Administrar

CCCB SONIDOS DEL PODER/ESCUCHAS DEL MIEDO.CAOSSONOSCOP.ZEPPELIN 2009

jesusmc | 03 Octubre, 2009 12:08

    

 

Zeppelin 2009Sonidos del poder / Escuchas del miedo . Convocatoria de obras sonoras electrónicas

Sons del poder / Escoltes de la por . Convocatòria d'obres sonores electròniquesSounds of Power / Listening of Fear . Call for electronic sound works Abierta la convocatoria de obras sonoras electrónicas para Zeppelin 2009 - Sonidos del poder / Escuchas del miedo. Dedicamos Zeppelin 2009 - Sonidos del poder / Escuchas del miedo a la reflexión acerca de cuestiones que nos vienen rondando insidiosamente desde hace tiempo. Nos preocupan los signos que podrían indicar que retrocedemos en logros y libertades de naturaleza social e intelectual, todos hechos realidad con gran esfuerzo. Acerca de esta preocupación hemos elaborado una serie de preguntas que, parcial o totalmente, deseamos que inspiren las piezas presentadas a esta convocatoria.

 

 Son las siguientes : 1. ¿Qué significa recibir y/o dar una orden?2. El vínculo entre los verbos obedecer y oír es bien conocido. Entonces, ¿en qué términos hemos de considerar una sociedad que parece cada vez más presta a obedecer sin detenerse a pensar? ¿Qué significación tiene el vínculo entre obedecer y creer?3. ¿Por qué tenemos necesidad de verdades absolutas, incluso en aquellos dominios donde las sabemos imposibles? ¿Por qué pensamos que ya lo sabemos todo? ¿Es o no es necesario conocer las técnicas? ¿Por qué pensamos que cualquiera puede hacer cualquier cosa? ¿Hay que recuperar el respeto por el hacer? ¿En qué medida el término arte es o no es vigente? 4. ¿En qué sentido hemos pasado de una alienación en el ámbito laboral a una alienación en todas o casi todas las instancias de la vida? ¿Está desapareciendo la consciencia de alienación?5. ¿Qué quiere decir que el control se ejerce en nombre de la seguridad? ¿No nos sentimos seguros? ¿Por qué en nombre de la democracia admitimos lo que denunciaríamos en una dictadura?6. ¿Sociedad del bienestar quiere decir sociedad del crecimiento? (Cage decía: "No sé si la vida se caracteriza por el progreso.") ¿Por qué creemos que vivimos en el mejor de los mundos?7. ¿Cuál o cuáles funciones tienen los sonidos en la sociedad del bienestar y el crecimiento? ¿Inciden en la pérdida de privacidad? ¿En qué medida el vecino de al lado se ha convertido en un nuevo sistema de control en manos del Estado?8. ¿Qué importancia damos al hecho de que nuestros instrumentos para organizar sonidos estén emparentados con los instrumentos que sirven para controlar? ¿Existe relación entre organizar y controlar?9. En un tiempo en el que los términos sufren modificaciones paulatinas hasta que su nueva acepción termina siendo regulada por ley y disentir de los criterios de otros abre la puerta a ser tachado de intolerante, ¿cómo desenmascarar la tergiversación del lenguaje sin que ello entrañe nuevas descalificaciones?

 

 

 

Invitamos a todas las personas interesadas en el sonido a que reflexionen sobre estas cuestiones y nos envíen sus trabajos sonoros.Las piezas serán proyectadas al espacio en un sistema de ocho altavoces los días 10, 11 y 12 de Diciembre de 2009 en el Centre de Cultura Contemporània de Barcelona.

