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IN-EDIT.WILLIAM S. BURROUGHS: A MAN WITHIN

jesusmc | 31 Octubre, 2010 22:09

IN-EDIT .WILLIAM S BURROUGHS: A MAN WITHIN 

 

 

                         

 

Un año más , con las lluvias de Otoño, las castañas  y los boniatos   perfuman la esquina de los cines de la calle Aribau con Universidad, llega el Festival IN-EDIT-Beefeater de cine documental musical de Barcelona. Va por la 8ª edición. El otoño es un buen momento para la nostalgia y cada año tengo ocasión de hacer memoria y poner música a los recuerdos. También es momento de descubrir músicos de los que no conocía absolutamente nada y de constatar hacia donde camina la sensibilidad contemporánea ,es momento de saber hacia donde vamos.

 Ayer empecé las sesiones del festival de la mano huesuda y desnuda de William S. Burroughs. La “beat generation” está siempre  presente en este festival: Kerouac, Ginsberg o Burroughs acaban saliendo en la pantalla, recordándonos el horror , el aullido y la muerte desde el que se forja gran parte de la música contemporánea que nos gusta. En esta ocasión ha sido con el  documental de Yony Leyser con música realizada especialmente para la obra por Patti Smith y Sonic Youth, junto a esporádicas apariciones de  Laurie Anderson, Iggy Pop, U2, incluso del inocente Sting, todos ellos confirman la adoración que la cultura musical tiene hacia este maldito escritor.   La película documental de 88 minutos es una “premier” del 2010 y su director ha hecho un repaso impecable, casi didáctico, por todos los capítulos  de la vida y de la obra del “tio Williams”,tal como él mismo Burroughs se nombra en la declaración introductoria a su “Naked Lunch” (1959). Un tío que estuvo rodeado de jóvenes sobrinos  hasta el momento de su muerte en 1997.La gran cola de entrada al cine , así como la juventud del director, confirmaba el interés permanente de nuevos lectores desde la publicación castellana de “Almuerzo Desnudo” en Anagrama en 1989, este libro ha tenido una reedición anual que ha llegado a la veintena de  reediciones en la actualidad. En ese rito periódico, cada año jóvenes y potenciales sobrinos conocen a través de sus libros el mundo abisal del infierno , un descenso que pueden continuar con lecturas del  respetable anciano como: Yonqui(1953), Marica(1985),   o Las cartas sobre la ayahuasca que se cruzó con Ginsberg(1963). 

 

 Contra Burroughs. 

 

 

      William S. Burroughs deja de ser una curiosidad intelectual  cuando más allá de la corrección crítica y de la valoración sobre la importancia de su obra o su modelo de vida, se acaba comprobando que el testimonio cinematográfico nos muestra cómo su vida era un espejo idéntico de su obra. A través de tantos años consiguió ser un  yonki superviviente pues ,tal como alguien dice en el documento, siempre era el  primero en usar la jeringuilla y mientras los demás sucumbían a lo que el mismo consideraba un invento de laboratorio y causante de la gran  peste del siglo XX, mientras su amigos caían rendidos por el Sida, él seguía viviendo como un yonki extrañamente longevo y satisfecho. Coleccionista de pistolas no sólo las tenía, sino que siempre tenía una  cargada bajo la almohada por si debía matar nuevamente a sus fantasmas. Matarlos  tal como hizo con su mujer al ponerle un vaso  sobre la cabeza y jugar puerilmente a Guillermo Tell. La cabeza le estalló como una manzana madura. Sin sentimiento de culpa alguno se dirigió sin escrúpulos a su próxima victima : su hijo Williams Burroughs III que queriendo emular el  comportamiento de su padre y buscando la inspiración que le faltaba en la bebida y las drogas murió a los 32 años.     Los hijos de la genialidad sufren las consecuencias de la alta creación  de sus padres son las víctimas sacrificiales del rito del arte.  Sobre esto, hace unos años escribí un poema en prosa que se llamaba : Muerte en  Barcelona. Lo escribí como reconocimiento a los excesos del cineasta  Jacinto Esteva y como homenaje a la serenidad de su hija Daría:  

 

  No quiero olvidar aquel día en el que ebrio de ti, como siempre, disparaste contra el radiador de agua. Tu “magnum” lo destrozó , el vapor se esparció por toda la casa. Aun veo  las brumas, sus sombras.Disparaste contra todo. Elefantes, amantes, hijos, cuadros, puertas y radiadores de agua. De tus perturbadas dotes de artista sólo te queda una bolsa del Corte Inglés con las cenizas de tu hijo. Con algunas de sus cosas y la soledad del aeropuerto y el vapor de agua. Sólo he escrito una vez  contra ti, contra Jacinto, en un arrebato de ira, en un pensamiento sobre la muerte, y me quedo aquí, admirando la serenidad de tu hija Daría.   

 

 

La  prudencia en el arte.

 

 

  Me imagino a un espectador maduro, alguien que  conoce en carne propia las intensas y emocionantes historias que narra  esta película y que cuando  regresa a su casa  se encuentra a su hijo tirado en una cama revuelta con los rastros de una noche de amor con una desconocida y con el desorden adolescente propio de la vida recién inaugurada, ahí se respira  la atmósfera opresiva del tigre en la jaula, se  lo encuentra, tal como hizo él hace tantos años, leyendo los últimos  capítulos de  una nueva edición del “Almuerzo desnudo” con la guitarra eléctrica en un rincón de la habitación. Las escenas de la película vienen de repente aglomeradas a su cabeza, el reguero de sangre y dolor que el “tio Williams” dejó tras sí, y entonces no puede hacer otra cosa que empezar a revisar los cimientos sobre los que se ha construido la mítica romántica del artista como apóstol del exceso, y muy especialmente la vida de los músicos de rock. Entonces  llevado del miedo y la compasión se convierte en  la encarnación misma de Prudencia:

Prudencia : esa mujer rica, vieja y fea que es cortejada por la incapacidad. 

Entonces recuerda los conocidos versos  de los Proverbios del Infierno de William Blake: Conduce tu carro y tu arado sobre los huesos de losmuertos. El camino del exceso lleva al palacio de la sabiduría. Prudencia es una rica vieja y fea mujer cortejada por la Incapacidad. 

 

El riesgo de la Prudencia es obvio y ya lo sabía Blake en el siglo XVII cuando decía que :  Aquel que desea pero no actúa alimenta la Pestilencia. Nunca el águila malgastó tanto su tiempo como cuando se avino a aprender del cuervo. 

 

 

La prudencia y el amor  abren el camino del medio. Un camino más adecuado para caminar, a veces lentamente, otras apresuradamente pero sin los sobresaltos autodestructivos propios de la pasión desatada. La esperanza de una vida basada en el amor es de los últimos pensamientos  que escribió el tio Burroughs, unas palabras póstumas, un auténtico testamento vital de alguien que al final de su vida añoraba el valor de los valores; la carencia del amor llevó a este joven heredero de una empresa de maquinas de calcular formado en Harvard a vivir constantemente al borde del acantilado. ¿pero acaso no tiene más prestigio la aventura, el suceso frente al nunca pasa nada? Sé que al leer esto un puñado de amigos estarán un tiempo sin hablarme. La poética del exceso es siempre atractiva, tanto para artistas  jóvenes como para mayores, la búsqueda de la templanza suena a autoayuda y la calma que los franceses anuncian incluso en las autopistas: “soiyez zen”, un perfecto aburrimiento positivo a la espera de la armonía y el amor.        

CAOSSONOSCOP: ZEPPELIN 2010 SONIDOS EN CAUSA

jesusmc | 31 Octubre, 2010 10:49

Convocatoria Zeppelin 2010. Seminario – Taller Sonidos en Causa
6 – 11 de diciembre de 2010

Zeppelin 2010 se complace en anunciar la convocatoria para el Seminario - Taller Sonidos en Causa dirigido a artistas y creadores, que tiene como finalidad estimular el interés por el paisaje sonoro como elemento básico de la creación artística musical y el acercamiento a parte del patrimonio inmaterial latinoamericano. Como inspiración y punto de partida, Sonidos en Causa pone a disposición de los participantes su base de datos, resultado de los recorridos a través del Trapecio Amazónico (Brasil, Colombia, Perú), Costa Rica y Argentina.

En esta ocasión, Zeppelin contará con invitados tan especiales como Gonzalo Bifarella (Argentina), Manuel Rocha (Mexico) y Xabier Erkizia (Euskadi), quienes nos orientarán durante las tomas de contacto con la base de datos y a lo largo de las discusiones del seminario. Al mismo tiempo, realizarán intervenciones sonoras los días 9 y 10 de diciembre.

Los participantes en el Seminario – Taller prepararán durante los días 6, 7 y 8 de diciembre una intervención colectiva que tendrá lugar la noche del 11 de diciembre como clausura del Zeppelin 2010. Las pruebas de sonido tendrán lugar los días 9, 10 y 11 de diciembre por la mañana.

_________________________Calendario de actividades

Seminario - Taller: 6 – 8 diciembre de 2010 de 16h a 20h
Pruebas de sonido y ensayos : 9, 10 y 11 de diciembre de 12h a 14h
Presentación colectiva: 11 de diciembre 20h. Sala Mirador del CCCB
Intervenciones sonoras de Gonzalo Bifarella, Manuel Rocha y Xabier Erkizia: 9 y 10 de diciembre 20h. Sala Mirador del CCCB

_________________________Inscripción

La inscripción es gratuita. Unicamente se requiere una carta de motivación y curriculum, que deberán ser enviados a caos@sonoscop.net antes del 26 de noviembre de 2010. La aceptación o desestimación de canditaturas será comunicada por email.

_________________________Número de plazas

10

DAVID MALJKOVIC EN NOGUERAS-BLANCHARD

jesusmc | 28 Octubre, 2010 19:48

                        

Artículo publicado en el suplemento nº 436 de  Cultura´s de LaVanguardia. 27.10.2010

LA TRISTEZA DE MALJKOVIC.    

 

   David Maljkovic (Croacia 1973) es un claro ejemplo de lo que la crítica llama artista emergente: Mncars,Arco,Moma,Capcc  o Whitechapel en Londres son algunos lugares en los que en solo tres años se ha recepcionado su trabajo. La instalación que propone en Nogueras-Blanchard es un artilugio expositor que simula los escaparates que en los años “50” realizó EXAT 51 (Experimental Atelier)  para mostrar el esplendor de la sociedad comunista  en ferias y exposiciones universales.

