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JOSEP M CABANÉ.PINTURES CONTRA L´OBLIT. MUME

jesusmc | 11 Junio, 2012 08:08

 

PINTURES CONTRA L´OBLIT .EXPOSICIÓN DE JOSEP M.CABANÉ EN EL MUSEU MEMORIAL DE L´EXILI.

5 DE MAIG -  1 DE JULIOL DE 2012.

LA JONQUERA.

 

                                 

 

 

 

    

 

FOTOGRAFIES DE FERRAN GIMENEZ. 2012.

 

CARLES HAC MOR GANADOR DE LOS JUEGOS FLORALES 2012

jesusmc | 19 Mayo, 2012 08:46

CARLES HAC MOR GANADOR  DE LOS JUEGOS FLORALES 2012 

YO ESTABA ALLÍ

                      

                              

 

 

El día 17 de Mayo de 2012 se le entregó al gran escribidor e instaurador de la paraparemiología Carles Hac Mor el premio de los “Jocs Florals” de Barcelona por el poemario “Dietari del pic de l´estiu” y YO ESTABA ALLÍ. 

 Enfatizo mayúsculamente mi presencia, no tanto por la importancia de que yo estuviera presente, sino porque considero que los que allí estábamos, asistimos  por un lado a un acto de gran relevancia cultural para la ciudad y por otro, a una acción performática que pasará a la historia del arte .

 

  En el momento de escribir esto, aun no alcanzó a adivinar sus consecuencias. Pero sé que fue un momento fundamental en la memoria de las letras catalanas y universales. Lo afirmo con rotundo convencimiento y con el mismo entusiasmo que hubiera tenido si los avatares del tiempo me hubieran permitido asistir a la entrega primera de los Juegos Florales en el año en 1323  por el mismísimo  Bernat Metge.

 

         El Saló de Cent del Ayuntamiento de Barcelona  era el escenario de la entrega del premio y otra vez en extraña regresión, me transporté de nuevo a la edad media cuando el rey Jaume I, en  1264,  lo instauró en Barcelona. Pensaba que ese ir y venir a la edad media,  no era más que un entretenimiento ficcional instaurado entre  la realidad y mi imaginario.

 

     Entonces recordé la dedicatoria que CHM me hizo en la primera página de un  tratado de Paremiología, recordé sus palabras con la sonoridad  propia de  su modo peculiar de recitar : “La verdad es igual a realidad más ficción, menos parapémia”.

 

 En ese momento una trompetería poderosa inauguraba el acto con la entrada solemne del alcalde custodiado por dos guardias urbanos  vestidos de gran gala, es decir  :cinturón y bandolera, cordones trenzados, guantes blancos, levita roja ,lanza y gallardete, pantalón recto azul marino con franja plateada, zapatos de charol, sable con funda y sobre todo ese casco con gran penacho.

 

     Las autoridades a uno y otro lado, el alcalde Trias en soledad colocado  al fondo presidiendo en el eje simétrico de la sala. A un  lado representantes políticos y frente a ellos “los Mantenidors” de los Juegos Florales.      El ritual solemne tenía algo de “justa” de “ torneo” medieval de juicio divino sobre lo humano. La imagen de un enfrentamiento dialéctico e incruento me vino de repente  a la cabeza. Todo parecía preparado para una  justa . Un recinto cerrado  con galerías y estrados para las damas, los jueces y personajes principales, y público asistente, todo adornado  con banderas, espléndidas colgaduras de seda recamadas de metales preciosos y tapices bordados. En las justas medievales, como ahora en los juegos florales  había un lugar especial para los mantenedores, que se adornaban con banderolas del color o colores por ellos elegidos.

 

  En  lugar  algo más elevado y distinguido se erigía el  sitial de la autoridad. También en las justas  la guardia ocupaba su sitio, de pie custodiando a jueces y principales. Un cuerpo de ministriles provistos de trompetas y otros instrumentos, daban las señales convenientes  en el evento. La trompetería tiene un deje inevitable de himno o de sublevación, de loa a la guerra, de exaltamiento de lo épico, de lo heroico.

 

    La verdad es que además de estar allí para homenajear y acompañar a mi amigo , yo esperaba hacmórbidamente junto a mi dama que se produjera ese  torneo, ese momento de justa , esa ordalía o juicio de Dios  entre la razón institucional y la desatada insumisión del apólogo del no-sentido.

 

     Llegado el momento de las glosas y los parlamentos se produjo la batalla decisiva entre el laureado caballero rojo y la negra institución.

 

     No salí defraudado, mientras lo constituido habla de la poesía como cultura, como terreno de privilegio de algunos para poder expresar sentimientos profundos de amor a una persona o a una ciudad, el galardonado proponía, como ha hecho siempre, el desorden activo del absurdo y la aniquilación del privilegio poético , argumentando que si todos somos poetas, la poesía y los poetas no existen como tales, ni como especie distinguida. Un momento sublime hiperparaparemico en el que el público que no conociera la obra , ni el pensamiento de CHM quedó claramente  tocado por  la lanza del caballero Mor.

 

    El poeta que desde ayer , se  convertía, también, como maestro en “Gaia Ciència”, y en “Gai Saber” hizo de su  PARAPAREMIA el punto fuerte de su discurso de agradecimiento y acabó su parlamento con el convencimiento y la gallardía de quien se reconoce como ganador del torneo. Y por eso al acabar sus palabras lanzó una onomatopeya sonora que resonó por todo el Saló de Cent con la misma potencia con la que los ministriles tocaban sus trompetas: PARAPAPA:::PA::::PA……………

  ……pero como suele pasar casi siempre, la voluntad de poder   acabó imponiendose, quiso pronunciar la última palabra en defensa de lo establecido y, ahora si, con trompetas, trompas y tubas sonó el himno nacional de Catalunya y todos , incluido el galardonado, nos pusimos respetuosamente de pie.        

EL ARBOL DE LA VIDA DE TERRENCE MALICK

jesusmc | 30 Marzo, 2012 06:43

                      

     

 Pulvis est, et in pulverem reverteris, es decir : Polvo eres y en polvo te convertirás , esa era la frase que pronunciaba el cura del colegio ante mi cuando tenía 14 años. Pronunciaba esa misteriosa frase latina mientras hacia la señal de la cruz con ceniza en mi frente.  Ese rito anual, el miércoles de ceniza, ha calado fuertemente en mí. Me gusta saber que la iglesia reconoce que vengo de la tierra, del barro que soy pura materia destinada a volver  allí de donde he surgido. Ni cielo, ni redención, ni limbo, ni encuentros con antepasados y difuntos desaparecidos. Nada de Nada. 

    A  Terrence Malick, cuando fue al colegio, eso no le impresionó. A él, le gustó más pensar que hay una creación absoluta de todo en el inicio. Y que desde el inicio se encuentra entre nosotros. Por eso, el director se regodea en imágenes cosmogónicas en las que la materia y la naturaleza se forma y define. Explosiones volcánicas, profundidades abisales, germinaciones, floraciones y tormentas.  Tras el maravilloso espectáculo (todos dicen que es como un reportaje de TV 2) viene la pregunta: ¿quién es el artífice? Y él, inmediatamente, por si alguien no lo sabía o lo ha olvidado, dice que el creador de estas maravillas es Dios.        El segundo hallazgo de Malick es que tras un penoso transitar por la tierra, nos enfrentamos a todo tipo de desgracias y labores desesperanzadas: familias autoritarias, incomprensión, que hay que matar al padre, que nadie escapa a Edipo, que el malestar hormonal te hace tener sensaciones que no comprendes, que el origen incipiente de la destrucción por la destrucción  te lleva a pelear con todo lo que se mueva, que hay que romper cristales por la cara , incluso que en nosotros se encuentran incipientes instintos asesinos.      Malick, continua con su cruzada y la remata diciéndonos que por la bondad del creador, iremos a un cielo de reencuentros que él sitúa en una playa o en un delta con mucha arena, agua por los tobillos y personas paseando de aquí para allá, vagando y de vez en cuando un reencuentro con un hijo muerto o la madre difunta.    Por suerte el Papa Benedicto XVI se ha dado cuenta del error de Malick y ha proclamado hoy, el día después de que yo haya visto la película “El árbol de la vida” que:  “un agnóstico o una persona que sufre por los pecados de los cristianos, está más cerca de Dios que los fieles rutinarios, aquellos que sólo ven en la Iglesia el boato, sin que su corazón quede tocado por la fe.”      Cuando reflexiono y recuerdo, me doy cuenta que Malick nos dá la solución al principio de la película cuando la señora O´Brien nos deja escoger entre dos caminos: el de la naturaleza o el de lo divino. Cuando voy a escoger una de las dos opciones oigo una vocecita antigua que me dice: escoger es equivocarse.        A partir de ese recordado miércoles de ceniza, a mi, me sucede  como a todo  agnóstico que se precie. Es decir que humildemente declaro inaccesible al entendimiento humano el conocimiento de lo divino y de lo que trasciende la experiencia. Es decir que no niego, ni confirmo la existencia de Dios. Tan solo proclamo que soy materia destinada a la desaparición, que vengo de la materia y como mucho, si tengo suerte, alguna partícula de mi volverá a formar parte del polvo de la tierra y que si mi suerte continua, acabaré siendo un dibujo en forma de cruz sobre la frente de un adolescente desconocido.   

 

SOBRE EL LIBRO LA INSPIRACIÓN Y EL PROYECTO.

jesusmc | 25 Marzo, 2012 18:41

 

 

Con cierto rubor en las mejillas quiero compartir esos elogios cordiales que  a propósito de la lectura de mi libro ha publicado  Juan Guillermo Tejeda  en su Blog.http://juanguillermotejeda.wordpress.com/2012/03/18/jesus-martinez-clara
Desde que entró como profesor en la Escuela Massana, hacia 1980, Jesús Martínez Clará se destacó como una voz tonante, ilustrada y reflexiva, alguien capaz de opinar con intuición y decisión en los claustros, desbaratando muchas veces los implícitos opacos en que el poder se desliza, y capaz también de convertir con unos pocos toques una modesta clase en una conferencia magistral, o una reunión en un motor de acción formativa.

 

Me sentí muy honrado cuando propuso mi nombre al equipo docente de Pla i Volum para que me trasladara yo de lo que entonces era Primer Comú, donde estaba sufriendo los rigores de una manera de trabajar a mi juicio demasiado programada y colectivista, a tal punto que los profesores estábamos perdiendo parte del gozo y la calidad que vienen con la libertad de cátedra. Soy un convencido, lo he sido siempre, de que el aprendizaje es sobre todo una experiencia, una transformación que viene marcada por el intransferible ser de las personas que en ella participan, por la dialéctica que se establece entre quienes quieren enseñar y quienes están para aprender, que no son números sinos mundos individuales, personas singulares dotadas de corazón palpitante, temores, ilusiones, rabias, alegrías y confiadas corrientes de afecto.

 

El factor humano, pues, es relevante y en cambio, a medida que se adueñan del territorio de una escuela las programaciones generales que hacen felices a los burócratas, se va matando en vida la aventura de lo que día a día se va haciendo y que nace no de esquemas, sino de experiencias, de confianzas, de enfrentamientos, de conversaciones, de acciones comunes, es decir y sobre todo, de libertad. La desconfianza en la libertad es la gran destructora del aprendizaje, que queda reemplazado por procesos vacíos y sin embargo mensurables. Los profesores de Pla i Volum, en cambio, llevaban adelante un proyecto transdisciplinario orientado hacia la producción y hacia la reflexión, al que concurrían expertos en diversos saberes y estudiantes de diversas especialidades de arte o diseño. Pla i Volum era una miniacademia, un jardín creativo, un espacio abierto de producción artística y morfológica, una microbauhaus, es decir encarnaba y lucía al aire todo aquello que una auténtica escuela de jerarquías, horarios, programas y frustraciones aborrece.

