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LA CABAÑA JAPONESA: TOYO ITO.SOU FUJIMOTO.KAMO NO CHOMEI

jesusmc | 23 Noviembre, 2011 22:37

                                 

   

 

Artículo publicado en el suplemento  Cultura´s  de LA VANGUARDIA. Nº 492 (23/11/2011) 

   

 

   “Hôjôki”, Un relato desde mi choza” (1212) es un breve texto que ha influido poderosamente en la formación del espíritu resignado y contemplativo del pueblo japonés y que ha inspirado a todos aquellos que han decidido hacer del retiro un lugar de encuentro con lo fundamental. En esta pequeña obra se hallan las consideraciones que el poeta, monje y músico tocador de “biwa” Kamo No Chômei (1155 – 1216) nos hace desde su ausencia, en una choza de nueve metros cuadrados, en las estribaciones del monte Hino en la provincia de Toyama. La literatura japonesa lo tiene entre sus libros más apreciados y su influencia perdura tras siete siglos de la publicación hacia el infinito y más allá.

 

    Quiero destacar las condiciones básicas del retiro cabañal a partir del ejemplo de dos arquitectos japoneses contemporáneos. La primera condición es el reconocimiento de la naturaleza como paradigma y destino. Este anhelo ha sido el primer motor de la obra del arquitecto Toyo Ito que ha sabido captar la musculatura de la naturaleza para convertirla en tensión y resistencia pero también en ductilidad, suavidad e integración. Sabemos que las olas en su fragilidad tienen estructuras moleculares que sostienen grandes pesos. El arquitecto y su ingeniero de cálculo de estructuras Mutsuro Sasaki hablan del gran misterio de la Forma y de las complejas tramas que subyacen en el crecimiento de una flor. Para ellos, arquitectura, tecnología y naturaleza están en angélica armonía.

 

    Uno de los primeros proyectos de Toyo Ito fue la “Casa Sengataki” (1974), un pequeño habitáculo construido en un paisaje renombrado por la belleza de su desfiladero y sus aguas. Unos años más tarde, volvió a rendir homenaje a la naturaleza y lo hizo con la “ Aluminium Cottage” (2004) en Minamikoma, un volumen trapezoidal de pequeñas dimensiones, una cabaña ligera y móvil en la que el cálculo matemático convive con la poesía y la sensibilidad morfogenéticas.

 

     La segunda condición, nos habla de lo mínimo necesario para existir tal como demuestra la cabaña del joven arquitecto Sou Fujimoto (1971) construida en las montañas de la prefectura de Kumamoto. Conocida como la “Final Wooden House” (2008) es un habitáculo de madera que tiene solo 8 m de lado, con un área de vida de 15,13 m2. y que es la réplica japonesa al Cabanon de Le Corbusier.

       Solo el sentido de la unión de opuestos del pensamiento oriental permite reunir en una misma expresión dos nociones aparentemente contradictorias: la arquitectura teórica y la sensorial, a la vez.

   Así es como ve Toyo Itto la cabaña de Sou Fujimoto, el resultado de ese encuentro en el que surgen las cuestiones fundadoras sobre qué es la arquitectura, sobre cómo debería la arquitectura relacionarse con la naturaleza, y de cómo hablar de arquitectura, es sinónimo de hablar del mundo y de las personas, una conversación a la que los sentidos se suman para reforzar la experiencia.

 

   Ito y Fujimoto se plantean con sus pequeñas casas la búsqueda de la esencia, la raíz del acto constructivo. Unas cabañas que son el origen de la arquitectura y la vida, pero que a su vez son el lugar donde se puede realizar la liturgia de la transformación espiritual.

   Los cimientos filosóficos.

 

    ¿Pero que tienen las páginas de este libro que no agotan su caudal inspiratorio? ¿qué sentido tiene, hoy en día, construir una casa tan pequeña? ¿Quién es el candidato adecuado para habitarla?

