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XAVIER BARTUMEUS:PINTURA ORACULAR

jesusmc | 08 Octubre, 2011 17:03

 XAVIER BARTUMEUS: PINTURA ORACULAR.

 

   Xavier Bartumeus, Daniel Berdala, Antònia Cortijos, Ramón de Jesús y Toni Riera  son miembros de la resistencia. La Résistance  supuso  freno a la tendencia dominante del nazismo en Francia, pero la de ellos es una lucha constante contra la dominación imperativa de las corrientes de moda. Estos artistas quieren hacer prevalecer los valores de la pintura y los recursos pictóricos del arte como valor absoluto frente a otras tendencias icónicas basadas en la imagen socio-ecologista, de archivismo documental o de los excesos de  conceptualización.

 

      Dado que en Barcelona no hay un Saatchi protector de este tipo de tendencias figurativas se han tenido que organizar y tienen un lugar de encuentro, se llama La Mirada Expandida. Una galería situada en la picassiana calle d´Avinyo, 46.

   Estos días, uno de los principales “cabecillas” de esta banda de resistentes expone su obra,  se llama Xavier Bartumeus.

    En las fotografías que le ha hecho J.L.Pardina Berroy, observo que este artista se representa a sí mismo a través de múltiples máscaras, todas verdaderas, todas falsas. Pero, entre  las imágenes que he visto de Xavier Bartumeus, me llama la atención la de un autorretrato muy divulgado por él mismo para presentarse ante el mundo. 

                                                                    

 

                                             

 

    

                                                                        

 ¡Qué extraña imagen, la de un pintor, que se restriega los ojos y se resiste a la mirada!

     La negación aparece nuevamente en el autorretrato de un pintor indolente y melancólico, con un pincel apenas sostenido entre las manos. Parece que quiere pintar. La sensación de cansancio no es física. Hay un sutil aroma de incensario en combustión, de almizcle que nos recuerda el carácter sagrado de la pintura. Una sacralidad laica si es que eso puede ser, en la que el artista desnudo, tan solo conserva una pulsera en el brazo izquierdo. Su actitud es  sacrificial.

                                                  

 

    En estos cuadros “el otro “ aparece metamorfoseado, travestido, en la figura femenina o en la modelo. Los cuadros inacabados, la mirada sobre la modelo mientras apura un cigarrillo refuerzan esta sensación de sutil abandono .

              

 

  En el cuadro titulado “La Huella”, la persona representada muestra una serenidad lasciva. Estruja los tubos de pintura sin pasión. Mirando como se desparraman en lenta eyaculación. Hay una mano que no vemos. Oigo que alguien  cercano le pregunta:¿eres tú? Queda demostrada la andrógina sensación, las máscaras que nos ofrece el pintor de sí mismo.

                                        

 

 

 

   Otros cuadros de Xavier Bartumeus son alusivos a valores humanos en recesión o decadencia. La imagen del otro saca al pintor de su ensimismamiento. Ernesto Sábato, como otros muchos escritores, ha señalado el sentimiento de profunda soledad existencial del sujeto contemporáneo. Y escribe: «la cercanía con la presencia humana nos sacude, nos alienta, comprendemos que es el otro el que siempre nos salva»

   En ese encuentro con la vida surge el factor humano, y lo humano, demasiado humano, genera “buena conducta o  celos que son los títulos de dos de sus cuadros.

    Creo que Xavier Bartumeus, ahora si, abre los ojos y mira estas flaquezas humanas desde otro lugar, les agrega otra dimensión a través de su pintura. Pintando aspectos inmediatos de la vida, exorciza las cosas que le afectan profundamente y conoce por ende el destino de los seres vivientes, como se originaron, como son, y como terminaran. La persona oscila constantemente entre el bien y el mal .Quizá esta interviniendo en una situación, conjurando el destino de los otros, cuando pinta unos jóvenes sometidos al infierno de los celos que ,como es propio, afecta siempre a tres.

    

 

 

 

    Xavier Bartumeus hace de la pintura un arte adivinatorio, la adivinación, lo oracular se encuentra encarnado en los grandes artistas. De esta manera el creador se convierte en un benefactor, en un consejero. El artista perfilado de este modo revela lo que nos pasa y nos sucederá. También el artista oracular da consejos, reflexiona sobre la ira, los celos, el dolor.

     Xavier Bartumeus lo hace con facilidad como el que no hace nada, muchas veces divirtiendo y bajo la estrategia del bufón. El bufón es el único que podía besar a la reina sin que le cortaran la cabeza y lo hacía entre bromas y veras. A través de la picardía, la astucia inteligente y utilizando las herramientas de la pintura consigue acceder al territorio secreto. Esa tierra ignota donde habita el destino.

  Este pintor parece como si hubiera estado presente el día del reparto de los atributos y de los defectos del ser humano, sabe profundizar en ellos de modo extraño. Tiene un don oracular que ejerce a través de la pintura.

             

 

 

              

 

             

 

YAMANDU CANOSA: EL ÁRBOL DE LOS FRUTOS DIFERENTES.FUNDACIO SUÑOL

jesusmc | 22 Septiembre, 2011 15:59

Yamandú Canosa: el árbol de los frutos diferentes.

 

 

 

 

 

  

 

                                                           

                                              

Los frutos iguales.

     Durante cinco meses ha estado expuesta la obra de Yamandú Canosa en  la Fundació Suñol de Barcelona ( del 7 de Abril al 10 de Septiembre).  Durante este tiempo los visitantes han podido ver el resultado del trabajo de veinte años.(1992-2011) . El lector atento habrá advertido un quiebro inicial en el título. No parece que tenga mérito observar que un árbol dé frutos iguales, lo sorprendente sería que fueran diferentes. Ese era el título original de la exposición.

 

Variando la diferencia a favor de la identidad he puesto de relieve la gran coherencia conceptual y estética que caracteriza el trabajo de este artista. El desafío de Yamandú ha sido navegar siempre por el mismo río. Una de las constantes iconográficas en su obra  es la presencia de una canoa con dos personajes que a menudo reman juntos y otras entran en conflicto es así en:  Malstrom I de 1997 , en Gran psico C,1998 , en  Cenital 1998 y en El puente 2005.

 

 Coincidiendo con las fechas de la exposición hablaba con mi amigo José Luis Guerin sobre las películas que han marcado nuestra infancia: yo le dije sin dudar “Los cinco mil dedos del Dr. T “ de Roy Rowland  y él a cambio, me descubrió “La noche de cazador” la única película que hizo Charles Laughton. Mirando algunas obras  de Yamandú he tenido la misma sensación que tenían esos dos niños en la canoa descendiendo río abajo, con el agua cerca de la barca escondiendo un mundo subterráneo y bajo la amenaza  que en cualquier momento, apareciera la imagen del mal, encarnada en ese predicador que llevaba tatuados en una mano la palabra amor y en la otro odio.

 

    La obra de Yamandú polariza esos dos estados de la conciencia. En la canoa de Maelstrom I la placida navegación está amenazada por el gran poder destructor de un torbellino capaz de tragar buques enteros. El topónimo maelstrom deriva de la palabra compuesta neerlandesa malen (triturar) y stroom (corriente), es decir: «corriente trituradora»

     Esa dualidad conlleva inevitablemente a la segunda constante de su trabajo que ha sido suficientemente reseñada por su exégeta Martí Peran en el catálogo y destacada por  Teresa Sesé y Violant Porcel en La Vanguardia, me refiero a la linea “h” . La línea  del horizonte visual que parece dividir el espacio en dos mitades simétricas a la altura de los ojos del espectador. Esa línea puede ser también la línea de flotación que siempre esconde una realidad oculta que no vemos.

El hermetismo de su obra viene sobre todo de la mano de las palabras. Las obras de principios de los años 90 como H-131  o  H-403. Acrílicos sobre fotografía o tela o la de 2005 “Hay Lugar/ No ha lugar “ Oleo s/tela convierten las palabras en reverberaciones que van directamente al imaginario del espectador. Cada palabra pintada genera una imagen y cada imagen sugiere una palabra.

 

   Yamandú Canosa es un artista a- epocal. Su trabajo está tan bien recepcionado por la inteligencia conceptual  de Barcelona que reconoce el alto valor de contemporaneidad de su obra, como por pintores de su generación que  lo respetan y consideran. Por estas razones y una vez acabada esta exposición, la canoa de Yamandú sigue navegando por el río, sorteando obstáculos hacia arriba, buscando las fuentes del origen o el escondido lugar donde vive el coronel Kurtz.

 

TAKESADA MATSUTANI EN GALERIA HORIZON COLERA

jesusmc | 22 Septiembre, 2011 10:42

                   

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia nº 483 21-09-2011

             “Around the Circle” 

  

Superpositions 92-2 1992-2011 
3.00 x 2.13 m vinilo , grafito y cuerda sobre tela

 

                     

 

Deux Cercle 7-11 2011
 41 x 32 cm  vinilo , grafito sobre papel/tela

                         

 

Une Goutte 1 1995 116 x 81 cm vinilo, grafito sobre tela

HORIZONTE ENTRE BLANCO Y NEGRO.

     La Galería Horizon de Colera (Girona) cumple veinte años. La madurez del proyecto se constata al comprobar que ha creado un estilo riguroso, abstracto,  austero, hecho del dialogo entre opuestos, entre blanco y negro que  otorga a sus exposiciones actuales una dimensión estética que considero cercana a la sensibilidad oriental.           En su caso, eso que llamamos la “línea de la galería” no es otra cosa que la proyección estética de las inquietudes  creativas de  Silvie y Ralph Bernabei, por eso, cada nueva exposición es un claro reflejo del momento artístico en el que ellos mismos se encuentran.   

