Administrar

BECAS DE ARTE CAJA MADRID :ARTE Y NARRACION

jesusmc | 26 Marzo, 2010 16:46

 

ARTE Y NARRACION: BECAS DE ARTE CAJA MADRID EN LA CAPELLA.

 

Jesús Martínez Clarà.

 

   Lucía Antonini, Patirke Arenillas y Nerea de Diego, Matías Costa, Patricia Esquivias, Francisca López y Santaella presentan en Barcelona sus trabajos que han sido seleccionados para la convocatoria Generación 2010 de las Becas otorgadas por Caja Madrid este año y que ahora se exponen en   La Capella hasta el 2 de mayo. Hospital, 56  junto a la Escola Massana.Sigo con curiosidad las diez ediciones que llevan otorgándose las becas de Caja Madrid. El año pasado las pude ver en la Casa Encendida y allí conocí el trabajo de Patricia Gómez y Mª Jesús González que próximamente expondrán en la galería Raiña Lupa de Barcelona. Me interesa detectar el pulso del arte recién salido del horno, porque indica tendencias, aspiraciones colectivas y este año no ha sido un excepción.

     Me ha parecido que el conjunto de obras presentadas están, casi todas ellas, orientadas hacia el  concepto de narración. En los descriptores que siguen, me he limitado a subrayar y añadir en negrita algunos indicativos con tal de enfatizar la búsqueda narrativa. Pero, lo que viene a continuación, no es otra cosa que la reseña fragmentada de lo presentado  por la comisaria de la exposición Olivia María Rubio. En la primera parte de este extenso Post. expongo la importancia que para la tarea hermenéutica tiene la NOCION DE NARRACIÓN y posteriormente el material básico de esta exposición colectiva.

ARTE Y NARRACIÓN.- 

Los lectores de filosofía habrán adivinado que el título de esta crítica, o mejor de esta crónica es un descarado homenaje al filósofo y hermenéuta Paul Ricoeur que en su libro “Tiempo y Narración” (1985) hace  unos alegatos a favor de la narratividad con el propósito de defender su posición filosófica y con la intención de convencer a los filósofos analíticos de la importancia de la fenomenología y la hermenéutica. Arthur C. Danto escribió su libro fundamental al que puso un título parecido:”Historia y  Narración”(1965).    Ricoeur se propone fundamentar una nueva ontología hermenéutica  sobre la referencia de los enunciados metafóricos y sobre las tramas narrativas. Ricoeur plantea, sin proponérselo, una de las cuestiones capitales del arte contemporáneo.     Dice Ricoeur  que todo discurso no es nunca “for its own sake”, Es decir para su propia gloria, sino que quiere, en todos sus usos, llevar al lenguaje una experiencia, un modo de vivir y de estar-en-el-mundo que le precede y pide ser dicho. Por esta razón, parece que los trabajos anteriores descritos como propuestas narrativas se liberan de la  primacía de la subjetividad. Y entonce aparece  la primera tarea de la hermenéutica: que consiste en  buscar en la  propia obra la dinámica interna que preside la estructuración de la obra; y  por otra parte,loque Ricoeur denomina: la capacidad de la obra para proyectarse fuera de sí misma y dar lugar a un mundo, que sería ciertamente la «cosa» del texto. Tanto los aspectos de la dinámica interna de una obra como su proyección externa constituyen lo que llamamos  “la labor”de la obra. La tarea de la hermenéutica consiste en reconstruir esta doble labor de la obra.Toda narración cuando contiene datos de la  histórica busca la explicación que hay que añadir porque no ha logrado explicarse por sí misma. A veces el intérprete ejerce una función básicamente explicativa y se da cuando una obra nos  afecta , nos intriga o nos deja perplejos. Interpretar es re-escribir inevitablemente pero el desafio siempre es el mismo hacer que pueda seguirse o aceptarse una obra sin desvirtuar, ni desvelar absolutamente su sentido.  

1ª Narración:

El vídeo de Lucía Antonini, Cuentos chinos, es sobre  ciudadanos de origen chino en nuestro país. La artista se ha paseado por las ciudades de Lugo, Ponferrada, La Coruña, Oviedo, Gijón, Pamplona,Madrid, Málaga, Sevilla, Cádiz, Granada, Bilbao o Barcelona para acercarse a esas personas y hacerles leer ante la cámara un relato perteneciente a su tradición cultural. Además de constatar el nivel de integración la propuesta gira en torno a la narración ya que  Lucía Antonini les ha mostrado el libro Esperando a lasliebres y otros cuentos chinos, en el que se recopilan una serie de esos cuentos que los niños chinos estudian en el colegio, y les ha pedido que elijan el que más les guste. Posteriormente debían contarlo con sus propias palabras ante la cámara, en el lugar que ellos mismos seleccionaran para ser grabados. La artista utiliza la idea del “cuento” por la importancia que éste tiene en la tradición oral china como vehículo del conocimiento. La paradoja es que, mientras para ellos sus cuentos son una forma de transmitir ese saber, para nosotros la expresión contar un “cuento chino” tiene una connotación negativa: contar una mentira. Ello nos hace reflexionar sobre los diferentes sentidos que se dan a las cosas dependiendo de las comunidades, pero también sobre la riqueza que los elementos de otras culturas pueden aportar a la nuestra.  

 

   

2ª Narración

 Contar a destiempo es una video instalación de de Patirke Arenillas y Nerea de Diego en la que mujeres en el desierto nos introducen en otra realidad no precisamente lejana para nuestro país, ni en espacio ni en el tiempo. Patirke y Nerea han viajado a los campos de refugiados saharauis en el desierto argelino con el objetivo de reflejar el patrimonio material e inmaterial de las mujeres refugiadas en esos campamentos; y ello entendiendo por patrimonio todo aquello que contribuye a conformar una identidad: voces, idiomas, olores, sabores y recuerdos que esas mujeres atesoran y que corren el riesgo de caer en el olvido o en el puro folklore. Las autoras no establecen la estructura narrativa del documental o la ficción sino que crean un salpicón de situaciones e imágenes, pero es otro “CONTAR” a destiempo con lo que aparece de un modo evidente el segundo momento calificado de narración.  

 

 

   

 

3ª Narración

The Family Project, de Matías Costa, es una indagación en la memoria familiar, y también en la desmemoria o el olvido. El artista ha realizado un viaje en el espacio y en el tiempo –se ha retrotraído un siglo atrás–, con el fin de reconstruir la narración de su pasado a través de imágenes y acontecimientos raciales o sociales. Ese recorrido por la memoria personal es también, de alguna manera, un recorrido paralelo por la historia del pasado siglo.

 

  

4ª Narración

Una reflexión sobre la historia y sus múltiples narraciones aparece en el trabajo de Patricia Esquivias. Folklore III [serie “Folklore”],  es el tercero de una serie de vídeos sobre España que la artista viene realizando en los últimos años. Explorando de manera heterodoxa aspectos de la historia y la idiosincrasia españolas y apoyándose en acontecimientos cotidianos y fenómenos de la cultura popular Patricia Esquivias vincula Historia, microhistorias e historia personal para indagar cómo, en las posibles relaciones y vinculaciones entre ellas, se crea la identidad de un país. La forma que adopta el resultado final es la de un “vídeo-relato” conformado por ensayo informal, microrrelatos y anotaciones diversas. Los vídeos se presentan narrados por la propia artista, subrayando así su carácter performativo,y en inglés con subtítulos en español, con el fin de establecer cierta distancia.Esto, junto con la manera deliberadamente un tanto ingenua, improvisada, de la narración, que la separa de los formatos normalizados y asertivos con que se transmiten a diario las informaciones en los medios audiovisuales de masas,descoloca al espectador, creando en él una sensación de extrañamiento que, paralelamente, le pone en guardia respecto a la veracidad de los contenidos de esos formatos normalizados. 

 

    

 

5ª Narración

 Los inicios del proyecto de Francisca López, Bandi Binder, se remontan a 1995, año en que conoció en Buenos Aires al fotógrafo de origen húngaro Bandi Binder (Transilvania, 1917 – Buenos Aires, 2006). Un trabajo que se extiende en el tiempo y que surge cuando, una noche de 1998, Bandi muestra a Francisca una serie de fotografías de diferentes habitaciones de la casa en la que vive con sumujer, la pintora hiperrealista de origen californiano Sally Dietrich, tomadas por él veintitrés años antes con el fin de enviarlas a los amigos que habían dejado en California, lugar donde habían estado viviendo y donde la pareja se conoce.A partir de ese momento, Francisca López decide realizar un ensayo fotográfico–que se concretará en un libro y una serie de fotografías– que reflexione sobre el tiempo y la fotografía, sobre la memoria y el recuerdo. Tomando como base esas imágenes de Bandi, la artista repite la toma en los mismos espacios, con las mismas poses tanto de la pareja como de cada uno por separado. Unos espacios vividos, llenos de recuerdos, en los que pareciera que el tiempo se ha detenido, únicamente denotado por la edad de los protagonistas y el mayor abigarramiento de utensilios, cuadros, libros, objetos, que se acumulan en mesas, estanterías y paredes. El proyecto se complementa, por una parte, con una serie de fotografías individuales de cada uno en un momento en que, habiendo perdido la memoria el fotógrafo, su mujer le cuenta una antigua historia con el fin de hacerle recordar;en su rostro vemos el desconcierto, la alegría, la interrogación, el esfuerzo por hallar esos recuerdos... Por otra parte, se suman las fotografías realizadas en diversos lugares de la Transilvania de la que Bandi Binder es originario: su casa natal en el pueblo de Malade, la fachada de una fábrica de ladrillos creada por uno de sus hermanos, la calle donde se encontraba el liceo donde estudió, la ópera, el río, un antiguo cementerio judío, etc. Francisca ha viajado a esos lugaresguiada por sus propias evocaciones de los recuerdos del autor, y también por la biografía escrita por su mujer. Fotografiando esos recuerdos, los recupera y preserva, los rescata del olvido.Fotografía, tiempo y memoria se entretejen en este trabajo de Francisca López y nos hablan de la capacidad de la fotografía para perpetuar instantes efímeros,para rescatar del olvido a personas y lugares, para recordar. Tres generaciones se unen en este proyecto en el que, a través de sus propias imágenes, la artista nos acerca al trabajo de Bandi Binder y Sally Dietrich, y a una manera de vivirla fotografía.  