   Esta instalación, este “gabinete perdido” deja al espectador afligido, apesadumbrado. Todo alude a la funesta, a la deplorable sensación del fracaso. Eso lo ha  conseguido reproduciendo una estética fría que ya en los años del triunfo  pronosticaba su triste final, así : la construcción del expositor se ha hecho  con madera de poca calidad,  tiene un acabado deliberadamente deficiente  en el que el color blanco ,con rastros de pinceladas y algo rozado, sirve de fondo para sus obras enmarcadas , unas cortinas deshilachadas cubren la fría luz de unos fluorescentes, tres ficus polvorientos a ambos lados de la instalación recuerdan la vida de lujo artificial de la burocracia en los despachos. En las obras colgadas  hay  imágenes recortadas con precisión geométrica de la prensa o de revistas antiguas, un “decollage” que genera la poética de la  ausencia , de lo que ya no está. También hay añadidos, formas- collage, foto-collage y algunos esbozos de lápiz sobre papel. 

  Este es el gabinete de la pérdida, autentica generadora del sentimiento  inevitable de tristeza  cuando tras  haber postulado la ilusión de la utopia de una vida mejor finalmente esta acaba con la decepción. Como ciudadano joven de Zagreb, Maljkovic ha vivido la tragedia del tránsito de la antigua Yugoslavia comunista a la independencia de Croacia en 1991.Ha visto, en poco tiempo, unos cambios ideológicos tan bruscos como ningún país europeo podía imaginar con miles de muertes, limpiezas étnicas y todo tipo de barbarie.

    Por estas vivencias, sus obras realizadas en los últimos años utilizan la revisión de la memoria histórica aplicada al arte, con la intención que  la imágenes , los lugares y las cosas  impresionen los sentidos y  graben en la mente del espectador el aforismo según el cual: “Aquellos que olvidan su pasado están condenados a repetirlo”.

   David Maljkovic en apenas unos años ha constatado como la ilusión del mensaje comunista que anunciaba salvación y progreso se ha quedado en nada, por eso, en esta crónica quiero abundar sobre la paradoja de encontrarme ante la obra de un artista de éxito, emergente y optimizado que sin embargo con su obra desprende una insoportable sensación de tristeza absoluta definida por la pérdida y la ausencia.

    Sin embargo, no todo es una mirada sobre el abismo del tiempo pasado. En uno de los collages la fecha original de una envejecida revista de arquitectura ha sido manipulada y junto a un dibujo en lápiz y un coche del futuro sin ruedas aparece la aurora de una fecha y un lugar: Zagreb 2067. Estos dígitos escritos a mano por el artista quizá anuncien, con tímido entusiasmo, el regreso de una nueva utopia a su país. El renacimiento de una  ilusión que debido al ciclo repetitivo del tiempo y a la perversa obstinación humana, volverá a traer un nuevo e inevitable fracaso.                          

Fotos: Guille M.Lucas

GONZALO TENA EN TORREON FORTEA. BEING

jesusmc | 09 Octubre, 2010 09:32

Gonzalo Tena expone en Torreón Fortea de Zaragoza su obra reciente :BEING del 6 de Octubre al 21 de Noviembre.   

 

 

 

PRESENTE CONTINUO. Begin Being   

 

 

 

Tropismos.   

 

 

 

 

    Jean Paul Sartre , en 1939, se fijó en la obra de una joven escritora, era la primera de Natalie Sarraute titulada “Tropismes”.La publicó en una época de preguerra y post vanguardia que estaba dominada por  una  escritura atrevida y  experimental. Samuel Beckett,  Gertrude Stein  y  Sarraute  ponían los cimientos  de un nuevo modo de entender la literatura y la vida.

  

 El tropismo es un fenómeno biológico que afecta especialmente a las plantas, esta estrategia desplegada por la naturaleza consiste en que una planta que por definición se encuentra inmóvil en un territorio, sabe reaccionar de modo adecuado a sus necesidades, ante un estímulo externo , detectando aquellos factores de aceptación o rechazo que le permitan sobrevivir. Este fenómeno es apenas perceptible y muy sutil, así, casi sin darnos cuenta, tímidamente, nuestro “ficus  benjamina” se dirige a la casa del vecino  asomándose  tras la tapia, porque allí encuentra la luz que nosotros  no le damos o se retrae cuando necesita sombra.

   

    Igual que sucede con las plantas, los indicios sutiles, los pequeños gestos permiten que las obras de algunos artistas avancen lentamente o retrocedan, se exhiban o se escondan. Un modo de hacer que define no solo una obra sino también una actitud  creativa y un comportamiento personal. Por eso el “Tropismo” ha quedado para la cultura como un sinónimo de actitudes creativas fragmentadas, discretas, como el síntoma inconcluso de una acción y como calificativo útil para todos aquellos que como Gonzalo Tena aparecen y desaparecen de la escena del arte y que  actúan de modo discontinuo, discreto y perseverante.

  

   La obra de Gonzalo Tena es “Tropista” desde que en  1999 , convirtiera a la escritora Gertrude Stein en su fuente de inspiración , trabajando con :  Gertrude (1999),  Stanzas (2000),  War (2001), The relation of Human Nature to the Human Mind (2007) .Ha ido siguiendo la estela de la escritora norteamericana e impregnado por su espíritu se propone profundizar en la esencia del lenguaje creativo, quiere usar la palabra y la pintura para desvelar y para esconder. A través de textos breves y de imágenes, casi sin acabar nunca, pero empezando continuamente. Tena, se dedica a destacar y escoger las ínfimas manifestaciones del yo, a transformar sutilmente en obra las vibraciones positivas o negativas que recibe del exterior tal como he dicho que hacen las plantas, creando movimientos interiores que  calan, sutilmente, en la conciencia del que mira o del que lee.  

  

    Como buen  creador “tropico”,  cuestiona el imperio del discurso único en el arte. Despliega su voz a trozos, utilizando una estética que  propicia la repetición y en la que a través  de la  insistencia  sobre lo mismo, favorece el surgimiento de la diferencia. Esa es la cualidad de la repetición, “mantram” cultural que nunca cesa, recordando lo primordial y abandonándose a la pseudo conciencia del conocimiento del mismo modo que un orante hace con una letanía.

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EL EFECTO MUGURUZA-HIDALGO EN EL APOLO

jesusmc | 03 Octubre, 2010 15:44

EL EFECTO MUGURUZA- HIDALGO EN EL  APOLO  

 

  

 

 

 

 

 

 

    Ayer era Sábado y fue un día rico en emociones y descubrimientos. Unas cuantas casualidades me llevaron al concierto de Jabier Muguruza en el Apolo. Debo reconocer que fue un buen hallazgo. No conocía al canta-autor vasco más que de su intervención en el concierto homenaje  que mi amigo Alberto Manzano había organizado para homenajear a Leonard Cohen. Hizo una versión muy especial del “Chelsea Hotel” y “So long Marianne”. De hecho fue el mismo Alberto quien me invitó a asistir junto a unos amigos. Ahí ya capté el fondo melancólico que utiliza este músico que junto al acordeón y los ritmos   crean una sensación de alta poesía de lo cotidiano y una sonoridad relajada y opiácea.     

Las mesas estaban dispuestas como en un café-concierto, mesitas redondas una vela encendida en el centro, semi- oscuridad en la platea y en el escenario Jabier Muguruza acompañado de dos de sus músicos junto al saxofonista  Gorka Benitez. Junto a ellos, sentado en un cómodo silloncito el crítico musical del País, Luis Hidalgo que  igual que Muguruza es de Irún.    Se trataba de un concierto singular, algunos  temas  del disco Taxirik Ez(2009)  más otros anteriores se intercalaban con las intervenciones del crítico Luis Hidalgo y de las tímidas preguntas de los espectadores. La situación era muy interesante. De ella he querido sacar algunas conclusiones superficiales en relación a la práctica artística y a la crítica en general.

 

 

Una , es que muy pocas veces se puede conjuntar: autor, público y crítica en un mismo espacio. Me imaginaba si eso sería posible en el Arte: ver una obra de Barceló, sumando sus comentarios, los del crítico y el espectador.

La segunda es que actualmente se quiere explicar todo con un excesivo afán didáctico  y los museos de arte contemporáneo desmenuzan para los escolares y párvulos las terribles obras de Francis Bacon o las complejas esculturas de Eva Hesse, tal como Muguruza e Hidalgo hacían con la música y sus canciones.

   La tercera y última es que todas las preguntas del público las hicieron las chicas. Yo tuve la tentación de intervenir por aquello de la paridad. Creo que eso es debido a la superioridad del cerebro de las mujeres sobre el de los hombres. Es decir que tras la interpretación musical en el que el cantante conseguía el clima , la atmósfera  pensada para cada canción y una vez el espectador había puesto en marcha el hemisferio de las sensaciones , la audición, la vista. Las papilas gustativas en marcha debido a la cerveza que iba tomando, las imprecisas intuiciones sobre las palabras en Euskera que no comprendía pero del que me llegaba su rica sonoridad, cuando todo esto arrancaba y se colocaba a la altura de vuelo adecuada , ¡zas! se producía un brusco descenso a las simas de la palabra razonada y los argumentos, a la orbita de las preguntas, la reflexión y las respuestas con la luz encendida. Esa montaña rusa de ascensos y descensos bruscos me hizo el cerebro “fosfatina”.

Se dice que la mujer puede hacer dos cosas a la vez y el hombre solo una. Creo que esa fue la culpa de que mi cerebro acabara tan estresado. Yo, como he dicho subía  las cimas más altas de la sensibilidad musical y caía en picado al suelo de la cruda realidad. Mientras las mujeres de la sala podían hacer las dos cosas con naturalidad para ellas no había ninguna dificultad en combinar pensamiento y emoción. Nosotros no podremos hacerlo nunca y de ahí la diferencia comprobada a través del contraste entre música y palabra del efecto Muguruza.