Cuando el año pasado presentaron el último número de la revista "Outer horizons"  de arte y filosofía en el Hotel  Belvédère du Rayon Vert en Cerbère,  ví que  la portada creada por Peter Downsbrough  era un manifiesto visual de la galería. Me refiero al sutil espacio que separa el horizonte ENTRE el blanco  y el negro. Las obras de los artistas de la galería y las imágenes de la revista en la que colaboran Edvard Lieber, Gabriel, Enric Ansesa, Juan Bufill, Vicenç Viaplana Peter Downsbrough y las del propio Ralph Bernabei, son obras que exploran los límites de esos dos no-colores y de modo muy especial las cualidades de lo oscuro.   

  Este verano se ha confirmado  esta tendencia de la galería a través de las obras que nos han propuesto en tres magníficas  exposiciones de Lluis Vilá, Takesada Matsutani y la tradicional colectiva de Septiembre.   

  Takesada Matsutani(1937) nacido en Osaka y afincado en París , aborda en su actual  “Around the circle”  dos de las cuestiones más importantes de la expresión plástica: la saturación del negro en diálogo con sus opuestos y el poder del círculo.      Matsutani pasó seis años trabajando en su taller de grabado, descubriendo la riqueza del color negro que ha dominado en su obra pictórica desde entonces. Sus estudios de la pintura tradicional japonesa y la técnica de pigmento y cola de hueso han derivado hacia el uso actual de la cola vinílica y el grafito.     

  Matsutani combina la inquietud espiritual y las “performances” que definían al Grupo Gutai, -al que perteneció cuando en 1959, Sadamasa Motonaga le puso en contacto con ellos -junto a los espacios propios de la pintura y la litografía tradicional. Sus obras de viscosidad variable incorporan el relieve de la materia que utiliza a través de pliegues  densos y untuosos que  descienden por la tela como ampollas volcánicas movidas por la fuerza de la gravedad.

     El círculo es un elemento emblemático del arte japonés, pero Matsutani no lo trata como hacen los calígrafos clásicos apelando a la fuerza del gesto sino creando esos relieves sutiles, insistidos al máximo detalle que generan una sensación de ocupación total y oscura del espacio. Frente al tópico espacio blanco vacío, Matsutani vacía a través de la plenitud de un negro absoluto.    Una sensación de noble silencio recorre la sala en la que aun se pueden ver los restos de la “performance” inaugural. La noción de estar dentro o fuera del círculo aparecen de inmediato, haciendo hablar al espacio. 

    

MARIA LUCAS Y ANNA COMELLAS EN LA PRIEURE DE MARCEVOL

jesusmc | 16 Septiembre, 2011 11:59

  Priorato románico de Marcevol . Siglo XII (1.129)  Arboussols.

 

 

 

EL SOMNI DE LES PEDRES DE MARIA LUCAS .

gyotaku sobre papel Inshu Washi Mitsumata de Aoya.Tottori

 

 . "Qui-Dort-meurt" de Anna Comellas

 

 

 

1. En el año 1.100 tan sólo veintinueve  años antes de la construcción del Priorato de Marcevol vivió en  China, Mi Fu, un maestro del arte de la caligrafía. Un día se vistió con las mejores ropas de ceremonia y delante de todos llamó a una piedra que estaba en el jardín de su casa como "Gran Hermano" y algunos dicen que la abrazó. Mi Fu, nos enseñó con este gesto a sentirnos como si todos fuéramos un poco de la misma naturaleza que las piedras.

 

2. La fuerza de las piedras en Marcevol, su presencia lítica, firme y fundadora han generado un paisaje singular donde la arquitectura sagrada de la iglesia convive con las modestas construcciones de los orris  de los pastores.

 

3. Por estos lugares, las piedras están por todas parte desde hace siglos. Sébastien Le Prestre de Vauban transformó esta parte tan hermosa de los Pirineos Orientales, en la región más protegida y fortificada de Francia. Aquí, la idea de seguridad y resistencia ha adquirido, con el tiempo, la imagen de una belleza abrupta y fascinante, provocada por el diálogo sublime entre la construcción arquitectónica y la magnitud elevada de las cumbres de las montañas.

 

4. En las obras de Anna Comellas y Maria Lucas que vemos aquí, se pone de relieve, un contraste entre dos cosas: por un lado la incertidumbre (incertum) del deseo que se quiere representar de forma intensa y viva que es ligero como el papel o la imagen, que se huidiza como el sueño, y

 

5. Por el otro, el contraste con la verdadera realidad hecha de decisiones concretas, de voluntades construidas con la solidez de las piedras y la inteligencia de la arquitectura y los constructores de Marcevol.

 

6. Esta exposición refuerza esta dualidad y quiere crear un espacio dual entre el dentro y el fuera. El espacio en el que nos encontramos, era el espacio de lo sagrado. Fuera las tinieblas, dentro la luz.

 

7. La mirada está llena de paradojas. Sólo aquello que contemplamos toma realidad. Es como un juego de magia. La realidad desaparece y se hace presente el arte, en este caso las piedras del “orri” de los pastores o los muros de la iglesia son sustituidos por estas obras. ¿Dónde está la verdad?

 

8. "Qui-Dort-meurt" de Anna Comellas nos recuerda que la vida y la naturaleza discurre en el exterior del orri y este contraste entre el interior y el exterior que la deslumbra es para ella, una metáfora del sueño, la imaginación y la escapada, en contraposición a la vida real. Esto ha generado una pintura de gran formato donde las imágenes en la oscuridad sean difícilmente distinguibles.

 

9. María Lucas en "El sueño de las piedras" ha dado al papel japonés una función similar. El papel japonés contiene también esta condición de ser tan frágil como los sueños y tan dúctil que se puede cortar con agua, pero a la vez las fibras interiores permiten la solidificación de los materiales más resistentes.

 

10.Las piedras luminosas y firmes del exterior han sido llevadas hacia el interior, colocadas en el ábside de la iglesia se vuelven un sueño sacralizado pierden solidez y se hacen evanescentes, móviles y ligeras.

    

11. Estas obras, nos recuerdan que los castillos, las catedrales, o las modestas cabañas de pastor saben que aunque proclamen su resistencia de piedra y su fortaleza, no son más que humo en el tiempo.

 

Jesús Martínez Clarà

 

ANGELS RIBE EN EL MACBA/ EN EL LABERINT

jesusmc | 15 Septiembre, 2011 10:06

ANGELS RIBE EN EL MACBA/ EN EL LABERINT

 

                                               

 

                              

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s  de  LaVanguardia. nº 482  14-09-2011

                                                                  ¿PARA QUE SIRVE EL ARTE.?

  

    Quince años de trabajo han sido suficientes para que Angels Ribé haya pasado a la historia del arte contemporáneo y se la relacione con los grandes nombres de los años “70” como Vito Acconci o Dennis Oppenheim. Pero a diferencia de estos, en ella, se encuentra el misterio de sus tránsitos, de sus desapariciones, de sus progresos y regresos. 

 

     En el laberinto” se exponen las obras hechas entre 1969 y 1984, durante estos años tejió el hilo de Ariadna que le ha permitido acercarse a la auténtica naturaleza de lo artístico y llegar al centro de su laberinto vital y salir de  él.(1969). En ese centro imaginario encontró tres claves bien guardadas: la relación del arte con la naturaleza, la utilización de su cuerpo como medida y un diálogo perceptivo con las “Geometrías Invisibles” (1973). Una geometría emocional desarrollada a partir de su viaje iniciático a Paris en 1966, donde conoció las teorías sobre la Forma de Piotr Kowalski que influyeron en sus primeras obras. El gusto por la forma le permitió cargar sus propuestas de complejos conceptualismos, sin perder emoción, ni eficacia estética. Aspectos que siempre le han acompañado. Luego vino Chicago, Nueva York , ahora el reconocimiento del Macba y una pequeña exposición en el número  25 de la calle Valldonzella.

 

       Angels Ribé se propuso, desde sus primeras “acciones “ demostrar que el arte  es “un “esfuerzo contra una resistencia”, que es una actitud que no cesa, que es una fuerza continua , a menudo tan inmaterial como el aire de un ventilador  lanzado contra una plomada. A veces tan infructuosos como saltar ,una y otra vez, para alcanza el vértice de un triangulo virtual.(1978). Un trabajo constante pero muy frágil, como es la propia materia de su obra: la espuma, la luz, la sombra o la presión sanguínea, tal como se manifiestan en “Intersección de luz” (1969) o “Transporte de un rayo de luz” (1972). Estas obras delicadas, quebradizas o efímeras  nos proponen profundas paradojas, son micro explosiones  que despiertan la conciencia como la interacción de un ventilador en la naturaleza(1973) o una bombilla encendida a pleno sol(1973) 

   

Todas las obras de A.Ribé, más allá del concepto y su poder formal, son un manifiesto, un programa útil que proclama al arte como método de conocimiento y transformación moral. Veo sus propuestas como consejos que indican al espectador atento, todo lo necesario para una auténtica evolución de la conciencia.

 

     Para conseguir este logro, realiza diversas acciones y prodigios. En una primera proposición nos muestra la importancia de los sentidos que nos acercan a la realidad, así, las posiciones  de las manos  verifican la dilatación de las venas debido a la gravedad, o bien se cuenta “mantricamente” una y otra vez los dedos:”Counting my fingers”(1977).Siempre parte de la experiencia perceptiva-sensorial de su cuerpo: visión, oído, tacto, espacio y puntos cardinales (Chicago 1974), acumula e integra, asocia, contrapone (1973) y constata la presencia evanescente de los objetos inmateriales(1974).

 

      En segundo lugar nos propone un arte que acepta lo efímero y el vacío como condición, tal como sucede en “Intersecció de llum, Intersecció de pluja e Intersecció d’onada (1969) y constata que  los cambios  son aspectos  inevitables del ser, aunque este anhele la quietud.