 

  

   

 

6ª Narración

 Como en toda regla hay una excepción el último trabajo presentado tiene ligeros vínculos con la narración en el sentido  en que el proyecto de Santaella, Aerohabitación, consiste en la creación de un prototipo: una unidad de habitación portátil y autosuficiente energéticamente. Presentadoa modo de escultura-instalación, y alimentado por un sencillo generador o molino de viento, el prototipo está dotado asimismo de un depósito o aljibecapaz de almacenar el agua de lluvia. Es fácilmente transportable y permite su emplazamiento en cualquier lugar donde se produzca viento: campo, desierto, montaña, playa, azotea... Una arquitectura de viento realizada a una escala que la hace habitable de forma confortable, es decir, a partir del espacio mínimo quedescribe una persona en movimiento sin tocar las paredes.El proyecto de Santaellla se sitúa en un tipo de actuación artística que va más allá de la obra en sí misma para aspirar a integrarse en la sociedad y tratar de ofrecer soluciones habitacionales a los problemas del medioambiente derivadosde una construcción masiva y abusiva. Podríamos insertar esta obra en la noción de memoria , recuerdo narración dado que Santaella concibe su Aerohabitación como un lugar de evasión y de ocio, donde poder aislarse para meditar, escuchar música, leer,

descansar. Su intenso y alegre color –rosa fucsia–, su textura –blanda– y su forma –circular– remiten a un cierto erotismo / sensualidad; una especie de seno materno, una piel que envuelve, aísla y acaricia. Un espacio para soñar, para protegerse, para observar.

          

ANTONI MARI: HAN VINGUT UNS AMICS.

jesusmc | 09 Marzo, 2010 17:46

Eina, Espai Barra de Ferro C/ Barra de Ferro, 2 - Barcelona Obert de dimarts a dissabte de 16h a 20h   Han vingut uns amicsInstal·lació audiovisualLúa Coderch, Martí Ruiz i Lluís NacentaInauguració Dimarts 9 de març de 2010 a les 19.30hExposició Del 9 al 20 de març de 2010

Apunt del natural realitzat per Martí Ruiz durant l’enregistrament de Han vingut uns amics

  Han vingut uns amics, el nou llibre d’Antoni Marí, és un llarg poema que transgredeix les fronteres dels gèneres, partint d’una experiència emotiva i intensa,i  porta el lector al coneixement del que només la poesia pot copsar. Escrit en una llengua precisa i subtil, el poema, d’una rara originalitat, dóna nom i sentit a allò que es clou rere l’artifici del llenguatge.«Aquí em teniu, com han fet tants d’altres, tancats a llocs remotíssims per posar ordre a la seva vida.» El protagonista líric d’Han vingut uns amics passa la convalescència a una casa solitària, «un lloc allunyat de tot, i del tot fronterer», on fa memòria de les pèrdues i el dany, i on només sembla que quedi l’aprenentatge de les darreries i el consol del pensament. Tanmateix,l’itinerari del seu ànim caigut pel present de la malaltia i per la part obscura de l’experiència acaba desvetllantel més secret de la persona. El dolor esdevé llavors una experiència il·luminadora, i les intermitències del cor, la veritable consciència del que roman i del que és necessari.Aquesta instal·lació és la nostra lectura del poema Han vingut uns amics d'Antoni Marí, publicat per l'editorial Tusquets. El poema no és un text narratiu,sinó un sistema de fragments disposats en l'ordre del'espai i el temps de la literatura -aquí en paral·lel,allà sobreposats, aquí en redundància, allà en contradicció-, i que dirigeixen múltiples mirades, desde diversos moments i llocs, sobre una sola idea. A la instal·lació, aquestes mirades prenen cos en diverses veus, que ara s'ajuden o es pertorben, ara se sumen o es neguen, i configuren una presència múltiple que,malgrat la seva riquesa i eloqüència, no aconsegueix trencar la soledat. La soledat, l'única condició en què es poden veure els canvis lentíssims de la llum.En la realització d'aquesta obra hem comptat amb lacol·laboració d'Antoni Marí, Joan Bestard i JesúsMartínez Clarà, que hi han posat les veus, i el suport logístic d'Eina, Escola de Disseny i Art, el Laboratorid'Art Sonor de la Facultat de Belles Arts de laUniversitat de Barcelona i Tusquets Editores.Centre universitari adscrit a la UABEinaEscola de Disseny i Art     Lúa Coderch (Perú, 1982), és artista visual iplàstica, formada a la Facultat de Belles Artsde la Universitat de Barcelona i a l'EscolaMassana, on ara col·labora com a docent.Com a productora exposa regularment des de2004: "Loop'04" (Barceló Sants, Barcelona2004), “Platí, 75 anys de l'Escola Massana“(La Capella, Barcelona 2005), “Utopies:desplaçaments transversals” (galeria MX espai,Barcelona 2006), “Fem Art'07” (EspaiFrancesca Bonnemaison, Barcelona 2007), “deStenen Poort” (Borkel en Shaft, Holanda 2008),“Fem Art'09” (Espai Francesca Bonnemaison,Barcelona 2009), “Fes el que hagis de fer”(Sala Moncunill, Terrassa 2010), entre d'altres.Així mateix, ha comissariat conjuntament ambDario Reina l'exposició “El model absent”(2009) per al nou Cercle Artístic Sant Lluc,amb obres de la col·lecció del MACBA.Martí Ruiz (Barcelona, 1982), llicenciat enbelles arts, artista plàstic i sonor. Dedicat a lapedagogia musical, actualment és professord'Edició Creativa a la Universitat de Barcelona.Membre del Laboratori d'Art Sonor de laFacultat de Belles Arts i del grup de recercadel Paisatge Sonor, treballa en projectes comSons de Patum. Com a músic i compositor,és membre fundador del col·lectiu i segelldiscogràfic Hamsterloco, ha publicat diversosàlbums i és director de l'Orquestra RamaderaEstocàstica.Lluís Nacenta (Barcelona, 1976) és investigadorindependent en l'àmbit de la músicacontemporània i experimental, llicenciat enmatemàtiques per la Universitat Politècnica deCatalunya, titulat superior en piano pelConservatori Superior de Música del Liceu ititulat en el Màster d'Estudis Comparatius deLiteratura, Art i Pensament (amb una tesinasobre Morton Feldman) de la UniversitatPompeu Fabra, en la que ha col·laborat com adocent a l'assignatura d'Història de la Músicadel Segle XX. Escriu habitualment a la RevistaMusical Catalana i al suplement Cultura's de LaVanguardia i és membre del consell editorial dela revista Forma de la Universitat Pompeu Fabra.    

EL CALCETIN DE TAPIES:ODA A LA NECEDAD

jesusmc | 06 Marzo, 2010 18:31

EL CALCETÍN DE TAPIES: ODA A LA NECEDAD

    

 

 

     Creo que no existe nadie más devoto que yo de la obra escrita o visual de Antoni Tàpies. Cada dos años espero con impaciencia la exposición que con el título “Obra reciente” expone en la galería de su hijo Toni. Por eso me reconforta que finalmente se haya hecho justicia  y se haya reparado el grave daño que se produjo a la consideración y respeto sobre su obra con la estúpida discusión pública que se dió en 1991 sobre su enorme escultura Mitjó(Calcetín) cuando tan sólo era un proyecto. Ahora en el 2010, con la reapertura de la Fundación, se han planteado unas visitas comentadas al edificio y a la escultura-calcetín con una hora de duración. Espero y deseo que durante esas explicaciones se mencione la estulticia humana que se produjo entonces con una polémica imprópia de un país civilizado. En aquel momento se desconsideró gravemente a alguien que lleva toda su vida buscando lo esencial, que ha luchado tanto contra él mismo y que ha fundamentado la practica artística en un proceso de transformación profunda del ser.

Espero que en el anecdotario histórico, al que somos tan proclives, no nos quedemos con lo superficial que fomenta el desconocimiento de lo realmente importante.Un chirrioso murmullo cotilla que se ejerce , incluso, desde sectores supuestamente especializados como crítica , galerismo y público en general .Debido a una injusticia histórica propiciada por la injustificada presencia de políticos en los órganos de gobierno de instituciones culturales de 1991, pudo hacer que un gran artista, quedara para muchos ignorantes como: “aquel del calcetín”. Cuando  los que vean esta obra, al margen de su significación en el conjunto de la obra de Antoni Tàpies, deben comprenderla como el recuerdo de una injusticia cultural y  una enorme crítica a la ignorancia y a la estulticia humana.

 

                      

 

 

Foto publicada en el País 17/02/2010Trabajos para realizar la escultura del calcetín de Tàpies en el taller de Pere Casanovas.- JOAN SÁNCHEZ

  

El miércoles 10 de marzo a las 19.00 h, tendrá lugar en la Fundació Antoni Tàpies la presentación de la publicación Memoria personal. Fragmento para una autobiografía (Obra escrita completa. Volumen I), que se publica en catalán, castellano e inglés, y que constituye el primero de los dos volúmenes que conforman el proyecto editorial que reunirá toda la obra escrita de Antoni Tàpies.

El acto de presentación del libro contará con la presencia de Josep Miquel Sobrer, traductor al inglés de la obra escrita completa de Antoni Tàpies, y de Pere Gimferrer, cotraductor al castellano de Memòria personal. Fragment per a una autobiografia.

Este primer volumen es una edición revisada de la obra Memòria personal. Fragment per a una autobiografia, publicada por Editorial Crítica el año 1977 y por Seix Barral, en castellano, el año 1983. La obra reúne la producción memorialística de Antoni Tàpies. El relato indispensable de sus vivencias en la Barcelona previa, posterior y sobre todo contemporánea a la Segunda República, la guerra civil, el régimen franquista en Madrid, París durante el periodo existencialista y Nueva York en la década de 1950, está acompañado en esta edición de imágenes históricas de diversa procedencia, algunas de las cuales forman parte del archivo familiar y privado del artista. La relación personal y la confluencia artística de Tàpies con Picasso, Miró y Duchamp, entre otros; su periplo por la ideas de modernidad y vanguardia, y los hechos históricos de su vida, desde el nacimiento en 1923 hasta mediados de la década de 1970, nos ofrecen una aproximación única a las fuentes y al desarrollo de su obra. El volumen incluye una cronología y una selección de imágenes que muestran el despliegue de su lenguaje artístico desde la década de 1940 hasta hoy en día.

Información práctica:
Miércoles 10 de marzo, a las 19.00 h
Entrada gratuita
Nivel -1, Espacio C

MARTI ANSON EN LA MASSANA

jesusmc | 04 Marzo, 2010 09:35

Marti Anson en la Massana.

        Martí Anson es un artista visual  y un currante. Hoy ha dado una magnífica explicación de su trabajo en la sala de actos de la Escola Massana de Barcelona con el título de : Producción, Exposición y Comunicación. El lector que lo conozca pensará de inmediato que  la conferencia podría  haber versado sobre sus obras recientes como: Martí y la fábrica de harina, 2009, o Fitzcarraldo. Cincuenta y cinco días trabajando en la construcción de un velero Stella34 en el Centre d ´ Art Santa Mònica. Pero no, nada de eso. Ha venido a hablarnos de su faceta como montador de exposiciones artísticas.

        La sensación que he tenido es  de interés y desconcierto  que son los mejores estímulos para escribir sobre arte. Yo iba con el pre-juicio del que cree saber lo que va oír y en lugar de eso, mi sorpresa y  curiosidad han  ido en aumento. Al principio todo parecía que iba por el camino de lo esperado, de lo  que ya me imaginaba y  que es propio del  grupo de artistas y críticos con los que suele alternar: Ignasi Aballí,  David G. Torres, Antonio Ortega, Eduardo Perez-Soler, David Armengol, Montse Badia, Martí Manen , Frederic Montornes : producto,pasta, gestión, institución y comunicación, saber Inglés, etc, casi todos ellos vinculados a la escola Massana.