   

CRITICO INDEPENDIENTE

jesusmc | 24 Septiembre, 2010 17:43

CRITICO INDEPENDIENTE

"El artista Jeffrey Swartz reúne esta y otras curiosidades en una exposición dedicada al primer timo del mundo real que se trasladó al mundo virtual". M. M.  Diario El País 23/11/2006  

    Hay palabras, gestos y personas que aparecen en la escena social , están un tiempo y luego desaparecen. Eso pasa con algunas expresiones como: visibilidad, protocolo de actuación, hacer un gestito imbécil con los dedos índice y medio para significar entre comillas, el Carmen cuéntanos de los presentadores de telediario, dabuten, vale, no es de recibo, pasarse tres telediarios, transversal , gestionar emociones, visibilizar  o decir políticas en lugar de política etc, etc ,pero la que más me irrita ,con diferencia, por la contradicción que conlleva es: Artista Independiente, Crítico Independiente, Comisario Independiente estas expresiones son habituales en el mundillo artístico y se abusa de ellas hasta la saciedad.

La facultad de Belles Arts ,antes de Sant Jordi, cuando hace ya unos años, no muchos, elevó su listón teórico al infinito y convirtió las aulas rancias en las que había  restos de óleo y carboncillo en pulcras mesas de formica, empezó a generar un ser hibrido, un Frankenstein de la cultura  que lo mismo era capaz de hacer una reproducción de Tintoretto que un video de textualidad expandida, lo mismo se desenvolvía en las complejas aguas de la antropología que daba una clase de historia del siglo XVIII. Y naturalmente podía ejercer la crítica allá donde le diera la gana y le dejaran. Así surgió la figura posmoderna del todo terreno que en aras de la supervivencia puede hacer una cosa con la misma eficacia que otra. Todos tenemos que vivir.

 

 

Los miembros de esa  digamos Inteligencia Artística Barcelonesa  han  ido ocupando de un modo muy eficaz instituciones , escuelas y medios. Todos tienen en común hacer gala de ser críticos, también comisarios y además artistas INDEPENDIENTES.

 

Yo creo que eso tiene que ver con la edad  y con una generación,sobre todo la generación nacida en los años sesenta  que por actitud  y talante se posicionó en el terreno que hasta entonces estaba dominado por los especialistas en materia teórica y crítica. Estos jóvenes que empiezan a tener una edad combinan sus cartas de una manera magistral, cuando les conviene son artistas, cuando les interesa son críticos, si se da la ocasión comisarios, profesores de historia del arte,conservador de museo  y nuevamente artistas. Eso si , siempre independientes. He llegado a la conclusión que el calificativo independiente quiere decir que hacen lo que les conviene en cada momento, que no tienen que rendir cuentas ante ningún colectivo profesional que los controle, que en definitiva hacen lo que les da la gana.

 

 

   Por otro lado: ¿si ellos son independientes, y hacen gala de ello, es que   habrá colegas que no lo son? Los que no lo son: ¿de quién dependen? ¿Quieren decir que la crítica universitaria, los diversos comisarios internacionales, los profesores de teoría o de historia del arte  no son independientes? O puede ser que se refieran a  que no se imaginan a María Corral haciendo una exposición de acuarelas o a Manuel J. Borja- Villel ejecutando una Performance Fluxus en el MNCARS.  Recuerdo la sorna respetuosa con la que los artistas de la época se referían al  teórico más brillante del arte conceptual catalán y auténtico impulsor de la crítica barcelonesa Alexandre Cirici Pellicer, cuando decían en voz baja que llevaba a cabo una discreta práctica artística, vamos que había cierto cachondeo con sus acuarelas. Lo mismo sucedía con J.E.Cirlot, Santos Torroella y tantos otros, a quienes , como máximo se les toleraba que escribieran poesía , pero no que pintaran, ahora eso ya no pasa con ellos, los de ahora: son independientes .

 

 

    La verdad es que debe ser que la envidia me corroe .Yo tengo una triste experiencia, he comprobado  que cuando la cabeza me funciona a tope, lo poco que pueda o sea capaz, y me veo envuelto entre papeles y libros, de inmediato, se me paraliza la mano, no puedo pintar, ni dibujar, como si fuera imposible llevar una doble actividad: una más teórica y otra más artística. Naturalmente  me refiero a una práctica con fuerte componente de oficio, no a un arte procesual y conceptista que entonces todo me va sobre ruedas. Supongo que debe ser una carencia, una limitación de mis dos hemisferios cerebrales o algo así, por eso me pregunto : ¿cómo harán estos que son capaces de actuar facticamente como los artistas, de pensar críticamente sobre su trabajo y el de los demás, como hacen los teóricos y encima comisariando exposiciones ,como los historiadores.

 

 

   Eso les debe llevar a confusas contradicciones pues:¿ como pueden ser juez y parte? ¿No les sucede nada cuando se escogen a sí mismos como artistas de una exposición de la que hacen de comisarios y además critican a los que ellos no han escogido?.!Que lio!

 

 

 

 

   Por lo que voy escribiendo en este Post DESDE MI TRINCHERA, creo que no debe extrañarnos estas  rarezas de hibridación pues no son más que el resultado de la confusión en la que vivimos: por un lado la afirmación del discurso crítico y por otro las dudas sobre su existencia.

 

HUMBERTO RIVAS:INEDITOS Y VINTAGE EN MICHEL SOSKINE INC.MADRID

jesusmc | 22 Septiembre, 2010 16:50

HUMBERTO RIVAS .INEDITOS Y VINTAGE EN MICHEL SOSKINE INC. MADRID.

  

 1                                                                                      2

Foto de Marcel.li Sàenz                                                       Foto de Humberto Rivas

                                                                                                                         Maria, 1979

                                                                                                                      

Esta buena foto de Marceli Sàenz fue publicada en El País el día 8 de Noviembre de 2009 era Domingo  y el lunes  la ciudad de Barcelona le iba a rendir homenaje entregándole  la Medalla de Oro al Mérito Artístico. Humberto Rivas había muerto. Yo estuve allí y fue un acto emotivo y pensé que parecía una última voluntad deliberada, parecía un silencio más del fotógrafo de los silencios. Misterio y silencio se suelen atribuir a la obra de Humberto Rivas y creo que eso más que una frase es una evidencia cuando vemos la  foto retrato que le hizo  Marceli Sàenz . Es una foto que explica: su rostro en primer plano y en color dialogando con el de su mujer en blanco y negro ,un retrato de 1979. En esta foto hay indicios que mueven a la palabra, que encienden la llama de una historia, sin embargo los retratos de Humberto callan.

 

Ahora en Madrid desde el 16 de Sept.al 30 de Octubre se pueden  ver parte de esos silencios en la exposición: Inéditos y Vintage en la Galería Michel Soskine Inc.

 

                      

 

PABLO VALBUENA:PARA-SITES EN LABORAL DE GIJON

jesusmc | 22 Septiembre, 2010 16:31

 

                             

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de LaVanguardia nº 431(22-09-2010)

PABLO VALBUENA 

PARA-SITES:  DEL ARTE  COMO FINGIMIENTO

  

La Laboral de Gijón continúa con la línea expositiva fundacional y sigue fiel a su propósito de incentivar todo tipo de investigación  en el terreno del arte, la ciencia y las tecnologías avanzadas. Laboral en el programa de este verano  ha incorporado la exposición:”Para- Sites” de Pablo Valbuena(1978) en colaboración con “Matadero. Madrid”.

  Las tres propuestas de Valbuena  son específicas para este centro expositivo y  se articulan  en torno a espacios concretos que vienen dados por la propia arquitectura del edificio, lugares que él ha escogido y sobre los que interviene utilizando  la luz como materia y elemento vertebrador , junto al uso del espacio , el tiempo y el movimiento. Pablo Valbuena determina el sitio de su intervención y crea unos “para-lugares” en los que la realidad es intervenida, resaltada, enfatizada a través de unas calculadísimas proyecciones lumínicas que no dejan detalle por resaltar, como una doble capa de luz las líneas luminosas resiguen el perímetro de una puerta, los detalles más pequeños y en algunos casos incluso las aristas de un enchufe eléctrico o el gozne de una ventana. Es ciertamente un dibujo hecho con líneas de luz que enfatizando los límites, duplican  los pliegues de  la realidad y diluyen la diferencia  entre espacio real y virtual.

       Una primera intervención nos muestra un espacio de columnas cilíndricas sobre las que la luz proyectada sobre ellas las hace aparecer y desaparecer, las fragiliza y en algún caso incluso las mueve o las esconde. La segunda se produce en una habitáculo blanco , una especie de enorme cámara estenopeica en la que un punto de luz va dibujando al fondo de la sala todos los limites que encuentra, el perfil va destacando todos los relieves y luego desaparece. En la tercera hay un plano virtual sobre la pared prolongándose o recogiéndose a medida que se desplaza el punto en la línea sobre el plano del suelo que indica el recorrido o punto de vista donde debe colocarse el espectador. En estas obras el sujeto es considerado como un valioso observador objetivo, como un cómplice que debe encontrar el punto de vista correcto desde donde mirar, potenciando, así, el fenómeno de la percepción expandida.

 

 

 

 

 

 

    Estas categorías arquitectónicas las utiliza a modo de ilusionismo visual que favorecen una nueva mirada sobre la realidad. El espacio se transforma de modo absoluto creando efectos propios del más exigente barroco como son el “trampantojo” y las superposiciones por capas pero  en lugar de utilizar efectos dorados, volutas y rechonchos angelotes emplea el blanco y el negro que unidos a una depurada estética minimalista crean el oxímoron posmoderno de un estilo minimalista y  barroco a la vez. Estas dos nociones estéticas de claro significado opuesto , tal  como sería decir :”un clamoroso silencio” ofrecen al espectador la posibilidad de un nuevo sentido fundado en la paradoja.

  Trampas al ojo.-

 

Un arte que quiere ser de desarrollo abstracto y geométrico  se resiste a ser interpretado de modo temático más allá de la propia evidencia de sus estructuras concretas de espacio, luz y tiempo. Pero cuando se utiliza la ilusión visiva para simular una realidad que no existe y  mediante el artificio se produce un engaño a la percepción, aparece la intención del artista y en consecuencia el espectador encuentra argumento e interpretación.

       Este artista-arquitecto construye sin ocupar el espacio. En ese proceso el espectador  puede llegar a creer ciertas las imágenes y  ver lo que no es, lo que allí no se encuentra y que no es más que una reproducción fantasmatica de la realidad. Esa es la culminación de un proceso iniciado por  la arquitectura posmoderna de Peter Eisenman cuando se propuso demostrar que la arquitectura no se encontraba “de facto” sino en su representación virtual es decir “de iure”, la arquitectura ya no necesita ejercitarse en la práctica sino como mera representación.