 

    La primera condición del candidato es el reconocimiento de que el dolor y el temor a la muerte existen y que ambos pueden cesar y que hay un camino para conseguirlo. El candidato es alguien capaz del retiro voluntario y el alejamiento social. Kamo se retiró, a pesar de su creciente fama como poeta imperial, para vivir de modo eremítico y escribir en 1212 esta pequeña joya de la literatura universal.

    Un elogio del retiro voluntario, pero no tanto para poder regenerar la conciencia, sino para llevar una vida hecha de soledad y abandono. El candidato es alguien capaz de comprender que todo tiene la impermanencia del vapor que se concentra y disipa. Es alguien que acepta la imprevisibilidad de la naturaleza que todo crea y destruye, es alguien que entiende la negación, el absurdo y el sinsentido de las  ausencias como factores positivos, es quien busca la independencia auténtica, el cobijo del silencio absoluto, es aquel que encuentra placer en lo mínimo y hace de todo, una experiencia fundamental del vacío que transforma su conciencia, pero más que nada es alguien que no se encuentra apegado ni a las cosas ni a la vida, ni siquiera a la tranquilidad, ni a la serenidad y sobre todo es aquel que viste el hábito de una humildad absoluta.

      La edición bilingüe que he utilizado divide el libro en seis capítulos y 37 partes en los que van apareciendo los cimientos que dan fortaleza a tan frágil construcción en connivencia con el espacio máximo de la naturaleza desde donde el poeta reflexiona sobre la existencia y el modo de vivir de la gente: “Solo aquí en mi choza se está en paz y sin temor, tan pequeña como es, hay espacio para dormir de noche y sentarse de día: el espacio suficiente para un hombre” …”La realidad sólo depende de tu corazón, si no está en paz un palacio te parecerá insuficiente.

  La recompensa del candidato es la superación del dolor mediante la práctica correcta, el encuentro con la naturaleza y saber vivir adecuadamente con lo mínimo necesario en un espacio de apenas nueve metros cuadrados. Una vez más, la cultura japonesa, a través de su arquitectura moderna ha conseguido reunir lo más antiguo con lo más moderno y mantener viva la estela filosófica de este monje-poeta que los japoneses tienen como ejemplo de comportamiento, como la actitud necesaria para aceptar los designios de las catástrofes y para la correcta comprensión de la auténtica naturaleza del ser humano.

 

   

 Toyo Ito 

 

  Sou Fujimoto  

 

 

   

 

  

   

 

 

     

 

 

  

 

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MABEL PALACIN VERSUS DAVID G.TORRES EN EL VII SIMPOSIO ACCA

jesusmc | 19 Noviembre, 2011 14:14

MABEL PALACIN VERSUS DAVID. G. TORRES EN EL VII SIMPOSIO ACCA .2011.  

Otra Sesión interesante el día de ayer fue el encuentro público entre Mabel Palacin y David G.Torres ante el público asistente a la primera jornada del VII simposio del ACCA 2011.

   

    LOS PONENTES JUNTO A FERRAN MASCARELL   

 

 

  Tenía mucha curiosidad y no salí defraudado. Intentaré señalar los puntos de la conversación que se hizo en Español y que más llamaron mi atención:  

 

En primer lugar he de decir que siendo la obra de Mabel Palacín fundamentalmente basada en la imagen estática o dinámica no pudimos ver ni una sola de las muchas referencias icónicas de su propuesta “180º “que se presentó en el pabellón catalán en Venecia. 

 

 

En segundo lugar que la artista quiso dejar bien clara su independencia creativa, el estatuto de sus imágenes ,sin aceptar que el comisariado de David G. Torres hubiera tenido un papel definitorio, más allá del acompañamiento textual. Y que ella habla a través de las imágenes, aspecto bien  diferenciado de la textualidad. 

 

En tercer lugar que no fue una propuesta “site” especifica para el pabellón ,sino que hubo una adaptación del trabajo que estaba llevando a cabo en ese momento.Y que si no lo hubiera hecho allí , lo hubiera realizado en cualquier otro sitio. 