 

En Pla i Volum me encontré, además, con un saber hacer y un saber decir que me sirvieron de mucho y estimularon mis facetas más agradables, que las tengo o las tenía entonces. ¡Cada vez que Jesús hacía al pasar un comentario especializado caía yo al poco rato sobre la bibliotecaria Lluisa Teixidor, encantadora ella, para indagar acerca de los primeros románticos, o del Ring de Viena, o de la oquedad, o de las sutiles distinciones que sobre el fragmento y la ausencia pueden hacerse contemplando la estatuaria griega! Volví a ser yo mismo, y mi cabello, aún denso y poblado, resplandecía bajo el sol de mi Barcelona querida. Yo formaba parte entonces, no puedo esconder este matiz de mi rememoración, de los parias sudamericanos, una casta que estaba en esos años por sobre los africanos y por debajo de los charnegos, perdonándoseme la expresión tan ruda, y me faltaba poco, en aquel tiempo, para tener que llevar cosido al brazo un brazalete rosa o amarillo o quizás de muchos colores vivos con la palabra sudaca, y eso, después de haber sido amorosamente acogido en los setenta por la gente de la ciudad, que se ocuparon de mis sufrimientos y me abrieron su casa, me hicieron un espacio, cosa que jamás he de olvidar mientras viva. Pero en fin, había sido llamado, y me sentí de nuevo alguien, y me puse con entusiasmo a trabajar con ellos.

 

Benet Ferrer –inolvidable, inconfundible– Javier Puértolas, Josep Carles Pérez, Jesús Prieto y Jesús Martínez Clará llevaban adelante un proyecto pedagógico único, al que me integré, y debo confesar hoy, treinta años más tarde, que jamás había tenido ni he tenido la oportunidad de vivir una experiencia en que aprendiera tanto. Como dice un proverbio egipcio que nos recordaba el profesor Jean-François Mabardi, si cuando enseñas no aprendes, entonces no estás enseñando. Mi recuerdo, aún hoy, es de un ambiente colorido, activo, abierto, generoso, productivo, ilustrado, todo ello en el bonito edificio gótico del antiguo Hospital de la Santa Cruz, cuyas piedras me conmueven, porque en ellas veo y leo el vínculo que los chilenos y demás americanos perdimos respecto a nuestra cultura europea, a los dolores y riquezas de la tradición clásica hervida en la olla del cristianismo, que a la sombra de la cordillera de Los Andes, bajo la caricia helada de sus nieves de invierno, aquí donde vivo ahora, parecen tan inciertos.

 

Pla i Volum siguió exitosamente su andadura tras mi marcha a Chile (cosa que no dejó de irritarme un poco, oh vanidosa y mezquina percepción de la realidad que tenemos a menudo los humanos) y tras la incorporación de Gabriel, y de Ferrán Giménez, Armando Gascón, Elisabet Puig y Carles Selicke derivó en la Zona Intermedia y finalmente en Opción Intermedia. Un proyecto de formación artística orientado en primer lugar, en palabras de Jesús, hacia la búsqueda de una zona de relaciones interdisciplinares que armonicen de un modo práctico. Se trata, pues, no sólo de atender a la confluencia de saberes, sino también de orientarse a la calidad de la experiencia, y al producto de ella. Pero es relevante en este programa, sobre todo, la actitud. La pedagogía, señala Martínez Clará, la llevan a cabo un grupo de profesionales con trayectoria profesional reconocida y especializados en cada materia que combinan su actividad e investigación privada con el complemento de la enseñanza… El alumno encuentra un referente de calidad contrastada, pero también alguien que investiga, ensaya, duda, se desarrolla al mismo tiempo que el alumno. La relación entre alumno y profesor está basada en el respeto y en la confianza mutua. El principio pedagógico principal es que el profesor tiene necesidad de explicar, comunicar su experiencia y el alumno adulto tiene un estado de necesidad por conocer esa experiencia con una actitud de disposición y trabajo constante.

Más allá de la experiencia de estos cursos, los principios y valores que los sustentan constituyen para Jesús el hálito interior que ha movido su hacer durante décadas en la Escuela Massana. Se trata de que la enseñanza esté dada por profesores activos en el medio. Se trata de que los estudiantes encuentren un espacio donde el crecimiento y la creación sean posibles. Se trata también de compaginar disciplinas desde la libertad, la razón, la iluminación y los valores humanos. El proyecto pedagógico que Jesús Martínez Clará denomina finalmente Opción Intermedia, y que tuvo ocasión de explicar integralmente en las jornadas del Congreso Internacional organizado por la Hogenschool voor de Kunsten Utrecht y celebrado en la Escuela Massana de Barcelona con asistencia de profesores de Holanda, Francia, Alemania y Canadá, es un proyecto de vida, un modelo pedagógico.

 

En su libro Entre la inspiración y el proyecto. La zona intermedia (Edicions de l’Escola Massana, Barcelona, 2011), Jesús Martínez Clará despliega este modelo a través de una recopilación de textos, es decir presentaciones, artículos, epigramas, cartas, conferencias, todos los cuales inciden de una u otra forma en los principios orientadores de su modelo de enseñanza. No conozco mejor crónica que esta de los últimos treinta años de la Escuela Massana. Todos los textos hacen referencia a hitos concretos, a obra de los profesores o alumnos de la escuela, al resultado de los afanes que mueven a estos seres, los creadores, a proponer formas nuevas y a trvés de ellas, nuevos relatos del mundo. Jesús, así, olvida los organigramas y pasa por alto los planes de estudios o los reglamentos, para concentrar la mirada en las dos vísceras centrales de lo que finalmente es una escuela: la experiencia y el producto. El listado de artistas es notable, y a cada uno de ellos le dedicó el profesor, en su momento, la atención y la reflexión sin las cuales no es posible construir cartografía alguna del tejido artístico. No estamos tan sólo ante una crónica de hechos, que lo es, y que al serlo organiza en el tiempo una aristocracia de acontecimientos, obras y protagonistas. Crónica local, por cierto, como toda crónica, pero que al tratarse de la Escuela Massana y de la ciudad de Barcelona entre 1980 y 2010, trae a presencia los temas y las vivencias de la escena europea y mundial del arte y el diseño.

 

Me dijo en una ocasión Jesús que el arte no avanza, que al contrario de lo que ocurre en el dominio científico, lo mismo puede valer un mosaico romano que una pintura manierista o una instalación contemporánea, y siendo así lo nuestro, una ciencia que no es tal, un conocimiento que jamás es negado por el que viene, algo hay de infinito en esos mapas que nos lleva a las referencias borgianas o a las leves profundidades orientales, profundidades que yo, materialista como soy, no llego a entender tan bien como Jesús. Aparecen, pues, en los textos de Jesús, no sólo su programa, no sólo su talante de maestro, y no sólo los hechos relevantes que hacen crónica e historia, sino también una estética, un discurso hilvanado al filo de la poesía y de las lecturas clásicas o ilustradas que nos habla finalmente de las cuestiones eternas: la inspiración, el amor, el movimiento, la belleza, la teología, la sociedad, la forma, la academia, la virtud, la muerte, la imperfección, la intimidad, la naturaleza, el deseo, la verdad, el enigma, y sobre todo, siempre, del incesante, interminable, misterioso banquete del arte.

 

Mi mirada, no se me escapa, es la de un chileno, perdido en la periferia, que de vez en cuando reaparece en Barcelona después de haber pasado allí, hace ya tiempo, catorce años bien vividos, y por eso debo pedir se me disculpen zonas completas de la percepción que sé, existen, pero no las tengo yo alojadas en la mente. He disfrutado de la amistad de Jesús, frecuentemente conversamos no sin pasión, recibo con mayor o menor dosis de humildad sus reprimendas, gozo de su compañía, atiendo a su parecer, a su voz, me halaga su acogida, y me siento especialmente feliz de todo ello.

 

La cautela primordial de Jesús Martínez Clará, su amor por el orden, su curiosidad ante los estruendos, su escepticismo hedonista y mediterráneo cruzado de aromas orientales, su curiosidad suspendida o detenida, no sé bien cómo decirlo, impregnan su decir de fuerza interna y de poesía. La sensatez, en el arte, puede tomar forma de lluvia o de sequía, de planicie, de sombra o de volumen insoportable, incluso de locura individual o colectiva, y en medio de esos accidentes, durante treinta años, con buen o mal tiempo, ha estado él cada día en terreno, oteando el horizonte, conversando, escuchando, tomando nota, enhebrando razones, clavando sus pupilas, defendiéndose, sonriendo, elaborando texto, construyendo formas, haciendo escuela, tejiendo junto a otros, que no son muchos, el interminable mimbre de lo que somos, de lo que queremos ser, de lo que dejamos registrado a nuestro paso por esta tierra gastada.

 

 

 

 

Otro Amigo muy generoso ha sido Francisco Ferrer Lerin

 

     

     

     

     

    TODO ES MUY RARO :LA INOCENCIA DE NOOS

    jesusmc | 25 Febrero, 2012 10:55

    La inocencia de Noos    

    Urdanga era un buen chico. Él como tantos otros de su generación querian triunfar,hacerse un buen capital, fortalecer el sistema, reforzar el estado del bienestar . No conocía otro y lo consideraba como el modo supremo de la libertad.     Urdanga, creció pensando en el triunfo y decidió leer el libro que el profesor de estrategias de gestión ,Santi Pelaez, le había recomendado cuando estaba en el último curso de ESADE: El Arte de la Guerra, de Sun Tzu.

     En eso, no era muy original, porque ya otros compañeros y profesores habían visto en ese libro, unas ideas que consideraban fundamentales para atacar y defenderse del enemigo  en la jungla de los despachos.    Para eso era importante esfuerzo y estrategia y los 87 consejos del sabio guerrero chino les abria las puertas de Oriente. Así empezó a saber que si las tropas enemigas se hallan bien preparadas tras una reorganización, intenta desordenarlas. Si están unidas, siembra la disensión entre sus filas. Ataca al enemigo cuando no está preparado, y aparece cuando no te espera. Estas son las claves de la victoria para el estratega y como esos hay 87 consejos más para conseguir el triunfo.    Lo cierto es que a Urdanga el título de los capitulos le sonaba a musica empresarial: sobre la evaluación,sobre la iniciación de las acciones,sobre la victoria y la derrota,sobre la medida en la disposición de los medios,sobre la firmeza,sobre el enfrentamiento directo e indirecto,sobre la distribución de los medios, sobre la concordia y la discordia y tantos más.

       

       En la jungla del capital, en el campo de batalla de la confrontación empresarial sólo cabía estar preparado mental y físicamente. Por eso a estas fortificaciones estrategias añadía sus sesiones diarias de “pilates”. Urdanga creía que como buen guerrero empresarial,el cuerpo tiene que encontrar su sintonia con la mente y practicar eficazmente el  control mental,mediante la respiración y la relajación.Así, sin sudar ,que es cosa obrera, aprendía a controlar el uso de la mente con sus estrategias de ataque chino y con el “pilates” controlaba hast el último músculo de su cuerpo, eso le daba equilibrio y serenidad para seguir haciendo empresa, para traer dinero a casa, para luchar en definitiva por aquello que creía eficaz y justo. Tan solo quería enriquecerse, vivir en una buena casa y dar colegio alemán a sus hijos.    

     Pelaez había sido profesor de Urdanga y amigo de toda la “colla” del Barça. Asi  llamaba él a los apóstoles del círculo virtuoso que dirigian el club que es más que un Club. En ese momento virtud, honestidad, autenticidad eran palabras adecuadas a aquellos que  estaban llamados a hacer grandes cosas en el mundo empresarial. Por cierto que Marlés,uno de los más ambiciosos del grupo, se estrelló años más tarde  con un negocio turbio,mezcla de nacionalismo y capital con una compañia aerea. 

        Urdanga y Pelaez coincidieron una tarde en el círculo de economía, allí había una conferéncia organizada por Pepe Palau para intentar modernizar las ideas de sus socios. Para ello, pensó invitar a Javier Oreo el joven empresario y director de la revista Laus que era un referente, una guía de actitudes y tendencias en  el diseño contemporáneo. Laus y NEO 2 de Ipsum Planet  eran los editores de  mayor incidencia joven y auténticos creadores de estilos y tendencias. Lo que ellos publicaban se convertía en auténtica palabra de oráculo para la juventud.

          Urdanga y Pelaez se sentaron cerca de los de la “colla” del Barça que también estaban allí y en un clima  de confianza  y complicidad entre pares, Javier Oreo inició su exposición  exigiendo a los jóvenes empresarios una Creatividad máxima en cualquier terreno de la vida y  tras hacer un breve elogio del sentido común y de la importancia de estar atentos a todo lo que sucede, dijo, que había una palabra que estaba en boca de los empresarios americanos y esa  palabra era: Honestidad. Todos quedaron sorprendidos.