         Pero poco a poco ha ido apareciendo un discurso muy descriptivo, formalista, casi diría: de máxima precisión fenomenológica que concordaba perfectamente con la tradición material de la escuela Massana . En primer lugar ha mencionado la servidumbre del montador de exposiciones a otros artistas o comisarios, incluso me ha parecido verle currar con clavos y martillo; aquí aparecía la primera lección:! un artista sacrificando su proverbial egolatría al servicio de otro proyecto que no es el propio!. Eso ya vale un primer gesto de reconocimiento. Una ligera inclinación d ecabeza. Luego unas lecciones de orden y sentido común aludiendo al hecho de que una exposición se debe plantear como si fuera un libro, con un orden de lectura, con una presentación y el mejor de los recorridos posibles. Para ello, es necesario conocer las alturas variables y adecuadas a la que se van a colgar los cuadros. Parece ser que la mejor es 1,47. Todo debe ser claro como el que tiene un libro en las manos y lo abre. El texto son las obras y el espectador su lector. El montador organiza el espacio de un modo razonable y económico. Este aspecto de ahorro de material parece interesarle especialmente y una exposición debe ser barata, fácil de hacer y ajustarse lo más posible a las medidas de las maderas para aprovecharlas al máximo y además, acomodarse a las  ideas del comisario. Los muros estándar son de 3, 66 m. En la conferencia, todo era un elogio de la precisión, el cálculo y el ahorro.     Las exposiciones temáticas son más fáciles porque tienen el hilo conductor de una narración, mientras que las de arte contemporáneo puro y duro se presentan más complicadas por la aleatoriedad del trabajo de los artistas. Esta humildad  y economicismo están dominadas por los números, porque según él mismo afirma: todo es matemáticas. Mi asombro iba en aumento, creía estar ante un neo pitagórico defendiendo la bondad de lo correcto, la conveniencia y la proporción exacta y armónica de todas las cosas. Hasta ese momento aparecía el lado razonable del arte en el que la búsqueda de la bondad, la verdad del material y la belleza parecían los principales y únicos argumentos.    

 

Mr. Hyde

      

     Pero de repente como si se tratara de un  Dr. Jekyll transformándose en Mr.Hyde nos ha mostrado el núcleo duro y verdadero de su trabajo a través de una maqueta de su celebrada exposición en la galería Toni Tápies: “El apartamento del 2002. En esta obra, aparentemente, veíamos las mismas acotaciones, las precisas medidas que habíamos visto en sus trabajos de montaje de exposiciones, pero aquí todo estaba alterado con espacios imposibles, con comunicación entre habitaciones absurdas y con un pasillo que era  un camino sin salida, la entrada conducía al baño, la cocina es la antesala de un dormitorio. Es decir, todo lo que hasta el momento parecía una lección de orden, decorum  y funcionalidad extrema propias del hijo desconocido de Walter Gropius: quedaba reducido a la nada de lo imposible. Este derecho a ejercer libremente lo que el artista necesita hacer, aunque vaya contra el sentido común, le condujo al límite del absurdo en el año 2007  con su proyecto delirante Fitzcarraldo. Estuvo construyendo con sus propias manos ,sin parar, pero descansando como todo currante los fines de semana,  estuvo 55 días de trabajo de construcción de un barco Stela 34  en el CASM  y  luego lo destruyó porque no pasaba por la puerta de salida.      La economía de medios, el cálculo preciso, el respeto a la medida y la máxima función ,el libro razonable del arte mostraba a través de este acontecimiento y a modo de ejemplo, la otra cara de las cosas. Todo se convertía en el punto extremo del sin-sentido, en el que el derroche y el despilfarro de esfuerzos y materiales servían para mostrar el lado más oscuro del ser humano, el espacio misterioso desde el que siempre se manifiesta eso que llamamos Arte.  

                             

 

 

MERY CUESTA Y EL TAM TAM DE LA CRITICA DE ARTE

jesusmc | 02 Marzo, 2010 19:38

 MERY CUESTA Y EL TAM TAM DE LA CRITICA DE ARTE.  

 

 

 

 

 

 

 

                        

Mery Cuesta y yo tenemos tres cosas en común: somos críticos, tocamos la batería y la tercera es que una extraña coincidencia del destino nos hizo compartir espacio  en las páginas del suplemento especial de Cultura´s  dedicado al Romanticismo que viene.  

 

 

 

De ella se dijo, en la presentación del programa “Silencis” de TV3 , que:   “La comisaria de arte no se muerde la lengua ni calla ninguna crítica, pero es que además le pagan por hacerlo. Es crítica de arte, curator y organizadora de todo tipo de eventos culturales y surrealistas. Es uno de los personajes más estrambóticos del underground de nuestro país.”   Dicho de otro modo, corto y raso: es nuestra Paloma Chamorro de los años 2.000. La persona adecuada para “épater les bourgeois”, para crear un impacto, un contraste tan fuerte con lo establecido que al agredido y al agresor les acaba gustando la sensación. Esta expresión fue inventada  en pleno apogeo post-romántico y pre  dadaista pero aun hoy en día hace fortuna en artistas e intelectuales. Recuerdo cuando nuestro premio Nobel don Camilo decía en entrevista televisiva que podía sorber una palangana de agua por el trasero y se ofrecía  para hacer una demostración allí mismo.

   

      Es cierto que el orden del discurso institucional, como ya mencionó de modo preclaro Michel Foucault en su día, tiene unos mecanismos sutiles para neutralizar aquello que le perturba. Hay dos que actúan de un modo muy eficaz: el rechazo y la aceptación. El rechazo es el más expeditivo, pero propio de otras épocas más ideologizadas. Hoy, que aun estamos bajo los epifenómenos de  lo posmoderno ,actúa mejor el eclecticismo de la aceptación. La estrategia de la inclusión no se asusta ante ninguna contestación radical, es  más,  las incluye y las premia.

 

      A mi lo que me gusta de Mery Cuesta es que delira y arriesga. Yo que soy un envidioso me maravillo ante tales  atrevimientos críticos y soy muy receptivo y solidario  ante esta actitud. Lo que digo no es solo una buena intención , sino que lo escribí  y publiqué en un   artículo de mi primera etapa en La Vanguardia llamado EL DELIRIO DE LOS CRITICOS el 3 de Mayo de 1983.     A partir del discurso teórico de Achille Bonito Oliva impulsor de la Transvanguardia italiana, analizaba en  ese artículo su posición y la de los críticos de arte, que generalmente se muestran alarmados ante las incógnitas y que escriben abrigados por la certidumbre de lo seguro, sin mucho riesgo frente a los fenómenos  artísticos contemporáneos.Es decir, que el artista arriesga mucho y el crítico muy poco. En este caso, en el caso de Mery Cuesta, me encuentro ante alguien que dicho de un modo rápido, arriesga más que cualquier artista-concepto-gestor - archivista de nuestra época y Mery La Crítica, al hacer sonar su TAM_TAM anuncia con los tambores en su máxima potencia que está dispuesta para armarla.    

 

 

 

Sobre este tema ver el post de | 30 Junio, 2009 18:42: EL CRITICO DE MODA.

  

 

 

 

 Del texto mencionado, quiero destacar unos fragmentos que pueden servir para entender algunas posiciones actuales, herederas de una condición posmoderna que abrió la caja de Pandora de donde han salido algunas ruidosas actitudes críticas contemporáneas como Fernando Castro Florez, José Luis Brea o Mery Cuesta.

Decía entonces: 

 (FRAGMENTOS)

 

       La misión histórica de la crítica artística ha consistido, desde el S. XVIII, en ordenar y dar sentido a las diversas propuestas que sucesivamente han ido apareciendo sobre la mesa de la cultura. Sin embargo, en muy pocas ocasiones, la teoría artística ha sabido corresponder en igualdad de condiciones al desafío creativo de las nuevas tendencias. ¿Quién no ha tenido la sensación de que el artista arriesgaba mucho en esa mesa de juego, mientras el crítico como «croupier » aventajado y viejo, se quedaba a la expectativa de la apuesta y siempre en defensa de los intereses de la «casa»?

Me parece que el desafío del discurso del profesor Bonito es similar al lanzado por sus pupilos, quienes en igualdad decondiciones en el riesgo, han abierto una serie de brechas profundas e interrogantes de toda índole que afectan a la propia labor crítica.¿Acaso la crítica está a salvo de la anunciada crisis de lo Unitario?¿está libre del eclecticismo que define las nuevas tendencias? ¿tiene remedio para el nihilismo?

Esta serie de interrogantes me recuerda que los críticos, viciados por la ideología o por las buenas intenciones, se han dedicado con empeño a alejar toda inseguridad y duda de la práctica artística, consiguiendo incluso el reconocimiento de los propios artistas, quienes después de la tormenta creativa vuelven a encontrar en el discurso crítico el sosiego de lo cierto, el relax de lo seguro.         

     Sí, la práctica artística ha cambiado la mirada unitaria por el fragmento y el delirio, ha sustituido la certeza por la semejanza y la pluralidad. De igual modo la crítica debiera hacer un ejercicio similar y adecuar su discurso teórico a la realidad y al método de la Pos-modernidad.

 

 

 

Ese nihilismo no es trágico, sino más bien aquel que se desprende del reconocimiento de la duda. Recordemos los interrogantes básicos que, según Savater, caracterizan la actitud nihilista: ¿es posible actuar?¿en nombre de qué? ¿qué debe hacerse?      El discurso crítico debiera adecuar su aletargada conciencia al protagonismo de la pasión como instrumento de conocimiento y de opinión. La pasión crítica comporta ese riesgo que reclama todo acto creativo, a pesar de que el error esté al acecho. Error apasionado e histórico, como el que cometió el crítico Albért Wolff en «Le Fígaro» del 3 de abril de 1876 con motivo de la segunda exposición de los Impresionistas en la galería Durand-Ruel, cuando definió a los miembros del grupo de «dementes perdidos» y de «peligrosos delincuentes que: “como toda banda furiosa incluye a una mujer: Berthe Morizot».  

 

 

 

          La crítica debe aceptar ese desafío individual, y prescindir de los códigos universales en favor de los particulares. Del mismo modo que han hecho los Transvanguardistas, debemos encontrar un lugar para la teoría y de la historia que por medio de la analogía y la metáfora nos permitirá establecer relaciones diversas y heterodoxas que son la base de todo eclecticismo y que permite perder el respeto a la división entre los estilos artísticos.            Esa libertad contamina deliberadamente la historia y va contra el propósito de clarificación de la misma, no se utilizan modelos en su pureza inicial sino manifiestamente adulterados, pues ya no existe la confianza en esa voluntad ordenadora de la crítica.    