En tercer lugar la importancia de la atención extrema a los pequeños detalles ornamentales de la realidad recogidos con precisión absoluta: ”The unrelated object(1979).  La cuarta propuesta nos recuerda la necesaria adaptación a las circunstancias de cada momento para ser conscientes del momento en que vivimos e ir de modo natural hacia adelante: ”Can´t Go Home(1977)

    La quinta proposición es que en las idas y los regresos, en ese ir y venir  por el puente de Williamsburg,   “Two Main Subjective Points on an Objective Trajectory “ (1975), debe existir un punto de vista estable y objetivo que no rechace el hallazgo inesperado o  la acción súbita. Estas cinco condiciones transforman la actitud, la mente y el corazón. Para eso sirve el arte.        

 

MASSANA CONEXION

jesusmc | 01 Julio, 2011 18:10

 

Queridos amigos: La primera idea de esta Massana Conexión fue la sorpresa  de reencontrarme con antiguos alumnos con motivo de la presentación de mi libro que está dedicado a todos aquellos que perseveran en la causa del arte.

 Ahora con el ánimo más frío,  veo que lo bueno de esta Massana Conexión es que se puede convertir en una especie de “mini-linkedin” de profesionales de las artes plásticas y del diseño que tienen en común  la experiencia de haberse formado o vivido  unos años  en la Escola  Massana de Barcelona. La finalidad no es solo recuperar viejas amistades y recordar, aunque también, si no facilitar información, experiencias, logros y fracasos entre todos nosotros. En principio, el reconocimiento generacional facilita las cosas y he calculado el período en el que yo, como profesor, puedo llegar a recordar nombres o caras de antiguos alumnos, no tanto para hacer una operación de nostalgia sino para darle un tono de transmisión de experiencias en el campo del arte o del diseño desde 1980 hasta hoy. Es obvio que no estarán todos los que han pasado por aquí, ni aquellos que no sean dados a eso de las redes sociales, aunque todos más o menos ,disponemos de un mail , una web o una paloma mensajera.Me gustaría que estuvierais todos aquellos que  conservéis el germen de la creación artística. Además, la finalidad es sacar provecho de las respectivas experiencias, webs, mails, asociaciones y ¿porque no? algún empujoncito profesional entre vosotros.

 En este blog profesional ya he empezado a poner webs de profesores o artistas que reconozco como vinculados a la escola Massana, poco a poco se puede ir ampliando la lista a todos los que no están.

  Caso práctico: Xurí Anzizu, también conocido como Xurí Medusa hizo, siendo un jovencísimo y entusiasmado artista  unas piezas escultóricas de madera más que interesantes, luego las dejó por ahí ,yo las recogí  y se dedicó a otras “cosas”, entre ellas la música. Las he conservado y ahora, él puede recuperarlas y quizá recrear viejas ideas o acabar trabajos. Es así de simple. La mirada hacia atrás solo sirve para dar un nuevo empujón hacia delante.  

MERI DURAN EN BERGER GALLERY

jesusmc | 23 Junio, 2011 09:47

La Revolución de Meri. 

  El escritor Günter Grass escribió la escalofriante historia del niño Oscar Matzerath en su novela “El tambor de hojalata” en la que se basó la película de  Volker Schlöndorff en 1978.De la novela y sobre todo por la eficacia visual del cine, recuerdo de un modo especial el episodio de la tribuna. La banda con sus atuendos magníficos y su música heroica ejerce los rituales, acompaña y anuncia el mitin del esplendor nazi .Todo está acompasado y harmónico, todo es orden y energía adulta, masculina, heroica y guerrera, pero entonces Oscar, un niño que se ha negado a crecer , tocando su pequeño tambor de hojalata, desde debajo de la tribuna de la ceremonia, tocando a destiempo, y con un ritmo descompasado y terrible consigue que se genere en la banda el caos más absoluto. Es el inicio del final de la dictadura.

 

    El tambor de Meri Duran no retumba pero sus obras producen el mismo desconcierto en las mentalidades excesivamente rígidas, en las actitudes sensatas de los adultos y propone una auténtica revolución. Niñas de tres cabezas con gesto entre enfadado e ingenuo, niñas de pequeñas manos con cabeza de tubo- periscopio que mantienen el color rosa como emblema de lo femenino, se mezclan con pequeños seres con antenas marcianas, “cocoons” de los que en lugar de insectos salen personitas, seres híbridos entre lobo y mono , bebes envueltos  a la manera egipcia, niños con ultravisión, pactos secretos entre animales y hombres…etc..  Este empeño personal es altamente revolucionario y a la vez amable y muy estético, es ingenuo y perverso, es femenino y siniestro y al hacer esto su obra se enmarca totalmente en las corrientes artísticas contemporáneas en lo que considero como la “revolución de lo menor”.

 

   Los primeros indicios de esta revolución  se encuentran en sus “criaturas de compañía ” un nuevo concepto de lo artístico en el que bajo el dominio de la figuración se detectaban inquietudes de una tendencia hacia un arte dominado por una iconografía algo siniestra que representaba  las heridas en la conciencia , tratadas con el bálsamo de un supuesto infantilismo  repleto de imágenes fabulosas. Alguno de esos personajes se han convertido en objetos utilitarios, tal como sucede con su bolso Bubobag.

     Meri Duran  se ha empeñado en conseguir varios logros revolucionarios. El primero es eliminar la barrera entre el plano y el volumen, traspasando con naturalidad la frontera que separa la ilustración de la escultura, para ello iza  las banderas de colores planos e imágenes gráficas características del estilo “superflat” creando seres inverosímiles, auténticos mutantes llevados a las tres dimensiones, el segundo es su lucha contra los tópicos distanciadores entre arte y diseño y el tercero: el tránsito entre edades, la transición “peterpanesca” entre una edad y otra, que es una inquietud muy actual sobre el paso del tiempo tal como se ha demostrado en las cuatro ediciones de la Feria Internacional de arte contemporáneo de Barcelona: Swab. Entre sus logros se encuentra la superación de las distinciones entre baja y alta cultura , propone salvar la distancia, la  rígida y pretenciosa  jerarquía entre "gran arte" y "arte menor".   Las obras de Meri tienen un poder de sugestión altamente contradictorio propio de la “cosa” japonesa. Tal como sucede con Murakami o en USA con el personaje Stewie de “Family Guy”. Sus esculturas se presentan como unos seres menores capaces de ser entrañables y al mismo tiempo soltarte alguna palabrota en la oreja, su ingenuidad nos muestra las inquietudes y debilidades de los seres adultos y eso las convierte en unas excéntricas  “criaturas de compañía” que esconden en su interior las armas de la revolución.   

Texto de presentación de JMC para catálogo de Meri Duran en  Berger Gallery

hasta el 2 de Julio.

 

MERITXELL DURAN 
"Dins el fang però net i pulit"
 
 
46x43x40 cm
 
Fibra de vidrio y acrílico
 
2009

 

                      

MERITXELL DURAN 
"Ara torno"
 
 
55 diam. x103 cm
 
Fibra de vidrio y acrílico
 
2010

  

                                                                                              

ANTONIO ORTEGA EN TONI TÀPIES.

jesusmc | 20 Junio, 2011 21:51

Antonio Ortega en Toni Tàpies: No me gusta como soy.

     La Complejidad.

  

   Antonio Ortega (1968) explica sus obras con la precisión de un geógrafo que anota y aclara todas las incidencias del territorio: donde hay una cota alta, un valle o una arboleda. Sus complejas obras quedan ampliamente explicadas. Todo tiene su concepto y su lógica. No obstante, esta estrategia creativa contiene el germen positivo del caos que ha irrumpido en el arte contemporáneo como generador de ordenes nuevos.  La complejidad cambia la relación con la obra e incorpora el principio de incertidumbre o de indeterminación.

 

    El término “complejo” se ha incorporado con total naturalidad al lenguaje científico, comunicacional y a las diversas practicas artísticas y críticas: desde las corriente musicales del Arte Sonoro, la música expandida o la  New Complexity hasta artistas como  Ignasi Aballi Andreas Slominski , Martí Anson o Antonio Ortega. Todos ellos son ejemplos de una manera de crear caos a través de la concreción, permitiendo que la razón extrema conviva con el delirio. 

 

   En esta exposición: ”No me gusta como soy”, Ortega empieza por crear un desajuste inarmónico entre el título y lo expuesto. Esta perplejidad es positiva y confirma el método del artista. El modelo de negación y fracaso es citado por él mismo y se refiere a  la mítica serie de la BBC "Caída y Auge de Reginald Perrin". En uno de los capítulos, Reggie abre su tienda loca repleta de cosas feas, espantosas en la que vende: aros cuadrados, vino imposible de beber o pinturas espantosas, un sin fin de objetos que cuando más malos son, más caros los vende, eso sí, si te gustan, Reginald te hace suculentos descuentos. Un absurdo sutil repleto de ironía.

 

    En su gusto por la complejidad y la ironía, Antonio Ortega plantea una de las cuestiones más dolorosas que afecta al ser humano, me refiero al de la reclusión forzosa, por enfermedad o secuestro. En el primer caso a través de tres obras alude a: Picasso, Miró y Tàpies, en los tres artistas la enfermedad fue un paréntesis vital a partir del cual se forjaron los aspectos más determinantes de su potencia creadora, en el segundo, el de Ortega Lara fue secuestrado por ETA en el año 1996 y recluido en un espacio mínimo durante 532 días.

 

   Ortega, el artista, se pregunta con qué criterio estético y con que cosas del catálogo de Ikea habría decorado Ortega, el secuestrado, ese minúsculo habitáculo que reproduce a tamaño real y lo convierte en una escultura ligera. Una broma sangrante que produce “sensu contrario” el efecto de las grandes reflexiones sobre el sentido de la vida. De inmediato el espectador a través de la pureza de la estructura de una forma de aura fría llamada Antonio, y con la eficacia de unas imágenes fotográficas hechas con criterio minimalista, se enfrenta a la belleza de la situación conseguida con tal austeridad monacal y economía de medios que invita a una  reflexión sobre lo esencial en la sociedad de la comunicación, del exceso y de la abundancia.

