “performances” que definían al Grupo Gutai, -al que perteneció cuando en 1959, Sadamasa Motonaga le puso en contacto con ellos -junto a los espacios propios de la pintura y la litografía tradicional. Sus obras de viscosidad variable incorporan el relieve de la materia que utiliza a través de pliegues  densos y untuosos que  descienden por la tela como ampollas volcánicas movidas por la fuerza de la gravedad.

     El círculo es un elemento emblemático del arte japonés, pero Matsutani no lo trata como hacen los calígrafos clásicos apelando a la fuerza del gesto sino creando esos relieves sutiles, insistidos al máximo detalle que generan una sensación de ocupación total y oscura del espacio. Frente al tópico espacio blanco vacío, Matsutani vacía a través de la plenitud de un negro absoluto.    Una sensación de noble silencio recorre la sala en la que aun se pueden ver los restos de la “performance” inaugural. La noción de estar dentro o fuera del círculo aparecen de inmediato, haciendo hablar al espacio. 

    

MARIA LUCAS Y ANNA COMELLAS EN LA PRIEURE DE MARCEVOL

jesusmc | 16 Septiembre, 2011 11:59

  Priorato románico de Marcevol . Siglo XII (1.129)  Arboussols.

 

 

 

EL SOMNI DE LES PEDRES DE MARIA LUCAS .

gyotaku sobre papel Inshu Washi Mitsumata de Aoya.Tottori

 

 . "Qui-Dort-meurt" de Anna Comellas

 

 

 

1. En el año 1.100 tan sólo veintinueve  años antes de la construcción del Priorato de Marcevol vivió en  China, Mi Fu, un maestro del arte de la caligrafía. Un día se vistió con las mejores ropas de ceremonia y delante de todos llamó a una piedra que estaba en el jardín de su casa como "Gran Hermano" y algunos dicen que la abrazó. Mi Fu, nos enseñó con este gesto a sentirnos como si todos fuéramos un poco de la misma naturaleza que las piedras.

 

2. La fuerza de las piedras en Marcevol, su presencia lítica, firme y fundadora han generado un paisaje singular donde la arquitectura sagrada de la iglesia convive con las modestas construcciones de los orris  de los pastores.

 

3. Por estos lugares, las piedras están por todas parte desde hace siglos. Sébastien Le Prestre de Vauban transformó esta parte tan hermosa de los Pirineos Orientales, en la región más protegida y fortificada de Francia. Aquí, la idea de seguridad y resistencia ha adquirido, con el tiempo, la imagen de una belleza abrupta y fascinante, provocada por el diálogo sublime entre la construcción arquitectónica y la magnitud elevada de las cumbres de las montañas.

 

4. En las obras de Anna Comellas y Maria Lucas que vemos aquí, se pone de relieve, un contraste entre dos cosas: por un lado la incertidumbre (incertum) del deseo que se quiere representar de forma intensa y viva que es ligero como el papel o la imagen, que se huidiza como el sueño, y

 

5. Por el otro, el contraste con la verdadera realidad hecha de decisiones concretas, de voluntades construidas con la solidez de las piedras y la inteligencia de la arquitectura y los constructores de Marcevol.

 

6. Esta exposición refuerza esta dualidad y quiere crear un espacio dual entre el dentro y el fuera. El espacio en el que nos encontramos, era el espacio de lo sagrado. Fuera las tinieblas, dentro la luz.

 

7. La mirada está llena de paradojas. Sólo aquello que contemplamos toma realidad. Es como un juego de magia. La realidad desaparece y se hace presente el arte, en este caso las piedras del “orri” de los pastores o los muros de la iglesia son sustituidos por estas obras. ¿Dónde está la verdad?

 

8. "Qui-Dort-meurt" de Anna Comellas nos recuerda que la vida y la naturaleza discurre en el exterior del orri y este contraste entre el interior y el exterior que la deslumbra es para ella, una metáfora del sueño, la imaginación y la escapada, en contraposición a la vida real. Esto ha generado una pintura de gran formato donde las imágenes en la oscuridad sean difícilmente distinguibles.

 

9. María Lucas en "El sueño de las piedras" ha dado al papel japonés una función similar. El papel japonés contiene también esta condición de ser tan frágil como los sueños y tan dúctil que se puede cortar con agua, pero a la vez las fibras interiores permiten la solidificación de los materiales más resistentes.

 

10.Las piedras luminosas y firmes del exterior han sido llevadas hacia el interior, colocadas en el ábside de la iglesia se vuelven un sueño sacralizado pierden solidez y se hacen evanescentes, móviles y ligeras.