  

     Otra cuestión paralela al fenómeno transvanguardista es que al prescindir de la unidad del discurso, aparece un discurso fragmentario de amplio alcance cuyo único propósito es vivir a la deriva, en palabras del profesor A.B.O.: «la vida unitaria asegurada por una ideología dispuesta a, explicar todas las contradicciones y las antinomias se sustituye por una posición abierta, dispuesta a vivir a la deriva». Debe entenderse que el discurso crítico debe ser un perpetuo cruce de caminos, en el que con toda naturalidad se impone la idea de fragmento como sustituto de la coherencia, haciendo honor a aquellos que como Heráclito, Nietzsche o los hermanos Schlegel edificaron su pensamiento sobre el criterio de la pluralidad y el fragmento. Esa óptica fragmentaria y estrábica, permite trabajar sobre un sinfín de lenguajes a la vez, sin temor alguno a la contradicción; dado que no existen parámetros verdaderos, no debe temerse la utilización de referencias irreconciliables entre sí. Evidentemente debe existir algún factor que aglutine esa dispersión. Ese factor es la ironía que, como se sabe es el alejamiento o la distancia que propicia el nihilismo y garantiza un mínimo de objetividad en el proceso de conocimiento. La sabiduría en conjugar pasión e ironía posibilitará los nuevos comportamientos críticos, bien entendido que la ironía no es incapacidad sino

una estrategia del conocimiento 

 

 

 

 

                    

 

 

 

    "90"                                                                                       "2010" 

 

 

 

 

 

 

 

 

                    

 

III NIT DEL GALERISME.PREMIS GAC

jesusmc | 26 Febrero, 2010 17:32

III Nit del Galerisme. Premis GAC

 

 

Breve justificación de una huída, para   Rocío S. C  y  Victor C.  

 

 

                                                      

   

No es objetivo de este intérprete, ni tampoco del Blog. entrar en cuestiones “mayores” como son los temas que afectan a las Galerías, las oscilaciones del Mercado ,  la conveniencia de que Barcelona tenga una feria propia o no, si en ARCO había mucha o poca gente, ni si el  CONCA hace una buena política cultural  y reparte bien la “pasta”.

Este Blog no se mete en esa harina blanca que para muchos es la base del pan del arte. Por otro lado, sé que lo que mueve opinión y te hace ganar un lugar en la escena artística barcelonesa es “la comidilla” de hacer ver que sabes lo que hay que hacer y opinar airadamente. En realidad, nadie lo sabe, pero eso, no es necesario, si se utiliza el tono adecuado, tienes una plataforma de opinión y se está en el lugar conveniente. En este Blog no interesa nada de aquello que se encuentra fuera de la práctica artística. Tan solo el hecho activo del arte y los avatares de los artistas.

Como ha manifestado el escultor Gabriel en una entrevista mantenida con Rafael Argullol en el catálogo de su exposición:”Plectopos”, hay en su obra y en la de todo artista fundamentado, una exploración “estricto sensu” de la idea del arte, al margen de las contingencias de tiempo y espacio que sitúa a la obra más allá del consenso político, de la gestión del arte o de la dimensión cultural que legitima las obras de arte.

 

   Sé que este puritanismo, puede parecer falso y que  no conduce a ninguna parte, que es fácil  cargárselo por ingenuo, denunciar las contradicciones que conlleva  porque las cosas son como son y tal como el difunto Jean Pierre Guillemot  me decía descaradamente en tantas ocasiones : “El arte es el mercado, y por eso yo voy a crear un supermercado del arte.”

Dada esta realidad , a pesar de todo, y aunque me toque hacer el papel de un jarrón chino que complementa los colores de la alfombra del salón, conviene que alguien juegue ese necesario papel estético en la escena crítica y yo lo quiero asumir con mucho gusto. Como si las circunstancias no afectaran a la materia prima, al núcleo duro del arte. Como si el que interpreta la obra de arte fuera un Hermes alado, inocente y puro que tan sólo ayuda a comunicar a los dioses con los hombres.

 

 

                                   

  

 La porcelana es una materia femenina que exige un trato delicado. Su tacto es el de la piel blanquecina, el rostro perfecto y una  alegoría de la inocencia. Quien busca palabras en la mujer inmóvil suele encontrar: silencio; quien busca  el  alma  en el interior del jarrón de porcelana encuentra: vacío. JMC.

 

       

ROMANTICISMO Y ARTE CONTEMPORANEO

jesusmc | 25 Febrero, 2010 22:48

Artículo publicado el 17 de Febrero 2010 en el nº 400 del suplemento Cultura´s de La Vanguardia de Barcelona

Número monográfico dedicado al "Romanticismo que viene" .Ilustrado con la serie de obras de Angel Jové: Versus Limbus.

LOS ABALORIOS DE UN COLLAR ENSANGRENTADO 

 Jesús Martínez Clarà

     Cuando en un lejano año de 1776, en Alemania, se estrenó la obra “Wirrwarr ”  (confusión,desorden,caos ) de Maximilian Klinger  se auguraba el  laberinto sin salida en el que  el sujeto romántico entraba de la mano de los jóvenes del “Sturm und Drang”. El ataque  a todo lo establecido, convirtió el tranquilo oasis de la racionalidad práctica kantiana en una borrascosa  tempestad, en una tormenta  donde dominaba el afán, la inspiración, el ímpetu y  el deseo  de la diferencia.

La conciencia de la diferencia es una de las causas más profundas del drama romántico y el principal definidor del arte contemporáneo. Ya nada sería como antes.  En Alemania , allí donde Winckelmann y tantos otros, habían recuperado la virtud y la belleza del orden clásico  se mostraban, ahora, unos  personajes que iban contra la cultura, estrafalarios, descalzos y a pecho descubierto, reclamaban su derecho a ser considerados manifestaciones  de la genialidad, un espontáneo soplo de Dios.       La búsqueda de la poesía y de la verdad, el encuentro con la palabra dirigida al corazón, junto a la pregunta sobre la auténtica naturaleza de las cosas que propiciaba la mirada sobre el ser interior, fue la raíz y el origen del arte contemporáneo. En ese lugar y en ese momento, el hilo de la tradición romántica empezó a ensartar los abalorios de un collar ensangrentado que aun no ha concluido.     

  El principio de originalidad en los comportamientos y en la creación, propuso que frente al tiempo extenso de la tradición clásica se opusiera el tiempo fragmentado, el instante como momento “pregnante” de la emoción, una nueva definición del gusto y la fascinación hacia cualquier tipo de ruptura o transgresión, poniendo la semilla de la vanguardia europea que fructificó a principios de siglo XX. El modernismo recuperó la figura heroica del caballero medieval, el fauvismo saco de la jaula a la bestia, el expresionismo hizo de  los celos y la muerte  temas de la pintura, el dadaísmo y el surrealismo se atrevieron a plasmar los sueños de la noche romántica , el expresionismo abstracto y el informalismo hicieron del gesto único un trazo del inconsciente manifestado, la locura y el arte “bruto”, las performances autodestructivas de  los accionistas vieneses , los excesos vitales de los jóvenes artistas de final de siglo han llenado la historia de prematuras necrológicas.El arte contemporáneo propiciado por el romanticismo es un fenómeno de ruptura profunda con casi todo lo anterior. Digo casi, porque lo que propone el romanticismo es el reencuentro con el primer motor de lo artístico, con la magia ignota del sacrificio y de  lo sagrado. Dicho de otro modo: la genuina ingenuidad poética del primer  Goethe romántico, está más cerca del chaman oscurantista, guía intuitivo del alma humana  que del docto profesor de Weimar.     

  El romanticismo diferenciador, dio nacimiento a la noción de sujeto extrañado que consideraba todo muy raro, propuso el asombro del niño, la perplejidad del que no entiende, antes que la certidumbre de lo seguro. Por eso, el romántico  observa desde su retiro convaleciente la vida , el comportamiento ficticio y falsamente  culturizado de los que le rodean y que le hablan en lenguas que no comprende.  En esos protocolos dolorosos del yo, se encuentra  la diferencia como una de las causas más importantes del desasosiego. El  artista contemporáneo al igual que sus nobles predecesores románticos vive   preso de temores, dudas y obsesiones identitarias.

El conflicto es permanente, se hace inevitable y así aparece  un modo dramático de concebir las cosas. No obstante entre la tradición y la vanguardia, entre el yo y el nosotros, entre lo mesurable y lo inconmensurable se ejemplifica una voluntad de encontrar la equidistancia entre la quietud de la identidad y el entusiasmo trepidante de la diferencia. Después de lo sucedido en el viaje al infierno, todos debemos buscar la calma que Goethe encontró al final de su intensa vida, tumbado en su “chaise long” y protegido del sol mediterráneo con una elegante y fresca pamela de paja.    

 

 

 

 

         

NATURALEZA Y COLOR EN VICTORIA CAMPILLO

jesusmc | 25 Febrero, 2010 12:28

NATURALEZA Y  COLOR  EN  VICTORIA CAMPILLO  

  

Victoria Campillo, como era de preveer, sigue con su proyecto interminable. (consultar en este mismo blog. el artículo que publiqué en el suplemento Cultura/s   297 de  La Vanguardia , Miércoles,27 febrero 2008).  

  En esta ocasión ha dirigido su mirada escrutadora hacia las flores. El mismo modelo que utiliza siempre para sus series, ahora, nos da la espalda. La propia autora dice que esto debe interpretarse como un gesto de negación similar al que el ser humano ejerce con la naturaleza. El pretexto de la naturaleza le ha permitido explorar el color  que es  uno de los aspectos que la definen como artista. En sus series la búsqueda nominal de las referencias a los artistas o el propio tema escogido hacen que el espectro cromático pase, a  veces,  a un segundo plano. Ahora deja claro que este es un tema central en su trabajo. Todas sus series están planteadas como una progresión cromática, como un estudio propio de una paleta de pintor en donde se colocan, académicamente, los colores del óleo o del acrílico en un orden preciso.Los tratados clásicos de la técnica de la pintura como el de Cennino Cennini  , Pacheco o el de Palomino son fundamentales para la iniciación a la técnica de la pintura. Palomino, por ejemplo, en el capítulo V del tomo II, describe la colocación de los colores en la paleta del siguiente modo:

 

Habiendo, pues, de ponerse el principiante, habrá de poner primero su paleta de colores, las cuales es menester, que sepa con qué orden se han de colocar, y será en esta forma: por encima del anillo de la paleta comenzará el bermellón, después el blanco, luego se seguirá el genúli, después el ocre claro, luego el obscuro, después la tierra roja, luego la sombra de Italia, después el carmín, la ancorca, el verdacho, o tierra verde, el negro de hueso, negro de humo, o de carbón, añil o esmalte.Puestos en este orden los colores, y prevenido el secante, y los aceites en sus escudillas….

Los restauradores saben que Rubens utilizaba la paleta del blanco de plomo al negro marfil, pasando por Oro pigmento naturalOcre amarillo ,Laca amarilla, Laca de Garanza, Bermellón, Ocre Rosa Azul ultramar, Azul de Alemania, Tierra verde o Tierra de Verona, Malaquita verde, Verdigris. Tierra de Siena tostada hasta el Negro de marfil. En esta exposición el color toma las riendas de las analogías y Victoria Campillo aplica criterios colorísticos. Sus series fotográficas ,como sucede con las de Charles Frèger ,se fundamentan en criterios que parecen propios de la pintura.