                          

                

No m’agrada con sóc (cartell) Antonio Ortega Tinta sobre papel 2011

                

No m’agrada com sóc (instal·lació)Antonio OrtegaInstalación 2011

                  

 

 Jaol - Rast Antonio Ortega Fotografía color 2011

                      Jaol - Nit Antonio Ortega Fotografía color2011

 

                    

Jaol - Antonius VerticalAntonio OrtegaFotografía color 2011

MOURE I COMMOURE DE RAIMON AVILA

jesusmc | 05 Junio, 2011 21:30

 

MOURE I COMMOURE DE  RAIMON AVILA.   

 

 

El pasado día 25 de Mayo en la sala Scaner del Institut del Teatre se presento el libro “Moure i Commoure” Consciencia Corporal  per a actors,músics i ballarins de Raimon Àvila.  Lo presentaron Victor Obiols y Antoni Marí. Puede sorprender que lo hicieran dos poetas en el Instituto del Teatre donde Raimón da clases desde hace muchos años en disciplinas y cargos que, aparentemente, nada tienen que ver con la escritura. Pero es que resulta que el autor es uno de los mejores poetas que tenemos en el país y además su trabajo ha sido reconocido con ediciones y premios. Por eso encuentro muy pertinente la elección. Por si fuera poco, en el libro de Raimon, en la segunda página menciona el hecho poético a partir de una citación de Edgard Morin: “El estado poético puede venir dado por la danza, por el canto, por el culto, por las ceremonias y, evidentemente puede venir dado por el poema”.     Puedo asegurar que es el libro del que más ejemplares he comprado en mi vida, lo compro una y otra vez  y lo regalo. Lo hago, porque cada vez que lo obsequio a un amigo tengo la sensación de que su vida puede ser mejor a pesar de no dedicarse al arte escénico, ni tocar el tambor o mucho menos ponerse a dar pasos de ballet por el salón.

    En este libro, Raimon ha concentrado toda su sabiduría acumulada durante treinta años para ofrecerla como un presente benéfico no solo a sus alumnos, sino a cualquier persona dispuesta a cambiar sus rutinas por una conciencia corporal plena. Las reflexiones filosóficas, su brillantez en la escritura se entremezcla con todo tipo de consejos útiles. Esa es la única filosofía que me interesa, la que te ayuda a vivir y a morir.

      Desde el punto de vista de la expresión plástica, el aspecto que nos toca más de cerca, creo que es un libro que puede hacer que los pintores, los escultores o los ejecutantes de performances puedan desplazar el enorme peso de la cabeza hacia el codo, la mano o su columna vertebral y que por consiguiente el gesto pictórico, creativo en general pierda timidez y miedo. Se convierta en una acción vital e integrada de la que surjan formas complejas pero plenas de esencia fenomenológica y con plena complicidad corporal. 

 

SWAB 2011. EL ALGODON EMPAPADO

jesusmc | 29 Mayo, 2011 18:32

SWAB 2011 El algodón empapado.

  

 

En el año 2007 , el algodón clínico estaba impoluto, (esa es la definición que los organizadores dieron a esta palabra fundadora) ahora pasadas cuatro ediciones ya está empapado. Lo que se ha dado en llamar “Low Brow Culture” o cultura de bajo perfil tenía un lugar claro en la escena artística catalana y galerías como ADN, Mito, Igua Pop por ejemplo recogían la tendencia  dominante en esta feria.

 En esta edición la obra resaltada  Swab 2011 es una obra de John Jodzio de la Fred(London)Limited de hace cinco años.

           

  

  Con motivo de la primera edición en el año 2007 de la feria internacional de arte Swab escribí lo siguiente:         

“Las ferias y bienales me interesan para conocer lo que me pasa. La capacidad del artista por captar la esencia de lo que a él le sucede y nos sucede a todos, en cada momento histórico.  Convidado por la sociedad a marcar caminos, indicar sendas, preveer lo que ha de suceder, actúa a través de unos procesos complejos que le exige esa lucidez extrema, y esa es la causa dolorosa de su misión y en esta ocasión se augura la artificiosidad neo-pop teñida de alusiones siniestras y en ocasiones lascivas de una sociedad de artificio, cirugía estética y maquillaje”….

  ….Yo diría que dominaban los usos convencionales de las técnicas artísticas: óleo, carboncillo, los acrílicos, la acuarela, el lápiz, gouache y papeles encolados, aplicados sobre soportes muy diversos, etc . Se que no es muy útil intentar reducir la complejidad de lo artístico a unas brevísimas descripciones y menos aun a tres o cuatro palabras. Creo que percibí una tendencia hacia un arte insertado en lo popular, dominado por iconografías siniestras que representaban manifiestas heridas en la conciencia , tratadas con el bálsamo de un infantilismo  repleto de procacidad y erotismo….       

 

 

……Se que no es muy útil intentar reducir la complejidad de lo artístico a unas brevísimas descripciones y menos aun a tres o cuatro palabras. Creo que percibí una tendencia hacia un arte insertado en lo popular, dominado por iconografías siniestras que representaban manifiestas heridas en la conciencia , tratadas con el bálsamo de un infantilismo  repleto de procacidad y erotismo…  Ahora pasados bastantes años de ese pop surrealista y siniestro de bajo perfil, parece que la Feria quiere abrirse a nuevas galerías y otro tipo de propuestas. Es lógico que sea así, pues una feria que aspira a la permanencia no puede cerrase a una sola tendencia a no ser que quiera correr el riesgo de quedar fuera del tiempo.

Si la feria quiere convertirse en un referente del arte contemporáneo debe reconocer que la propuesta ya se ha saturado, que el algodón está empapado y por lo tanto es lógico que los chicos con probetas de vodka de colores parecieran algo más erráticos que en ediciones pasadas. Que la página web haya generado cierta confusión y que incluso hubiera cierta desinformación sobre el lugar de celebración de la feria. Las banderas que reciben a los visitantes están descoloridas, han perdido la luminosidad colorística de otras ediciones.

 

BOSCO SODI EN CARLES TACHE.

jesusmc | 29 Mayo, 2011 17:20

 

Artículo publicado en el suplemento nº 466 del suplemento Cultura´ s de LaVanguardia(25/Mayo/2011)

Simply Red: Más allá de la Pintura.   

   Bajo el inconsciente se hallan los dominios de la memoria de un artista: su origen, su pertenencia a un linaje, pero también las formas que utiliza o los colores que aplica sobre la tela. El azul de Yves Klein  se encontraba con toda seguridad bajo las capas de sus recuerdos olvidados por la razón y Clement Greenberg  decía que Pollock lanzaba la pintura con un palo tal  como un vaquero domina su lazo.

  

    A Bosco Sodi (México 1978) le sucede lo mismo. Aunque sus obras estén realizadas en Barcelona o en Nueva York, bajo el dominio de su inconsciente se hallan los grandes espacios de su geografía natal, la tierra agrietada o las superficies coralinas del mar en Veracruz, la memoria de la obra muralista de Orozco y de Siqueiros pero sobre todo el poder, la fuerza del color rojo, grana, carmín que recuerda el pigmento sacado de la “cochinilla”,un insecto que una vez seco utilizaban aztecas y mayas en la región de Oaxaca para conseguir un tintado característico y de enorme fuerza terapéutica y simbólica tal como demuestra Amy Butler Greenfield en su libro  A Perfect Red: Empire, Espionage and the Quest for the Colour of Desire”.

 

   Este artista, tras su instalación en The Bronx Museum de una obra de 4m x 12m, y con su próxima exposición en la Pace Gallery,  presenta unas piezas rectangulares, cuadradas y circulares de gran formato en las que el rojo domina el espacio de la galería. El minimalismo monocromático  crea  una auténtica provocación perceptiva que va más allá de la retina y penetra en el espíritu del que mira. Una acción que el artista quiere que sea orgánica, una especie de reencuentro con lo natural y en el que el color transforma  la conciencia.

 

   Bosco Sodi es pintor pero trabaja como un escultor. Monta la tela sobre el bastidor en un primer gesto de reconocimiento de la técnica tradicional, pero lo hace de manera que ya en este primer paso, genera un volumen que con el  tejido tenso  retumba como un tambor ritual con el que empieza una ceremonia pictórica que puede durar dieciocho horas de trabajo continuo. El pigmento mezclado con aglutinantes como el serrín de madera u otras texturas le permite materializar el color en unos grumos  que va esparciendo y modelando con sus manos como si fuera un escultor.

 

   Bosco Sodi va más allá de la pintura pues su magma matérico es auténtica inmersión en lo indeterminado, en el origen. Su obra se encuentra en el territorio de la PRE-FORMA , en lo que Cirlot citando a D´ Ors , define como que”: lo subconsciente es amorfo . Esta obra se halla en lo germinal, en lo  anterior a lo formado, en el enigma de la lava volcánica o de la tierra reseca del desierto. Una fascinación terrosa en la que sus mentores reconocidos por él mismo son Rothko y Tàpies.

    Según la citada Greenfield, el antropólogo Brent Berlin y el lingüista Paul Kay en su” Basic Color Terms: Their Universality and Evolution (1969)” han demostrado que los primeros términos que las culturas han desarrollado con respecto a los colores distinguen entre lo claro y lo oscuro y que si un idioma ha evolucionado hasta el punto de incluir tres palabras que describan colores, casi siempre la tercera palabra se referirá al color rojo y el resto de los colores vienen detrás.

 

 

 

   

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

ENTRE LA INSPIRACIÓN Y EL PROYECTO,LA ZONA INTERMEDIA.JESUS MARTÍNEZ CLARÀ

jesusmc | 22 Mayo, 2011 21:29

    

 

      

 

 

El pasado día 17 de Mayo, presenté mi libro “Entre la Inspiración y el Proyecto. La Zona Intermedia” editado por Edicions de l ´Escola Massana. Este libro recoge los artículos, presentaciones o conferencias que durante años me han propuesto los profesores o los alumnos de la escuela Massana. Es un libro coral en el que todos los textos tienen un destinatario concreto. La amplia franja temporal que representa va desde los albores posmodernos en los años ochenta hasta la actualidad y por eso es un buen reflejo de las circunstancias artísticas y estéticas de una época.El libro lo ha diseñado Ferrán Giménez   y de él son también las 16 obras fotográficas en doble página que  acompañan al texto.    