 

 

 REQUISITOS 

Todas las obras recibidas serán aceptadas siempre que se den las siguientes condiciones: 1. Las piezas NO deben tener una duración de más de diez (10) minutos2. El formato de las piezas será WAV o AIFF a 44,1 khz y 16 bits. Se admiten piezas de una hasta un máximo de 8 pistas. Cada pista deberá llegar aislada en un archivo de una pista. Así, por ejemplo, el envío de una pieza para ocho pistas deberá contener ocho archivos de una pista.3. Se debe adjuntar la siguiente documentación:3.1. Comentarios acerca de la pieza.3.2. Biografía artística del autor.3.3. Documento firmado por el autor manifestando autorización o desautoriazación explícita para la difusión de su pieza través de Internet.3.4. Documento firmado por el autor manifestando su conformidad para que la pieza forme parte del archivo de arte sonoro de Sonoscop.4. Los trabajos con la documentación tienen que llegar en soporte CD/DVD antes del 15 de Noviembre de 2009 a: caos/ZEPPELIN/convocatoriaCentro de Cultura Contemporánea de BarcelonaC/Montalegre, 5Barcelona 08001España

 

CARLES TACHE QUIERE HABLAR CONTIGO. DISSABTES D´ART

jesusmc | 03 Octubre, 2009 10:20

CARLES TACHE QUIERE HABLAR CONTIGO

  

  

                          

Esta es la frase que miles de artistas quisieran oír al menos una vez en su vida.    La primera vez que la escucha un artista adquiere un tono ilusionante, se llena de expectativas: ¡por fin, me ha llegado la hora!. Si la frase se escucha o se lee  después de la primera exposición, incorpora una duda: ¿será para algo bueno o será para reprocharme un primer fracaso? .Si la frase se recibe después de un tiempo de colaboración con el galerista, adquiere un tono de incertidumbre ante el futuro y augura algún cambio .

Sea como sea, lo cierto es que esta frase anuncia una idea muy original.Propone un encuentro, durante dos días,el 3 de Septiembre y el 7 de Noviembre de 10 a 22 horas ,unas sesiones maratonianas,  entre el influyente galerista y el público en general dentro de las jornadas “Dissabtes  d´ Art a Barcelona” que se celebran durante el otoño barcelonés .

 

CARLOS PAZOS:ROBADOS EN GALERIA RAIÑA LUPA

jesusmc | 02 Octubre, 2009 19:57

                 

 

            Artículo publicado en el suplemento "Cultura´s de La Vanguardia 30 Septiembre2009  

 

 

 

 CARLOS PAZOS:SER NADA

        En 1978 , Carlos Pazos quería dejar sus huellas grabadas en el suelo de la fama (The floor of fame,1978), quería hacerse una estrella (1976) y estaba convencido de que conocerle era amarle (1977) .Buscaba lo que la prensa rosa llama fotos “posadas”, descendía de grandes coches ante la expectación de todo el mundo, se había propuesto ser el sujeto de su arte, ser ,él mismo, una obra de arte y su premisa era:”la técnica no me interesa, mis constantes son yo y más yo. El ego por encima de todo”. En 1980 conoció a madame melancolía y desde entonces, siempre con la mano en la mejilla o en la barbilla , tal como hacen los buenos artistas, no ha dejado de trabajar sobre los conflictos y derivas de su propia identidad.

       En la exposición “Robados” se pueden ver 151 fotografías colocadas de un modo informal en las paredes de la galería y sobre tres mesas de trabajo, el conjunto es una  selección de las fotos robadas hechas a Carlos Pazos en Bali por Joana Roselló. El artista es vigilado, controlado, perseguido en diferentes situaciones y momentos de ese viaje por una “simulada” paparazzi que quiere conseguir la “instantánea”, el robado perfecto. Ante este afán perseguidor, Carlos Pazos se oculta, mira furibundo a la cámara y tal como enunciaba en su exposición retrospectiva en el MACBA(2007) no quiere que le digan nada.

     Hace treinta años el artista, como todos los artistas jóvenes, construía su identidad con arrogancia , ilusión y una buena dosis de supuesta frivolidad. Se deslizaba sobre la superficie de las cosas pero aplicando una mirada atenta y se podían intuir propósitos trascendentales en todas sus obras. Sin embargo, en sus últimas exposiciones , ya se apreciaba un rechazo, una revisión de la condición exitosa y los logros del artista con títulos como “Penúltimo Grito(2007) y  “Se acabó la Ilusión(2007) .Pazos  explora de un modo dramático el efecto del paso del tiempo y constata como las ilusiones no alcanzadas forjan un carácter agrio en el que resuena como fetiche de comportamiento impertinente el famoso improperio  lanzado ante las cámaras por Fernando Fernán Gómez: !A la mierda!