        Oreo insistía en que no debe asombrarnos esta  neo-inquietud sobre el comportamiento ético y sobre la actitud humana porque hace tiempo que sabemos que  la influencia del empresario, ahora llamado emprendedor es muy importante y que la fabricación de  un rótulo, una silla, una lámpara, un rayador de verduras o una tetera marcaran para siempre el sentido de nuestra vida hacia la felicidad o la desgracia.

      Oreo proponía los caminos adecuados para explorar los sistemas invisibles para intervenir en nuestra sensibilidad que acaban teniendo consecuencias en el comportamiento y en las conductas éticas. Las cosas que nos rodean, las imágenes que vemos a diario se instalan en nuestra mente y condicionan de un modo grave nuestro imaginario individual y colectivo. Los neo-emprendedores  se han dado cuenta de este hecho y con total responsabilidad de su misión se han convertido en los nuevos predicadores de nuestro tiempo, parece que han escogido el camino de la virtud que es una disposición habitual y firme para hacer el bien .Se consideraba a si mismo como un modelo de joven emprendedor y les dijo que el empresario actual ya se ha decidido y no se preocupa por resolver encargos o proponer nuevos productos, sino que es él mismo,  quien propone nuevas actitudes estéticas y éticas, quien nos obliga a tener una posición sobre la Honestidad y sobre la vida.   

    Javier Oreo tenía unos cuarenta años y era emprendedor, escritor, economista, conferenciante internacional y consultor empresarial. Formado en ESADE como todos los demás, su revista de moda era uno más de los muchos proyectos que gestionaba. Para él, era natural mezclar  la terminología de su formación en administración empresarial ,su escuela de hacer negocios con expresiones propias de un autor de best selles de autoayuda. En su charla iban a pareciendo expresiones como “Hoy vas a tener Suerte” ,”Busca el Norte en ti mismo”, ” Realiza una Vida Plena” o  “No hay Crisis cuando tienes poder” , “En tu interior se encuentra la Felicidad” o “Mira diafanamente a tu corazón”, ”Tú tienes la palabra”,“Busca el tesoro de tu mente”. Urdanga y Pelaez estaban embobados. Si no fuera porque estaban  aferrados a sus LapTop de Balmain y con sus rigurosos trajes  oscuros hubiera parecido que estaban abducidos por un “guru” neo-evangelista proponiendo un Nuevo Orden Mundial en una planicie de Waco.En sus oídos resonaban como si fueran palabras angélicas, llenas de una nueva autenticidad que desconocían hasta entonces, una sensación que tan solo se parecía a la lectura de aquellos primeros párrafos del arte de la guerra. Las palabras que habían escuchado una y mil veces como: innovación,  creatividad,  gestión de personal o  gestión empresarial, les sonaban como una nueva música, como si  una nueva psique apareciera con la luz de la filosofía profunda y perenne. 

       Acabada la conferencia, Oreo propuso un ejercicio de meditación y respiración, todos en silencio entornaron los ojos y durante cinco minutos estuvieron en el nirvana. Al salir fueron al Taita, su lugar de encuentro preferido, cerca del despacho, cerca de los jardines del Turó, cerca de donde vivían aquellos en los que podían confiar. Alli, se habían encontrado alguna vez con Millet, con Samaranch que vivía a escasos metros, empresarios de otra generación y de otros modos. Ellos no eran así, eran diferentes.

        Estaban excitados y Pelaez, con más edad y más lecturas que Urdanga le propuso que debían constituirse en sociedad sin ánimo de lucro, para enriquecerse, pero noblemente, para transmitir la buena nueva de unos empresarios que ya no serían más esos emprendedores canallas, con comidas en marisquerias de lujo y modales agresivos, sino que inspirados en el conocimiento auténtico de si mismo que les proponía Oreo, aplicando los criterios de honestidad y autenticidad fundarían un instituto de empresa y que como su objetivo era la transformación de la mente del cuerpo y del espíritu recordaron la frase de Javier Oreo:“Busca el tesoro de tu mente” y decidieron que a su nueva empresa le llamarían NOOS que en griego significa mente. EL RESTO YA LO CONOCEMOS. 

     

                 

    LA MUERTE DE ANTONI TÁPIES O MEDITACIÓN FRENTE AL MURO.

    jesusmc | 08 Febrero, 2012 18:14

            

     

     

    A los pocos minutos de conocer la noticia de la muerte de Antoni Tápies escribí en  mi Facebook :  Ha muerto Antoni Tápies en el año del doble infinito 88.Ahora ya se encuentra definitivamente frente al MURO. 

     

     

    Esta expresión está fundada en un texto  escrito por el artista en 1969 y solicitado por la revista Essais para un número dedicado a temas en torno a la idea del muro: como formas de expresión en el arte contemporáneo.  El texto me gusta porque define a la perfección lo más sustancial de la obra del gran maestro de la modernidad. Por un lado define la utilización de la materia  , del polvo y del rasgado tan importante en su obra y por otro menciona la importancia de Bodhidharma y su contemplación sobre el muro como fundamento de la filosofía compleja del budismo zen.    

     

     

     

    Antoni Tapies    La larga noche;el son del aguadice lo que pienso.  GOCHIKU    

     

     

        Siempre que me han pedido explicaciones sobre lo que llaman mis muros, ventanas o puertas, procuro aclarar inmediatamente que en realidad he hecho menos muros, ventanas o puertas de las que se imagina la gente. Mi respuesta se puede interpretar en un doble sentido. Primero, como una protesta, o como una invitación a que mis muros, ventanas o puertas -que, de todas maneras, pueden muy bien estar en mis cuadros- sean tomadas fundamentalmente como una organización artística. En segundo lugar, como una advertencia al hecho de que estas imágenes, en mis intenciones, como en la mayoría de las obras de arte, jamás han sido un fin en sí mismas, sino que han de verse como un trampolín, como un medio para alcanzar unas metas más lejanas. Pero el muro, la ventana o la puerta -como tantas y tantas imágenes que han desfilado por mis telas- no dejan sin embargo de estar en ellas, y estoy muy lejos de intentar escamotearlas. Con esto quiero decir que no pienso que las imágenes, en mis obras, hayan de considerarse como una mera excusa indiferente en que apoyar unos ingredientes plásticos, como se dice que fueron por ejemplo los «asuntos» para los impresionistas o fauves, «asuntos» de los cuales, se añade a veces, se liberaron ya del todo los artistas abstractos o informalistas posteriores. Mis muros, ventanas o puertas -o cuando menos su sugerencia-, al contrario, siguen en pie sin eludir responsabilidades y con toda su carga arquetípica o simbólica.

    ¿Se trata quizá de un retorno al «asunto»?

     La respuesta ha de ser nuevamente ambigua. Hoy sabemos que en la estructura de la comunicación artística las cosas, mágicamente, a veces están y no están, aparecen y desaparecen, van de unas a otras, se entrelazan, desencadenan asociaciones ... ¡Todo es posible! Porque todo ocurre en un campo infinitamente más grande que el que delimita la medida del cuadro o de lo que hay materialmente en el cuadro. Porque éste es únicamente un soporte que invita al contemplador a participar en el juego mucho más amplio de las mil y una visiones y sentimientos: el talismán que alza o derrumba los muros en rincones más profundos de nuestro espíritu, que abre y cierra a veces las puertas y ventanas en las construcciones de nuestra impotencia, de nuestra esclavitud o de nuestra libertad. El «asunto» puede hallarse, pues, en el cuadro o puede estar únicamente en la cabeza del espectador. Si tengo que hacer la historia de cómo se fue concretando en mí la consciencia de este poder evocador de las imágenes murales, he 'de remontarme muy lejos. Son recuerdos que vienen  de mi adolescencia y de mi primera juventud encerrada entre los muros en que viví las guerras. Todo el drama que sufrían los adultos y todas las crueles fantasías de una edad que, en medio de tantas catástrofes, parecía abandonada a sus propios impulsos, se dibujaban y quedaban inscritos a mi alrededor. Todos los muros de una ciudad, que por tradición familiar me parecía tan mía, fueron testigos de todos los martirios y de todos los retrasos inhumanos que eran infligidos a nuestro pueblo.

    Sin embargo, no cabe duda de que los recuerdos culturales aumentaron naturalmente el acento de esta experiencia. Y desde todas las divulgaciones arqueológicas que fui absorbiendo hasta los consejos de Da Vinci, desde todas las destrucciones de Dada hasta las fotos de Brassal, todo esto contribuyó -y no es de extrañar- a que ya las primeras obras de 1945 tuviesen algo que ver con los graffiti de la calle y con todo un mundo de protesta reprimida, clandestina, pero llena de vida, que también circulaba por los muros de mi país.

     Más tarde llegó «la hora de la soledad». Y en mi reducida habitación-estudio comenzaron

    los cuarenta días de un desierto que no sé si terminó. Con un ensañamiento desesperado y febril llevé la experimentación formal a unos grados de maníaco. Cada tela era un campo de batalla en el que las heridas se iban multiplicando cada vez más hasta el infinito. Y entonces acaeció la sorpresa. Todo aquel movimiento frenético, toda aquella gesticulación, todo aquel dinamismo inacabable, a fuerza de arañazos, de golpes, de cicatrices, de divisiones y subdivisiones que infligía a cada milímetro, a cada centésima de milímetro de la materia, provocaron súbitamente el salto cualitativo. El ojo ya no percibía las diferencias. Todo se unía en una masa uniforme. Lo que fue ebullición ardiente se transformaba en silencio estático. Fue una gran lección de humildad recibida por la soberbia del desenfreno.

     Y un día traté de llegar directamente al silencio con más resignación, rindiéndome a la fatalidad que gobierna toda lucha profunda. Los millones de furiosos zarpazos se convirtieron en millones de granos de polvo, de arena ... Ante mí se abrió de repente un nuevo paisaje, igual que en la historia del que atraviesa

    el espejo, como para comunicarme la interioridad más secreta de las cosas. Toda una nueva geografía me iluminó de sorpresa en sorpresa. Sugestión de raras combinaciones y estructuras moleculares, de fenómenos atómicos, del mundo de las galaxias, de imágenes del microscopio. Simbolismo del polvo -«confundirse con el polvo, he aquí la profunda identidad, es decir, la profundidad interna entre el hombre y la naturaleza» (Tao Te King)-, de la ceniza, de la tierra de donde surgimos y a donde volvemos, de la solidaridad que brota al ver que la diferencia que hay entre nosotros es la misma que hay entre dos granos de arena ... Y la sorpresa más sensacional fue descubrir un día de repente que mis cuadros, por primera vez en la historia, se habían convertido en muros.

     ¿Por qué extraño proceso había llegado a unas imágenes tan precisas? ¿Y por qué, como primer espectador, me hicieron temblar de emoción? Evidentemente, nada surge de la nada y todo había de tener una explicación. ¿Era la culminación de un proceso de fatiga causado por la proliferación de un fácil tachismo en todo el mundo? ¿Una reacción para salir de todos los informalismos anárquicos? ¿Un intento de escapar de los excesos abstractos y un afán por algo más concreto? ¿Veía acaso con aquello la posibilidad de tocar terrenos aún más primordiales, los elementos más extremadamente puros, más esenciales de la pintura, que los maestros de la generación anterior me habían estimulado a buscar? Quizás a otro artista todo le habría pasado más o menos inadvertido, o habría sido más o menos transitorio. Pero, ¿cómo podía no marcarme a mí? ¡Curioso destino de mi nombre! Parecía que se cumpliera en mí el extraño presagio que unos años antes había oído explicar a un adepto de las ciencias ocultas sobre la influencia de nuestro nombre en el propio carácter y en el propio destino.   ( la coincidencia nominal, que el propio Tápies reconoce como un destino, como una obligación: Tapia(muro) Tápies, a la que yo añado el apellido de Tapié el gran teórico del informalismo abstracto y guía de su homónimo Antoni Tápies.) 

       La cuestión es que en poco tiempo tomé consciencia de una serie de posibles experimentaciones que, en años sucesivos, me apasionaron cada vez más y que sin duda tuvieron también sus frutos y su resonancia más o menos grande en todo el mundo del arte.