 La presentación corrió a cargo de Antoni Marí, Raimon Arola, Gabriel y Lluis Doñate que desde la diversidad abordaron la relación entre Inspiración y Proyecto. Al final de las breves intervenciones quise corresponder, a su generosa participación, con una “Performance”. La acción tenía como título: “LLetraferida.”  Consistió en una proyección fija del logotipo de las ediciones Massana en el que se ve un libro atravesado por una flecha. Retiradas las sillas y con el magnífico espacio gótico vacío, los arcos de piedra destacaban poderosamente. Caminando lentamente se presentó en el centro del espacio, el maestro de Kyudo Javier Parrilla que  apareció vestido a la manera tradicional japonesa, llevaba un arco asimétrico de dos metros veinte centímetros en una mano y una flecha de un metro diez centímetros en la otra. Tras un respetuoso silencio, el kyudoka se dispuso a hacer su ceremonial (sharei) previo al lanzamiento de la flecha. Tras los movimientos rituales el arco de abrió en su máxima apertura y la flecha salió con fuerza poderosa y atravesó las páginas del libro que se estaba presentando y que se hallaba sujeto a una “makiwara”, una especie de cilindro horizontal hecho de tallos muy prensados. La emoción fue absoluta. El libro estaba abierto hacia la mitad, en la pág . 136 en la que aparece el artículo:”Moriré Callando o La metáfora en el arte”. La flecha impactó, tal como se ve en la fotografía en la palabra “metáfora”.   

Teniendo en cuenta el contenido del artículo aquí aparecen varias cuestiones de interés. La primera y principal es la inversión del viaje creativo, el arte se mueve bien en la creación de metáforas, casi con la misma dignidad que la poesía. Siempre es la realidad el primer motor que posteriormente se trasciende con el sentido de una metáfora y así, el diseñador Pere Fradera pudo hacer un logotipo para la colección en el que el libro atravesado por una flecha alude al termino catalán “lletraferit”, literalmente “herido por la letra” y que indica aquel que gusta de cultivar la lectura y las letras. Aquí, la letra fue herida por la flecha. Y no fue cualquier letra de cualquier palabra, no, fue herida de muerte la palabra metáfora.  He de decir que este artículo estaba dedicado a Gabriel, Raimon Arola y Carles Hac Mor quienes participaron en la mesa sobre la metáfora y sobre el símbolo en aquella lejana actividad que recogía el texto de 1997 y por esta razón la performance tenía especial interés.  

  Así pues, si el recorrido que conocemos es de la realidad a la metáfora, en este caso, el viaje se invirtió y fuimos de la metáfora a la realidad de un libro atravesado por una flecha.  

CAIO REISEWITZ .AGUA QUE CAÍ .GALERIA JOAN PRATS

jesusmc | 13 Abril, 2011 08:35

 

 

Artículo publicado en el Nº 459 del suplemento Cultura´s de LaVanguardia. 6-04-2011

Venganza  natural.

        Tu me destruyes, yo te destruyo. Parece como si la naturaleza tuviera pensamiento propio. “Agua que caí “es el título de la segunda exposición que Caio Reisewitz (Sao Paulo, 1967) hace en la Galería Joan Prats, en ella encontramos unas  fotografías de gran formato que producen  un efecto puramente pictórico. La primera impresión del crítico, la confirma el artista cuando hace dos años en la Fundación Rosón dijo:  «Monto mi trípode y mi cámara, hago una placa.  Este proceso a veces tarda mucho tiempo y difiere de la fotografía de oportunidad o de fotoperiodismo(que es dinámico, muy rápido, en ese aspecto estoy más cerca de la pintura»

    Su formación en  Düsseldorf  con  Andreas Gursky  y  Thomas Struth  le movió a utilizar el punto de vista frontal, los grandes formatos ,el estatismo y la neutralidad de la imagen, pero a diferencia de ellos, que convirtieron la gran arquitectura urbana en su tema principal , Caio Reisewitz, aplicó estos mismos principios a  sus vivencias de paisajes y a la naturaleza, tal como hicieron los pioneros de la fotografía  brasileña Marc Ferrez y Guilherme Gaenzly. 

    Estos paisajes tienen una doble condición: por un lado, son un motivo de reflexión sobre los problemas eco-sociológicos de su país que por su obviedad no necesitan comentario, y por otro, Reisewitz que ha reconocido una gran admiración por el pintor romántico alemán G. D. Friedrich, nos abre la puerta a una breve reflexión sobre la relación entre lo sublime y la naturaleza en la obra de este artista.     La definición de sublime nace con Edmund Burke hacia 1756 y como buen empirista, trató de explicar los efectos estéticos, la experiencia del arte a partir de las sensaciones que recibimos del mundo real. Reisewitz cuando escoge fotografiar con gran realismo un río o una cascada en el corazón de Brasil hace aparecer algunas condiciones de lo sublime.   La primera condición que aparece es la inmensidad estética de las naturalezas fotografiadas. Los grandes formatos de la exposición concuerdan perfectamente con la pretensión de grandeza y sencillez que definen lo sublime. Surge en el espectador el sentimiento de lo que no puede ser dominado y aparece el terror, el miedo a lo grandioso.

    La segunda condición que observo en los “foto-collages” de menor formato de la exposición es que la pena por la destrucción de lo natural nos produce el miedo a su venganza. La tercera es que cuando el drama se acerca a la realidad, por ejemplo, el desbordamiento del mar, o una brecha profunda en la tierra, tanto más perfecto es su poder para convocar la conmoción y los efectos estéticos. Este es uno de los reproches racionales a lo sublime y es que, muy a menudo, la terribilidad del drama convive con el placer estético.

  Por último, esta exposición  a través de su elogio de lo sublime es un manifiesto en contra del estado de indiferencia. La indiferencia tan vigente hoy en día en el espectador de arte contemporáneo, es la peor de las actitudes estéticas y debe convertirse a través de emociones sublimes en pena, placer, alegría, pesar, pasión, soledad o tragedia.

  

JOSE LUIS GUERIN.LA DAMA DE CORINTO.MUSEO ESTEBAN VICENTE

jesusmc | 13 Abril, 2011 08:09

                

 

 

 

 

 

 

 

 

Artículo publicado en el suplemento Nº 458 de Cultura´s de LaVanguardia.30-03-2011

UT PICTURA KINESIS.

        El relato fundacional de la pintura, narrado por Plinio El Viejo en su Historia Natural, nos habla de Butades de Sición. Su hija, la Dama de Corinto no soportaba la idea de la ausencia de su amado, a punto de marchar de la ciudad; con la luz de una candela y la sombra que proyectaba sobre su amante, la Dama consiguió inmovilizar su figura, trazando el perfil sobre el muro, así pudo conservar su memoria y mantener vivo el amor entre mujer y sombra.    Atento a este magnífico mito, José Luis Guerin ha creado el formato de una “instalación expositiva” a la búsqueda de un tiempo originario y sagrado que funda el nacimiento de la imagen en Occidente. La propuesta se encuentra entre la muestra pictórica y la proyección cinematográfica, tal como ya hizo en “las Mujeres que no conocemos” que presentó en la 52ª Bienal de Venecia en el Pabellón de España  y posteriormente en el CCCB 2008.     Guerin visita el monte Parnaso sobre Delfos y desde allí confirma que en el movimiento de las hojas, en los reflejos del agua de lluvia estancada o en la llama de una vela se encuentran todos los presagios y que ese hecho contiene el latido del mito fundacional de la pintura y también del cine.   

 En esta exposición domina el silencio, el blanco, el negro y las sombras. Unas imágenes presentadas en distintos “cuadros proyectados”, y en los que la joven dama corintia danza  con un cuerpo real y también con una sombra que imita sus gestos pero que no es la suya.  El trazo, la sombra y la memoria, hablan del registro de la verdad en el origen de la pintura. La historia es similar a la que Platón nos transmitió a través del mito de la caverna. Pero la diferencia es fundamental, Platón describe las sombras como falacias de la verdad, puros simulacros que ratifican el artificio de la pintura.  Esta citación es significativa dado que las imágenes figurativas de Guerin ,paradójicamente, las acoge el  museo Esteban Vicente  dedicado a uno de los artistas abstractos españoles más importante.  J. E. Cirlot escribió en defensa de la abstracción argumentando que a diferencia de la figura, esta, se basa en una apasionada necesidad de verdad. En cualquier caso, permanece la pregunta sobre donde reside la auténtica naturaleza de las cosas.    Es importante destacar la aportación de la mirada de José Luis Guerin sobre el arte contemporáneo, pues propone nuevos formatos de presentación de la obra en un tiempo en el que la pintura busca la movilidad cinética y las tres dimensiones. Algunos artistas utilizan la pintura termocrómica que reacciona al calor y muta, otros  investigan con pintura que cambia con la luz,  la fotografía lenticular la hemos visto en ARCO de este año o las nuevas imágenes fijas que  quieren conseguir la ilusión de rotación de formas teseladas, al estilo de las serpientes “kineticas” de Akiyoshi Kitaoka, incluso la incorporación de la tercera dimensión a la pintura al óleo que está realizando Isidre Manils,  tal como pretendía Salvador Dalí con sus estereoscópicas maneras de ver la pintura estática.  

 

Levedad.     