 

En cuarto lugar, destacaré la sinceridad de David G. Torres,  su libro reciente “No más mentiras” le obliga,  al reconocer el papel exclusivamente político de la participación en la bienal, reconociendo que un alto cargo le había confiado que se trataba , ante todo que la “marca” catalunya se llegará a publicitar al máximo. Si bien es cierto que apostilló que ante la intencionalidad política se encuentra la inteligencia de la cultura para hacer lo que le convenga.A la pregunta del público, reconoció algo que a menudo se  olvida, y es que  el pabellón catalán se encontraba dentro de los que en Venecia se llaman  los  “Eventi Colaterali”, es decir que la exposición no representaba más que a una nación sin estado. 

 

En quinto lugar destacaré el concepto de “inconsciente tecnológico” utilizado por Mabel Palacín, según este el instrumento tiene su propia voz en el proceso creativo. Una teoría que ya los físicos cuánticos Schrödinger, Heisenberg otorgaban a la mecánica cuántica cuando aseguraban que el instrumento utilizado para una observación condiciona totalmente el resultado de esta. Según esto, la autonomía del medio añade incertidumbre al resultado.

 

 

 La sexta proposición es cambiar el rol del espectador al enfrentarse a una imagen múltiple. 

 

La séptima que se trata de ver con el cuerpo, no tan solo con los ojos, ver con el cuerpo y con el cuerpo social. 

 

La octava es la inspiración en el clasicismo pictórico más convencional de la historia del arte como son la “vedutas” venecianas. Es decir las vistas de la ciudad realizadas por Canaletto o Guardi en el Settecento italiano, han podido influir en el corazón mismo de la  imágen contemporánea. 

 

La novena es el reconocimiento por parte de David G. Torres de que el comisariado está en crisis. 

 

 

La décima es el descubrimiento de la “altanas" venecianas . Una altana o altane es una terraza de madera. El uso que se le daba en la antigüedad a estas terrazas altana o altane, no deja de ser curioso. Eran utilizadas por las damas nobles como una especie de salón de peluquería donde secar sus cabellos al sol, después de haberlo teñido según la antigua receta del rubio veneciano: ungüentos a base de azufres y plomo.    A través del proyecto “180º”  Palacín, descubrió una ciudad en las alturas de los tejados venecianos, una supracidad QUE INVERTÍA EL USO ESTETICO POR EL USO SOCIAL , ahora son ocupadas por las revueltas de los estudiantes indignados, para llamar la atención sobre sus reivindicaciones.

 

 

ACCA.VII SIMPOSIO INTERNACIONAL .CRITICA DE ARTE EN UN MUNDO GLOBAL

jesusmc | 18 Noviembre, 2011 23:55

ACCA .VII SIMPOSIO INTERNACIONAL CRITICA DE ARTE EN UN MUNDO GLOBAL.2011.

  

Cada año espero con ilusión la celebración del Simposio sobre Crítica de arte organizado por la Asociación Catalana de Críticos de Arte a la que pertenezco. Nunca me defrauda.

    En esta primera sesión he asistido estupefacto a las reflexiones, como no, de alta complejidad.  Ya en otras ocasiones se han utilizado neologismos aplicados a la crítica de arte, aquí , se ha hablado de transterritorialidad, de descolonización, de alter modernidad , de mediación electrónica y  flujos migratorios.

      Yo, como siempre, he quedado arrasado por la alta complejidad de las reflexiones de un “curator” que antes de dedicarse al mundo del arte trabajó en el campo de la consultoría estratégica.La sesión presentada por Hammad Nasar ha introducido un nuevo concepto el de “Lineas de Control” el de la “capacidad productiva de las particiones” y el “cunnilingus”. Su sesuda intervención ha acabado con un video :  "Cunnilingus in North Korea" de Young-Hae Chang Heavy's 2004.

      Si han leído bien, “cunnilingus”. He dado un salto en el asiento y he quedado anonadado. El video es el que aquí se puede ver y va acompañado por el tema  "See Line Woman” de Nina Simon.

 

 Naturalmente era un ejemplo clarísimo del concepto de “partición”.Para que luego digan que la crítica es aburrida.