     

    ¡Cuántas sugerencias pueden desprenderse de la imagen del muro y de todas sus posibles derivaciones! Separación, enclaustramiento, muro de lamentación, de cárcel, testimonio del paso del tiempo; superficies lisas, serenas, blancas; superficies torturadas, viejas, decrépitas; señales de huellas humanas, de objetos, de los elementos naturales; sensación de lucha, de esfuerzo; de destrucción, de cataclismo; o de construcción, de surgimiento, de equilibrio; restos de amor, de dolor, de asco, de desorden; prestigio romántico de las ruinas; aportación de elementos orgánicos, formas sugerentes de ritmos naturales y del movimiento espontáneo de la materia; sentido paisajístico, sugestión de la unidad primordial de todas las cosas; materia generalizada; afirmación y estimación de la cosa terrena; posibilidad de distribución variada y combinada de grandes masas, sensación de caída, de hundimiento, de expansión, de concentración; rechazo del mundo, contemplación interior, aniquilación de las pasiones, silencio, muerte; desgarramientos y torturas, cuerpos descuartizados, restos humanos; equivalencias de sonidos, rasguños, raspaduras, explosiones, tiros, golpes, martilleos, gritos, resonancias, ecos en el espacio; meditación de un tema cósmico, reflexión para la contemplación de la tierra, del magma, de la lava, de la ceniza; campo de batalla; jardín; terreno de juego; destino de lo efímero ... y tantas y tantas ideas que se me fueron presentando una tras otra como las cerezas que sacamos de una cesta. ¡Y tantas y tantas cosas que parecían emparentarme con orgullo a filosofías y sabidurías tan apreciadas por mí!

     

    Qué gran sorpresa tuve, por ejemplo, al saber posteriormente que la obra de Bodhidharma, fundador del Zen, se llamó: Contemplación del muro en el Mahayana. Que los templos del Zen tenían jardines de arena formando estrías o franjas parecidas a los surcos de algunos de mis cuadros. Que los orientales ya habían definido determinados elementos o sentimientos en la obra de arte que inconscientemente afloraban entonces en mi espíritu: los ingredientes Sabi, Wabi, Aware, Yugen ... Que en la meditación búdica buscan igualmente un apoyo en unas Kasinas consistentes a veces tierra colocada en un marco, en un agujero, en una pared, en materia carbonizada ... ¿Puede seguir llamándose muros a todo lo que he hecho?

     

     Lejos del cliché que la gente se forma del artista, con todo su bagaje de necesaria originalidad, personalidad, estilo, etc., que hace que las obras hablen de puertas afuera, para el autor hay, ante todo, un núcleo de pensamiento más anónimo, colectivo, del cual sólo es un modesto servidor. Es seguramente la zona donde está depositada la sabiduría que en realidad se encuentra por debajo de todas las ideologías y las fatales contingencias del mundo. Es el impulso de nuestro instinto de vida, de conocimiento, de amor, de libertad, que ha sido conservado y vivificado por la sabiduría de siempre. Las formas en que se concreta, imprescindibles sin duda para la captación de sus mensajes, son el episodio obligado de las propias leyes de crecimiento que tiene el arte en cada momento dado. La imagen del muro, con todas sus innumerables resonancias, constituye, naturalmente, uno de estos episodios. Pero si alguna importancia tiene en la historia de los encadenamientos estilísticos, no puede ser otra que la de haber reflejado por un momento este patrimonio común que todos los hombres creamos en momentos de profundidad durante el curso de los siglos y sin el cual la cosa artística sería siempre superflua, banal, pretenciosa o ridícula. Y donde los estilos, las escuelas, las tendencias, los ismos, las fórmulas y los mismos muros no son, por sí solos, ninguna garantía de una expresión auténtica.    

     

     

     

      Texto incluido en el diálogo entre Antoni Tápies y José Angel Valente publicado por Ediciones de la Rosa Cúbica. Barcelona, 2004.

     

    ADIÓS A LA CRITICA

    jesusmc | 10 Enero, 2012 20:27

                     

    ADIÓS A LA CRÍTICA. 

    El fin

      

       Va a empezar un nuevo año, se acerca, se impone un fin de ciclo.  El cambio de rumbo es la consecuencia de una revisión con las herramientas de la  honestidad radical. Lo he escrito a voces, en letras públicas y en foros. Ahora me he dado cuenta que alguna decisión se encontraba escrita en mis últimos cinco artículos para la sección de crítica de arte de La Vanguardia, ellos contenían las claves . He obedecido a los mensajes, a veces crípticos, que encierra  mi propia escritura. Ellos han acabado hablando de lo que me acontece. Ahora ha llegado el momento de cumplir con lo escrito. Decir “adiós” a la crítica.

      ¿PARA QUE SIRVE EL ARTE?  

     

     

    En este artículo enfaticé que todas las obras de A. Ribé, más allá del concepto y su poder formal, son un manifiesto, un programa útil que proclama al arte como método de conocimiento y transformación moral. Así lo he hecho.

      

    Dije que veía en sus propuestas unos consejos que indican al espectador atento, todo lo necesario para una auténtica evolución de la conciencia. Así me ha sucedido.

     

         Para conseguir este logro, realiza diversas acciones y prodigios. En una primera proposición nos muestra la importancia de los sentidos que nos acercan a la realidad. Así lo practico.

     

          En segundo lugar nos propone un arte que acepta lo efímero y el vacío. Ahí quiero vivir.

     

         En tercer lugar la importancia de la atención extrema a los pequeños detalles ornamentales de la realidad recogidos con precisión absoluta. Así quiero mirar.

     

         La cuarta propuesta nos recuerda la necesaria adaptación a las circunstancias de cada momento para ser conscientes del momento en que vivimos e ir de modo natural hacia delante. De ahí mi renuncia.

     

       La quinta proposición es que en las idas y los regresos, en ese ir y venir  debe existir un punto de vista estable y objetivo que no rechace el hallazgo inesperado o  la acción súbita. Estas cinco condiciones transforman la actitud, la mente y el corazón. Para eso sirve el arte. Para eso me ha servido a mí.

      PINTURA DEL TODO.    

        En la exposición de Vicenç Viaplana encontré repetida tres veces la palabra TODO .      Cartografía emocional, atravesar el vació y excursión por la incertidumbre son títulos que Vicenç Viaplana ha puesto a tres de sus series pictóricas. Parece que con estos tres títulos nos indica que pueda existir un mapa del absoluto, una guía para atravesar el vacío y que ese es un paseo por la incertidumbre. Tal como insinúan estas obras podemos pasear por el absoluto, o si no nos atrevemos a hacerlo, como mínimo debemos contemplarlo. A eso me dispongo.  

       MENSAJES       

    La obra de Downsbrough  exige una  descripción fenoménica de lo que se ve, tan solo nos permite preguntar: ¿qué es esto? a lo que la obra nos contesta : ¡Esto es esto! Pero entonces, ¿dónde colocar el sentido? ¿En que lugar se esconde la interpretación? ¿Porqué estas palabras?

        Los indicios principales son: un mapa en blanco y negro de una parte del mediterráneo, en el que unas líneas actúan a modo de indicador de lugar:   LLOC, una alusión temporal ARA, y la palabra TEMPS escrita al revés junto al inglés AS. (Como). En otra obra ABANS, escrita inversa y también HERE(Aquí).

    Este es el momento.  

        El conjunto de las obras y esos mensajes crípticos parecen que quieran destacar el momento adecuado para un cambio, para una acción.     En este caso la radicalidad del contraste ENTRE el color blanco y el negro parece reclamar un posicionamiento, como son dos colores opuestos, obligan a que el espectador desplace y escoja pues las cosas son blancas o negras. Entonces, si el espectador se encuentra aludido o comprometido a escoger territorio, es que acaso ¿Se trata de una revolución? ¿De un encuentro? CON QUE, CON QUIEN.

         Un dibujo que parece fragmentado y las dos últimas palabras que le obligan a dejar de interpretar: AQUÍ, AHORA.    El lugar propicio para el cambio, para una acción definitiva. El espacio, el tiempo y el espacio para una nueva huida hacia delante.    La radicalidad de la oposición entre el blanco y el negro reclaman un posicionamiento final, me obligan a escoger, pues en algún momento es necesario aclarar que cosas son negras o blancas, me siento obligado a escoger territorio.¿se trata de una revolución? ¿de un encuentro?¿con qué? ¿con quién?

    En una de las siete hojas cuadriculadas encuentro la respuesta a los interrogantes, un dibujo que parece fragmentado y las dos últimas palabras me obligan a dejar de interpretar: aquí y ahora.

       EL ENIGMA DE LA VISION.

               Luis Frangella con esta exposición pone de manifiesto dos aspectos que considero fundamentales: en primer lugar, el enigma de la percepción o el misterio de la mirada, y en segundo lugar una reflexión profunda sobre la vanidad y la apariencia.  La observación supone un acto de reciprocidad entre el comportamiento del sujeto y del objeto.     En Frangella conviven la investigación científico - óptica con las indicaciones de un filósofo o un poeta que se sabe en manos de la muerte.

         Todo este ceremonial óptico sobre la realidad y su apariencia no es más que para conducir al espectador a la dimensión más profunda del sentido de las cosas. Como indica el título de la obra, In the Blink of an Eye” (1986)en ese abrir y cerrar los ojos, tan rápido y efímero, el artista recupera el género de las “vanitas vanitatum” del siglo XVII en las que los pintores europeos recordaban la presencia de la muerte como un instante en la feria de las vanidades. Ese sentimiento de melancolía refuerza la reflexión sobre el paso del tiempo y la caducidad que afecta a todas las cosas. Abandono la vanidad intelectual.

      LA CABAÑA DEL DESAPEGO. 

     

         Quiero destacar las condiciones básicas del retiro cabañal a partir del ejemplo de dos arquitectos japoneses contemporáneos.  

     La primera condición es el reconocimiento de la naturaleza como paradigma y destino.

     La segunda condición, nos habla de lo mínimo necesario para existir tal como demuestra la cabaña del joven arquitecto Sou Fujimoto (1971) construida en las montañas de la prefectura de Kumamoto.  

       Ito y Fujimoto se plantean con sus pequeñas casas la búsqueda de la esencia, la raíz del acto constructivo. Unas cabañas que son el origen de la arquitectura y la vida, pero que a su vez son el lugar donde se puede realizar la liturgia de la transformación espiritual. 

        ¿Pero que tienen las páginas de este libro que no agotan su caudal inspiratorio? ¿qué sentido tiene, hoy en día, construir una casa tan pequeña? ¿Quién es el candidato adecuado para habitarla? Yo me postulo.

      

          La primera condición del candidato es el reconocimiento de que el dolor y el temor a la muerte existen y que ambos pueden cesar y que hay un camino para conseguirlo. El candidato es alguien capaz del retiro voluntario y el alejamiento social. Kamo se retiró, a pesar de su creciente fama como poeta imperial, para vivir de modo eremítico y escribir en 1212 esta pequeña joya de la literatura universal.

     

        Un elogio del retiro voluntario, pero no tanto para poder regenerar la conciencia, sino para llevar una vida hecha de soledad y abandono. El candidato es alguien capaz de comprender que todo tiene la impermanencia del vapor que se concentra y disipa. Es alguien que acepta la imprevisibilidad de la naturaleza que todo crea y destruye, es alguien que entiende la negación, el absurdo y el sinsentido de las  ausencias como factores positivos, es quien busca la independencia auténtica, el cobijo del silencio absoluto, es aquel que encuentra placer en lo mínimo y hace de todo, una experiencia fundamental del vacío que transforma su conciencia, pero más que nada es alguien que no se encuentra apegado ni a las cosas ni a la vida, ni siquiera a la tranquilidad, ni a la serenidad y sobre todo es aquel que viste el hábito de una humildad absoluta.

      

    …desde donde el poeta reflexiona sobre la existencia y el modo de vivir de la gente: "Solo aquí en mi choza se está en paz y sin temor, tan pequeña como es, hay espacio para dormir de noche y sentarse de día: el espacio suficiente para un hombre" &"La realidad sólo depende de tu corazón, si no está en paz un palacio te parecerá insuficiente.

      

       La recompensa del candidato es la superación del dolor mediante la práctica correcta, el encuentro con la naturaleza y saber vivir adecuadamente con lo mínimo necesario en un espacio de apenas nueve metros cuadrados. Una vez más, la cultura japonesa, a través de su arquitectura moderna ha conseguido reunir lo más antiguo con lo más moderno y mantener viva la estela filosófica de este monje-poeta que los japoneses tienen como ejemplo de comportamiento, como la actitud necesaria para aceptar los designios de las catástrofes y para la correcta comprensión de la auténtica naturaleza del ser humano.

    A eso me dispongo.

                          

    FELIZ NAVIDAD

    jesusmc | 23 Diciembre, 2011 21:29

              

                 FELIZ NAVIDAD.