 Los artistas contemporáneos saben que crear un  perfil,  dejar la  huella o crear una sombra son  tres acciones fundadoras del arte.José Luis Guerin nos recuerda en esta exposición  que la pantalla es un lienzo donde se depositan las imágenes evanescentes, casi sombras con luz que transforman tanto la pintura como el cine en una experiencia hierofantica, una pura manifestación mistérica de lo sagrado. Esa levedad icónica, se encuentra por igual en el cine como en la pintura. La pintura se nos presenta como un aquietamiento de las sombras que tienden al movimiento; por su parte el kinetismo que incorpora el tiempo, deviene cinematografía.    En la primera carta visual a Ana Portinari, Guerin busca el principio mirando hacia atrás para iluminar el presente y el futuro, lo hace con  Zeuxis  buscando su Afrodita entre las muchachas de Crotona de F.André-Vincent, continua con el Narciso de Caravaggio, con el Esopo de Velazquez o el Caronte de Patinir.    Imaginemos todas esas obras en el lienzo de un pintor o en la tela de proyección de una película. La visión y la mirada de cada uno de ellos es la misma que la del cineasta. Unos consiguen una mirada escénica y cinematográfica de la pintura y Guerin una mirada pictórica del cine.     

  La misma carta, se inicia con la sombra de una mano con un pincel que aparece fugazmente a contraluz. Sea una sombra, un vapor, una nube, el vaho o una imagen pintada por el pintor, la única huella posible de la realidad física es la evanescencia, la desaparición como el humo en el cielo. Tal como hizo en” Le Collège des Bernardins, Claudio Parmiggiani en 2007, cuando propuso dejar los rastros de cientos de libros quemados en una pared. En Guerin, como en Parmiggiani, las cosas pierden su peso se hacen ligeras, han desaparecido tan solo queda el rastro, la sombra de una transformación. Todas las películas de José Luis Guerin tienen espacios de silencio, la  búsqueda de alguien que ya no está (En la ciudad de Silvia), un paisaje que  cambia (En construcción), un recuerdo familiar o una desaparición (Tren de sombras).     

La lección de las sombras y el silencio que encontramos en esta exposición  favorecen la contemplación, un cine que se presenta mudo por elección, no por deficiencia  del medio como sucedía al principio del séptimo arte. Sombras y silencios ofrecen la posibilidad de una mirada meditativa para que nazca la verdadera contemplación que siempre es interior. Los libros en la instalación de Parmiggiani o las personas en  la de Guerin  han desaparecido ,en un principio, eso parece trágico, pero no es más que la alquimia de la transformación que es una manera de decir que la materia se transforma en espíritu y esa es la esencia del trabajo del artista. 

  

     La realidad de las sombras caen con la fragilidad de los copos de nieve, sutilmente, sobre el espacio blanco: la memoria del amor de la joven corintia o la presencia de la muerte, cualquier cosa, puede depositarse, con suavidad, en la tela de los cuadros o en la pantalla.Hay artistas como el ya citado Isidre Manils que depositan la pintura finamente hasta alcanzar la textura del celuloide, algunos, como Tápies, al  espolvorear pequeñas partículas de materias diversas  o al utilizar la transparencia del barniz, otros al dejar que el tiempo vaya depositando polvo de su estudio sobre una tela tal como hizo I .Aballí. La imagen reposa ligera y suave en la superficie de la tela pintada o en la pantalla blanca proyectada.   

 

Visiones. Las imágenes mudas de Guerin no quieren ser un instrumento al servicio de la narratividad, sino un valor por si mismas, y eso exige del espectador una máxima concentración en los detalles, una atención casi litúrgica, casi sagrada. El secreto que conllevan la sombra y el silencio atentan a la sociedad de la comunicación, son heréticas y lo son porque indican un espacio meditativo en una sociedad intoxicada por el exceso de información y el ruido.    Cuando Guerin dignifica la superficie de la pantalla desde donde sale la luz, está diciendo que desde esa superficie blanca se revela una imagen hacia el espectador que debe saber interpretar.     

 El cineasta se pregunta en esta exposición ¿porqué no han llegado hasta nosotros los restos de la extraordinaria pintura griega: el Sátiro de Protógenes, las Venus de Apeles, la Danae de Nicias o la Leda de Glaución?  Sabemos de su existencia por testimonios escritos, pero todas han desaparecido.  Sin embargo influyeron en la creación del imaginario renacentista, neoclasicista e incluso contemporáneo.     La pintura en lo que tiene de ilusorio, de efecto distorsionador de la percepción favorece las visiones, la analogía y sustituye lo real por su sombra. En esa elección, Guerin reconoce, por igual, el mito fundacional del cine que el de la pintura, un mito idóneo desde donde pensar y soñar la pantalla como lienzo sobre el cual podemos imaginar como podría llegar a ser aquello que no conocemos.          

 

 

PEP DURAN ESTEVA EN CAPILLA DEL MACBA: UNA CADENA DE ACONTECIMIENTOS.

jesusmc | 12 Abril, 2011 09:10

PEP DURAN ESTEVA EN CAPILLA DEL MACBA: UNA CADENA DE ACONTECIMIENTOS. 

 

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Richard Meier

 

 

 

 

 

 

Paolo Soleri

 

 

 

 

 

 Pocos escritores ven, en vida, escritas sus palabras en materia sólida, en hierro, mármol o cerámica. Francisco Ferrer Lerin, sí lo ha visto. Sus textos escogidos dicen: 

 

 

I. Son raros los lugares sagrados que no disponen de un monstruo apostado en la entrada; es el doble aspecto del símbolo, la conclusión del gesto del rayo.   

 

 

II. Hay un friso, moral y saludable, como freno al bisonte, al recurso de carne y cuero, que cierra el flujo: letras cáusticas que marcan el final del universo.  

 

 

III. La sangre es la vida, de hecho el vehículo de la vida, de la vida de los metales y del presagio de la lluvia. 

 

 

 

    Ante tales propuestas, el discurso crítico queda deshecho, desnaturalizado, de la herida producida por tal poderío analógico, no pueden brotan más que palabras torpes o similares metáforas. Solo cabe hablar de la luz blanquecina que entra por las ojivas góticas de una capilla laica, en el que la cultura ha instalado un altar laico, con un retablo laico de color lechoso en él que las formas dúctiles del barro se cuecen con la alta temperatura de la cerámica. Ha ajustado su propuesta al espacio que la acoge.   

 El laicismo y la desamortización han convertido iglesias y conventos en lugares de ocio, cultura o manduca. En el Ventorro San Pedro Abanto que está situado en el alfoz de Segovia y enclavado en un cruce de caminos, en un lugar de máxima temperatura religiosa. La tierra de San Juan de la Cruz, hasta el siglo XIX y desde 1486 se mantuvo el culto en esta antigua Iglesia Mudéjar y Convento de San Juan de Requijada tras lo que se convirtió en parada y fonda de arrieros: hoy del artesonado cuelgan por doquier, pringosos jamones. Dicho sea que en las piezas cerámicas de Duran Esteva me ha parecido ver algún jamoncillo de pavo, junto a sombreros, granos de café, panes y otros indicios alimenticios.     No debe extrañarnos esa preocupación nutritiva que se convoca en los espacios litúrgicos, pues en ellos no se da otra cosa que la ingesta del cuerpo de Cristo y la bebida de su sangre.   

   En sus textos, en primer lugar, Ferrer Lerin menciona el  monstruo apostado en la entrada. Un grupo de placas cerámicas están pintadas con los colores enrarecidos de lo cotidiano, de la vida vulgar, con los tonos terrosos, ofuscados del mal de vivir que debe transustanciarse, transformarse para alcanzar la blanca luz del espíritu . Una alegoría al cambio necesario que se produce en el espacio en el que se convoca lo divino. De la cruda materia al oro resplandeciente.  En segunda estancia la alusión al retablo como lugar salvífico que nos aparta de la bestia y la condena. En tercera una directísima alusión a la sangre de cristo como redención y vida.   

Si me dejo de interpretar y tan solo miro, veo cuatro franjas de 15 elementos, un total de sesenta piezas cerámicas que crean un número, provocan repeticiones y  ritmos en los objetos, a tres a dos, a cuatro forman el retablo laico  junto a  la pieza escrita. La estructura posterior no se esconde, el soporte oculto es tan importante como el que vemos al llegar. La complejidad y precisión del cálculo matemático convive con la atmósfera indeterminada de la fe. 

Ç

Veo también  a Paolo Soleri en Roma  visitando en Abril del  2008  “Dives in Misericordia”, la famosa iglesia diseñada por el arquitecto, también constructor del Macba:  Richard Meier. En ella la mezcla de cemento y mármol dan la característica tonalidad blanquecina que el retablo de Duran Esteva y el Macba ya poseen. Soleri es un arquitecto visionario que intuye formas que nadie ha visto y las  construye en su proyecto Arcosanti, una ciudad experimental en el que misticismo y arqueo-ecología  desarrollan  su ciudad en medio del desierto de Arizona.

 

 

Pep Duran Esteva es un escultor, pintor, artista de assemblage, escenógrafo del arte catalán, tal como Tadeus Kantor lo era del arte polaco. Su interés por la arquitectura y el espacio tiene carácter escenográfico en el buen sentido de la palabra, aunque su estrategia con el absurdo es muy diferente del genio de Wielopole Skrzyńskie. Lugar de su nacimiento.

    Duran Esteva utiliza la acumulación como estrategia caógena del absurdo, recuerdo alguna instalación en la que aparecían barras de pan apiladas, cajas con clavos, apilamientos de ropa blanca que parecían sudarios, entonces pensé que era una estrategia material de superposiciones y apilamientos pero ahora, ante esta nueva propuesta acumulativa y visto este retablo laico no puedo interpretarlo más que como una alegoría contemporánea de la oblación crística.    