La naturaleza y las flores han sido uno de los temas más tratados de la historia del arte, el mismísimo René Magritte se ganó la cena pintando unas rosas magníficas sobre papel de pared en época de escasez. Todo el mundo conoce la deriva hacia las flores de Georgia O´Keefe pero como otras referencias son más crípticas,en esta ocasión, en la galería, se ha puesto a disposición del visitante, un documento esclarecedor. En él, podrán comprobarse los puntos de partida con los que ha trabajado Victoria Campillo para hacer su trabajo, verificar de donde salen los verdes de Ola Kolhemainen, los coloridos orientalizantes de Wang Jin, Takashi Yasumura, Murakami, o Rinko Kawauchi, el exotismo nigeriano de Yinka Shonibare o las espectaculares  amapolas  de Pipilotti Rist, por ejemplo.

                           

             

 

Por último, al margen de las imagenes que acompañan este comentario sobre la última aportación de esta artista, quiero llamar la atención del lector sobre el vídeo que he colgado a propósito de una de las series más espectaculares de Victoria Campillo en la que se establece un parentesco estremecedor entre Manolo Escobar y Elvis Presley, pasen y vean.

 

                       

  

 

 

 

 

 

 

OUKA LEELE: DE MIRADA INÉDITA Y MISTERIOSA

jesusmc | 11 Febrero, 2010 08:46

Ouka Leele:De Mirada Inédita y Misteriosa.Jesús Martínez Clarà.

Artículo publicado en el suplemento Cultura ´s nº 399  el 10.02.2010 del periódico La Vanguardia de Barcelona  

      Ouka Leele ha vuelto a Barcelona treinta y dos años después de que aquí, mostrara sus primeras fotografías , ha vuelto a la ciudad en la que vivió en 1978, la ciudad que la vio pasear junto a Barceló ,Mariscal, Ceseepe o el Hortelano. Ahora , regresa con 64 fotografías inéditas, en las que el blanco y negro convive con sus últimas obras digitales plenas del colorismo que la identifica.  

     El paseante se encuentra, en la entrada de la exposición, ante el rostro en blanco y negro de una mujer joven de mirada profunda, ingenua e interrogativa. Sus ojos van directos al corazón. Es un retrato de la artista :“A working class heroine” (1985), en el inicio de todo, cuando en su camino aparecían dudas e introspecciones: “Autorretrato de fotógrafa”(1978)  ¿A dónde irán?(1977)  o “Quiero saber quien soy” (1982) , todas estas fotos están impregnadas de una melancolía que ahora, después de tantos años se intensifica por la ausencia del color.  ¿ quién es ella y qué no puede contar?     Debido al paso del tiempo, estas fotografías de una Ouka Leele inédita y sin color, acrecientan el sentimiento nostálgico que produce el recuerdo y la memoria de las fotografías antiguas encontradas en una caja de madera.     El cuerpo femenino aparece en algunas obras como en “Generoso encuentro con la belleza”(2007),  en  “Destella su piel” (2006) o en  “La Menina liberada”(2006); el cuerpo se presenta como un enigma que hay que conocer, como el sustento fenomenológico de las emociones, como el ser  físico que en cualquier momento, como le sucedió a ella, puede dar la vida o la muerte y solo obedece a sus propias leyes.   

 De Ouka Leele se suelen destacar el nombre y los apellidos que enmascaran su alter ego: Bárbara Allende y  Gil de Biedma, esta mención no es una demostración de linaje, sino la afirmación  de que para ella son  muy importantes sus amigos y lo demuestra con retratos de todos ellos , su familia, su hija, le interesa la experiencia vital  de lo cercano y están repletas de entrañable amor y amistad.    Desde siempre, ella, ha querido sublimar lo cotidiano, convertir lo cercano en algo mágico  y por eso se declara a favor de una mística doméstica, en la que lo ordinario se transforme sin dejar de ser lo que es: “Un lugar precioso para un retrato de familia”, un  rostro, una flor, un muro o su propio nombre. La vida es imprevisible como la misma Ouka Leele y Bárbara lo sabe.    

    En varias ocasiones he visto a Ouka Leele acercarse a un  muro calentado por el sol y poner sus palmas sobre él. Se ve en el documental que acompaña a la exposición, en el paseo por la Segovia de sus recuerdos , se ve en la película de Rafael Gordon, el comisario de la exposición  y director de la película “La Mirada de Ouka Leele que opta a los premios Goya de este año ,cuando se enfrenta ante el muro que pintó en Ceutí(Murcia) en el que iba a representar una serpiente inmensa y  acabo pintando una “floraleza”. Esas manos que palpan el muro buscan con piel sensible, constatar la realidad y  a la vez descubrir su trascendencia misteriosa.     Un tintineo de cimbalo anuncia que estamos en el final de la exposición, allí  en un  manifiesto de estilo simple, directo, tal como ha demostrado en  su obra poética: “De la embriaguez desnuda”, la artista se reafirma en la idea, ya manifestada en otra ocasión , de que la cámara o la pintura son un pretexto y que lo importante es el amor; nos dice que ella esta aquí, con voluntad de ser pero no de causar fricciones ni desconciertos, que busca belleza y sonrisa .

 

     Ouka Leele pertenece a ese raro grupo de personas que hemos hecho de la reflexión sobre la muerte algo natural y cotidiano. En frase rotunda, asegura: “ la muerte es una maestra”. En el documental de Rafael Gordon,” se ven   unos insectos, las  lápidas de un cementerio antiguo y flores de mil colores “oukaleelianos”. Un insecto ha caído en el agua y  absuelto de su agonía, recupera el vuelo de la mano de la artista : en un instante todo cambia. El bicho sigue dando “la vuelta al círculo de la vida” que es lo que significa Ouka Leele en una extraña y lejana lengua.

 

    

                                                                                                                               

"A working class heroine" (1985)   

 

 

 

 

 

 

 "Generoso encuentro con la belleza" (2007)   

ROBIN RHODE :VERDAD Y APARIENCIA y LAS NEURONAS ESPEJO EN EL ARTE.-

jesusmc | 08 Febrero, 2010 22:40

ROBIN RHODE :VERDAD , APARIENCIA y  LAS NEURONAS ESPEJO EN EL ARTE.-

 

  Wheel of Steel by Robin Rhode

 

 

He observado que últimamente algunos artistas como Robin Rhode , Matthew Buckingham o  los de aquí:  Tere Recarens, Begoña Egurbide en su obra “Pandora´s” e incluso Quim Monzó en el cartel anunciador de la exposición de Santa Mónica que están recuperando una antigua inquietud, propia de los inicios del “optical art” e incorporan fenómenos y efectos visuales a sus obras. Cosas sencillas , que no tienen que ver con los trucos digitales del 3D,como una imagen que cambia cuando el espectador pasa frente a ellas o cosas así: engaños a la mirada. Parece que hay  una inquietud perceptiva que cada vez va a más como corresponde a una época dominada por la visión que coincide con otra inquietud de signo científico: las neuronas espejo.

   Tengo dos amigos, Daniel y Antonio que hace tiempo me vienen hablando de las neuronas espejo. Según me han explicado, parece ser que los humanos tenemos una facultad innata para imitar  los gestos ,las palabras y las actitudes  de los otros que  es muy útil, tanto para conocer como para reconocernos. Las neuronas del individuo imitan como si la reflejaran, la acción de los otros: así, el observador  realiza lo mismo que el observado, de ahí su nombre de "espejo".  Lo más parecido  a este fenómeno lo he encontrado en la cultura tradicional del Japón donde incluso hay una expresión que lo indica es “Mitori Geiko” que se podría traducir como aprender mirando atentamente y en consecuencia imitando los gestos de quien te enseña. Este efecto se encuentra también en los “bebés” , he podido comprobar que sacan la lengua si tu se la sacas o sonríen cuando tu sonríes. Según leo en una entrevista realizada a  Giacomo Rizzolatti, de la Universidad de Parma (Italia), el descubrimiento se produjo cuando él, estaba estudiando el cerebro de monos y descubrió que las células cerebrales no sólo se encendían cuando el animal ejecutaba ciertos movimientos sino que, simplemente con contemplar a otros hacerlo, también se activaban. Se les llamó neuronas espejo o especulares. En una entrevista concedida en Madrid con motivo de su participación en el simposio: “El Sustrato de la Sociedad del Conocimiento: El Cerebro. Avances Recientes en Neurociencia” ,decía que : El sistema de espejo permite hacer propias las acciones, sensaciones y emociones de los demás. Eso es de gran  trascendencia para la ciencia” y que "La visión es la que proporciona el vínculo para comprender a los demás".

     Cuando me lo explicaron y leí esto me vinieron a la cabeza varias reflexiones de signo estético. Una es  la importancia que se ha dado desde Aristóteles a la imitación, a la mímesis como fin último del arte. Según esto, y extremando el argumento de la mímesis bajo la óptica de las neuronas espejo, al considerar un árbol, un pájaro o un mono como similares, el pintor que imita la naturaleza, la acabaría comprendiendo, formando parte de ella. Siguiendo este hilo, aparece el segundo fenómeno muy ligado a las neuronas espejo y que me preocupa desde mis primeras  incursiones en el alma romántica, un aspecto que me preucupó a partir de las famosa figuras  de G.D. Friedrich que dan la espalda al espectador pero no con rechazo sino indicando complicidad, un fenómeno” que T . Lipps estudió cumplidamente en dos sendos volúmenes traducidos al español en 1928 : “Los Fundamentos de la Estética”  en los  que estableció los principios de la  “Einfhülung”  palabra que fue traducida como” “sentir en o con” , también como: “ proyección sentimental” , una proyección de sentimientos hacia lo otro. Dicho en lenguaje contemporáneo: la empatía.

     El fenómeno empático es una condición imprescindible del conocimiento. La empatía para Rizzolatti es una consecuencia del sistema de espejo, es decir te coloca en el lugar del otro. Te permite comunicar a un nivel no racional pero si muy sentimental. Worringer escribió “Abstracción y Naturaleza en 1908 , un libro de cabecera para cualquier estudiante de arte y que  algunos lo tradujeron por abstracción y empatía. En él, el autor está convencido que su libro tiene su origen en un día en que pasó junto a él ,en medio de una sala vacía del Trocadero, el afamado filósofo y crítico berlinés George Simmel…”y respiro la misma atmósfera”…pasados los años el filósofo fue el primero en reaccionar al contenido de Abstracción y Naturaleza(Empatía) con una llamada espontánea y sorprendente.”

Estos fenómenos de índole psicológica afectan tanto  a las personas como a las cosas. Si  tenemos en consideración el carácter especular y su influencia en nuestro comportamiento, escogeríamos con mucho cuidado nuestros muebles, relojes y teteras , también nuestros amigos y conocidos. Diría que si todo aquello que vemos nos produce un efecto transformativo, la grave responsabilidad social y antropológica de los artistas aumenta en igual proporción.