                  

EDO ENTRE EL ROJO Y EL NEGRO.

jesusmc | 17 Noviembre, 2011 13:31

            

 

                   

 

 

 

EDO EN EL MUSEO DE TERUEL Y EN EL MUSEO SALVADOR VICTORIA DE RUBIELOS DE MORA

jesusmc | 14 Noviembre, 2011 19:52

EDO EN EL MUSEO DE TERUEL

  El pasado día 11.11.11 se inauguró en el Museo Provincial de Teruel y en el Museo Salvador Victoria de Rubielos de Mora la exposición antológica del pintor Godofredo Edo(1926)con el título general de  s/t.

   Edo es un pintor “discreto” que apenas ha mostrado su trabajo durante más de cincuenta años de perseverancia pictórica. Edo estuvo en Paris en el momento de la eclosión informalista, allí inició un camino que nunca ha dejado de recorrer y que le ha llevado a este momento de reconocimiento general. Bajo el doble comisariado de Gonzalo Tena y de Jesús Martínez Clarà se presentan dos grandes murales  que centran la atención de los visitantes, junto a ellos, las obras  más representativas del pintor entre 1964 y 2009.   

    Con este motivo he escrito el texto que publico a continuación que  se encuentra recogido en el magnífico catálogo, junto a unas páginas biografiadas por el artista Gonzalo Tena. El resultado es la constatación de que la inercia creativa y la esencia del arte no se detienen nunca por numerosos y difíciles que sean los obstáculos que se encuentren en el camino.

 

 

EL GESTO UCRÓNICO.

       Godofredo EDO  tuvo el privilegio de encontrarse bajo el volcán en el momento de su erupción. Él, estaba allí cuando una gran fuerza telúrica  lanzaba por los aires la materia  abstracta del  informalismo y vió como la lava incandescente, venida desde los universos  no formados, descendía por la ladera de la montaña de Montmartre. En 1947, los magmas pictóricos del informalismo  aludían a un mundo artístico que nacía de las entrañas de la conciencia y en su manifestación no encontraron obstáculos, pues el territorio europeo estaba arrasado por la segunda guerra mundial.

Mientras ,en USA, tras la explosión de Hiroshima, aparecían las descomposiciones moleculares de los expresionistas abstractos con Pollock  líderando la  “Action Painting”, también en Europa, el crítico Michel Tapié  hablaba de “Un Art Autre”(1952).Una nueva manera de ver y tratar la pintura que aun hoy en día busca una definición definitiva: Abstracción Lírica, Tachismo, Informalismo o Nueva Escuela de Paris…sea como fuera, a través de sus aspectos más poéticos,  matéricos o con una nueva gestación del gesto: la revolución estaba en marcha y los mejores representantes de este arte activo y expresivo fueron:  Georges Mathieu, Hans Hartung ,Pierre Soulages, Henri Michaux ,Jean-Paul Riopelle o Antoine Mortier.    

 

 Godofredo EDO, hijo de una familia de procedencia aragonesa, estudió Bellas Artes en Barcelona y se fue a Paris donde conoció a jóvenes artistas como él y entre ellos a  Salvador Victoria.  Llegó  a la gran ciudad junto a unos jóvenes que se negaban a vivir bajo la atmósfera  enrarecida por los vapores de la guerra fraticida que aún  perduraban bajo la dictadura y hacia 1957, cuando llegan a la capital de europa se encuentran con el volcán aún en erupción y consiguen vivir intensamente ese momento de privilegio. EDO inicia allí su camino informalista junto con  Salvador Victoria, Sempere, Isidoro Balaguer y Joaquín Ramo en el Colegio de España en París. A diferencia de los Millares, Feito, Lucio Muñoz , Martín Chirino o Saura, él, nunca se organizó en grupos, sino que siguió su camino informalista de modo solitario, independiente y perseverante, hasta la actualidad. Desde entonces la obra de EDO no cesará nunca y su espíritu vanguardista y revolucionario le ha acompañado durante toda su vida posterior en España, a donde regresó en 1959.  