GUEST DE JOSE LUIS GUERIN EN CINEMES GIRONA

jesusmc | 26 Marzo, 2011 20:25

                 

jose luis guerin

FICHA TÉCNICA DIRECCIÓN JOSE LUIS GUERIN GUION JOSE LUIS GUERIN FOTOGRAFIA JOSE LUIS GUERIN VESTUARIO: AMY WESTCOTT,ANGELA MIRABELLA,JARED B.LEESE,NICCI SCHHINMAN,REBECCA HOFHERR MUSICA GORKA BENITEZ  MONTAJE PEPE TITO 

Sala: 2
Calificación: apto todos los públicos
Nacionalidad: España
Duración: 127'
Versión: VO castellano (con algunos pasajes en francés, inglés, chino, árabe) subt.

 

GUEST, el nuevo largometraje del definido por la crítica como “documentalista atípico”:  José Luis Guerin.
Tras su exitoso paso por los festivales internacionales de Venecia y Toronto, y exhibirse en nuestro país dentro de la sección Zabaltegui-Especiales, la película GUEST, la nueva obra del director de En construcción (Premio Especial del Jurado y el Premio FIPRESCI en el Festival de San Sebastián, además del Premio Nacional de Cinematografía), En la ciudad de Sylvia (Festival de Venecia), Tren de sombras (Festival de Cannes), Innisfree (Festival de Cannes) y Los motivos deBerta (Festival de Berlín), llega por fin a la pantalla grande de CINEMES GIRONA.

 

“Guest” tiene la forma de un diario de viaje. A lo largo de un año, aproximadamente, se da cuenta de los diferentes encuentros, retratos, observaciones, descripciones, pesquisas, crónicas y pequeños sucesos que jalonan los días pasados en Vancouver, Bogotá, São Paulo, La Habana, México DF, Nueva York, Boston, París, Tubinga, Lisboa, Hong-Kong, Macao, Seúl, Varsovia, Jerusalén… Estos pueden adoptar la forma del apunte fugaz o la del desarrollo secuencial, el registro de “cine-directo” o el “film-poema”.

 Bajo el trenzado aparentemente azaroso de estos apuntes se dibujan líneas temáticas, personajes recurrentes, relaciones de causa-efecto, que parecen sostener una trama subterránea.En cada uno de estos fragmentos late una película; la situación, el conflicto, el personaje que debería gestarla. “Lo observado” se manifiesta como estadio primero, esencial e inagotable del cine.

Su trasfondo: los festivales de cine que, como se irá advirtiendo, son quienes activan y pautan este itinerario por ciudades, a través de sus invitaciones.

  

EL DIRECTOR JOSÉ LUIS GUERíN.  

  José Luis Guerín (Barcelona, 1960) es director de cine español, uno de los más representativos en España del llamado "cine de autor". Su obra destaca por su carácter esencialmente visual, su lenguaje reflexivo y poético y su estilo claro y sencillo. En muchos de estos aspectos entronca con la de Víctor Erice. Tras su exitoso paso por los festivales internacionales de Venecia y Toronto, y exhibirse en nuestro país dentro de la sección Zabaltegui-Especiales, la película GUEST, la nueva obra del director de En construcción (Premio Especial del Jurado y el Premio FIPRESCI en el Festival de San Sebastián, además del Premio Nacional de Cinematografía), En la ciudad de Sylvia (Festival de Venecia), Tren de sombras (Festival de Cannes), Innisfree (Festival de Cannes) y Los motivos de Berta (Festival de Berlín). Guerín, tras un largo periodo de experimentación y formació'n autodidacta con el cortometraje en su adolescencia y temprana juventud, que transcurrieron durante la transición política española, en 1983 realizó su primer largometraje, Los motivos de Berta, que si bien fue premiado en el Forum de Berlín, no consiguió llegar a un gran público. Su carrera artística se resume, entre cortometrajes: La agonía de Agustín (Super 8, 1975), Furvus (Super 8, 1976), Elogio a las musas (Super 8, 1977), El orificio de la luz (Super 8, 1977), Film Familiar (Super 8, 1976-78), La dramática pubertad de Alicia (Super 8, 1978), Memorias de un paisaje (16 mm, 1979), Diario de Marga (Super 8, 1980), Naturaleza muerta (35 mm, 1981), Apuntes de un rodaje (16 mm, 1982), Retrato de Vicky (vídeo, 1982)

Entre sus largometrajes tenemos: Los motivos de Berta (35 mm, 1983), Innisfree (35 mm, 1990), Tren de sombras (El espectro de Le Thuit) (35 mm, 1997), En construcción (35 mm, 2001), En la ciudad de Sylvia (35 mm, 2007), Unas fotos en la ciudad de Sylvia (vídeo, 2007).

 

 PRENSA:

La prensa ha dicho de GUEST

  "Una película redonda de un cineasta irrepetible". Oti Rodríguez Marchante, ABC

 

 

 

    "Una película pequeña y memorable, heredera de los libros de viajes, los recovecos humanos y la asombrosa mochila cinéfila de un hombre que huele a celuloide".  Toni García, EL PAIS.  

 

 

 

 

  "El milagro de la belleza en la pantalla. El milagro de la inteligencia: su mirada y su trazo. Una vez más, Guerin cede su objetivo a los desposeídos y vuelve a humanizarlos, en un acto de justicia y de ternura que, sin embargo, no tiene nada de panfleto ni peca de ternurismo." Ruth Toledano, EL PAIS.  

 

 

 

 

 

 "Es cine puro: cine de tránsitos, cine itinerante, cine de alguien que siente curiosidad por el mundo, por estable¬cer rimas consonantes con personas y ciudades."Sergi Sánchez, LA RAZON.

 

 

 

 

 "En poco más de dos horas, el espectador asiste deslumbrado a la perfecta escenificación de un rito extraño y milenario semejante a la caza, la captura de personas, rostros, conversaciones. ( ... ) la película se convierte en manifiesto; en proclama a favor del cine sin apellidos. No es simplemente un documental, no es simplemente una ficción, es, simplemente, cine".  Luis Martínez, EL MUNDO.  

 

 

 

 

 "Guerin recupera en Guest el tono de En construcción". Salvador LLopart, LA VANGUARDIA.    www.cinemesgirona.cat / te!. 931184531 CI Girona nO 175, BARCRONA ( HI;TRO: L4/L5 Verdaguer i L3 Diagonal)

 

 

 

  

patricia gómez- mªjesús gonzález TIEMPO MUERTO

jesusmc | 12 Marzo, 2011 18:41

          

 

 

Artículo publicado en el suplemento nº 455  Cultura´s de LaVanguardia(9-3-2011)    

   Hace tres años, conocí el trabajo de Patricia Gómez y María Jesús González en la Casa Encendida de Madrid. Unas telas dobladas pulcramente sobre un “palet” de madera recogían los estratos con dibujos, huellas, rastros y grafitos hechos por los presos y trasladados a la tela mediante un proceso similar al que utilizan los conservadores de museo para restaurar las pinturas murales del arte románico.  Ahora su” Proyecto para cárcel abandonada” se ha realizado en dos muestras, una en  la antigua prisión de Palma  que se expone en la Fundació Pilar i Joan Miro. Y la segunda en Raiña Lupa donde se presentan también diez fotografías, 1 Arranque mural original de dos estratos en los que entre otros aparece un dibujo a lápiz de un Cristo crucificado a escala natural, más un texto original de John Berger.

     En estos tres años se han señalado de esta obra los valores de la memoria, la función de archivo psico-social, se ha dicho, tal como escribió John Berger que aquí: ”las paredes hablan”,o  se ha enfatizado,  como ellas mismas dicen, la condición individual y trágica del preso.:”500 celdas iguales y todas ellas diferentes”.

   En esta ocasión quiero poner de relieve la condición temporal de su obra ya que de forma complementaria, las artistas han realizado una edición en los talleres de obra gráfica de la Fundación y un taller con los internos de la antigua cárcel de Palma titulado: «¿Tiempo Muerto?»

  

    Desde sus “Casas abandonadas” del  2002, pasando por su viaje por los estratos 1, 2, 3(1993-1903) en su obra “Celda 163” de la cárcel de Valencia , hasta la actual propuesta, todo su trabajo esta impregnado del sentimiento angustioso del registro del tiempo en las capas de los muros. Su búsqueda deconstructiva las emparenta con las propuestas modernas de los “site-specific” que en la década de los 70 hizo el artista Matta-Clark sobre espacios arquitectónicos anarquizados. Pero también, estas dos artistas, formadas en el arte del grabado, han seguido las huellas de las Carceri d´Invenzione (1750) de G.B. Piranesi actualizando sus fantasías románticas sobre las prisiones.

    La melancolía del prisionero es similar a la del poeta. Aparece cuando se produce una disonancia, una desarmonía, un ritmo trastornado entre el afuera en el que todo sucede con un ritmo vertiginoso, ruidoso y el adentro en el que domina la pasividad y el silencio. El color negro del luto melancólico aparece en la persona libre con la vida y en el prisionero con el tiempo muerto que pasa entre las paredes de una celda. Oye caer con lentitud exhausta la gota de agua de una cisterna oxidada y mientras él “grafitea” sobre el muro de la prisión nosotros lo hacemos sobre el de “facebook”.

   Durante dos semanas, los presos han tipografiado sus almohadas de espuma con frases de disculpa como: “yo no estaba”, de pregunta sobre el sentido de su situación:” ¿para qué sirve esto? “o con indicios claros de tristeza y melancolía : “tengo sueño, quiero irme a casa”.El prisionero constata que los instantes se suceden día a día, percibe como su vida escapa a través de los muros de la prisión. Estas propuestas indican al preso y al paseante que mira la necesidad de buscar la concordancia entre el tiempo interior y el exterior, aquel que lo consigue se le llama un ser totalmente libre entre las rejas.

      

 

 

 

    

 

 

  

   

JOAN FONTCUBERTA TIENE DEMASIADOS AMIGOS

jesusmc | 01 Marzo, 2011 13:40

JOAN FONTCUBERTA TIENE DEMASIADOS AMIGOS

      

Uno, que está metido en harinas varias, no atiende de momento como es debido este blog, y algún otro que tengo por ahí desde hace tres meses. Pero aunque sea brevemente, no puedo dejar de intervenir , momentáneamente, porque me ha sucedido algo fantástico, algo insólito.