    Pablo Valbuena con su obra postminimalista y tecnológicamente  avanzada nos vuelve a recordar, como es obligado en toda buena propuesta contemporánea, unas certezas inolvidables. En este caso la intención de tomar como real lo que es pura imagen está cuestionando la realidad misma sobre la que se proyectan sus luces como en  una imaginaria pantalla en la que la realidad y la vida son el  espacio de la pura representación apariencial , proponiéndonos  en una época de incertidumbres donde se encuentran los límites entre lo verdadero y lo falso. Una reflexión sobre el arte como ilusión y fingimiento.

  

   

 

CARLES HAC MOR Y LOS CRITICOS. DOS LIBROS

jesusmc | 22 Septiembre, 2010 08:58

CARLES HAC MOR Y LOS CRITICOS  .DOS  LIBROS   ENDERROC I RECONSTRUCCIO. AROLA EDITOR  

 

    

 

 

  Carles Hac Mor es un poeta, con camisa roja, que se ha propuesto reclamar para el arte su condición de enigma irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M quiere reivindicar la insumisión y el caos como la única manera fiable de aproximarse al arte . Según él mismo escribe: su principal objetivo son los "criticarros interpretadores que después de liarse y liarnos con clasificaciones  y concomitancias sensatas, siempre mal demostradas, concluyen que tal obra o tal otra, dicen tal cosa o quieren decir tal otra" . 

 

Al leer esto, ninguno de nosotros queda redimido, todos nos sentimos aludidos ante tamaña acusación, ningún exégeta, ni el más honrado hermeneuta queda a salvo de su ira contra interpretadora. Para los iconoclastas del sentido, para los que solo creen en el arte, este libro de  Carles Hac Mor:  “Enderroc i Reconstrucció” es un auténtico manifiesto, un pozo de sabiduría insumisa. Una ocasión única para fortalecer la des-identidad positiva  y aniquilar el ego racionalizador en beneficio de un caos positivo. Los vapores contra-mercurianos de la contra-interpretación del No-Crítico  Carles Hac Mor alude al arte silencioso de los artistas y argumenta que sus obras no necesitan  muletas , que es lo que son en sí misma y que cualquiera que lo intente puede caer en el abismo del absurdo.  En este libro hay una apología muy bien armada del no-ser como condición de lo artístico. Paradójica y ejemplarmente, los artistas confían, cada vez más en C.H.M y le solicitan textos para sus catálogos y crónicas para los diarios,  a sabiendas de que, probablemente, no esclarecerá el enigma de sus obras; confían fielmente en alguien que es como ellos y que se aproxima  a sus obras con la delicadeza de un amante. 

No hay duda  que Enderroc i Construcció (Derribo y Construcción) es un libro imprescindible , un ensayo fundamental para situarse en el núcleo del arte contemporáneo como manifestación de lo inexplicable.

    

 

 LA REVOLUCIO COM A ORIGEN DE L´ESCRIPTURA DE CARLES HAC MOR I L´ESCRIPTURA DE CARLES HAC MOR COM A ORIGEN DE LA REVOLUCIO POR JORDI MARRUGAT.AROLA EDITOR.  

 

 

El 3 de Junio de este mismo año a las 7,30 me encontraba puntual y dispuesto a asistir a la presentación del libro de Jordi Marrugat “La revolució com a origen de l´escriptura de Carles Hac Mor i L´escriptura de Carles Hac Mor com a origen de la revolució.” Este maratoniano título predisponía al asistente a esperar cualquier cosa del acto y así fue. Presentado por Lluís Calvo y Xavier Garcia estaban previstas intervenciones de Vicenç Altaió, Laura Borràs, David Castillo, Antoni Clapés, Valentí Gómez i Olivé, Manuel Guerrero, Carles Hac Mor, Jordi Marrugat, Laia Noguera, Jordi Nopca, Ester Xargay y David Ymbernon.   Yo esperaba una performance tras otra, como se podía suponer siendo C.Hac Mor el homenajeado. En cierto modo algo “dejà vu”. Sin embargo el acto fue muy contenido y ese aspecto formal lo convirtió en altamente singular por dos razones. La primera era la ausencia del protagonista, del homenajeado,  su compañera, Ester Xargay, anunció que Carles Hac Mor estaba ingresado en el hospital, ya que el día anterior había tenido una crisis de salud. La noticia iba acompañada de una duda y es que conociendo su imprevisibilidad a lo mejor podía aparecer en cualquier momento. Pero no apareció. La segunda cuestión fue el cuerpo teórico de la larga presentación  que hizo desde una óptica universitaria rigurosa el presentador del acto que era Lluis Calvo. El apólogo como se espera de un profesor universitario leyó un discurso muy riguroso de gran altura conceptual que llevaba escrito, en defensa y alabanza del autor y del sujeto estudiado. Nada de improvisaciones. El texto obedecía a una convención académica absoluta, ni una frase desbarrante, ni un gesto exagerado y así, poco a poco, los férreos barrotes de la interpretación iban aprisionando el sentido de la obra de Carles Hac Mor; el  interprete no dejaban escapar ni un solo aspecto relevante que no se encontrara en la obra del autor añadiéndose así al riguroso estudio que el propio Jordi Marrugat hace en su libro . Alguien que se resiste a ser interpretado caía atravesado por las aceradas lanzas de la academia.     Al repaso historiográfico le acompañaban numerosas referencias y citaciones a sus textos. Aquello era un “paraninfo”. Como se sabe el paraninfo es en las universidades un espacio académico muy importante  en los que se suelen hacer proclamas al estudio con  exaltaciones  muy retóricas para que los estudiosos sigan tras la búsqueda del arca perdida del sentido. Y eso es lo que estaba sucediendo. Autor, Revolución y Escritura se encontraban prisioneros del intelecto, de la capacidad de pensar y racionalizar de un modo socrático. Si consideramos que un aspecto importantísimo de la actitud “Hacmoriana” , como ha quedado demostrado anteriormente, es el elogio total y constante del absurdo la cosa era aun más hiriente. Pero, justo ahí se encontraba la clave de la cuestión. Una vez más, sin quererlo Carles Hac Mor triunfaba en defensa de lo absurdo, por lo absurdo de la situación misma.  

 

 Pero a pesar de esa cruel paradoja que supone la caza del absurdo a través de la razón, la sangre no llegó al río .Si la pretensión del exégeta era cazar al autor en las redes de la ortodoxia academicista ,el único modo de atraparlo y  eso si que hubiera supuesto un grave agravió  que hubiera hecho que Carles regresara de inmediato de la nube del absurdo, de la insumisión y del caos, incluso acudir renqueando de su crisis de salud, para coger con firmeza las riendas de la razón, clavar los colmillos de la lógica positiva  e incluso la llamada a una auténtica revolución colectiva hubiera sido la cuestión de la lengua catalana, la lengua es el instrumento del logos, y el super tema de la identidad nacional. Esas son las dos asignaturas pendientes que Carles HenandeZ Mor tiene con las para-ninfas del absurdo.

  AROLA EDITOR.  

 

Por último quiero referirme al hecho de que ambos libros se hayan editado en el catálogo de Arola Editors. Estos dos monumentos teóricos contra la interpretación se han  publicado en esta editorial que no deja de progresar desde su fundación en 1998,   y  aunque tiene varias líneas de edición, se ha dedicado a publicar los textos herméticos más importantes de la tradición occidental como :“El mensaje reencontrado” de  Louis Cattiaux, Hermes Trismegisto, El Origen de la Alquimia, Un comentario sobre el Atalanta Fugiens, Hermes y la Tabula Esmeraldiana ,la   Belleza secreta o El Buscador de Orden  del propio fundador de la editorial Raimon Arola, estos son algunos de los temas que se pueden encontrar en el índice de esta editorial.    Las preguntas surgen en racimos: ¿Cómo estos alegatos  HacMorianos  contra-interpretadores  del arte se han publicado en una editorial fundada sobre los mismos cimientos de la capacidad por interpretar lo numinoso que tiene el ser humano? Todos los títulos de esta editorial son anuncios, casi exhortaciones a la búsqueda  del misterio ontológico que se encuentra detrás de todas las cosas, de toda existencia. Sin una buena capacidad exegética e interpretadora no se puede acceder a esos textos, se necesitan unas alforjas llenas de  buena fe, de confianza absoluta en la  la metodología hermenéutica que esta basada siempre en la confianza en el texto por no decir  amor. Sin fe, ni amor nunca aparece el significado simbólico.   Ante este hecho tan solo existen dos posibilidades : ¿Cabe ubicar los libros sobre el pensamiento de Carles Hac Mor, como un libro de revelaciones simbólicas, junto a los de Hermes Trismegisto,  Louis Cattiaux o a los del mismo Raimon Arola,  ?  ¿O no? .  

  Si la respuesta es sí, entonces dispongámonos, con las herramientas adecuadas a atravesar el cristal sin romperlo, dispongámonos a operar con los útiles de la interpretación y el sentido para actuar sobre el libro revelado, sobre los textos  de Carles Hac Mor como si fueran una Biblia, y entonces ,solo a través de la amorosa interpretación y la actitud adecuada, y la fe, podremos interpretar la contrainterpretación de sus textos  y accederemos a la esencia del sentido, al núcleo del ser y del no ser que su pensamiento esconde.   Si la respuesta es no, la controversia está servida porque el lobo habría entrado en el redil de los corderos, y entonces su alegato contra interpretador dejará mudos para siempre a los grandes autores herméticos, su sentido quedará definitivamente cerrado para todo el mundo. Solo escucharemos las palabras como sonidos que no comprenderemos pero que nos producirán profunda reverencia al oír su pronunciación en el aire. Y entonces se repetirá el argumento con el que iniciaba esta extraña reflexión: Carles Hac Mor es un poeta, con camisa roja ,que se ha propuesto reclamar para el arte su condición de enigma irresoluble, su condición autárquica y su dignidad. C.H.M quiere reivindicar la insumisión y el caos como la única manera fiable de aproximarse al arte.  