 

Desde esa  fecha de iniciación ha trabajado constantemente, sin parar, día tras día. Cincuenta años que parten desde los albores del informalismo y la abstracción en España, hasta la actualidad. Durante todos estos años, EDO ha convivido con su compañera Aurelia quien convirtió su librería de la calle Ferrán de Barcelona en un centro de inquietud intelectual en los  años de disipación política y lucha generacional. Durante todo este tiempo no ha tenido muchas oportunidades para enseñar su obra. Creo conveniente recordar esa injusticia  y rendir un modesto homenaje a los artistas, que como él, sin gozar de reconocimiento público, nunca han dejado de trabajar en lo que ellos han considerado como necesario.

 

Mi primera visita al estudio de EDO la hice acompañado de mi amigo Gonzalo Tena, fue en ese  piso-estudio del ensanche barcelonés en el que  vive y trabaja este apóstol de la pintura de acción. Al entrar se percibe un olor intenso  a aguarrás y pintura que exige que, en pleno invierno,  las ventanas y las puertas estén  abiertas,  la calle invade el espacio privado y el frío atmosférico contrasta con la temperatura de su obra.       EDO ha trabajado mucho y sus obras se amontonan, unas sobre otras, pero en orden riguroso, montañas vivas de energía perseverante en óleo sobre papel o en acrílico que son el testimonio de una incesante actividad. EDO es un ejemplo de artista coherente, pues obedece, exclusivamente, a la voz de su necesidad expresiva, nadie le exige la obra, nadie más que él, es juez implacable de su propio trabajo, una labor que nunca considera concluida. Sus trazos caligráficos entroncan con la mejor tradición gestual de los artistas europeos o americanos de la época. Porque como puede verse en  las obras que acompañan este catálogo, nunca ha abandonado su manera de pintar desde la eclosión de su estilo informalista en Paris. Cincuenta años de energía perseverante y fuerza concentrada en tres letras: E-D-O.   

 

 

 

 

                              

 

    

                               

     

 

 

 

 (Más)

LUIS FRANGELLA EN LA FUNDACIÓ SUÑOL.EL ENIGMA DE LA VISION.

jesusmc | 13 Noviembre, 2011 20:33

 

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s Nº 490  de LaVanguardia (09.11.11).

 

EL ENIGMA DE LA VISION.

 

     La Fundació Suñol nos propone una muestra fundamental que auguro como una de las mejores de esta temporada. En ella se pueden ver 32 piezas del artista argentino Luis Frangella(1944), muerto en Nueva York (1990).

    Las necrológicas son precisas, en pocas palabras revelan lo fundamental. Cuando se publicó el óbito de Luis Frangella el 14 de Diciembre de 1990 en el New York Times se escribió claramente que vivía en Manhattan, que el motivo de la muerte se comunicaba por decisión familiar y que era pintor y escultor.

      En los eclécticos años “80”, la galería Ciento de Marisa Díez de la Fuente y Buades en Madrid eran dos epicentros del resurgir de la pintura. En ellas se pudo ver, por primera vez, la obra de Luis Frangella. Lo que llamaba la atención, de inmediato era el talento con el que trabajaba en su doble condición de pintor y escultor. Los cuadros de gran formato, convivían con pequeñas y misteriosas cabecitas sobre peanas. Tenían algo de ritual o de exvoto.

      Luis Frangella con esta exposición pone de manifiesto dos aspectos que considero fundamentales: en primer lugar, el enigma de la percepción o el misterio de la mirada, y en segundo lugar una reflexión profunda sobre la vanidad y la apariencia.

      Respecto a la primera condición debo recordar el afinado criterio expositivo del equipo de la Fundació Suñol que nos permitió acercarnos a esta cuestión  perceptiva con motivo de la  inauguración del Nivell  Zero   ACTE 1: Observació.(2007)  Ya entonces se pudo ver “La Jarra vertiente o Máquina de dibujar” de Luis Frangella  junto a obras de Antoni Abad, Roman Buxbaum,  Federico Guzmán, Joan Leandre, Glòria Martí, José Noguero, Joan Rom, Idroj Sanicne, Toni Serra i Zush/Evru. La actual exposición reafirma las tesis de la propuesta de entonces: Observar es mirar algo con atención e implica atender, examinar, contemplar, notar, advertir, vigilar. La observación supone un acto de reciprocidad entre el comportamiento del sujeto y del objeto. 