Por último, diré que el espejo, tal como demostró Jurgis Baltrusaitis en su libro “Le Miroir”(1978) es el camino más directo para poder reflexionar sobre las leyes que actúan sobre la visión, pero también sobre sus mentiras..  El engaño a la percepción a través del teatro catóptrico, como por ejemplo, en la gruta de Tetis en Versalles se ponían los espejos  de tal modo que los motivos decorativos que solo estaban realizados  aparecieran como si estuvieran completos, descubriendo así  grandes posibilidades de engaño al ojo haciendo aparecer un espacio pequeño como algo grande. (Ver Videos). Si, el espejo es una metáfora de la existencia, es un objeto de la verdad, de verificación, pero también la constatación  de que todo es vana apariencia,  engaño y  mentira.Por eso, si deducimos que la realidad que reflejan los espejos es engañosa y las neuronas actúan como tales, podemos decir que a través de ellas verificamos y aprendemos mimeticamente pero también somos engañados en lo que no somos capaces de ver. Las cosas que no vemos que no apreciamos por la visión y que no podemos imitar pero que están ahí, también juegan un papel relevante en nuestra comprensión de la realidad. Un puente eficaz hacia la abstracción pura.

 

                   

 

 

  

                  

 

 

 

                 

                   Table Tennis by Robin Rhode

 

 

                 

 

                  Keys by Robin Rhode

 

 

     

 

ANKE BLAUE: ARTE Y FELICIDAD

jesusmc | 05 Febrero, 2010 18:10

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s  nº 398 del periódico  La Vanguardia de Barcelona 

3 Febrero 2010.

ARTE Y FELICIDAD.

  

Anke Blaue expone su obra reciente en la Galeria Fidel Balaguer de Barcelona con el título genérico de:  Variaciones sonoras sobre tela”. La artista alemana ha buscado ,desde sus comienzos con la escultura en 1993, la poética depuradora de la  abstracción estructural de la forma y un orden riguroso que luego  ha aplicado sobre el plano de la tela. Eso ha culminado en un minimalismo lírico que no es frío, ni mental, sino cálido y de colores vibrantes ya que los tejidos están exquisitamente teñidos y escogidos. Son obras compuestas con trozos de telas en las que el cosido adquiere la dimensión de una sutura simbólica propia del manto tradicional del monje budista que, él mismo, cose con recogida devoción. Aquí todo es de un gusto extraordinario y hay una ajustada proporción de ingredientes: es espiritual , moderna,  conceptual, formal y amable. Anke representa a la perfección, el anhelo de una parte de artistas  que no quieren claudicar de los valores estéticos del arte : calma, armonía y  placer visual  . Todo en esta exposición  nos dice que el logro de la felicidad  es posible  en el arte contemporáneo y eso irrita a muchos.

       Debo reconocer que su obra pone a prueba el argumento que desde estas mismas páginas he mantenido de que el arte es una manifestación del dolor producido por la extrema lucidez y la clarividencia de los artistas. Eso, lo creo firmemente, pero, nunca he descartado el logro de una “feliz llegada” como resultado de un proceso de transformación y Anke Blaue lo ha conseguido.

      Lo ha hecho utilizando, como si las conociera, las leyes de la sinestesia, una noción que ha hecho fortuna en el arte actual , desde que Kandinsky asegurara que pintaba la música.¿ Anke Blaue, oye colores o ve sonidos? Esa, si que es una auténtica inter-activación entre obra y espectador, tal como propone el actual catecismo de lo moderno. La sinestesia permite asociar números, colores y palabras: el color amarillo mimosa al número 7, mientras otros perciben la letra A en el color rojo de garanza. Hay algo mágico en todo esto, es como si el artista tuviera un ojo en la palma de la mano simbolizando el extraño encuentro de dos sentidos: el del tacto y el de la visión. Mientras, una afluencia de murmullos, mantras y notas de guitarra de Thomas Westphalen  cambian profundamente al  espectador que mira: lo hacen más feliz.

 

      Algún exégeta ha asociado la obra de Anke Blaue a la de Rothko; sea por el orden constructivista del espacio, o  por como los colores se encuentran en una frontera imperceptible, o porque ambos han relacionado música y pintura tal como hizo Morton Feldman en la Capilla Rothko . Pero hay una gran diferencia entre ellos y es que si bien ambos tienen una deriva espiritual que les ha llevado a adentrarse en las técnicas de meditación de la lejana tierra oriental; Anke ha cosido su “ kesa ” con sencillez y ve las cosas como son, sin afectación, ni artificios, ella ha sabido confeccionar el manto de la Atención y de la Compasión. En cambio, Rothko se suicidó en 1970.

         

 

 

  

        

 

 

  

      

 

         

 

 

 

   

       

BARBAFORMOSA:PERFECTA IMPERFECCION

jesusmc | 25 Enero, 2010 20:14

Perfecta imperfección 

               

     

    En esta exposición, Barbaformosa se propone un ejercicio moral muy arriesgado. Por un lado, quiere respetar la condición de la porcelana y despertar su auténtica naturaleza, su perfecta condición, y, por otro, la quiere someter a la prueba del azar imperfecto, del accidente controlado. La porcelana es una materia femenina que exige un trato delicado. Su tacto es el de la piel blanquecina, el rostro perfecto y una  alegoría de la inocencia. Quien busca palabras en la mujer inmóvil suele encontrar: silencio; quien busca  el  alma  en el interior del jarrón de porcelana encuentra: vacío. La magia del blanco sobre blanco, hace desaparecer cualquier macula, es materia inmaculada y es quebradiza, dura y frágil como el vidrio. La brisa es una sensación inherente a su tacto y desprende luz transparente cuando la miramos. La perfección y la fragilidad del caolín, su estructura, contiene la pureza de la atmósfera en las altas montañas, de donde proviene su nombre, y contiene también la geometría perfecta, la belleza cristalina y rígida de los tetraedros y octaedros que forman las capas hexagonales de su suave superficie. Pero ésta, como toda perfección llevada a su punto más extremo, crea una tensión insoportable. La perfección absoluta niega cualquier posibilidad de emoción, la materia perfecta es incognoscible, es autárquica, puede llegar a ser autista y, si no tuviera el contrapunto de la imperfección, sería fría e inhumana. Por eso, Barbaformosa quiere introducir el caos de lo indeterminado, el azar, y, en definitiva, introducir las imperfecciones de la vida en el espíritu perfecto de la porcelana. Esta acción transformativa la debe hacer sin debilidad, de una manera enérgica, decidida, incluso con acciones manuales un poco violentas, sacudiendo las piezas, rompiendo su perfección simétrica, conseguida con la rueda del torno cuando llega al borde , en la boca, al límite de la pieza de porcelana. Esto explica estos temblores azarosos y las quiebras propias del movimiento convulso. Es evidente que, si es cierto lo que dice Gaston Bachelard, autor preferido de Barbaformosa, en el sentido que somos "pasta primigenia", esta exposición está hablando de la condición humana, de la necesidad de modelar el comportamiento y el ser, como estas obras de porcelana, perfectos en nuestra imperfección.

 

 

 Jesús Martínez-Clarà

 

CHARLES FRÈGER AMA CARAVAGGIO

jesusmc | 12 Diciembre, 2009 18:48

             

 

 

 

 

 

 

                

                

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Artículo publicado en el suplemento CULTURA´S nº 389  del periódico LaVanguardia el día 2.12.09

 

 

 

 

Charles Frèger  ama  a Caravaggio.

 

       Quien insista en distinguir fotografía y pintura, en los tiempos que corren, está sencillamente: equivocado. La fotografía contemporánea ha roto las cadenas que la obligaban a ser una excepción alejada de lo artístico. Loan Nguyen,   Victoria Campillo, o tal como se ha podido ver  en la magnífica exposición “Not for Sale” de la Galería Toni Tápies: Cindy Sherman, Thomas Ruff, Candida Höfer, Elger Esser ,o  como sucede con Charles Frèger, no se sienten deudores de Cappa, de  Avedon, de Cartier-Bresson … no buscan  poses sofisticadas, ni instantáneas bélicas, sino el sentido de la composición, la forma, el color, la sugerencia pictórica de Van Eyck , de Hamilton  o Caravaggio. Le deben más a la pintura que a la tradición fotográfica y el espectador contemporáneo  ya no discrimina, solo mira ,sin importarle nada el  litigio que alimentan los especialistas ,ni se plantea si está ante un lienzo o un cibachrome.

      Charles Freger utiliza el medio fotográfico actúa a través del realismo de sus figuras y sin embargo el resultado es estrictamente plástico. En su primera serie conocida« Pattes blanches » utilizaba la piel blanquecina de los trabajadores de una lechería industrial que le parecían ,según confiesa él mismo, como personajes sacados de cualquier cuadro de la escuela flamenca.

       Para fotografiar a sus personajes crea grupos por afinidades corales: lecheros, soldados, negros, actores de la ópera china y utiliza  un naturalismo extremado sin artificios: si un joven tiene una espinilla se ve , si un anciano tiene una arruga aparece .Sus grupos no son selectos ni elegantes  como los del recientemente fallecido Irving Penn que  fotografiaba, con muy buen gusto, a celebridades de moda. Los sujetos de Frèger  pertenecen a las bases sociales más comunes, la elección de sus modelos se encuentran entre la gente que no suelen tener una presencia brillante que son poco protagonistas de lo social.

        Sin intención de lograr ningún tipo de efectos escénicos, sus proyectos están vacíos de cualquier propósito psicologista. Suele utilizar la estrategia estética de la repetición, de las series y a través de la insistencia en lo mismo, consigue que lo igual y lo diferente se reúnan en un conjunto en el que domina la identidad común: coral. El sujeto desaparece en el  todo, se convierte en un fragmento formal, en una nota de color que Fréger coloca dentro de un conjunto o serie de imágenes. El artista tan solo constata la presencia de unas figuras  para convertirlas en “tesellas” , partes de un gran mosaico de fotografías en las que el tono de los fondos, si están más cerca o más lejos, si las vestiduras son del mismo tono o el ritmo mismo determinan el resultado.

       En definitiva, todas las estrategias plásticas   se ponen al servicio de un mural  pictórico y figurativo hecho de colores diversos o gradaciones buscando un efecto claramente estético en el que  a base de realidad detallada consigue un alto nivel de obra abstracta. Pero ese, es otro cantar.

 

RAIMON ÁVILA Y POOL (NO WATER) DE MARK RAVENHILL

jesusmc | 28 Noviembre, 2009 11:34

                   

                   Mark Ravenhill

  

 

      Tal como escribí en un post anterior, la semana ha estado marcada por un reencuentro con el movimiento, la danza, el gesto y la palabra. Durante cinco días se ha presentado en un taller del Instituto del  Teatro de Barcelona la  versión que Raimon Àvila ha hecho a partir de la obra Pool(No water) de Mark Ravenhill.  En esta versión se ha aplicado de un modo ejemplar algunos de los fundamentos actorales basados en el movimiento y la conmoción que desde hace años viene trabajando este profesor del Instituto del Teatro y que próximamente se convertirán en un libro que se espera con impaciencia.

 

    La obra trata sobre los limites éticos del uso de materiales delicados, y sobre la legitimidad  de la depredación artística hecha tanto por creadores o críticos. Desde el apropiacionísmo posmoderno los límites han dejado de percibirse como problema y ante este panorama aparecen situaciones que se mueven entre lo conveniente y lo inconveniente que son valores que nunca deben perderse de vista.