ROBERT LLIMOS :LOS EXTRATERRESTRES Y EL ARTE RELIGIOSO.

jesusmc | 21 Septiembre, 2010 09:33

    Robert Llimós expone en el Espai Volart de la Fundació Vilacasas hasta el mes de Diciembre sus obras recientes que son el testimonio visual de su contacto con seres extraterrestres.

    Sí, han leído bien: extraterrestres. Este tema se puede tratar de varias maneras: una, calificando de loco a Llimós, pasar página y no escribir ni una línea, otra creyendo lo que dice y la tercera aprovechar su exposición para reflexionar sobre el arte actual. Yo obviamente he escogido esta última.

 

 

     La exposición tiene como título “Fortaleza” que es un lugar de Brasil en el que a principios del año pasado entró en contacto con los seres de otros mundos, tal como explica él mismo y que de un modo literario escribe Eduardo Mendoza en el texto del catálogo. Por cierto, a nadie le extrañó que este escritor tratara el tema de los extraterrestres en “Sin noticias de Gurb”, como a nadie sorprende que se trate en el cine (Wells) o en los cómics como, por ejemplo:

” Los celestiales” que son una raza ficticia del universo de Marvel Comics. Pero la pintura es otra cosa, el prestigio intelectual amenaza a los artistas que consideran que entrar en este tema es una concesión comercial, frívola y barata. Nadie se ha atrevido a manifestar tal grado de alucinación alienígica a través del arte hasta que Llimós arriesgando su reputación a la “mofa” y a la “befa” lo ha hecho. Esta  audacia merece un primer reconocimiento.

 

Christian Schad (1894-1982)Retrato del Dr. Haustein, 1928
Óleo sobre lienzo. 80,5 x 55 cm  Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid

Y así, casi sin quererlo, esta exposición se convierte en  un manifiesto radical a favor de la tradición de la Pintura religiosa tal como se ha considerado en occidente desde el arte paleocristiano hasta las vanguardias del siglo XX.   

   El arte religioso obligaba al artista a ejercer su oficio con  exigencias y normas rotundas. La primera era el oficio. Aquí, Llimós reivindica  los procedimientos clásicos del oficio de pintor, y se puede ver en esta exposición :óleos sobre tela y sobre papel, aguafuertes con resina, linóleums, acuarela y lápiz, sobre diferentes soportes e incluso esculturas de resina y poliéster patinadas,todo  un repertorio de técnicas tradicionales que parecían en desuso y que estaban destinadas al desván del arte, una gama completa de casi todas las técnicas propias de su oficio.

    La segunda es que el arte religioso siempre  ha desconsiderado  la abstracción a favor de la representación figurativa y Llimós con su obra figurativa puede visibilizar y dar constancia de su contacto con los seres de otros mundos. Mendoza , en su texto,  alude al escaneo que los  extra terrestres  hicieron a Llimós para neutralizar cualquier aparato fotográfico que  pudiera verificar  su existencia. No sabían que Llimós era pintor y que no necesitaba cámara, tan solo memoria visual para representar su presencia en la tierra.

 

 

Obviamente que Robert Llimós vuelve a plantear con su obra un tema que catedráticos de estética y teólogos se han preguntado desde siempre, me refiero a la relación entre  misticismo y sacralidad y sobre la posibilidad de representar a través de imágenes la divinidad.

Este tema es especialmente interesante hoy en día en el que la desacralización occidental contrasta con el fundamentalismo religiosos cada vez más poderoso en medio-oriente y más allá. Eugenio Trias que es sin duda  el filósofo que mejor interpreta  pensamientos y tendencias contemporáneas y  también Victoria Cirlot y Amador Vega una pareja especialista en la mística medieval europea y en el arte contemporáneo están interesados por el papel de la estética y la  religión en la modernidad.Los tres brillantes profesores de la Universidad Pompeu Fabra pueden darnos algunos indicios sobre "la cosa".

Eugenio  Trias, con la eficacia de su pensamiento ilustrado  ha explicado, de un modo brillante siempre, todos los momentos fundamentales de la historia de las ideas, de la filosofía de tantas y tantas variantes del movimiento moderno del que él mismo se considera parte , de una modernidad crítica en la que hay que incluir tendencias tan diversas como el psicoanálisis o el marxismo. Trias se ha propuesto reconciliarse con su origen, con su primera y espontánea tendencia hacia la metafísica. Cuando leo un libro suyo siempre me llama la atención que en la solapa se recuerda que  su primer estudio conocido, sobre otro filósofo, fue una tesis sobre  Santo Tomás de Aquino. Eugenos (bien nacido) Trias ha derivado su curiosidad intelectual  hacia los pensamientos que se encuentran en el límite y uno de los que se encuentra en el limite del abismo es la búsqueda de lo sagrado, la verdad de la mística y la verdad del arte.

    Trias, como hombre que se mueve entre la razón y el enigma se encuentra entre tres fuegos de llamas bien distintas, en el primer fuego las llamas dibujan una lucha mental, interiorizada y conflictiva de alguien que quiere explicar razonadamente todo y que de repente,  se encuentra en la misma reflexión con dos miradas teológicas distintas.

   Por un lado, lo que he oído decir  a Victoria Cirlot , especialista en el sentimiento religiosos de la cultura medieval sobre este tema, es que ella está mas cerca de la visión Catafática que la que mantiene Amador Vega que es una posición Apofática.

     La Catafatica propone una visión teológica positiva que presupone la posibilidad de conocimiento de Dios . En lenguaje “ufológico” sería admitir la posibilidad de acceder al conocimiento de aquello de lo que no tenemos experiencia. Esa posición la debe compartir Robert Llimós con sus propuestas pictóricas por hacer cognoscible lo que nadie ha visto. Por otro lado la posición de Amador Vega que mantiene una posición apofática o de teología de la negación  supone  la imposibilidad, de llegar a la naturaleza incognoscible de Dios. Esta posición la mantienen, como no podría ser de otro modo, los escépticos en materia ufológica.

 

     El arte de Llimós es religioso porque la Iglesia siempre ha dado su confianza al arte como verificador testimonial de lo invisible a pesar de que nadie ha visto la frondosa barba blanca de Dios, ni las alas de los ángeles frente a aquellos que consideran que el mundo invisible tan solo puede representarse como una  atmósfera blanquecina o un gas azul y nebuloso. Por último creo que es una exposición de arte religioso porque en ella, igual que en la iconografía cristiana se hallan  la muerte y el sacrificio y quizá la esperanza de un reencuentro celeste, pero eso solo Robert Llimós con su dolor lo sabe.

 

                               

 

 

JOSE LUIS BREA: LA MUERTE DE UN CRITICO SIN FECHA NI LUGAR

jesusmc | 07 Septiembre, 2010 19:33

   

     Hoy día siete ,justo en el momento en el que una fuerte tormenta con rayos y truenos está cayendo en el Alt Empordá, miro el correo y recibo la noticia de que el dos de Septiembre del 2010, apenas hace cinco días, falleció el Crítico de Arte José Luís Brea.  La aportación teórica y crítica de   José Luis Brea está fuera de toda duda y ha sido y será ampliamente loada. Yo quiero destacar que lo conocí en Barcelona cuando empezaba su carrera crítica y parecía más un  músico post-punk invitado a la Eda de Oro de Paloma Chamorro que un filósofo. Yo lo invitaba, cada vez que había ocasión, a dar alguna que otra conferencia para la fundación a la que entonces asesoraba. Confiaba absolutamente en él. Sabía que vivía en Barcelona,  conocía la compleja trama conceptual que elaboraba constantemente, seguí su marcha a Cuenca , Madrid y su SalonKritik  pero nunca supe ni la fecha, ni el lugar de su nacimiento.  

    Su timidez había construido una muralla de palabras que era infranqueable en primera lectura pero que le permitía defenderse de los insidiosos. Creo que puedo decir que conozco la labor teórica de José Luís Brea y su empeño en construir lo que el llamaba “criticidad” contemporánea,   pero nunca he sabido ni la fecha , ni el lugar de su nacimiento, ni tampoco lo que protegía su fortificada muralla.

    

SAATCHI I EL DESCARADO

jesusmc | 12 Agosto, 2010 08:50

                                            Charles Saatchi IDamien Hirst

Saatchi I   El Descarado.

Iñaki Ellakuria  ha publicado en La Vanguadia de hoy 12/08/10 un interesante artículo sobre los dos libros recientes publicados por  Charles  Saatchi(Irak 1943) Uno es “Me llamo Charles Saatchi y soy un arteholico (Phaidon) y Question (Phaidon). Del artículo he destacado las declaraciones del rey de la publicidad y del mercado del arte actual que en cuatro palabras nos aclara por donde van las cosas en su reino.

 

 

 

 

“Soy un "adicto al arte". Soy  un Arteholico “

“En este negocio  hay mucho dinero y egos muy grandes".

"No hay consejos ni normas para comprar y coleccionar arte".

“Sólo pasión, dinero, intuición y una pizca de suerte”.

“Me dejo llevar por mis gustos: adoro aquellas obras que "no se parecen a algo que ya he visto 100 veces antes”

“ Me gustan las obras que son visualmente muy agradables o particularmente repelentes".

 “Detesto las pinturas que contienen "calaveras y muñecas".

"Los coleccionistas somos insignificantes, lo que cuenta y sobrevive es el arte”

“Yo sólo compro el arte que me gusta para exhibirlo y luego, si me da la gana, lo vendo y compro más".

 "Los artistas necesitan muchos coleccionistas, todo tipo de coleccionistas, comprando su arte".

"Los ricos siempre estarán con nosotros",

“Los marchantes,  mayoritariamente son unos "pomposos" que prestarían un mejor servicio a la sociedad en "las puertas de los nigth-club" decidiendo quién entra o no aquella noche. "Muchos de ellos se creen que controlan el mercado, pero cuando un artista hace vibrar la escena con sus obras, este ya es incontrolable".

“los comisarios poseen generalmente un gusto caduco y alejado del pulso de la escena artística ya que están "demasiado preocupados en ofrecer una y otra vez a sus 250 devotos la misma exposición del día de la marmota

“exhibiciones de ojos muertos y sin alma dominan hoy el paisaje del arte".

"Ser un buen artista es el trabajo más duro que puedes elegir y tienes que estar un poco loco para asumir ese destino: los amo a todos".

“Damien Hirst. es mi niño más mimado entre los young british artists, pero  "está un poco fuera de forma".