      No se puede definir mejor la sensación que el visitante tiene cuando se pone ante obras como “Cuchillos”(1986), sus dibujos dobles de tinta sobre acetatos o la misma “Máquina de Dibujar. En todas ellas el efecto es contundente, el espectador debe colocarse  unas gafas anaglíficas con lentes de dos colores distintos y la imagen plana se convierte en 3D. La realidad que veíamos de un modo, desaparece y la forma se abalanza hacia nosotros de modo inesperado:  “Geométricos”(1980).  En Frangella conviven la investigación científico - óptica con las indicaciones de un filósofo o un poeta que se sabe en manos de la muerte.

     Todo este ceremonial óptico sobre la realidad y su apariencia no es más que para conducir al espectador a la dimensión más profunda del sentido de las cosas. A su doble realidad. Es ahí cuando aparecen las obras más expresionistas. Sus 14 estudios sobre el movimiento de una cabeza (1985), la serie sobre velas encendidas que se consumen hasta el pabilo (1987), el crucifijo y su sombra de (1987),o su “Bola” duplicada (1986) culminan en esas dos calaveras de “In the Blink of an Eye” (1986)

     Como indica el título de la obra, en ese abrir y cerrar los ojos, tan rápido y efímero, el artista recupera el género de las “vanitas vanitatum” del siglo XVII en las que los pintores europeos recordaban la presencia de la muerte como un instante en la feria de las vanidades. Un tono de recuerdo y nostalgia se percibe en los textos del catálogo: Ángel González García y Carlos Pazos mencionan sus vivencias junto al artista y Marisa, María Vela, Ángel, Quico, Juan  y tantos otros nombres de la edad de oro de los ochenta, cuando todos nos sabíamos jóvenes y estupendos. Ese sentimiento de melancolía refuerza la reflexión sobre el paso del tiempo y la caducidad que afecta a todas las cosas.

    Lo que creíamos un juego visual con colores y formas, Luis Frangela lo ha  transformado  y acaba explorando un sentimiento moral .En “In the Blink of an Eye” utiliza un último efecto de percepción, la mirada se dirige hacia la parte izquierda, esa parte del cuadro esta iluminada con la luz de una vela, luce como la vida  y en la derecha la vela consumida, con una gama de grises oscurece la mirada, nos deja  sin luz.

  "La jarra vertiente o la máquina de dibujar"     

PETER DOWNSBROUGH.MENSAJES EN LA GALERIA ANGELS BARCELONA

jesusmc | 04 Noviembre, 2011 22:18

  

                           

 

 

Artículo publicado en el nº 489  del suplemento Cultura´s(2.11.11) de LAVANGUARDIA. 

 

MENSAJES

  

   Esta es la segunda exposición del norteamericano Peter Downsbrough (1940) en la galería Angels de Barcelona. En primer lugar, quiero destacar la valentía  de exponer la obra de un artista de sesenta y un años que acaba con los prejuicios epocales tan al uso en nuestra ciudad.

    La obra de Peter Downsbrough es diversa y actúa con la misma eficacia cuando lo hace sobre la página de un libro en blanco, al hacer un video, con material de audio o como en esta ocasión interviniendo en el espacio mismo de la galería. El espectador pudiera pensar que la galería se ha construido para albergar la obra de Downsbrough. Y no al revés. La conjunción es perfecta.

   El tono de sus obras reduce el mensaje al nivel máximo. El blanco y el negro se aúnan a la luz fluorescente que refuerza la tonalidad blanquecina del conjunto del espacio. Las líneas continuas se distribuyen sobre la pared en apenas tres intervenciones magistrales y siete pequeños hojas de papel cuadriculado capaces de transformar la sala en una lanzadera de mensajes crípticos.