 

Tal como se dice en la hoja de mano: “En la era de Internet la creación artística se ha convertido , más que nunca, en un trabajo de rehacer, copiar, transformar o incluso apropiarse de la obra(ola vida) de los demás, con o sin consentimiento. Bill Viola registró en vídeo la muerte de su madre y lo incluyó en el Nantes Triptych. Sophie Calle hizo del  correo electrónico de despedida de uno de sus novios en el motivo central de una exposición,   o bien graba a escondidas la vida de alguien que acaba de conocer y lo convierte, igualmente, en obra de arte . Mientras , Paul Auster utiliza  ala misma Sophie Calle para dar vida a uno de los personajes de su novela Leviatan. Ahora bien,¿ hasta que punto es lícita(o ética) cualquier forma de depredación artística?Piscina (sin agua) trata de un grupo de jóvenes artistas que viven felices creando instalaciones y performances más o menos intrascendentes. De  pronto, uno de ellos triunfa cuando utiliza para  hcer su obra las vendas y los condones de otro que ha muerto de Sida. Finalmente instalado en la fama, el lujo y la riqueza, invita al resto del grupo a bañarse en su piscina.”  Los jóvenes estudiantes-interpretes : Marina Barberá, Laura Fité, Catalina Florit, Davis Marcé, Jordi Sanosa, Marta Santandreu y Eduard Serra se mueven con soltura en esa línea interdisciplinar en el que la danza, el gesto, la palabra y la voz adiestrada por Rosa Cadafalch exigen el máximo de ellos. Reconozco que iba con algunos prejuicios tópicos sobre la inmadurez lógica del aprendizaje. Pero, al finalizar, tuve la cómoda sensación de haber asistido a un verdadero espectáculo escénico más que a un taller del Instituto.  

A falta de imágenes sobre lo que ví, quiero añadir este fragmento promocional de la obra de Mark Ravenhill, Pool (no water)  realizado por  Frantic Assembly.

 

                          

EVENTS APOFATICS:CUNNINGHAM-TAPIES

jesusmc | 22 Noviembre, 2009 10:58

 

EVENTS APOFATICS: CUNNINGHAM- TAPIES.La semana se presenta movida, quiero decir llena de movimientos. Hoy he ido a ver “Events”  en el teatro del Mercat de les Flors y entrada la semana iré invitado por Raimon Avila a ver el taller Piscina (sens aigua), de Mark Ravenhill, a l'Institut del Teatre. Hace tiempo tuve cierta proximidad al mundo de la danza contemporánea. Conocí a Cesc Gelabert en la época de su primer viaje a N.Y. y  en ese ambiente ilusionado de los primeros pasos de la danza contemporánea en nuestro país, nombres como Marta Graham, José Limon o Merce Cunningham eran profundamente reverenciados. Referencias obligadas. Cada uno escogía su tendencia, su deriva estética y la seguía con la fidelidad que se debe a un “guru”. En 1964 Cunningham creó los “Events” que hoy he visto  en el teatro del Mercat de les Flors. Han pasado cuarenta y cinco años de su ideación y sigue siendo un ejemplo de audacia moderna. Los movimientos  esquematizados a unos “patterns”  son muy bien ejecutados a dos , a tres o en grupo con una armonización perfecta, sin caer nunca en mecanicismos. La sutil combinatoria de esquema y azar se corresponde a la metodología del libro de los cambios, el I Ching, que tanto agradaba al coreógrafo. Igual que en este libro sapiencial, lo fijo y lo móvil se van enzarzando de un modo continuo. Sin pausa. Durante setenta y cinco minutos la improvisación musical de Arnau Sala(perc.), Xavier “Liba” Villavecchia(viento) dirigidos por Takehisa Kosugi(violin elec.y varios) lleno de sonoridad electro acústica el escenario mientras los 14 bailarines  ejecutaban unos movimientos programados con una coordinación perfecta. Me interesaba especialmente comprobar como Antoni Tàpies había resuelto la escenografía. No era la primera vez que el artista participaba en la creación visual de proyectos escénicos. Colaboraciones con Brossa, Yusaki Saburu, J.Guimet, también  Josep Costa, el año 1992, concibió la escenografía del proyecto operístico Cap de mirar (Cabeza de mirar), con música de Mestres Quadreny y libreto de Joan Brossa aun por estrenar. El año 1999 la Fundació Antoni Tàpies organizó la primera gran exposición en Europa de la obra de Merce Cunnigham. La muestra celebraba los cincuenta años de la trayectoria de Cunningham, desde su papel como primer bailarín en la Martha Graham Dance Company hasta la formación de la Merce Cunningham Dance Company en el Black Mountain College, el año 1953; desde su uso de las “operaciones fortuitas” hasta su innovadora obra actual, realizada con el programa de ordenador LifeForms (actualmente denominado DanceForms) . La muestra recogía documentación diversa sobre las coreografías, performances, decorados, vestuarios y músicas para sus ballets, creados en colaboración con otros artistas como John Cage, Jasper Johns, Bruce Nauman, Nam June Paik, Robert Rauschenberg, Frank Stella y Andy Warhol, entre muchos otros.
La escenografía de Tàpies consistió en presentar cuatro obras sobre material textil (Signes, Cadira, Apofàtic, Cara ) que iban apareciendo y desapareciendo verticalmente en el escenario y su obra :”Porta” (pintura sobre bronce) que en un lateral del escenario presidía totemicamente la sala. Todas del año 1991.
Me gusto mucho ver la obra:”Apofatic” en el escenario porque aludía a uno de mis intereses visuales más profundos. Me refiero a la distinción teológico-artística entre  la visión catafática o visión de una teología positiva que presupone la posibilidad de conocimiento de Dios y por lo tanto de su representación y por otro la posición apofática una visión  teología negativa sobre  la imposibilidad de llegar a la naturaleza incognoscible de Dios.  Esa dialéctica teológica que tanto influyó a la estética Bizantina o Islámica , supone el reconocimiento de uno de mis temas favoritos, sobre la imposibilidad del conocimiento de la esencia de lo artístico  que se evidencia especialmente en los movimientos abstractos de la danza contemporánea y que enfatiza con “acontecimientos” o “eventos” la diferencia que existe ENTRE DECIR O SER.     

ALEKSANDRA MIR EN JOAN PRATS: FICCIONES SAGRADAS

jesusmc | 05 Noviembre, 2009 21:38

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia. Nº 385  4/09/09

ALEKSANDRA MIR EN GALERIA JOAN PRATS: FICCIONES SAGRADAS.      

The Dream and the Promise es el título de la actual exposición de Aleksandra Mir en Joan Prats. En su anterior paso por la galería  ya nos proponía diversas indicaciones al viaje  con su instalación “Aeropuerto” (2005),un trabajo que culminó con su escultura “Plane Landing”(2008) un avión inflable de 20 metros que hizo aterrizar y fotografió desarmado de helio y flácido en diversas ciudades europeas.  No hay ninguna duda de que a Aleksandra le gusta viajar: nacida en Polonia, ha sido ciudadana sueca, norteamericana y actualmente vive en Palermo. Su hiperactividad creativa le ha llevado a trabajar , los últimos quince años,  sobre más de 100 propuestas  muy diversas y de compleja realización. En todas ellas, hay una alta preocupación por cuestiones de índole social ,de genero femenino, pero sobre todo lo que más le gusta es vivir en la frontera entre realidad y ficción, entre  sueños y promesas .   

 

En su celebrada obra” Gravity” (2006) empezó a preparar su viaje hacia el universo con una nueva ficción, haciendo honor al pensamiento clásico de que aquello que no podemos poseer, nos lo da el arte. Construyó un cohete de 20 metros durante cinco meses con enormes residuos industriales, un artilugio que nunca despegó y que recuperaba la estrategia posmoderna del juego entre la veracidad y el simulacro. Un territorio que nunca ha dejado de cultivar a través de medios muy diversos: performances, videos, textos, entrevistas, fotografía, libros, dibujos en blanco y negro o como en la actual exposición: el collage.      Esta inquietud por la conquista espacial le ha llevado ha realizar la serie que hoy expone con el nombre de “Sueños y Promesas” .Esta serie la empezó en el 2008 ,cuando  apuntó  la proa de su deseo hacia el cielo estrellado y el espacio exterior con “Aim Stars”, “Declaration for Space” o  “Made in Heaven”, unos collages de dimensiones varias, montados con marcos de pan de oro. Su ficción en estas series es mezclar las Promesas hechas a los creyentes sobre la existencia de vida en el más allá , con todo tipo de artefactos provenientes de la tierra creados por los humanos en el más acá. Digamos que quiere demostrar “heideggeriaramente” el benéfico encuentro entre la metafísica y la física. Para ello, utiliza las imágenes de los viajes humanos al espacio como si en realidad se tratara de una  búsqueda de la prueba cosmológica de la existencia de Dios y de su corte sagrada. Intenta conciliar los sueños de los humanos por conquistar el espacio exterior y las promesas religiosas de la fe cristiana, haciendo convivir los logros del avance científico en la tierra con los celestes y auténticos habitantes del espacio exterior: ángeles, vírgenes y hasta el mismísimo Sagrado Corazón de Jesús. 

   Es probable que el espectador quede con una sensación de duda sobre el grado de convicción o ironía que trasmiten las ficciones de Aleksandra. Pero conviene saber que la ironía no es otra cosa que una estrategia del conocimiento humano que nos protege de todo aquello que nos asusta. Las ficciones de Aleksandra, sus sueños y promesas abordan los misterios fascinantes, los enigmas sagrados que no logramos comprender.

Jesús Martínez Clarà

                

           

 

 

 

     

 

 

 

 

     

 

 

 

 

                   

EFFEKTEN PARA ISIDRE MANILS

jesusmc | 05 Noviembre, 2009 15:26

Se ha colgado  en Youtube el video  “Effekten”. Es un resumen de la correografía estrenada por las bailarinas: Blanca Noguerol  y Àfrica Manils con  musica de: Lluís Rueda  y Albert Alfaro, con la  Video proyección de Pol Penas y  Editado por: Nicholas Gruenke. Este espectáculo se creó con motivo de la exposición sobre el pintor Isidre Manils en la que yo actué como comisario y de la que ya he dado noticias en el Blog.

                         

MISCELANEA:LUIS RACIONERO Y EL CAPULLO DE JEREZ

jesusmc | 11 Octubre, 2009 12:13

MISCELÁNEA:LUIS RACIONERO Y EL CAPULLO DE JEREZ

        

Fui a mi librería habitual ,con decisión y amagando la mirada de la dependienta, le pedí que me encargara el libro de Luis Racionero:”Sobrevivir a un gran amor seis veces”. Que va por su tercera edición. Cuando la chica me miró, tuve esa sensación  de injustificado rubor que se tiene cuando uno compra el “Playboy” en un quiosco o preservativos en una farmacia. Vaya, vaya…

   El libro es muy divertido, recomendable y solo apto para hombres. Esconde secretos de la relación con el sexo contrario que ellas no deben conocer. La primera parte es un tratado sobre la condición humana y la segunda un ejemplario de los numerosos sucesos vividos por el escritor.