                      

    REFLEXION ESTÉTICA:EL COLOR DE LA NAVIDAD

    jesusmc | 18 Diciembre, 2011 21:44

       

         En materia artística, yo soy más “cool” que nadie. Me gusta el frío de  la obra de Leo Villareal  cuando en Washintong DC, en la National Gallery of Art, realizó una impresionante instalación que ocupaba un túnel de 60 metros y utilizando 41.000 Leds blanquecinos. También me “pone” la obra del minimalista Dan Flavin y la trompeta congelada del Miles Davis en “Kind of Blue”.

      

     

     

     

                      

     

     

     

     

                      

     

     

     

          Pero, cada año, desde hace demasiados, cuando llegan estas fechas tengo demasiado frío. Hoy bajaba caminando por las Ramblas para ver la iluminación Navideña y he llegado a la conclusión de que en el Ayuntamiento de Barcelona debe haber algún concejal al que no le gusta la Navidad. Sea por algún doloroso trauma infantil o por su creencia ideológica, nos la hace pagar a todos los ciudadanos.

         Estas fiestas tienen un origen remoto, algunos dicen que precristiano, pero lo que es indudable es que para la mayoría de la gente estas fechas son importantes, bien porque simbolizan un cambio de solsticio o porque significan la llegada de la luz divina al mundo. La teología cristiana dogmatiza que Dios es Luz. En estas fechas la luz es más que un elemento útil para favorecer el gasto, y si fuera así, no se puede olvidar que hacer regalos es  también una costumbre simbólica y religiosa. Eso se recuerda cada año en Stonehenge  cuando se celebra el solsticio de invierno.

       El argumento que se ha buscado para contener la luz es el económico. Nos dicen que cada año se consigue 14 por ciento menos de energía que en 2006,ultimo año del despilfarro, lo que supondrá un ahorro en la factura municipal de un 7%. El argumento económico quiere ser convincente por la vía del bolsillo, pero es tan patético como si un padre de familia manifestara alegría cuando al hacer similar cálculo con los regalos para sus hijos, dijera: !He conseguido gasto 0!

        La cosa se empezó a calentar cuando hace unos años la luminaria del Corte Inglés empalideció, luego vino aquello de modernizar las luces con diseños poco afortunados en los que costaba ver eso que se llama el espíritu navideño ,fue un primer intento de laicización de las fiesta y la gente se rebotó  y ahora la luz es blanca como la de los fluorescentes de cualquier academia de barrio.

        Este año, apelando a razones de sostenibilidad y ecología que normalmente mantienen los concejales menos convencidos en materia religiosa, se ha optado por unas luces mal colocadas, sin ningún criterio estético , a demasiada altura , frías, pálidas, blanquecinas, directas alusiones al aburrimiento, así la ciudad, sobre todo en las Ramblas y aledaños, se ha convertido en un témpano de hielo. Dominan los colores fríos de la luna, no la alegría solar.

           

     

     

      El argumento basado en la sostenibilidad no es convincente, detrás hay desinterés y mal gusto, es el mismo mal criterio que se utiliza para iluminar, cada vez más, terrazas nocturnas y lugares oficiales, incluso el Hotel Ritz ha palidecido bajo  esa decisión municipal.

       Me parece bien que hayan escogido los Leds, unos micro-puntos de luz de tecnología poco contaminante, de ahorro energético y que permite que con el gasto de una bombilla convencional se pueda iluminar un buen espacio de calle. Pero apelando a la arbitrariedad y su mal gusto, ese supuesto concejal traumatizado por las fiestas, nos ha escogido unos puntos de luz blanquecina a pesar de que las tonalidades de los Leds pueden ser infinitas, cálidas y variadas.

       Se trata de escoger entre la calidez del sol o la frígida frialdad de la luna.

     El que pasea por ahí siente el frío gélido de la muerte y no la alegría festiva del renacimiento de la luz o el cambio de solsticio. Lo han conseguido, no apetece pasear, no apetece comprar y uno vuelve a casa con la expresión de Hamlet ante la calavera. Pero, eso si, el planeta se encuentra mejor, más sano, más ecológico, pero a costa de mi desencanto. 

      

                                      

     

    J.E.CIRLOT EN ARTS SANTA MÓNICA

    jesusmc | 01 Diciembre, 2011 19:52

    CIRLOT EN SANTA MONICA

      Cirlot y El Amor: ¿quién es María del Carmen?

     

       

          En 1985, cuando hacía unos años que Juan Eduardo Cirlot había muerto, pedí una beca a la Generalitat de Catalunya  para hacer un estudio sobre su crítica de arte y me la concedieron. Desde entonces lo tengo en la mente y en el corazón. Ayer, veinticinco años después,  asistía con actitud correcta e interesada a las explicaciones que daba Enric Granell, el comisario de la exposición que se ha hecho sobre mi celebrado crítico de arte en  Arts Santa Mónica.

     

         Estaba concentrado en sus magníficas explicaciones cuando vi aparecer en la sala un personaje de gran presencia mediática que iba acompañado de una atractiva joven. Llevados por el amor, ignorando nuestra docta presencia y el calado conceptual del comisario, se acercarón hacia nosotros y no dejaban de hacerse caricias, besos profundos en la boca , roces entre las piernas.

     

         De repente, me dí cuenta que ni Enric Granell, de quien se dice que   conoce mejor a Cirlot que sus propias hijas: Lourdes y Victoria, ni yo mismo, no nos habíamos percatado que el verdadero y quizá único motor del pensamiento y de la obra de Cirlot es: el amor. 

           Al llegar a casa, desempolvé viejas anotaciones, busqué como poseído por una extraña pasión hasta bien entrada la madrugada y esto es lo que encontré: 

     

     

          Esta noche he vuelto a soñar con María del Carmen. Pero la significación general de todas las imágenes bajo las cuales ella se ha aparecido me consternan al tiempo que me salvan.

    Son ya quince años de vivir entre sueños, de rodar con la cabeza rota bajo todos los paisajes que ella ha querido darme; quince años de tener la palabra no escrita en todas mis acciones y en todos mis recuerdos, y así hasta configurar el orden de mis idiomas expresivos, el contenido de mis aspiraciones: la negatividad total de mi concepción del mundo y de la misma tierra del más allá, que Um-Napishti, el sumerio, señalaba con su escuálida mano, sobre las tristes aguas del mar inaccesible.

     

    Y siempre, desde que su imagen se apartó de la mía, rompiendo la piedra de mi alma en dos trozos desiguales; el uno manchado de sangre, resplandeciente como topacio el otro, siempre -digo- su visitación acontecía para animarme en mi extraño subvivir, cuando yo llegaba a casa cansado, y había cenado mal y lúgubre, y mis padres me parecían seres de otro mundo, y la oficina resonaba en mi cerebro como una inacabable cadena de sombras asechanzas, pero entonces, desde la grieta a que me refiero, desde la torre muerta, ella venía con palabras nunca oídas, con gestos puros, con flores azules y pequeñas en la mano, o se acercaba por un lento paisaje húmedo, en el que los cipreses parecían nacer de la niebla, y su rostro de oro, como un corazón de arcángel se apretaba contra las entrañas de mi espíritu y abriéndolas con furia de cariño maternal me decía quererme, esperarme, o que me acompañaría en otra existencia, acaecida a pesar de todos mis errores, así celestialmente, aun cuando a veces soñaba estas cosas al regreso de los graves prostíbulos, manchado por la alegría de la carne joven, por sonrisas de cristales innumerables, por largas espesuras de muslos y de bocas llenas de cantos extinguidos.

    Sin embargo, por primera vez en esta historia que ya tanto me pesa, ella ha venido para aclarar su motivación trágica en mi vida. Yo transcurría por debajo de un agua cenagosa, como remero de muerte, y sólo de cuando en cuando me era dado respirar, desde dentro de aquel ambiente de sapo o de serpiente. Y como al fin podía levantarme, de rodillas, sobre el barro y mirar al cielo, ella tomaba un gigantesco saltamontes de entre las malezas y me lo escupía a la cara; luego salvajemente se iba, riendo como una niña mala.

    Y yo tenía en plena noche que avanzar, todavía arrodillado, por aquella línea de rocas donde el mar se rompe, al final del puerto y, como en una isla, otra imagen de mí vivía circundada por un amor cariñoso, que mi mujer Gloria y mi hija María Lourdes me daban, acaso sin saber , o tal vez por conocerla demasiado, esa penetración nocturna de mis destrucciones interiores.

    Me miraba yo mismo sonreír, trabajar, escribir libros, creerme poeta y crítico de arte; me miraba mirar muchas cosas, Entonces, me he despertado con un conocimiento diferente de mis orígenes y bruscamente, he recordado que tenía que escribir estas palabras sobre la pintura de mi amigo Manuel Capdevila. No ha transcurrido mucho tiempo desde que penetré en la exposición donde se reunían sus telas, congregadas más bien con humildad, para sentir un movimiento de rechazo.  

    No me gustaban aquellos óleos, en los cuales la realidad era apenas deformada por un escamoteo irónico, en el que el alma analizaba los colores, y la inteligencia se servía de la línea. No me parecía bien -a mí, con mis sólidos principios estéticos que un artista bien dotado no avanzara un paso más tras los hallazgos inventivas del arte experimental del siglo XX, Se podía retroceder mil años, pero no cincuenta. Capdevila pintaba según las directrices del gusto sutil y delicado que procede del impresionismo. En sus paisajes blandos y húmedos, en sus esenciales conjunciones de formas, sin embargo tomadas a lo cotidiano, en su típica explicación de su sentir, acendrado al tiempo que frío, aparecía algo que me molestaba. Sería posiblemente el amor. Porque me he olvidado de decir que yo soy un ser lleno de odio. Entonces, ¿qué crítica puede esperarse de mí, cómo podré comprender lo que detesto: la propia vida?    

     

     

     ODA A IGOR STRAWINSKY Y OTROS VERSOS.  (Entregas de Poesía nº 4 .Abril 1944)   

     

    Si sólo pudieses acercarte.Venir a este sollozo que sufre y permanece  Si sólo pudiese, desde lejos,Mirar este desierto,Esta calma sin manos, este cuerpoYacente, sin piernas, debatiéndose.   Si solamente pudieras oírme,Si acaso, sólo pudieras oír cómo te amoSin alas, sin agua, sin labiosCómo te amo, ¡ sí, sólo cómo te amo!   Pero tú desconoces mi existenciaY vas perdiéndote en mi propio desamparo. Tú desconoces el paisaje que levantaCada una de estas mis miradas rotas.Y vives en una casa sin puerta ni ventanasY no me oyes llorar cuando atardeceY no adviertes la sangre que mancha tu vestido.    Esta noche he vuelto a soñar con María del Carmen. Pero la significación general de todas las imágenes bajo las cuales ella se ha  aparecido me consterna al tiempo que me salva. Son ya quince años de vivir entre sueños, de rodar con la cabeza rota bajo todos los paisajes que ella  ha querido darme; quince años de tener la palabra no escrita en todas mis acciones y en todos mis recuerdos, y así hasta configurar el orden de mis idiomas expresivos, el contenido de mis aspiraciones

     

     1955 

     

     

      Sueño 9

     

       Era obligado por María del Carmen a vivir Bajo el agua pantanosa. Como laprofundidad era escasa, tenia que avanzar echado sobre el vientre y sólo de vez enCuando podía sacar la cabeza del barro paraRespirar.  

     

     Sueño 52   

     

    María del Carmen me arroja un saltamontes(el animal que más temo) a la cara.  

     

     Sueño 71 

     

      María del Carmen se me aparece entre dosmontañas que resplandecen; al acercarme,veo que son dos joyas. Entonces ella se ríe y huye arrojándose contra uno de los montonesfulgurantes. Después, voy por una calle muypobre, es de noche y a mi lado va unamujer alta y despeinada. Nos paramos junto a un portal y me besa. Cuando aparto su rostro y lo vislumbro ante una claridadincierta, mortalmente me apesadumbro.    

     

     

    Sueño 77

     

     

       María del Carmen clava una larga navaja enEl cuerpo de un pez palpitante aún, queAcaba de ser sacado del agua.

                        

                       

                               J.E.Cirlot.   "oscura estancia"   Collage  dedicado a R. Santos Torroella.