    Aquí la palabra y la línea se alían para reforzar la emoción del espacio vacío. La cartografía de cada pared indica recorridos y encuentros.

     Las palabras cobran la fuerza de las formas. Por eso las preposiciones, los adverbios o las conjunciones, algunas en catalán, dejan abierto el sentido, los puntos suspensivos pueden continuar a través de líneas rectas de vinilo negro que crea direcciones y recorridos.

      La obra de Downsbrough  exige una  descripción fenoménica de lo que se ve, tan solo nos permite preguntar: ¿qué es esto? a lo que la obra nos contesta : ¡Esto es esto! Pero entonces, ¿dónde colocar el sentido? ¿En que lugar se esconde la interpretación? ¿Porqué estas palabras?

    Los indicios principales son: un mapa en blanco y negro de una parte del mediterráneo, en el que unas líneas actúan a modo de indicador de lugar:   LLOC, una alusión temporal ARA, y la palabra TEMPS escrita al revés junto al inglés AS. (Como). En otra obra ABANS, escrita inversa y también HERE(Aquí)

    El conjunto de las obras y esos mensajes crípticos parecen que quieran destacar el momento adecuado para un cambio, para una acción. Un gran cuadrado negro sobre fondo blanco acoge la mirada del espectador hacia la pared. Downsbrough sabe que las principales inquietudes  humanas se encuentran en las nociones de espacio, tiempo y recorrido.

     En este caso la radicalidad del contraste ENTRE el color blanco y el negro parece reclamar un posicionamiento, como son dos colores opuestos, obligan a que el espectador desplace  y escoja pues las cosas son blancas o negras. Entonces, si el espectador se encuentra aludido o comprometido a escoger territorio, es que acaso ¿Se trata de una revolución? ¿De un encuentro? CON QUE, CON QUIEN.

   En una de las siete hojas cuadriculadas, el visitante encuentra una respuesta a los interrogantes. Un dibujo que parece fragmentado y las dos últimas palabras que le obligan a dejar de interpretar: AQUÍ, AHORA.

 

 

DOCUMENTAL LAVANGUARDIA.ISIDRE MANILS:CINE Y PINTURA

jesusmc | 04 Noviembre, 2011 22:01

 

 Documental publicado en el nº 489(2.11.2011) del suplemento Cultura´s de LaVanguardia.

Isidre Manils.1948    Pintor nacido en Mollet del Vallès. Vive y trabaja en Sabadell. Ha hecho numerosas exposiciones individuales en galerías de Madrid , Barcelona y Castelló. Su obra se encuentra representada en las Fundaciones Suñol y Vila Casas y otros coleccionistas privados. Presente en numerosas ediciones de ARCO Madrid. En el año 2008  el Museo de Sabadell  y el Museo de Mollet conjuntamente le hicieron una exposición retrospectiva: Isidre Manils. Cine Ateneo.   Cine y Pintura. 

La frase preferida de Isidre Manils es :”le debo más a Hitchcock  que a Picasso”. Su formación cinematográfica ha ido paralela a su pintura y por esta razón la exposición que revisaba por primera vez la totalidad de su trabajo se llamó: Cine Ateneo.(2008) Ese era el nombre del cine familiar de Mollet donde se forjó el imaginario de este artista. Ozu, Lynch o Syberberg son inspiradores de este gran mural de veinte y tres metros de largo por dos sesenta metros de ancho y que ocupaba la totalidad de una de las paredes de la sala del museo. La reciente exposición en  Caixa Forum :”El efecto del cine. Ilusión, realidad e imagen en movimiento. Realismo” ha puesto de manifiesto la deuda entre los dos géneros. Estos cuadros de medidas variables con el acontecimiento de su elección, al verlos unos junto a los otros han generado su propia película bajo la mirada sorprendida del artista. Este megapalíndromo visual permite mirar la secuencia en diversas direcciones tal y como exige la poética situacionista. Actualmente Isidre Manils está explorando la incorporación de la mirada tridimensional que  aplicada a su pintura las convierten en auténticas holografías plásticas.

          
 
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