“Entre los que menos me gustan: Basquiat, "su arte me pareció siempre decorativo y poco original"

“ Rothko –"no creo que sus obras evoquen el infinito"–,

 "La primera vez que vi obras del nuevo arte chino pensé que era horrible, y la mayoría del arte que te parece horrible al principio lo continúa siendo"

"En la última década la especulación infló los precios y no creo que la burbuja vaya a estallar en breve

CRITICA DE ARTE EN LA TRINCHERA

jesusmc | 08 Julio, 2010 07:26

CRITICA DE ARTE EN LA TRINCHERA.      

Este artículo es un respuesta al comentario que un lector hizo de mi post sobre Eva Hesse. 

Benvolgut amic:  en tu comentario aludes al concepto de crítica postmortem ligada al calendario del circuito cultural internacional y en detrimento de todo aquello que se hace aquí y ahora en nuestro entorno más cercano en nuestra casa.

        Yo estoy de acuerdo y lo estoy tanto que en mi propósito crítico se encuentra lo que denomino crítica de trinchera. Con esta expresión me refiero a que si bien es loable un artículo sobre Joan Miró o incluso Barceló eso no tiene tanto interés y mérito como  enfrentarse cara a cara a las exposiciones de galería, de día a día, de primera línea en un ejercicio sin referentes esclerotizados por la información histórica. Esa es entonces una crítica desnuda y arriesgada que en lugar de pensar que la crítica es más importante cuando más importante  y conocido sea de quien se habla, apuesta por el encuentro, el hallazgo y la sorpresa.       Reconozco que ese es un vicio que afecta las programaciones de la prensa especializada, en la que los críticos hacen una escala de valores con una ecuación falsa en la que se cree que se puede conseguir más espacio e imágenes cuando más conocido e importante es el artista de quien se habla. Eso es un error.

      Todo ello no es una posición teórica sino que el muestrario de mis objetivos crítico lo demuestran: Ignasi Aballí, Aleksandra Mir, J.C.Bracho, Cornelia Parker, Cyril Levan, Charles Freger, Victoria Campillo, Pablo Valbuena , Tadanori Yamaguchi, Oriol Vilapuig, Gonzalo Tena, Marti Anson, Gabriel, Ester Partagás, Anke Blaue , Bill Thompson o David Levinthal, y muchos otros y en esta ocasión, incluso, Eva Hesse una artista muy poco conocida en nuestro país.

 

       Un aspecto derivado de esta reflexión es que también me he propuesto acabar con la dictadura epocal que consiste en un vicio de opinión que considera que cada época tiene sus críticos de moda que son los que recepcionan la obra de generación a generación. Es decir que un arte de artistas de treinta años necesita críticos de la misma edad. Mi interés por al arte de la época que me ha tocado vivir permite que mi dedicación no obedezca a prejuicios generacionales. Así se va forjando la crítica de trinchera, la critica de vanguardia.

 

       Gracias por tu interesante observación.

   

EVA HESSE EN LA FUNDACION TAPIES

jesusmc | 07 Julio, 2010 22:05

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de LaVanguardia nº 420(7-07-2010)

ARTE DEL NO Y LA NADA.-      

  La Fundación Tàpies recupera, tras la reforma, el tono expositivo que se espera de ella. Lo ha hecho con una magnífica muestra de  la artista germano americana Eva Hesse (Hamburgo1936-NY1970) que murió prematuramente, pero que vivió lo suficiente para dejar una obra emblemática hecha a base de materiales ligeros , dúctiles como el látex, la fibra de vidrio, el papel maché o los cordeles. Hesse utilizaba estos materiales sabiendo que por sus características estaban destinados  a un progresivo deterioro y con el  paso del tiempo, incluso a su desaparición. Pura alegoría de su propia existencia.   

   Esta exposición se llama “Trabajos del estudio” pero no son ejercicios preparatorios , la expresión “obra en proceso” tiene en esta artista su máximo significado, porque su aspiración no era otra que transformar lo menor;  no son obras provisionales a la espera de conseguir resultados mayores o definitivos, sino que son  obras con valor en sí mismas. La ligereza y la provisionalidad son sus grandes virtudes y como demuestran las fotos hechas desde 1965 hasta su muerte, su estudio de Manhattan  y su mesa de trabajo eran una muestra fiel de su obra, eliminando el límite y expandiendo el modo de vivir al modo de hacer. 

   

    A pesar de que  Bill Barrette quisiera presentar a Eva Hesse como escultora en su catálogo  razonado de 1989 , estas obras no quieren definirse como objetos, ni pintura, ni escultura, son algo más e incluso, como ya dijo la propia artista, no  quiere dar significados, ni interpretaciones a su obra:” mi preocupación es ir más allá de lo que sé y de lo que puedo saber” .                     Sucede que cuando una obra se niega a ser interpretada, aparece con más fuerza su poder matérico y sus cualidades morfológicas y por eso,  acciones menores como: acumular, arrugar o perforar la materia se convierten en indicios fiables del sentido y están muy presentes en la obra de Hesse.  

Hacer nada. La doble negación.          

     Sus obras están hechas  con el espíritu de la negación y de la nada,  se convierten en una alegoría de la caducidad inevitable de todas las cosas, de todas las personas.  

    Por eso ,aquí lo único interpretable es su propia actitud al querer hacer lo mismo con su vida como persona que como artista.  Su particular sacrificio debido a su procedencia judía en los tiempos trágicos y  su enfermedad, la convertían en una persona frágil y en progresivo deterioro, tal como era su obra, y eso es algo que no supo comprender su amigo Sol Lewitt que en los años sesenta la animaba incesantemente a “hacer más” y dejarse de preocupaciones personales como  dudar, temer , sufrir , dejar de mesarse los cabellos o rascarse la espalda. Sol Lewitt no comprendió que el oxímoron  “hacer nada” es la clave de la vida y de la obra de Eva Hesse.

 

   El arte del no-no, de la doble negación coloca a esta artista en la misma dimensión estética de las obras en potencia que jóvenes como Antoni Llena, Angel Jové ,Silvia Gubern, Jordi Galí y Albert Porta llevaron a cabo en la misma década de los sesenta en Barcelona.

 

   Eva Hesse se acerca al vació como cualidad primordial de la expresión artística, una sensación que embarga al visitante cuando se encuentra ante el gran espacio expositivo de la fundación con cuarenta y siete  rastros mínimos, una pura exaltación de la negación y la nada.

 

 Eva Hesse, Atelier

 

RESILIENCIA ESTETICA:JOAN FONTCUBERTA

jesusmc | 20 Mayo, 2010 14:06

                                       

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s Nº413 del periódico La Vanguardia(19/Mayo2010) 

RESILIENCIA ESTETICA.

 

     La Galería Mayoral ha vuelto a sorprendernos con sus nuevas estrategias expositivas que concilian la oferta del fondo histórico con las intervenciones de artistas del presente. Solo la inversión ,la imaginación y la colaboración pueden proyectar las galerías hacia el futuro. Así, lo hizo Mayoral con la magnífica exposición “Arquitecturas” (2008), con “Cien mil pares de ojos” de Ignasi Aballi “(2010) y ahora con “Resiliencia”: un proyecto de Joan Fontcuberta. 

     

     El artista ha tenido ”Carta blanca” para que en esta exposición diez  piezas de su serie “Googlegramas” dialoguen con obras de Antoni Tàpies, Juan Genovés, Josep Guinovart, Antonio Saura, Equipo Crónica, Rafael Canogar  y Manolo Millares.

 

     Las propuestas de Fontcuberta siempre esconden algo más de lo que vemos, los significados ocultos reverberan como ecos en su interior. En esta ocasión los objetivos y los criterios de búsqueda en el Google de su imaginario han sido numerosos, desafiantes y complejos. Por un lado, se ha propuesto establecer las paradojas entre las mentiras de las fotos sobre el falso arsenal nuclear de Irak y las verdades de las imágenes publicadas de las torturas a los prisioneros de Abu Ghraib en Internet, por otro, ha conseguido establecer analogías, vínculos formales entre las imágenes que ha escogido de esas torturas y las obras de denuncia de la violencia y el terror de la dictadura  que hicieron algunos artistas vanguardistas, dando a entender, si acaso, estas obras fueron eficaces o no.

 

    También se ha preguntado, si  no existe banalización del sufrimiento humano al ver esas imágenes horrorosas hechas de miles de fotografías “googleadas” o si al contrario nos perturban profundamente.

  La Resiliencia estética.- 

    Joan Foncuberta ha puesto a la exposición el título de una de sus obras: “Resiliencia”; en ella se ve un charco de sangre y vestigios de tortura en una celda de Abu Ghraib, una imagen abstracta que dialoga con una obra de Tàpies. No es la más perturbadora, las otras también lo son, y nos ha hecho varias preguntas: ¿nos afecta el espectáculo de los sufrimientos de los demás a través de la televisión o del periódico? Si es así: ¿Existe la posibilidad de que el arte nos  transforme? Y en el caso de una afección profunda, por la presencia insoportable de una imagen que nos causará un profundo dolor ¿tendríamos los instrumentos adecuados para nuestra recuperación emocional?     

    La noción de Resiliencia la ha puesto en circulación el etólogo, neurólogo y psiquiatra francés Boris Cyrulnik  y se refiere a  los mecanismos de recuperación que el ser humano tiene tras un impacto emocional profundo. Eso parece urgente y necesario en la vida real, pero es una novedad que Fontcuberta lo plantee en relación al artificio de lo artístico o en la recepción estética.  Quizá es de los que creen que se producen efectos extremos, devastadores en la conciencia de quien hace una obra o la contempla.

   Aquí, Fontcuberta parece reconocer que una obra de arte tiene esa capacidad transformativa y que en el caso de que existieran efectos  insoportables  y  que estas obras nos causarán un profundo dolor, tendríamos que encontrar el bálsamo adecuado a través de técnicas de resiliencia, con tal de salir fortalecidos, transformados y conseguir que tras el impacto  emocional y estético, el “murmullo de los fantasmas “deje de atormentarnos.    

 

 

 

                                            Guinovart 

 

 

 

      

 

  

                                  

                             Saura y Googlegrama de Fontcuberta  

 

 

 

                                  

BILL THOMPSON EN MIGUEL MARCOS

jesusmc | 12 Mayo, 2010 12:53

DUENDE Y FULGOR.