     

    LA CABAÑA JAPONESA: TOYO ITO.SOU FUJIMOTO.KAMO NO CHOMEI

    jesusmc | 23 Noviembre, 2011 22:37

                                     

       

     

    Artículo publicado en el suplemento  Cultura´s  de LA VANGUARDIA. Nº 492 (23/11/2011) 

       

     

       “Hôjôki”, Un relato desde mi choza” (1212) es un breve texto que ha influido poderosamente en la formación del espíritu resignado y contemplativo del pueblo japonés y que ha inspirado a todos aquellos que han decidido hacer del retiro un lugar de encuentro con lo fundamental. En esta pequeña obra se hallan las consideraciones que el poeta, monje y músico tocador de “biwa” Kamo No Chômei (1155 – 1216) nos hace desde su ausencia, en una choza de nueve metros cuadrados, en las estribaciones del monte Hino en la provincia de Toyama. La literatura japonesa lo tiene entre sus libros más apreciados y su influencia perdura tras siete siglos de la publicación hacia el infinito y más allá.

     

        Quiero destacar las condiciones básicas del retiro cabañal a partir del ejemplo de dos arquitectos japoneses contemporáneos. La primera condición es el reconocimiento de la naturaleza como paradigma y destino. Este anhelo ha sido el primer motor de la obra del arquitecto Toyo Ito que ha sabido captar la musculatura de la naturaleza para convertirla en tensión y resistencia pero también en ductilidad, suavidad e integración. Sabemos que las olas en su fragilidad tienen estructuras moleculares que sostienen grandes pesos. El arquitecto y su ingeniero de cálculo de estructuras Mutsuro Sasaki hablan del gran misterio de la Forma y de las complejas tramas que subyacen en el crecimiento de una flor. Para ellos, arquitectura, tecnología y naturaleza están en angélica armonía.

     

        Uno de los primeros proyectos de Toyo Ito fue la “Casa Sengataki” (1974), un pequeño habitáculo construido en un paisaje renombrado por la belleza de su desfiladero y sus aguas. Unos años más tarde, volvió a rendir homenaje a la naturaleza y lo hizo con la “ Aluminium Cottage” (2004) en Minamikoma, un volumen trapezoidal de pequeñas dimensiones, una cabaña ligera y móvil en la que el cálculo matemático convive con la poesía y la sensibilidad morfogenéticas.

     

         La segunda condición, nos habla de lo mínimo necesario para existir tal como demuestra la cabaña del joven arquitecto Sou Fujimoto (1971) construida en las montañas de la prefectura de Kumamoto. Conocida como la “Final Wooden House” (2008) es un habitáculo de madera que tiene solo 8 m de lado, con un área de vida de 15,13 m2. y que es la réplica japonesa al Cabanon de Le Corbusier.

           Solo el sentido de la unión de opuestos del pensamiento oriental permite reunir en una misma expresión dos nociones aparentemente contradictorias: la arquitectura teórica y la sensorial, a la vez.

       Así es como ve Toyo Itto la cabaña de Sou Fujimoto, el resultado de ese encuentro en el que surgen las cuestiones fundadoras sobre qué es la arquitectura, sobre cómo debería la arquitectura relacionarse con la naturaleza, y de cómo hablar de arquitectura, es sinónimo de hablar del mundo y de las personas, una conversación a la que los sentidos se suman para reforzar la experiencia.

     

       Ito y Fujimoto se plantean con sus pequeñas casas la búsqueda de la esencia, la raíz del acto constructivo. Unas cabañas que son el origen de la arquitectura y la vida, pero que a su vez son el lugar donde se puede realizar la liturgia de la transformación espiritual.

       Los cimientos filosóficos.

     

        ¿Pero que tienen las páginas de este libro que no agotan su caudal inspiratorio? ¿qué sentido tiene, hoy en día, construir una casa tan pequeña? ¿Quién es el candidato adecuado para habitarla?

     

        La primera condición del candidato es el reconocimiento de que el dolor y el temor a la muerte existen y que ambos pueden cesar y que hay un camino para conseguirlo. El candidato es alguien capaz del retiro voluntario y el alejamiento social. Kamo se retiró, a pesar de su creciente fama como poeta imperial, para vivir de modo eremítico y escribir en 1212 esta pequeña joya de la literatura universal.

        Un elogio del retiro voluntario, pero no tanto para poder regenerar la conciencia, sino para llevar una vida hecha de soledad y abandono. El candidato es alguien capaz de comprender que todo tiene la impermanencia del vapor que se concentra y disipa. Es alguien que acepta la imprevisibilidad de la naturaleza que todo crea y destruye, es alguien que entiende la negación, el absurdo y el sinsentido de las  ausencias como factores positivos, es quien busca la independencia auténtica, el cobijo del silencio absoluto, es aquel que encuentra placer en lo mínimo y hace de todo, una experiencia fundamental del vacío que transforma su conciencia, pero más que nada es alguien que no se encuentra apegado ni a las cosas ni a la vida, ni siquiera a la tranquilidad, ni a la serenidad y sobre todo es aquel que viste el hábito de una humildad absoluta.

          La edición bilingüe que he utilizado divide el libro en seis capítulos y 37 partes en los que van apareciendo los cimientos que dan fortaleza a tan frágil construcción en connivencia con el espacio máximo de la naturaleza desde donde el poeta reflexiona sobre la existencia y el modo de vivir de la gente: “Solo aquí en mi choza se está en paz y sin temor, tan pequeña como es, hay espacio para dormir de noche y sentarse de día: el espacio suficiente para un hombre” …”La realidad sólo depende de tu corazón, si no está en paz un palacio te parecerá insuficiente.

      La recompensa del candidato es la superación del dolor mediante la práctica correcta, el encuentro con la naturaleza y saber vivir adecuadamente con lo mínimo necesario en un espacio de apenas nueve metros cuadrados. Una vez más, la cultura japonesa, a través de su arquitectura moderna ha conseguido reunir lo más antiguo con lo más moderno y mantener viva la estela filosófica de este monje-poeta que los japoneses tienen como ejemplo de comportamiento, como la actitud necesaria para aceptar los designios de las catástrofes y para la correcta comprensión de la auténtica naturaleza del ser humano.

     

       

     Toyo Ito 

     

      Sou Fujimoto  

     

     

       

     

      

       

     

     

         

     

     

      

     

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    MABEL PALACIN VERSUS DAVID G.TORRES EN EL VII SIMPOSIO ACCA

    jesusmc | 19 Noviembre, 2011 14:14

    MABEL PALACIN VERSUS DAVID. G. TORRES EN EL VII SIMPOSIO ACCA .2011.  

    Otra Sesión interesante el día de ayer fue el encuentro público entre Mabel Palacin y David G.Torres ante el público asistente a la primera jornada del VII simposio del ACCA 2011.

       

        LOS PONENTES JUNTO A FERRAN MASCARELL   

     

     

      Tenía mucha curiosidad y no salí defraudado. Intentaré señalar los puntos de la conversación que se hizo en Español y que más llamaron mi atención:  

     

    En primer lugar he de decir que siendo la obra de Mabel Palacín fundamentalmente basada en la imagen estática o dinámica no pudimos ver ni una sola de las muchas referencias icónicas de su propuesta “180º “que se presentó en el pabellón catalán en Venecia. 

     

     

    En segundo lugar que la artista quiso dejar bien clara su independencia creativa, el estatuto de sus imágenes ,sin aceptar que el comisariado de David G. Torres hubiera tenido un papel definitorio, más allá del acompañamiento textual. Y que ella habla a través de las imágenes, aspecto bien  diferenciado de la textualidad. 

     

    En tercer lugar que no fue una propuesta “site” especifica para el pabellón ,sino que hubo una adaptación del trabajo que estaba llevando a cabo en ese momento.Y que si no lo hubiera hecho allí , lo hubiera realizado en cualquier otro sitio. 

     

    En cuarto lugar, destacaré la sinceridad de David G. Torres,  su libro reciente “No más mentiras” le obliga,  al reconocer el papel exclusivamente político de la participación en la bienal, reconociendo que un alto cargo le había confiado que se trataba , ante todo que la “marca” catalunya se llegará a publicitar al máximo. Si bien es cierto que apostilló que ante la intencionalidad política se encuentra la inteligencia de la cultura para hacer lo que le convenga.A la pregunta del público, reconoció algo que a menudo se  olvida, y es que  el pabellón catalán se encontraba dentro de los que en Venecia se llaman  los  “Eventi Colaterali”, es decir que la exposición no representaba más que a una nación sin estado. 

     

    En quinto lugar destacaré el concepto de “inconsciente tecnológico” utilizado por Mabel Palacín, según este el instrumento tiene su propia voz en el proceso creativo. Una teoría que ya los físicos cuánticos Schrödinger, Heisenberg otorgaban a la mecánica cuántica cuando aseguraban que el instrumento utilizado para una observación condiciona totalmente el resultado de esta. Según esto, la autonomía del medio añade incertidumbre al resultado.

     

     

     La sexta proposición es cambiar el rol del espectador al enfrentarse a una imagen múltiple. 

     

    La séptima que se trata de ver con el cuerpo, no tan solo con los ojos, ver con el cuerpo y con el cuerpo social. 

     

    La octava es la inspiración en el clasicismo pictórico más convencional de la historia del arte como son la “vedutas” venecianas. Es decir las vistas de la ciudad realizadas por Canaletto o Guardi en el Settecento italiano, han podido influir en el corazón mismo de la  imágen contemporánea. 

     

    La novena es el reconocimiento por parte de David G. Torres de que el comisariado está en crisis. 

     

     

    La décima es el descubrimiento de la “altanas" venecianas . Una altana o altane es una terraza de madera. El uso que se le daba en la antigüedad a estas terrazas altana o altane, no deja de ser curioso. Eran utilizadas por las damas nobles como una especie de salón de peluquería donde secar sus cabellos al sol, después de haberlo teñido según la antigua receta del rubio veneciano: ungüentos a base de azufres y plomo.    A través del proyecto “180º”  Palacín, descubrió una ciudad en las alturas de los tejados venecianos, una supracidad QUE INVERTÍA EL USO ESTETICO POR EL USO SOCIAL , ahora son ocupadas por las revueltas de los estudiantes indignados, para llamar la atención sobre sus reivindicaciones.

     

     

    ACCA.VII SIMPOSIO INTERNACIONAL .CRITICA DE ARTE EN UN MUNDO GLOBAL

    jesusmc | 18 Noviembre, 2011 23:55

    ACCA .VII SIMPOSIO INTERNACIONAL CRITICA DE ARTE EN UN MUNDO GLOBAL.2011.

      

    Cada año espero con ilusión la celebración del Simposio sobre Crítica de arte organizado por la Asociación Catalana de Críticos de Arte a la que pertenezco. Nunca me defrauda.

        En esta primera sesión he asistido estupefacto a las reflexiones, como no, de alta complejidad.  Ya en otras ocasiones se han utilizado neologismos aplicados a la crítica de arte, aquí , se ha hablado de transterritorialidad, de descolonización, de alter modernidad , de mediación electrónica y  flujos migratorios.

          Yo, como siempre, he quedado arrasado por la alta complejidad de las reflexiones de un “curator” que antes de dedicarse al mundo del arte trabajó en el campo de la consultoría estratégica.La sesión presentada por Hammad Nasar ha introducido un nuevo concepto el de “Lineas de Control” el de la “capacidad productiva de las particiones” y el “cunnilingus”. Su sesuda intervención ha acabado con un video :  "Cunnilingus in North Korea" de Young-Hae Chang Heavy's 2004.

          Si han leído bien, “cunnilingus”. He dado un salto en el asiento y he quedado anonadado. El video es el que aquí se puede ver y va acompañado por el tema  "See Line Woman” de Nina Simon.

     

     Naturalmente era un ejemplo clarísimo del concepto de “partición”.Para que luego digan que la crítica es aburrida.

                      

    EDO ENTRE EL ROJO Y EL NEGRO.

    jesusmc | 17 Noviembre, 2011 13:31

                

     

                       

     

     

     

    EDO EN EL MUSEO DE TERUEL Y EN EL MUSEO SALVADOR VICTORIA DE RUBIELOS DE MORA

    jesusmc | 14 Noviembre, 2011 19:52

    EDO EN EL MUSEO DE TERUEL

      El pasado día 11.11.11 se inauguró en el Museo Provincial de Teruel y en el Museo Salvador Victoria de Rubielos de Mora la exposición antológica del pintor Godofredo Edo(1926)con el título general de  s/t.