   Conocí a Luis Racionero en la UAB, yo era estudiante de Letras y él venía, con el seiscientos que aparece varias veces en el libro, desde Barcelona para hablarnos de sus experiencias en Berkeley y predicar sobre la contracultura americana. Mientras nuestros compañeros revolucionarios hacían un alto en la lucha para comerse el bocadillo de mortadela, unos pocos escogidos, nos quedábamos en el aula en ascético estado de contemplación escuchando la palabra del maestro que vestido con una mítica americana de terciopelo rojo con estrellitas plateadas se sentaba encima de la mesa sobre la que unas horas antes estaban los apuntes del catedrático sobre estructuralismo lingüístico o freudomarxismo, encendía una varita de incienso tibetano y nos hablaba de Lao Tse ,Watts, y otros atmanes. Desde entonces he seguido, con afecto cómplice, los sorprendentes giros y avatares por los que ha transcurrido su vida pública.

    El libro es una buena memoria personal de ese y otros momento de su vida a través de su experiencia amorosa que acaba, y eso no es desvelar el final de la película, con la frase siguiente: “El verdadero amor, el amor del bueno, es una paradoja: consiste en estar totalmente colgado de la pareja y ser a la vez, totalmente desinteresado. Bellísimo,¿no?, pero: ¿cómo se hace?”

    Este consejo final tiene el intenso aroma del perfume taoísta, el sabor del encuentro de contrarios y toda la sabiduría de un proverbio chino. Debo reprochar a Luis Racionero que no haya sabido darse cuenta que la respuesta a su pregunta se encuentra dada por él mismo en su libro. Este olvido, se parece al viejo cuento que narra la historia de un hombre que se lamentaba  de su mala fortuna cuando sin embargo llevaba cosido en un pliegue de su vestido, un maravilloso brillante. La respuesta a la paradoja sobre el verdadero amor se encuentra en el propio libro de Luis Racionero, cuando dice:.…....con la actitud del ser liberado que no exige ni desea nada de las cosas, solo espera que se manifiesten como ellas son  y se desarrollen como les plazca, con el deleite de flores abriéndose al sol de la mañana” (p.76).

En la vida  todo se manifiesta de un modo armonioso en la que la verdad y la mentira , el amor y el desamor van siempre juntos, como la luz y la oscuridad y eso lo sabe bien  hasta el cantante hondo “El Capullo de Jerez” quien en acertado estribillo canta:

La vida es una mentira. La vida es una mentira. Apágame la luz, enciéndeme la luz. Canto con el corazón , canto para ti. La vida es una mentir. Apágame la luz, enciéndeme la luz.

 

DAC:ART UNDER THE BRIDGE FESTIVAL BROOKLYN N.Y.

jesusmc | 05 Octubre, 2009 19:47

DAC: ART UNDER THE BRIDGE FESTIVAL BROOKLYN.N.Y.

                          

 

 

    He llegado a casa con las suaves notas de la trompeta de Chet Baker en los oídos. Acabo de ver “Let´s get lost” un documental buenísimo sobre la difícil vida de este músico. Para algunos una de las mejores películas musicales de la historia dirigida por Bruce Weber. La referencias  a N.Y y a Europa son constantes en este documental que acaba con una melancólica canción, de esas que Baker susurraba: “Almost Blue”.Entre el correo me encuentro con un envío postal de Lluisa Climent-e, que me da información fresca desde New York.

    Se ha celebrado entre en 25-27 de Septiembre la 13 edición del festival “Art under the Bridge organizado por el DAC (Dumbo Arts Center) una organización alternativa de Brooklyn que con el apoyo de instituciones y fundaciones de la ciudad propone una muestra de los artistas emergentes  que exponen durante tres días  sus creaciones bajo la sombra del gran puente en un ambiente que quiere ser de participación y una fiesta para todos, como demuestran los siguientes videos . Gracias Lluisa y Olivia. Nuestras corresponsales en N.Y.

 

                   

 

 

 

 

 

 

 

 

                   

 

                                  Almost Blue. Chet Baker.bcn 5.10.09

LISTA DE ARTE INFORMADO SOBRE BLOGS DE ARTE CONTEMPORANEO

jesusmc | 05 Octubre, 2009 10:06

19 Octubre de 2008

Salonkritik, el primero entre los blogs de crítica

Entre los blogs españoles más longevos destaca Salonkritik, dirigido por el teórico José Luis Brea y con una brillante nómina de relevantes colaboradores. Este blog está vinculado también a w3art que, a sí mismo se define como "el portal de referencia en castellano, el lugar de encuentro de la comunidad especializada en las prácticas artísticas más actuales".

Dentro del grupo de los blogs más teóricos figuran tambíén 8.1, subtitulado como "distorsiones, documentos, naderías y relatos" o AMASSARTE, "un espacio de reflexión sobre la identidad del Arte Contemporáneo y la presencia-ausencia de éste en los medios de comunicación de masas". Conparada, de Alava, insinúa aportar "materiales para un acercamiento al arte en condiciones contemporáneas" y contemporaneiz[arte], de Madrid, lo define Álvaro Vargas, su creador, como una "sala de reflexión y debate acerca del arte contemporáneo, del arte del presente, del arte emergente y de sus nuevas formas de expresión". Art Neutre?, de Barcelona, es una "publicación virtual que difunde informaciones y opiniones sobre el mundo del arte". Sus coordinadores son Emma Giné, historiadora de arte, y Daniel Solano, periodista.

Por último, Sinapsis - Dunadigital, creado por José Vicente Araújo, "es un boletín abierto a colaboraciones sobre lo que recurrentemente se viene llamando intersección entre arte, ciencia, tecnología y sociedad. El origen de Sinapsis son las discusiones mantenidas en la lista Ad*e*e a lo largo de la segunda mitad del 2004, con el propósito de establecer una plataforma de comunicación abierta a artistas digitales hispanoparlantes".

Blogs para aprender

Juan Diego Caballero, catedrático de Geografía e Historia en un instituto sevillano, creó hace unos años Enseñ-Arte, un "blog dedicado a la enseñanza de la historia del arte, para jóvenes estudiantes y amantes del arte en general. Recientemente, he agregado un nuevo blog, EN CLASEDEARTE, en el que se fomenta que sea el propio alumnado el que emplee esas tecnologías", señala su autor. Aquí hay Arte es otro blog dedicado a "la historia universal del Arte contada para alumnos de Bachillerato", mientras culturavisual.com, todavía en versión Beta, se dedica a la "educación artística, arte, crítica, historia, filosofía del arte ..."

Didáctica aunque dirigida a todos los públicos se presenta también Visitaguiada.es buscando "arrojar algo de luz sobre los problemas concernientes al arte. Para ello, intentaremos abordar la cuestión de una forma amena y directa y, principalmente, despojada de eufemismos o frases trilladas que no ayudan en nada a solventar nuestras dudas. Por el contrario, sólo contribuyen a aumentar la confusión que previamente habían sembrado los críticos, intelectuales y hasta los mismos artistas, ensanchando aún más la brecha ya existente entre el creador y el público".

Blogs divulgativos

Junto a este pequeño colectivo de blogs dedicados expresamente a temas educativos relacionados con el arte, el grupo más extenso de blogs lo integran aquellos de caracter divulgativo general. Es el caso de Arterias de Arte, de Zaragoza que "pretende apoyar y fomentar la creatividad artística de los jóvenes de Aragón, facilitando a estos nuevos creadores la posibilidad de poner en marcha proyectos artísticos concretos y dar su obra a conocer". En la misma Zaragoza, Analizarte se define como "una manera de acercarse al arte, de forma entretenida, sin clases magistrales, una forma de entender el arte diferente a la que estamos acostumbrados ..."

ABPRESS.NET dice ser una "Revista de Actualidad Cultural: Cine, fotografia, pintura, escultura, literatura , música, arquitectura, espectáculos, festivales, exposiciones, danza, ..." como revista mono, autodefinida como "una revista cultural independiente que ofrece una visión personal sobre literatura, música, cine, artes plásticas, teatro, política..., con una actitud comprometida social e ideológicamente".

Artespain, integrado en el Grupo Publispain, "es una publicación dedicada a diversas disciplinas del Arte Contemporáneo (pintura, escultura, video arte, arquitectura)". El Dado del Arte "es un blog que muestra novedades en el mundo del arte desde un punto de vista poliédrico: video-arte, escultura, pintura, arquitectura, diseño, ..." Y los blogs gemelos Exposiciones en Madrid y Exposiciones en Zaragoza aseguran recoger, actualizado diariamente, "todo lo relacionado con el arte, cultura, música, cine, museos, salas de exposiciones, ..."

Isabel Erro está detrás del blog Los Mejores Artistas "con el objetivo de difundir de una manera cercana el Arte, gracias a la fuerza democrática de internet". Y MAD Painters "es una herramienta de participación en la que puedes opinar sobre el panorama de la pintura actual que se exhibe en la ciudad de Madrid". También Pasatiempos Vanguardistas, creado por José Luis Palacios Alonso, "supone un acercamiento al arte (vanguardista y clásico) en forma de pasatiempos, mediante reflexiones, preguntas y respuestas". La lista de blogs divulgativos podría prolongarse con Todo Arte, autodefinido como "... el arte que nos rodea", Art y Lugios o Info Art.

Algunos de estos blogs son, simplemente y nada menos, que un canal de expresión de su creador. Es el caso de Arte Procomún , en el que escribe Juan Carrete, director del Intermediae madrileño; Arte y Arquitectura, de Enrique Castaños; La mano y la mirada, del mallorquín Juan Luis Calbarro; o el mismo Julio Marín Alvarez.

Superespecialistas en fotografía o graffiti

Otros tienen una vocación temática como Fotografías.net -perteneciente también al grupo de Artespain-, Barcelona Photoblog, Encuentros Fotográficos -dirigido y gestionado por María G. Molina- o Xataka Foto -blog sobre fotografía digital-. Orientado al arte urbano y/o graffiti, encontramos en Barcelona a Graffiti Bombing.

Y herramientas de comunicación al servicio de los museos

Señalar por último los blogs de dos centros del arte, el del granadino José Guerrero (Blog del Guerrero) y el del salmantino Domus Artium 2002 (DA2), que asegura ser "el primer Museo de Arte Contemporáneo en tener un blog propio. La intención del blog del DA2 es informar tanto acerca de las exposiciones como de las actividades que tienen lugar en el Domus Artium 2002. El blog es una herramienta de comunicación con un lector que busca más información que la que aparece en la página web y que va buscando una visión distinta y más amena de la que ofrece una web institucional. Además de la información, el blog también ofrece diferentes imágenes de las exposiciones y grabaciones en video de las mismas, para que la gente interesada pueda tener una idea de lo que va a encontrarse al venir al DA2". ARTEINFORMADO

 
Powered by Life Type - Design by BalearWeb - Accessible and Valid XHTML 1.0 Strict and CSS