 

 

 

  Artículo publicado en el suplemento Cultura´s nº 412 (12 Marzo 2010) de La Vanguardia de Barcelona.     

El artista norteamericano Bill Thompson presenta su primera exposición en Barcelona y la ha  nombrado con  el título de una de sus pinto –esculturas de pared :”Duende” .Esta obra de color morado ,tiene un resplandor extraordinario, igual que las otras diez ,parece buscar una luz primordial. Todas ellas son monocromáticas, de colores vivos como  Split, Stinger o  Pageant. Son unos volúmenes de mediana dimensión que están pintados con uretano acrílico sobre bloque de poliuretano lo que les da una luz brillante, intensa e industrial que contrastan con otras nueve obras de acrílico sobre papel, opacas,   resistentes a la luz y que crean el contraste de la nocturnidad.

 

   La pintura norteamericana  ha sido pionera en la experimentación pictórica, nunca han dejado de investigar con nuevos materiales y nuevos formatos. Recientemente he podido comprobar como Steve Silver en Brooklyn- que  ha pintado sobre poliespan durante treinta años- ahora, investiga con pintura “interference colors”  sobre “mdf” que cambia con la luz  tal como sucede con la carrocería de algunos coches; el resultado es un brillo extraordinario similar a la laca industrial que aplican Gloria Cot,  Wilhelm Mundt o el escultor Gabriel, en todos ellos, sus obras alcanzan una potente luminosidad cercana al esplendor  solar o a la luz del origen.

     Las  obras de Bill Thompson  son aparentemente amables e incluso decorativas, pero él, les otorga un valor añadido cuando establece una relación entre el hecho físico, concreto ,de la luz, la forma y el color brillante de estos cuerpos luminosos creados para la visión  y los relaciona con un ente invisible: el duende.

     Del duende se dice que habita  en algunas personas como algo misterioso e inefable, pero aquí ,se atribuye este don al color y a la forma del objeto  y  así, de modo plenamente fenomenológico, un color anaranjado  crea  una tensión  que no deja  indiferente a nadie.  La relación entre luz, brillo y potencias invisibles ha dado pie a lo largo de la historia a establecer un amplio repertorio místico de ocultos significados de lo divino: ”y vieron una clara luz”. El universo simbólico se nutre de las diferencias entre los imperios de la luz y de las tinieblas, o acaso, ¿ no es ese el sentido de lo taurino o de la transformación de un pedrusco en un costosísimo brillante?  

    El vínculo extremo entre luz y duende se encuentra en la película: “El resplandor” dirigida por Stanley Kubrick , basada en la novela de  Stephen King, ahí se explica muy bien esta relación  cuando vemos o leemos que algunos de sus protagonistas  poseen un don que les permite detectar espíritus ,ver el pasado y el futuro y que ese poder visivo  se asocia a la luz , una especie de cladividencia  que  llaman:  el resplandor.  

   Las obras de Bill Thompson convierten la actitud distante y crítica del que mira en un fogonazo y así sus obras se manifiestan como algo más que pura forma o color cristalino , el esplendor, tal como sucede en tradiciones antiguas, deviene símbolo  profundo de la manifestación del Conocimiento. 

                                             

  

                 

                                                  

  

                                           

                                                            

GONZALO TENA versus GERTRUDE STEIN

jesusmc | 26 Abril, 2010 11:52

GONZALO TENA  versus  GERTRUDE STEIN

       

 

 

 

   

 

 Begin being ready to find the human mind, 2007 Acrílico, collage sobre cartulina 18,5 x 70,5 cm.  

GONZALO TENA, (Teruel 1950) es pintor, escritor  y expuso con el  título "The relation of Human Nature to the Human Mind" sus trabajos  en la galería Fernando Latorre de Madrid hace un par de años. Nunca ha dejado de trabajar en torno a la obra de Gertrude Stein, entre otras cosas,

   Gonzalo Tena formó parte del grupo de "Trama" en los años setenta con Broto , Xavier Grau ,Javier Rubio,  fueron apadrinados por Tàpies e hicieron sendas exposiciones en la Galería Maeght de Barcelona y en la Fundació Miró, el grupo tuvo una actividad tan intensa en el debate sobre conceptualismo y pintura-pintura que, en Barcelona, aun se recuerda la polémica. Yo creo que los de Trama era tan conceptuales o más que los otros, la diferencia es que se manchaban las manos. En Trama  se daban confluencias intelectuales radicales muy diversas desde el marxismo-leninismo al psicoanálisis, de ese momento tan fructífero  que se desarrolló en Barcelona en los setenta existe un estudio completísimo en dos gruesos volúmenes con más de ochocientas páginas escritas por el psiquiatra y coleccionista Javier Lacruz. 

 

Gonzalo Tena ha realizado numerosas exposiciones individuales y colectivas y compagina su trabajo artístico con la escritura y el estudio de algunas obras clásicas de la historia de la pintura, como muestra hay que citar su libro "Bruegel en La Torre de Babel" (2005) cuya presentación fue en el Museo de Teruel y corrió a cargo de Juan Manuel Bonet, exdirector del Museo Nacional Reina Sofía, crítico de arte y comisario de exposiciones. La exposición que se presenta ahora está basada en 50 obras de pequeño formato que forman series incidiendo en fragmentos de la escritura y forma de pensar de Gertrude Stein.quien en 1935 publicó : "The Geographical History of America or the Relation of Human Nature to the Human Mind ". En los últimos años su trabajo está influenciado por la escritura y el pensamiento de Gertrude Stein.

  

 

The human mind says yes it is, 2007 Acrílico, collage sobre cartulina 18,5 x 70,5 cm   

       La obra y la actitud artística de Gonzalo Tena es muy compleja, por la brevedad que me he auto impuesto en el Blog. quiero tratar someramente algunas facetas del poliedro  de su obra. Una de esas  facetas es la que el mismo Gonzalo llama:"la tarea del entomólogo crítico" ,es decir la capacidad que tiene este artista  por percibir los minúsculos detalles de la vida y aplicarlos a su arte que exige máxima atención a lo menor. Cuando hablas con él, te das cuenta del valor que le da a una mirada o a un gesto, la importancia de la memoria y de las anécdotas. Cuando leí el estudio de Gonzalo Tena sobre Bruegel me dí cuenta  que en ese libro se pone énfasis en la importancia de la mirada en detalle sobre las obras de arte, una mirada que exige concentración, conocimiento y la capacidad interpretativa del entomólogo crítico para enfrentarse a las formas y a la vida. Solo personas como él o como el escritor e ingeniero Juan Benet son capaces de determinar la importancia de que el crecimiento formal  de la Torre de Babel de Bruegel sea de orden helicoidal o telescópica y que en eso resida un aspecto  fundamental de esa obra. Por este motivo, podríamos suponer que G.T  es un entomólogo de la forma que hace un arte cientifista basado en evidencias y análisis objetivos, pero no, no es solo así, desde la precisión y la exactitud como debemos aproximarnos a su obra.

       Cuando pienso en la obra de G. T me viene a la cabeza una frase ambigua de uso popular que dice: "verde y con asas". Esa frase alude a lo evidente, a lo objetivo, a lo claro, a lo diáfano, a lo que no ofrece duda alguna, podríamos decir una obviedad científica, sin embargo es una frase críptica, cerrada, hermética porque nadie sabe definir de una sola vez que puede ser eso que es verde y con asas. Por otro lado en esa afortunada expresión se reúne la palabra, el objeto y el color y ahí se encuentra el otro lado de la moneda de G. Tena que esta llena de franjas y turbulencias formales, de actividad energética constante y de palabras que teniendo sentido lo pierden en el conjunto y ahí es donde  yo veo su proximidad al mundo Steiniano. Gonzalo Tena obliga al espectador a definir un nuevo tiempo y un nuevo espacio, obliga al sujeto percibiente a establecer un vínculo  no causal con la obra , no ilustra conceptos, ni frases, obliga  a una percepción simultánea de los dos cerebros: el que es capaz de inteligir y el que es capaz de ver, todo ello en frases que salen de lo lineal temporal de la escritura para convertirse en fragmentos, en detalles energéticos más que de sentido. No hay progresión lineal hay coexistencia espacio temporal. Y así, sin pasado, sin futuro nace el instante, el momento pregnante del sentido. Las frases de Gertrude Stein también enfatizan esa voluntad de momento.         Con la obra de Gonzalo Tena hay que dejarse llevar sin obsesionarse por el sentido, no hay que descifrarla necesariamente por el hecho de que existan unas palabras escritas, como tampoco queremos descifrar el entramado complejo de un garabato sígnico lleno de energía. En este aspecto y por mi deriva hacia lo japonés diría que  Gonzalo Tena , además de a Gertrude Stein, se acerca en su obra a esa sensibilidad oriental en la que corazón(Human Nature) y cerebro(Human Mind) forman parte de la misma expresión poética en la que la palabra es la que es, pero en la que el sentido se muestra abierto y a menudo cerrado.     

 

 

 

 

  

LA ARMADURA DE MARCEL.LI ANTUNEZ

jesusmc | 24 Abril, 2010 09:24

LA ARMADURA  DE MARCEL.LÍ ANTÚNEZ

  

   Escribo esto tras la resaca del día de Sant Jordi , justo cuando acabo de reservar entradas para ver la actuación de Marcel.li Antunez en Antic-Teatre.

    Por la noche, en sueños y como una visión extremada e inexplicable he visto la armadura de Sant Jordi levitando en el aire  que se dirigía hacia mi como un cuerpo inerte. Buscando la razón del sueño me he dado cuenta de que esa espantosa visión es muy lógica. Se debe al hecho de que en mi mente se han cruzado  las imágenes de dos fábulas: la del santo libertador de princesas y la de uno de los mejores artistas del país.

     La moderna por no decir futurista armadura del neo-santjordi se llama dreskeleton, exoesqueleto y robot interactivo.  Marcel.li Antunez es el principal usuario de estas neo-armaduras del sigloXXII. El dreskeleton es una interfaz corporal de naturaleza exo-esquelética vestida por Marcel·lí Antunez, una especie de armadura eléctrica que le permite actuar sobre unas pantallas o en el aire, mediante unos sensores  controla el sonido, hace música, controla las imágenes que aparecen en las pantallas y la máquina de gritos, construyendo de este modo la narración de la pieza. El antecedente  del dreskeleton es la performance interactiva Epizoo de 1994 en el que una chica, desde una silla de ruedas ejecuta acciones de movimiento a su voluntad sobre el cuerpo de Marcel.li Antunez.