Reconozco que no soy ducho en redes sociales, sin embargó acepté la invitación que me hicieron desde la Asociación de Críticos de Arte a la que pertenezco y pequé. Quiero decir entré.

  Al principio, timidamente, pensé que lo mejor sería tener  pocos amigos y muy ligados a mi profesión. Eso dejaba fuera cualquier relación con la familia  y cualquier otra citación comprometida respecto a mis cosas. Pensé que debía ser selectivo y he acabado haciéndome un lío en el que aparecen nombre y más nombres de personas que no conozco o lo que es peor  que quizá nunca conoceré.            

 

    Dentro de mis espontáneos escarceos con el muro de rostros, me he hecho amigo de algunos intencionadamente, quiero decir por voluntad propia. Uno de ellos ha sido Joan Fontcuberta, no porque sea amigo suyo, sino más bien porque escribí un artículo sobre su exposición en la galeria Mayoral en el periódico La Vanguardia.

     Mi sorpresa ha sido de rabia y estupefacción cuando me ha rechazado.

     Ese es un momento mágico de Facebook, cuando te aceptan o te envían a freír puñetas. No quiero decir que Fontcuberta haya apretado el botón de mi condena sino algo peor y es que la respuesta automática que da Facebook es:

 

 

 LO SENTIMOS, ESTE USUARIO TIENE DEMASIADOS AMIGOS.

  

Bueno, yo no podía creerlo. Ante la sospecha de que yo iba a tener 12 0 14, pues resulta que Joan Fontcuberta tiene 5.000 amigos. Este exceso es intolerable, es una provocación a mi sentimiento profundo de la amistad. Unos tanto y yo tan poco.

  

Creo que tendré que aprender a disfrazarme. La ecuación puede funcionar: tantos disfraces, tantos amigos como el Zelig de Woody Allen.

 

FESTIVAL DELICATESSEN BCN ´10 EN GALERIA H2O

jesusmc | 17 Noviembre, 2010 11:30

FESTIVAL DELICATESSEN BCN´10 EN GALERIA H2O

  

El 16 de Octubre en el jardín de la galería H2O se celebró el primer festival Delicatessen con la idea de proponer intervenciones breves-buenas-intensas. Creo que Barcelona es una ciudad propicia para este tipo de propuestas. Desde la lejana atracción que la ciudad tuvo para artistas como Duchamp,Picabia o Arthur Cravan, pasando por liderazgo escénico-poético de Brossa y la luz roja irradiada por Carles Hac Mor  se ha creado un xup-xup que mantiene la olla en permanente ebullición.

  

Video:

                        

  

Artistas participantes.

  Alberto García Demestres Poeta, compositor, locutor. Deixeble i amic del poeta i crític literari Ignacio Prat. Ha intervingut en nombrosos festivals de música i trobades de poesia per tot Europa. Té publicats 18 CD’s de la seva obra. www.demestres.es    

 

 

 Dr. Flo Actor i DJ de LA FURA DELS BAUS i KIKU MISTU. Fundador junt amb Mikel Molina del grup de fusió TZABOO (DRO A Time WARNER Co), creadors del TzabooRagga i el HipHopHup. Personatge mediàtic i Mestre de Cerimònies MC. Disc Jockey. Artista plàstic i vídeo-creador. Model publicitari. Membre del jurat de POPSTARS, TODO POR UN SUEÑO (Tele5). www.myspace.com/Doctor_Flo.   

 

 

 David Ymbernon Artista visual que treballa amb diferents mitjans, premiat en diverses ocasions. Participa en festivals internacionals i d’altres esdeveniments artístics amb disciplines com ara màgia, poesia, pintura, arts escèniques, cuina… Posseït pel color taronja, tot el que fa se submergeix en una estètica personal difícil de definir.

 

 

 

    Cristina Casanova i Andrea Contino [KTON Y CIA] Cristina Casanova i Andrea Contino són els responsables de KTON Y CIA, entitat amb la qual treballen en creació multimèdia, música, direcció escènica i aplicacions online. www.ktonycia.com | www.instalacionespedagogicas.net     

 

 

 

Leo Bettinelli Compositor musical, improvisador i performer. Involucrat en l’escena de la música experimental i la improvisació, ha editat 7 àlbums en aquests corrents i 2 de música popular fusionada. Ha organitzat cicles de música i art a Buenos Aires i actualment organitza el festival Niños Consentidos (BCN). www.leobettinelli.com.ar    

 

 

 

 Meritxell Cucurella-Jorba [tx] El dígraf del desitx. Dues lletres per a un sol so. Poeta. No poetessa. Diu. I calla. Diu. I calla. Dirà que deia i que segueix dient… www.deldesitx.net

 

 

    Joaquín Jara  és un artista multidisciplinar. Totes les seves facetes, des de la intervenció en entorns naturals i urbans fins a la pintura, passant per l’escultura i les pel·lícules experimentals, conflueixen en un objectiu comú: entendre el procés de creació del retrat com a obra. www.joaquinjara.net    

 

 

 

 Anamor [José Antonio Delgado] Anamor és un cantant, un performer i un actor que no troba el seu paper. Un ésser a-identitari que es relaciona simbiòticament amb les experiències d’altres persones i s’alimenta d’elles creant una entitat multifacètica. Anamor: entre l’amor i el desamor, entre ser a partir d’altres i la personalitat múltiple que es defineix sent… www.anamor.es     

 

 

Sergi Quiñonero Poeta visual, editor i performer des de 1993, Llicenciat en Psicologia i Educador social. Ha publicat diversos llibres (p.e. Recerca 1968. Pont del Petroli, 2009). Exposa individual o col·lectivament i se’l pot veure sobre els escenaris recitant i executant accions poètiques. Ofereix xerrades i conferències.   

 

 

 

  Joan Simó Víctima, llei, violència, masclisme. Codirector amb Albert Vidal. Expulsat del programa El diario de Patricia d’Antena3 i censurat a Telecinco. Creador de l’obra Quiero ser normal.  

 

 

  Joana Brabo De formació grafista i il·lustradora, al 2006 inicia el seu projecte de micropoesia EN3PALABRAS, la qual materialitza en forma de xapes, fent així que la màgia del llenguatge s’instal·li a la solapa transmetent conceptes, sensacions, estats d’ànim, voluntats… Combina l’activitat de microempresaria amb recitals en directe de creació pròpia… www.en3palabras.com   

 

 

 

 Felix Brunet Premi Nacional Francès (Associació Francesa de les Arts Prestidigitadores). Premi Nacional Espanyol de Grans Il·lusions (Sociedad Española de Ilusionismo). Premi “Pont de Plata” (Ajuntament de Besalú). Reconeixement del Cercle Màgic (Associació de Mags i Il·lusionistes Catalans). Reconeixement de contribució a la Màgia a Mèxic (Associación de Magos Queretanos). Ha realitzat més de dos mil espectacles en vuit països i els pot realitzar en cinc idiomes. www.mcfelix.net     

 

 

 

  

ACCA: VI SIMPOSIO INTERNACIONAL DE CRITICA DE ARTE

jesusmc | 12 Noviembre, 2010 21:56

   Pep Agut : auras calientes para el apóstol de las auras frías. 

 La  Asociación Catalana de Críticos de Arte ha organizado el VI Simposio Internacional de Critica de Arte en un mundo global con el título de :”Alter Modernidad y Espacio Global”.

  En esta ocasión el programa oficial tiene dos partes: la primera el primer homenaje profesional que se hace al crítico de las auras frías José Luis Brea y en segundo lugar, el simposio propiamente dicho , en el que se trataran los siguientes temas:”Promenades Muséales”: cine, museo y la proyección de la intimidad pública”,”Arabian Stars”: Un dialogo entre William Jeffett y Jordi Colomer, El cuerpo fragmentado de la ciudad contemporánea ( el Hong Kong de Wong Kar Wai), El impacto de la mediación electrónica en la creatividad global, Contexto y Traducción  y  Arte/postcolonialidad: rediseñando el debate desde la transculturalidad.

    Pep Agut en su Taller  

 

 

 

Pese al riguroso planteamien académico del simposio,el primer episodio  ha estado marcado por un suceso insólito.    El artista Pep Agut  participaba junto a Miguel Angel Hernandez, Juan Martin Prada y Juan Luis Moraza en una mesa redonda moderada por Pilar Parcerisas, justo al final de la sesión de tarde de este viernes 12 de Noviembre. Cuando los argumentos de los profesores Juan Martin Prada y Miguel Angel Hernandez aun resonaban en la sala con el eco críptico de la terminología hiperculta de unos analistas que querían estar a la altura de la complejidad intelectual que los tiempos modernos exigen y que el mismísimo Jose Luis Brea habría avalado.

 

 

El primero en intervenir fue Pep Agut, era el momento de abrir los discursos complejos, los elogios fúnebres tintados de aura fría como correspondería al homenajeado, el momento de hablar de las tres eras preconizadas por José Luis, era el momento del abrazo con lo mineral, era el momento de hablar de memoria Ram, Rom y Rem, era el momento de desplegar las retóricas de la resistencia de ejercer la potencia de los estudios críticos frente al triunfante“ capitalismo antihegemónico por parte de los integrantes de la mesa, y sin embargo Pep Agut que debía hablar el primero no lo ha podido hacer porque la emoción y las lagrimas anudaban su garganta. Ha pedido excusas y ha cedido la palabra al resto de participantes.  En ese momento ha sucedido el milagro, ha aparecido la esencia misma de lo artístico y la historia se ha acomodado al propio discurso de José Luis Brea, ha sucedido que se ha hecho realidad la predicción del crítico cuando escribió : “Muévete hacia mi le dijo el PENSAMIENTO a lo que  ACONTECE.   

 

 

  

 
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