       Edo es un pintor “discreto” que apenas ha mostrado su trabajo durante más de cincuenta años de perseverancia pictórica. Edo estuvo en Paris en el momento de la eclosión informalista, allí inició un camino que nunca ha dejado de recorrer y que le ha llevado a este momento de reconocimiento general. Bajo el doble comisariado de Gonzalo Tena y de Jesús Martínez Clarà se presentan dos grandes murales  que centran la atención de los visitantes, junto a ellos, las obras  más representativas del pintor entre 1964 y 2009.   

        Con este motivo he escrito el texto que publico a continuación que  se encuentra recogido en el magnífico catálogo, junto a unas páginas biografiadas por el artista Gonzalo Tena. El resultado es la constatación de que la inercia creativa y la esencia del arte no se detienen nunca por numerosos y difíciles que sean los obstáculos que se encuentren en el camino.

     

     

    EL GESTO UCRÓNICO.

           Godofredo EDO  tuvo el privilegio de encontrarse bajo el volcán en el momento de su erupción. Él, estaba allí cuando una gran fuerza telúrica  lanzaba por los aires la materia  abstracta del  informalismo y vió como la lava incandescente, venida desde los universos  no formados, descendía por la ladera de la montaña de Montmartre. En 1947, los magmas pictóricos del informalismo  aludían a un mundo artístico que nacía de las entrañas de la conciencia y en su manifestación no encontraron obstáculos, pues el territorio europeo estaba arrasado por la segunda guerra mundial.

    Mientras ,en USA, tras la explosión de Hiroshima, aparecían las descomposiciones moleculares de los expresionistas abstractos con Pollock  líderando la  “Action Painting”, también en Europa, el crítico Michel Tapié  hablaba de “Un Art Autre”(1952).Una nueva manera de ver y tratar la pintura que aun hoy en día busca una definición definitiva: Abstracción Lírica, Tachismo, Informalismo o Nueva Escuela de Paris…sea como fuera, a través de sus aspectos más poéticos,  matéricos o con una nueva gestación del gesto: la revolución estaba en marcha y los mejores representantes de este arte activo y expresivo fueron:  Georges Mathieu, Hans Hartung ,Pierre Soulages, Henri Michaux ,Jean-Paul Riopelle o Antoine Mortier.    

     

     Godofredo EDO, hijo de una familia de procedencia aragonesa, estudió Bellas Artes en Barcelona y se fue a Paris donde conoció a jóvenes artistas como él y entre ellos a  Salvador Victoria.  Llegó  a la gran ciudad junto a unos jóvenes que se negaban a vivir bajo la atmósfera  enrarecida por los vapores de la guerra fraticida que aún  perduraban bajo la dictadura y hacia 1957, cuando llegan a la capital de europa se encuentran con el volcán aún en erupción y consiguen vivir intensamente ese momento de privilegio. EDO inicia allí su camino informalista junto con  Salvador Victoria, Sempere, Isidoro Balaguer y Joaquín Ramo en el Colegio de España en París. A diferencia de los Millares, Feito, Lucio Muñoz , Martín Chirino o Saura, él, nunca se organizó en grupos, sino que siguió su camino informalista de modo solitario, independiente y perseverante, hasta la actualidad. Desde entonces la obra de EDO no cesará nunca y su espíritu vanguardista y revolucionario le ha acompañado durante toda su vida posterior en España, a donde regresó en 1959.  

     

    Desde esa  fecha de iniciación ha trabajado constantemente, sin parar, día tras día. Cincuenta años que parten desde los albores del informalismo y la abstracción en España, hasta la actualidad. Durante todos estos años, EDO ha convivido con su compañera Aurelia quien convirtió su librería de la calle Ferrán de Barcelona en un centro de inquietud intelectual en los  años de disipación política y lucha generacional. Durante todo este tiempo no ha tenido muchas oportunidades para enseñar su obra. Creo conveniente recordar esa injusticia  y rendir un modesto homenaje a los artistas, que como él, sin gozar de reconocimiento público, nunca han dejado de trabajar en lo que ellos han considerado como necesario.

     

    Mi primera visita al estudio de EDO la hice acompañado de mi amigo Gonzalo Tena, fue en ese  piso-estudio del ensanche barcelonés en el que  vive y trabaja este apóstol de la pintura de acción. Al entrar se percibe un olor intenso  a aguarrás y pintura que exige que, en pleno invierno,  las ventanas y las puertas estén  abiertas,  la calle invade el espacio privado y el frío atmosférico contrasta con la temperatura de su obra.       EDO ha trabajado mucho y sus obras se amontonan, unas sobre otras, pero en orden riguroso, montañas vivas de energía perseverante en óleo sobre papel o en acrílico que son el testimonio de una incesante actividad. EDO es un ejemplo de artista coherente, pues obedece, exclusivamente, a la voz de su necesidad expresiva, nadie le exige la obra, nadie más que él, es juez implacable de su propio trabajo, una labor que nunca considera concluida. Sus trazos caligráficos entroncan con la mejor tradición gestual de los artistas europeos o americanos de la época. Porque como puede verse en  las obras que acompañan este catálogo, nunca ha abandonado su manera de pintar desde la eclosión de su estilo informalista en Paris. Cincuenta años de energía perseverante y fuerza concentrada en tres letras: E-D-O.   

     

     

     

     

                                  

     

        

                                   

         

     

     

     

     (Más)

    LUIS FRANGELLA EN LA FUNDACIÓ SUÑOL.EL ENIGMA DE LA VISION.

    jesusmc | 13 Noviembre, 2011 20:33

     

     

    Artículo publicado en el suplemento Cultura´s Nº 490  de LaVanguardia (09.11.11).

     

    EL ENIGMA DE LA VISION.

     

         La Fundació Suñol nos propone una muestra fundamental que auguro como una de las mejores de esta temporada. En ella se pueden ver 32 piezas del artista argentino Luis Frangella(1944), muerto en Nueva York (1990).

        Las necrológicas son precisas, en pocas palabras revelan lo fundamental. Cuando se publicó el óbito de Luis Frangella el 14 de Diciembre de 1990 en el New York Times se escribió claramente que vivía en Manhattan, que el motivo de la muerte se comunicaba por decisión familiar y que era pintor y escultor.

          En los eclécticos años “80”, la galería Ciento de Marisa Díez de la Fuente y Buades en Madrid eran dos epicentros del resurgir de la pintura. En ellas se pudo ver, por primera vez, la obra de Luis Frangella. Lo que llamaba la atención, de inmediato era el talento con el que trabajaba en su doble condición de pintor y escultor. Los cuadros de gran formato, convivían con pequeñas y misteriosas cabecitas sobre peanas. Tenían algo de ritual o de exvoto.

          Luis Frangella con esta exposición pone de manifiesto dos aspectos que considero fundamentales: en primer lugar, el enigma de la percepción o el misterio de la mirada, y en segundo lugar una reflexión profunda sobre la vanidad y la apariencia.

          Respecto a la primera condición debo recordar el afinado criterio expositivo del equipo de la Fundació Suñol que nos permitió acercarnos a esta cuestión  perceptiva con motivo de la  inauguración del Nivell  Zero   ACTE 1: Observació.(2007)  Ya entonces se pudo ver “La Jarra vertiente o Máquina de dibujar” de Luis Frangella  junto a obras de Antoni Abad, Roman Buxbaum,  Federico Guzmán, Joan Leandre, Glòria Martí, José Noguero, Joan Rom, Idroj Sanicne, Toni Serra i Zush/Evru. La actual exposición reafirma las tesis de la propuesta de entonces: Observar es mirar algo con atención e implica atender, examinar, contemplar, notar, advertir, vigilar. La observación supone un acto de reciprocidad entre el comportamiento del sujeto y del objeto. 

          No se puede definir mejor la sensación que el visitante tiene cuando se pone ante obras como “Cuchillos”(1986), sus dibujos dobles de tinta sobre acetatos o la misma “Máquina de Dibujar. En todas ellas el efecto es contundente, el espectador debe colocarse  unas gafas anaglíficas con lentes de dos colores distintos y la imagen plana se convierte en 3D. La realidad que veíamos de un modo, desaparece y la forma se abalanza hacia nosotros de modo inesperado:  “Geométricos”(1980).  En Frangella conviven la investigación científico - óptica con las indicaciones de un filósofo o un poeta que se sabe en manos de la muerte.

         Todo este ceremonial óptico sobre la realidad y su apariencia no es más que para conducir al espectador a la dimensión más profunda del sentido de las cosas. A su doble realidad. Es ahí cuando aparecen las obras más expresionistas. Sus 14 estudios sobre el movimiento de una cabeza (1985), la serie sobre velas encendidas que se consumen hasta el pabilo (1987), el crucifijo y su sombra de (1987),o su “Bola” duplicada (1986) culminan en esas dos calaveras de “In the Blink of an Eye” (1986)

         Como indica el título de la obra, en ese abrir y cerrar los ojos, tan rápido y efímero, el artista recupera el género de las “vanitas vanitatum” del siglo XVII en las que los pintores europeos recordaban la presencia de la muerte como un instante en la feria de las vanidades. Un tono de recuerdo y nostalgia se percibe en los textos del catálogo: Ángel González García y Carlos Pazos mencionan sus vivencias junto al artista y Marisa, María Vela, Ángel, Quico, Juan  y tantos otros nombres de la edad de oro de los ochenta, cuando todos nos sabíamos jóvenes y estupendos. Ese sentimiento de melancolía refuerza la reflexión sobre el paso del tiempo y la caducidad que afecta a todas las cosas.

        Lo que creíamos un juego visual con colores y formas, Luis Frangela lo ha  transformado  y acaba explorando un sentimiento moral .En “In the Blink of an Eye” utiliza un último efecto de percepción, la mirada se dirige hacia la parte izquierda, esa parte del cuadro esta iluminada con la luz de una vela, luce como la vida  y en la derecha la vela consumida, con una gama de grises oscurece la mirada, nos deja  sin luz.

      "La jarra vertiente o la máquina de dibujar"     

    PETER DOWNSBROUGH.MENSAJES EN LA GALERIA ANGELS BARCELONA

    jesusmc | 04 Noviembre, 2011 22:18

      

                               

     

     

    Artículo publicado en el nº 489  del suplemento Cultura´s(2.11.11) de LAVANGUARDIA. 

     

    MENSAJES

      

       Esta es la segunda exposición del norteamericano Peter Downsbrough (1940) en la galería Angels de Barcelona. En primer lugar, quiero destacar la valentía  de exponer la obra de un artista de sesenta y un años que acaba con los prejuicios epocales tan al uso en nuestra ciudad.

        La obra de Peter Downsbrough es diversa y actúa con la misma eficacia cuando lo hace sobre la página de un libro en blanco, al hacer un video, con material de audio o como en esta ocasión interviniendo en el espacio mismo de la galería. El espectador pudiera pensar que la galería se ha construido para albergar la obra de Downsbrough. Y no al revés. La conjunción es perfecta.

       El tono de sus obras reduce el mensaje al nivel máximo. El blanco y el negro se aúnan a la luz fluorescente que refuerza la tonalidad blanquecina del conjunto del espacio. Las líneas continuas se distribuyen sobre la pared en apenas tres intervenciones magistrales y siete pequeños hojas de papel cuadriculado capaces de transformar la sala en una lanzadera de mensajes crípticos.

        Aquí la palabra y la línea se alían para reforzar la emoción del espacio vacío. La cartografía de cada pared indica recorridos y encuentros.

         Las palabras cobran la fuerza de las formas. Por eso las preposiciones, los adverbios o las conjunciones, algunas en catalán, dejan abierto el sentido, los puntos suspensivos pueden continuar a través de líneas rectas de vinilo negro que crea direcciones y recorridos.

          La obra de Downsbrough  exige una  descripción fenoménica de lo que se ve, tan solo nos permite preguntar: ¿qué es esto? a lo que la obra nos contesta : ¡Esto es esto! Pero entonces, ¿dónde colocar el sentido? ¿En que lugar se esconde la interpretación? ¿Porqué estas palabras?

        Los indicios principales son: un mapa en blanco y negro de una parte del mediterráneo, en el que unas líneas actúan a modo de indicador de lugar:   LLOC, una alusión temporal ARA, y la palabra TEMPS escrita al revés junto al inglés AS. (Como). En otra obra ABANS, escrita inversa y también HERE(Aquí)

        El conjunto de las obras y esos mensajes crípticos parecen que quieran destacar el momento adecuado para un cambio, para una acción. Un gran cuadrado negro sobre fondo blanco acoge la mirada del espectador hacia la pared. Downsbrough sabe que las principales inquietudes  humanas se encuentran en las nociones de espacio, tiempo y recorrido.