    

11. Estas obras, nos recuerdan que los castillos, las catedrales, o las modestas cabañas de pastor saben que aunque proclamen su resistencia de piedra y su fortaleza, no son más que humo en el tiempo.

 

Jesús Martínez Clarà

 

ANGELS RIBE EN EL MACBA/ EN EL LABERINT

jesusmc | 15 Septiembre, 2011 10:06

ANGELS RIBE EN EL MACBA/ EN EL LABERINT

 

                                               

 

                              

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s  de  LaVanguardia. nº 482  14-09-2011

                                                                  ¿PARA QUE SIRVE EL ARTE.?

  

    Quince años de trabajo han sido suficientes para que Angels Ribé haya pasado a la historia del arte contemporáneo y se la relacione con los grandes nombres de los años “70” como Vito Acconci o Dennis Oppenheim. Pero a diferencia de estos, en ella, se encuentra el misterio de sus tránsitos, de sus desapariciones, de sus progresos y regresos. 

 

     En el laberinto” se exponen las obras hechas entre 1969 y 1984, durante estos años tejió el hilo de Ariadna que le ha permitido acercarse a la auténtica naturaleza de lo artístico y llegar al centro de su laberinto vital y salir de  él.(1969). En ese centro imaginario encontró tres claves bien guardadas: la relación del arte con la naturaleza, la utilización de su cuerpo como medida y un diálogo perceptivo con las “Geometrías Invisibles” (1973). Una geometría emocional desarrollada a partir de su viaje iniciático a Paris en 1966, donde conoció las teorías sobre la Forma de Piotr Kowalski que influyeron en sus primeras obras. El gusto por la forma le permitió cargar sus propuestas de complejos conceptualismos, sin perder emoción, ni eficacia estética. Aspectos que siempre le han acompañado. Luego vino Chicago, Nueva York , ahora el reconocimiento del Macba y una pequeña exposición en el número  25 de la calle Valldonzella.

 

       Angels Ribé se propuso, desde sus primeras “acciones “ demostrar que el arte  es “un “esfuerzo contra una resistencia”, que es una actitud que no cesa, que es una fuerza continua , a menudo tan inmaterial como el aire de un ventilador  lanzado contra una plomada. A veces tan infructuosos como saltar ,una y otra vez, para alcanza el vértice de un triangulo virtual.(1978). Un trabajo constante pero muy frágil, como es la propia materia de su obra: la espuma, la luz, la sombra o la presión sanguínea, tal como se manifiestan en “Intersección de luz” (1969) o “Transporte de un rayo de luz” (1972). Estas obras delicadas, quebradizas o efímeras  nos proponen profundas paradojas, son micro explosiones  que despiertan la conciencia como la interacción de un ventilador en la naturaleza(1973) o una bombilla encendida a pleno sol(1973) 

   

Todas las obras de A.Ribé, más allá del concepto y su poder formal, son un manifiesto, un programa útil que proclama al arte como método de conocimiento y transformación moral. Veo sus propuestas como consejos que indican al espectador atento, todo lo necesario para una auténtica evolución de la conciencia.

 

     Para conseguir este logro, realiza diversas acciones y prodigios. En una primera proposición nos muestra la importancia de los sentidos que nos acercan a la realidad, así, las posiciones  de las manos  verifican la dilatación de las venas debido a la gravedad, o bien se cuenta “mantricamente” una y otra vez los dedos:”Counting my fingers”(1977).Siempre parte de la experiencia perceptiva-sensorial de su cuerpo: visión, oído, tacto, espacio y puntos cardinales (Chicago 1974), acumula e integra, asocia, contrapone (1973) y constata la presencia evanescente de los objetos inmateriales(1974).

 

      En segundo lugar nos propone un arte que acepta lo efímero y el vacío como condición, tal como sucede en “Intersecció de llum, Intersecció de pluja e Intersecció d’onada (1969) y constata que  los cambios  son aspectos  inevitables del ser, aunque este anhele la quietud.

En tercer lugar la importancia de la atención extrema a los pequeños detalles ornamentales de la realidad recogidos con precisión absoluta: ”The unrelated object(1979).  La cuarta propuesta nos recuerda la necesaria adaptación a las circunstancias de cada momento para ser conscientes del momento en que vivimos e ir de modo natural hacia adelante: ”Can´t Go Home(1977)

    La quinta proposición es que en las idas y los regresos, en ese ir y venir  por el puente de Williamsburg,   “Two Main Subjective Points on an Objective Trajectory “ (1975), debe existir un punto de vista estable y objetivo que no rechace el hallazgo inesperado o  la acción súbita. Estas cinco condiciones transforman la actitud, la mente y el corazón. Para eso sirve el arte.        

 

 
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