Este creador es un prodigio de la naturaleza. Su fuerza personal genera una actividad permanente. No cesa. La experimentación punta convive con la tradición mítica que en un lejano horizonte, nunca deja de estar presente. La tecnología  de su dresqueletron y su interfaz es  capaz de generar imagen y sonido a través del movimiento de su cuerpo, sus experiencias ingrávidas en vuelos al espacio con los investigadores rusos y su sutileza ingenua conviven con la brutalidad descarnada de las "performances".Los  títulos de sus obras aluden a un mundo cibernético y orgánico, futurista y del pasado más remoto: epizoo, afasia,  transpermia, protomembrana y este último hipermembrana pero todo ello en un contexto própio del origen mismo de lo imaginario y fabuloso

   Su mundo es indefinible  hay que verlo desde la perplejidad que suscita. El crítico Pere Salabert es el único que , hasta ahora, en nuestro país ,se ha atrevido valientemente  a aproximarse a la obra de Marcel.li Antunez en su libro” El Cuerpo es el sueño de la razón y la inspiración de la serpiente” Ed. Cendeac, Barcelona,2009 .

  

Por mi parte he de confesar que su trabajo me gusta tanto que la última vez que hizo una exposición pública me levanté para darle un cordial abrazo ante el público que miraba atónito, sí, nos gusta a muchos y por eso se ha convertido en una citación obligada del arte español contemporáneo, está consagrado en el universo cibermático, cibernético, cibernautico y su obra se reconoce en todo el mundo. Por estas razones y muchas más, recomiendo ver su espectáculo “Protomembrana” en el Antic-Teatre

      

 ANTIC TEATRE

“Protomembrana”

Noves Tecnologies //10 € // socis 8 €
Nuevas Tecnologías // 10 € // socios 8 €
New Media // 10 € //members 8 €


HORARIS ESPECTACLE
DIJOUS  A DISSABTE: 21:00 H
DIUMENGE: 20:00 H
HORARIOS ESPECTACULO
JUEVES  A SABADO: 21:00 H
DOMINGO: 20:00 H
SCHEDULES SHOW
THURSDAY  TO SATURDAY: 21:00 H
SUNDAY: 20:00 H
reservar: anticteatre@anticteatre.com 

Autor, Performer i Dibuixos: Marcel·lí Antúnez Roca
Animació: Liliana Fortuny
Programació: Matteo Sisti Sette
Música: Alain Wergifosse
Fotografia: Carles Rodríguez
Vídeo: Lucia Egaña Rojas i Francis Gómez de la Cruz
Disseny d’il·luminació: Oriol Ibáñez
Assistent de producció tècnica: Lucia Egaña Rojas
Producció executiva: Eva Vilaró Móra
Producció: Panspermia SL

                              

                                

TAPIES.MARQUES.MASSIVE ATTACK

jesusmc | 21 Abril, 2010 15:49

TAPIES. MARQUES. MASSIVE ATTACK

 

      Ya he dejado bien claro en un post. anterior que considero a Antoni Tàpies como parte viva de mi biografía intelectual. Desde que saltó la noticia, en Barcelona, todo el mundo comenta lo inoportuno que sería que el artista aceptara el Marquesado que se le ofrece desde la institución monárquica. Desde la honrada y emotiva carta de su amigo personal Antoni Llena en el Avui hasta la ira de los necios, todos se han cebado en el hecho con un inquietante ataque masivo. Hoy mismo en un acto al que asistía, un laureado doctor universitario ha hecho una intervención pública en la que parecía exigir una respuesta ante el  comportamiento poco ético del artista. Yo me he levantado y he contestado con algo escueto y  algo críptico que ahora quiero explicar. Mi defensa ha consistido en recordar  por un lado , citando a Goethe, que:  Sólo un hombre de ochenta años puede juzgar a otro hombre de ochenta años. El otro argumento  ha sido citar un celebrado cuadro de 2002 que se llama “Dietari num.3, y  en el que aparecen escritas dos frases:  NI PUR/ NI IMPUR.

   

     Esta obra la  expuso en la Galería Charles Lelong con motivo de su ochenta aniversario, y tiene el significativo título de una confesión íntima: “Dietario” , la obra se convierte en una especie de libro abierto en el que se anotan los debes y los haberes de la conciencia:

En ella, un cubo sujeto a la superficie del cuadro deja ir un espeso contenido gris que circunvala el perímetro de la obra, en el centro y con un fondo negro el “grattage” de una figura con los brazos hacia delante y las manos extendidas parece orar o reverenciar.  En ambos lados del cuadro escritos en blanco, como la cruz central que lo preside dos frases: NI PUR/NI IMPUR.

 

NI IDENTIDAD

  

     Dukkha(1995) Prajna=dhyana(1993) o la que acabo de citar, por ejemplo son obras que confirman algo que sabe todo el mundo desde que Lluis Permanyer divulgara en su libro” Tàpies i les Civilitzacions Orientals” (1983) la influencia reconocida del budismo y del taoísmo en la obra del artista y su lucha permanente contra el dolor. Por poco que se sepa de estas influencias filosóficas se debe saber que ,tal como escribe Tàpies en su cuadro: NI IDENTIDAD del 2003 , hay algo fundamental para aproximarse adecuadamente  a su obra, tan solo hay que considerar lo siguiente:  Ni identidad permanente, ni idea de persona, ni de ser viviente, ni de un tiempo de existencia.

  

 Bodhidharma ,uno de los filósofos preferido de Tàpies escribió en  un texto llamado "Sobre la contemplación de la mente" : Cuando un gran bodhisattva ahonda profundamente en la perfecta sabiduría comprueba que los cuatro elementos y las cinco sombras carecen de un yo pesonal.Ycomprende que la actividad de su mente cuenta con dos aspectos:puro e impuro.A causa de su naturaleza, ambos estados mentales están siempre presentes.Se alternan como causa o efecto dependiendo de las condiciones, la mente pura se complace en las buenas acciones, la impura piensa en el mal. Aquellos que NO SON AFECTADOS POR LA IMPUREZA SON SABIOS.Trascienden el sufrimiento y experimentan el gozo del nirvana.Todos los demás , atrapados por la mente impura son mortales"

 

Quiero decir con todo esto que cuando una persona persevera por el camino del Dharma budista, y Tàpies lo ha hecho, es fácil que lo que la mirada común entiende por contradicciones, no sea otra cosa que el cumplimiento riguroso de un mandato filosófico: la superación de toda dualidad al encuentro del camino del medio.

Hay muchos fragmentos atribuidos a Bodhidharma que podrían complementar esta reflexión, por ejemplo: Cuando aparece la mente mortal, desaparece la budeidad. Cuando desaparece la mente mortal, aparece la budeidad…quien sepa que nada depende de nada, habrá encontrado el Camino”

  

Por eso, la polémica continuará hasta el agotamiento , porque no hay entendimiento posible entre aquellos que juzgan las cosas desde el conocimiento racional, positivista, hecho de códigos binarios de si y no, de amigo-enemigo, de conmigo o contra mi  propios de la vida mortal y aquellos que al aceptar un honor saben que nada depende de nada. Y quien sepa entender la respuesta de alguien que ha superado esta dicotomía es que se encuentra, como Dalí en su día y Tàpies ahora en otra dimensión. Lo puro o lo impuro, ni existen ni no existen: es lo que se denomina el Camino del Medio al que llegan los artistas que consiguen ir más allá.

 

                        

CYRIL LEVAN:RES DUPLICATA

jesusmc | 15 Abril, 2010 21:04

                          

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de LaVanguardia. Nª 408.14 de Abril 2010    

 

    Res Duplicata es el titulo de la exposición que en el año 2008 hicieron los artistas Cyril Hatt y  Cyril Levan. Ahora, uno de ellos, Cyril Levan(1970) expone en  “Ego Gallery” que se está convirtiendo en un lugar de referencia para constatar como la  fotografía  se ha erigido en un arte de última generación.    Este artista  francés, duplica la realidad como hacen los fotógrafos pero en vez de quedarse con la imagen plana del papel emulsionado, crea un objeto escultórico y ocupa el espacio. Así, reconstruye, a escala real: un coche de emigrantes  cargado hasta los topes, una rueda, unas zapatillas de deporte, una televisión y diferentes cazadoras deportivas  de marca que  aluden a un mundo en el que el consumismo crea un fuerte contraste entre el deseo de “glamour” o el  anhelo de vestir una marca que tienen los jóvenes en los barrios periféricos  y  la pobreza, la exclusión o la desigualdad en la que viven. Estos objetos  parecen castigados por el uso y las experiencias limite  y en ellos, el deterioro y cada una de las grapas del cosido se convierten en suturas imaginarias de las heridas físicas o sociales de sus portadores. 

 

 Magia.-         

Los  objetos de Cyril Levan están en la sala :vacíos  e inmóviles, son imágenes y  semejanza de otras cosas que allí no vemos .Eso inquieta.  El artista  transita del volumen  al plano y nuevamente al volumen creando una redundancia , una “res duplicata” en la que la insistente dualidad  despierta la conciencia del espectador . El  fotógrafo se convierte en un demiurgo que quiere crear realidades    a través de las tres dimensiones. Esta ilusión del fotógrafo  viene de lejos. La imagen estereoscópica es un método que crea un efecto mágico que ya sedujo al espíritu científico de Dalí que la cultivaba como si fuera algo secreto y misterioso.   Levan construye sus esculturas como contenedores vacíos de espíritu pero con la misma esperanza  que aquellos que haciendo un muñeco de barro o un monstruoso Frankenstein recompuesto ,lleno de suturas , quieren darles vida insuflando el aliento vital sobre su rostro.

   Estos “Doppelgängers” objetuales son alter egos fantasmáticos de la realidad  que nos lanzan   una  provocadora pregunta sobre la esencia, sobre la verdad y la apariencia, sobre lo mismo y lo otro  tal como se encuentra en  toda buena reflexión filosófica o religiosa  que indague sobre el origen y la auténtica naturaleza de las cosas.

                 

                          

 

 

                        

                       

 

  

                          

                           

 

 

Fotos:  Guille M.Lucas.  

 
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