         En este caso la radicalidad del contraste ENTRE el color blanco y el negro parece reclamar un posicionamiento, como son dos colores opuestos, obligan a que el espectador desplace  y escoja pues las cosas son blancas o negras. Entonces, si el espectador se encuentra aludido o comprometido a escoger territorio, es que acaso ¿Se trata de una revolución? ¿De un encuentro? CON QUE, CON QUIEN.

       En una de las siete hojas cuadriculadas, el visitante encuentra una respuesta a los interrogantes. Un dibujo que parece fragmentado y las dos últimas palabras que le obligan a dejar de interpretar: AQUÍ, AHORA.

     

     

    DOCUMENTAL LAVANGUARDIA.ISIDRE MANILS:CINE Y PINTURA

    jesusmc | 04 Noviembre, 2011 22:01

     

     Documental publicado en el nº 489(2.11.2011) del suplemento Cultura´s de LaVanguardia.

    Isidre Manils.1948    Pintor nacido en Mollet del Vallès. Vive y trabaja en Sabadell. Ha hecho numerosas exposiciones individuales en galerías de Madrid , Barcelona y Castelló. Su obra se encuentra representada en las Fundaciones Suñol y Vila Casas y otros coleccionistas privados. Presente en numerosas ediciones de ARCO Madrid. En el año 2008  el Museo de Sabadell  y el Museo de Mollet conjuntamente le hicieron una exposición retrospectiva: Isidre Manils. Cine Ateneo.   Cine y Pintura. 

    La frase preferida de Isidre Manils es :”le debo más a Hitchcock  que a Picasso”. Su formación cinematográfica ha ido paralela a su pintura y por esta razón la exposición que revisaba por primera vez la totalidad de su trabajo se llamó: Cine Ateneo.(2008) Ese era el nombre del cine familiar de Mollet donde se forjó el imaginario de este artista. Ozu, Lynch o Syberberg son inspiradores de este gran mural de veinte y tres metros de largo por dos sesenta metros de ancho y que ocupaba la totalidad de una de las paredes de la sala del museo. La reciente exposición en  Caixa Forum :”El efecto del cine. Ilusión, realidad e imagen en movimiento. Realismo” ha puesto de manifiesto la deuda entre los dos géneros. Estos cuadros de medidas variables con el acontecimiento de su elección, al verlos unos junto a los otros han generado su propia película bajo la mirada sorprendida del artista. Este megapalíndromo visual permite mirar la secuencia en diversas direcciones tal y como exige la poética situacionista. Actualmente Isidre Manils está explorando la incorporación de la mirada tridimensional que  aplicada a su pintura las convierten en auténticas holografías plásticas.

              

    CLEMENTE BENITO EN LA GALERIA ALEGRIA

    jesusmc | 20 Octubre, 2011 20:54

    La Galería Alegría abrió en Diciembre del 2010, es una realidad de 12 metros cuadrados en la calle Consell de Cent, la calle de las galerías importantes de Barcelona  que ha impulsado Sebastian Rosselló con una filosofía e ingenio propias de un artista. Ocupa uno de los espacios interiores de una antigua fábrica de  muñecas de porcelana. Alrededor de la gran chimenea de ladrillo  hay un patio y un ficus gigantesco que nace de una pequeña maceta. En los estudios que hay allí conviven diferentes artistas y creadores dedicados a  actividades diversas. 

     

     

     

        Ese ficus me hizo pensar en el sentido de este proyecto galerístico , un pequeño territorio capaz de arraigar con fuerza, echar raíces y elevarse con fuerza hacia el exterior. La filosofía propuesta es :

    dar cobertura y difundir el trabajo de artistas -emergentes y no tan emergentes-, que destacan por tener una actitud libre, generosa y desafiante….En la GALERIA ALEGRIA se pueda disfrutar de una programación muy particular y esperamos satisfacer al público que busca en el arte contemporáneo, un espacio para la reflexión sin tener que renunciar a una plasticidad sin complejos y por supuesto, al sentido del humor.

       

     La nómina de los artistas expuestos hasta hoy  va creciendo y en poco tiempo lo han hecho : Ruben Garzas, Sinead Spelman, Pablo Morata, Pablo Milicua , Ferran Blanco, Roger Casas, Juan Escudero, José Ramón Ais, Paloma Blanco, Stella Vine, Agustí Garcia, Carmen de Ayora y hoy ha inaugurado Clemente Benito.  (Fontellas, Navarra 1918)      

     

     

    CLEMENTE BENITO :CUERPO Y MENTE. 

     

        Filósofos , teólogos y científicos se han empeñado en demostrar la relación que existe entre cuerpo y mente .  Creo que no se puede añadir nada más a todo lo que hasta ahora se ha estudiado, pero cuando ví las obras de Clemente Benito pensé que era necesaria una modesta contribución al tema.

     

       Clemente Benito tiene 93 años y desde que se levanta, a eso de las diez, hasta que se acuesta, a eso de las 11, no deja de recortar con esmero, sin que el pulso le tiemble, todo tipo de cuerpo de mujer. No escoge cuerpos deteriorados por el tiempo, ni malformados, escoge los más bellos. Rostros maquillados,nalgas, brazos, piernas inacabables, el límite del encuentro con el pubis que nunca enseña, o culos prominentes son el objetivo de su arte de cisoria. Sus tijeras trocean cuerpos sin parar, pero no para destruirlos sino para ensalzarlos. Son cuerpos que cuando se entremezclan ordenados reposan majestuosamente sobre la superficie del papel “kraft” marrón de 1 metro por 1 metro. Estos cuerpos van acompañados, aunque en menor medida de referencias a personajes de actualidad, sean políticos o personajes mediáticos. Pero, eso sí, siempre domina en el conjunto la belleza de unas pieles sensuales, frescas, lozanas y perfumadas.

         El resultado es un “collage” que bien podría haber hecho un quinceañero con dotes artísticas, extrema sensibilidad y destreza. La composición de colores y formas son extraordinarias, en ellas domina un gusto entre ingenuo y virtuoso.    Mientras veo como trabaja, pienso que él, aunque se cuida, es una clara manifestación del tiempo que pasa y pasará en todos nosotros. Nadie escapa al gran escultor. Él, es una evidencia de una dualidad inevitable y es que mientras el cuerpo va cayendo en las garras poderosas del tiempo que pasa, la mente se resiste ,no envejece, va por otro sendero y hace bueno el dicho de espíritu joven. Cualquier edad es propicia para que la mente se disocie de su lastre.  

     Keith Richards es uno de los más feroces músicos de los Rolling Stone. El tiempo y las drogas han dejado duras  huellas en todo su cuerpo, pero  cuando el “body” ya envejece y va directo hacia el ocaso, en su interior , en su mente sueña con ser bibliotecario.    El músico más oscuro del grupo, autor de muchas de sus canciones confiesa en su última biografía su amor por los libros. El cuerpo le pidió inhalar las cenizas de su padre mezcladas con cocaína, pero en su interior, su mente real es la de un ordenado, pulcro, sistemático bibliotecario inglés.     Keith Richard sueña al final de sus días realizar su pasión  e incluso se ha planteado recibir formación profesional para gestionar los libros que tiene en sus casas en Inglaterra y Estados Unidos. Es más, su dulce amor al libro le llevó, en mayo de 2006,  a sufrir un accidente mientras estaba en su biblioteca. Cuando intentaba llegar a los libros de las estanterías superiores, cayó y se dió un golpe en la cabeza, a los pocos  días al notar un dolor intenso, como consecuencia de la caída, le tuvieron que operar de la fractura de cráneo en Nueva Zelanda.   

     

        Y, es que cuando la mente se pone a la labor, como hace Clemente Benito, deja a mil kilómetros de distancia el despojo del cuerpo que ya no sirve más que para darnos la apariencia de que aun somos humanos y no asustar a la gente.  En él, aunque se mantiene con buen aspecto y peina con delicadeza su lacia cabellera blanca, dentro, en su interior, poseído por un ángel  o un demonio, la mente o eso que algunos  llaman espíritu, sigue campando a sus anchas.      Uno de los lastres del arte contemporáneo ha sido la aparición, con fuerza inusitada, de la expresión: artista joven que, a menudo, va acompañada de otra no menos hiriente, para uno que ya tiene una edad, que es la de joven crítico emergente. Lo que es indudable es que a menudo, el arte joven lo compra  un señor viejo y ahí nadie dice nada. Ahora, es el momento de la inversión térmica y acabar con ese tópico que marca  la dictadura epocal.

         Por eso celebro este proyecto de la galería “Alegría” que sin prejuicio alguno, anima a que los jóvenes acepten y admiren el arte de Clemente benito, de este artista sin edad que parece algo mayor por fuera y que es un “teenager”

    por dentro.

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

     

    De la serie  CRONICAS MUNDANAS.

      

    VICENÇ VIAPLANA .GALERIA CARLES TACHE

    jesusmc | 12 Octubre, 2011 17:51

                                        

    Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia nº 486 (12-10-2011) 

    Pintura del todo


    Vicenç Viaplana Tot el que tenim GALERÍA CARLES TACHÉ BARCELONA Consell de Cent, 290 Tel. 93-487-88-36 www. carlestache. com Hasta el 18 de noviembre  JESÚS MARTÍNEZ CLARÀ

       En la nueva exposición de Vicenç Viaplana he encontrado repetida tres veces la palabra TODO. Una en el título de un vídeo del 2009, otra en el rótulo de la exposición Todo lo que tenemos y la tercera, De donde viene todo,en el magnífico texto que Carles Hac Mor ha escrito para el libro-catálogo de la exposición. La rotundidad, la mención a lo absoluto se encuentra contenida en esta palabra redonda. TOT.

    La totalidad es la manera laica de mencionar a Dios. Los teólogos cristianos habían llegado a la conclusión de que la divinidad es espacio puro. El espacio es vacío y en él habita el TODO.

    Del cultivo delicado de esa paradoja nacen las mejores obras de Vicenç Viaplana. En el vídeo que he mencionado, se puede ver al artista contemplando el vacío, tal como en Caminante contemplando un mar de nubes (1818) de C. D. Friedrich.

    Cartografía emocional,Atravesar el vacío y Excursión por la incertidumbre son títulos que Vicenç Viaplana ha puesto a tres de sus series pictóricas. Parece que con estos tres títulos nos indica que pueda existir un mapa del absoluto, una guía para atravesar el vacío y que ese es un paseo por la incertidumbre. Tal como insinúan estas obras podemos pasear por el absoluto, o si no nos atrevemos a hacerlo, como mínimo debemos contemplarlo.

    En el vídeo colgado en la red de redes http:// vimeo. com/ 29216532 se puede ver como el artista ejecuta una de sus obras expuestas. Al inicio las manchas azarosas de pintura en el suelo aluden a lo no-formado. Al caos del inicio. Un mapa azul de la ciudad de Kioto junto alguna foto de juventud en la que queda plasmada la versatilidad de Viaplana, que siempre ha cultivado las performances, vídeos, acciones y pintura. La sonoridad intensa de una obertura indica el inicio de la creación del cuadro. El lugar es exterior y luminoso. Viaplana contempla serenamente la tela en blanco absoluto. De repente: la acción. El énfasis musical anuncia el inicio.

    Varios giros en el espacio con la tela hacen que la pintura empiece a desparramarse aleatoriamente en varias direcciones. Distribuye la pintura con las manos, vuelve a manchar, vuelve a girar como un derviche con la tela sobre sí mismo. Los magmas lechosos la fecundan. A veces con rapidez, de repente lentamente, se detiene. El cuadro en vertical o en horizontal. Se insinúa el perímetro de un círculo astral y vuelve a mirar, admirado de lo que surge y desconoce. Mientras el sol produce destellos entre las hojas de un árbol cercano. Micro manchas intencionadas crean un mapa estelado. La luz no le parece suficiente y la tela regresa al interior del estudio, allí el artista ejerce su voluntad, interviene decidido con pinceles muy finos y gruesos, pinta líneas y círculos. Al final el artista reposa, se sienta en una silla Mies y contempla. De esa coreografía pictórica va surgiendo el orden. Así lo he visto. Loa al demiurgo.
     

     

                     

     

                      Excursio per la incertessa nº 2 2010 .200x180 Acrilic s Tela

     
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