 

    Para aquel que se hizo retratar hace treinta y tres años con el máximo "glamour",ahora, solo existe la decepción y el rechazo de la fama. Como un artístico Sallinger que ha hecho de su esquivez toda una leyenda, Pazos se esconde y quiere pasar del ser al no ser.

    El día de la inauguración lo encontré entre amigos y conocidos, mucha gente que como dice el título del libro de artista publicado con texto de Ramón de España, lo siguen con  “Fidelidad Total”(2007). Estaba como se dice,“todo el mundo” entonces me pareció ver escrito en su amplia frente el texto que él mismo publicó en el  “flyer” de su exposición retrospectiva : "Atacado de descreimiento absoluto, el arte es sobre todo mi espacio de resistencia ese espacio, abierto o cerrado en el que puesto que no puedo dejar de ser, casi consigo ser nada". Vi un artista confundido entre el público, sin señales evidentes de su poderío, una persona humilde, queriendo no ser nada y a la que no había que decir nada. Pero el destino y el éxito le persiguen y a pesar de su nueva actitud reservada y discreta no puede sustraerse al gran espectáculo del arte.

             

JULIAN ALVAREZ:ENTRECRUCES.EXPOSICION RETROSPECTIVA

jesusmc | 08 Septiembre, 2009 09:34

JULIAN ALVAREZ : ENTRECRUCES. EXPOSICION  RETROSPECTIVA.

  

Entre el 23 de Julio y el 31 de Agosto se realizó en León, la exposición “EntreCruces” de Julián Alvarez en el Centro Leonés de Arte y en Instituto Leonés de Cultura. Esta exposición ha generado un libro-catálogo razonado de su obra.

Poco a poco se va haciendo justicia con los pioneros del medio audiovisual en España. Julián Álvarez lleva   treinta años  como video-creador,y ha sido en su lugar de origen, Leon, donde se le ha rendido homenaje con una retrospectiva y el catálogo que la complementa de 244 páginas. Se suele decir con razón que lo que queda de las exposiciones es el catálogo y este es una buena muestra de ello y una ocasión para conocer en profundidad la obra de Julián Álvarez ;en él han intervenido con diversos análisis de su obra: Javier Panera, Josep Mª Catalá, Antoni Mercader, Claudia Gianetti, Pere Alberó, Alfonso Levy  y Jesús Martínez Clará. En el libro se encuentran lo que Julián denomina Itinerarios, más sus producciones escénicas, instalaciones, intermedias /multimedia, fotográficas y un resumen de textos teóricos  del autor.

Creo que cuando se hace la producción de una exposición sería conveniente no dilapidar el esfuerzo y aprovechar para una posible itinerancia que permitiría hacerle justicia en Barcelona , lugar en el que vive y en donde ha llevado acabo su obra en estos treinta años. La lucha continua.

                                                      

JOAN NAVARRO: ESCULTOR QUE BUSCA VERDADES

jesusmc | 04 Septiembre, 2009 09:24

 

La Galería  Simon fue inaugurada en Ishikawa-cho, Yokohama, en octubre de 2006 y expone todo tipo de obras de arte,  artesanía,  imágenes,  fotografía, y  joyería.  

En la cafetería anexa, se puede disfrutar de un té de hierbas orgánicas, así como los diferentes proyectos y eventos, incluyendo exposiciones relacionadas con talleres, conciertos y representaciones como espectáculos de danza.

  

Entre los artistas que han expueso se encuentran Kouji Ohno, Izuru Takebuchi, Teruko Chiba, Hanamaro, Youichiro Furuya, Takashi Watanabe, Masao Sato, Kenji Matsumoto, Ikuyo Shigeno, Hisanao Aguni, Noriko Kitamura, Masahiko Furuichi, Kenji Kojima, y Junko Amauchi y Joan Navarro.

  

Joan Navarro ha expuesto su obra “Rice and Fall” en esta galería durante los meses de   Agosto a Septiembre de este año. La instalación de esta exposición está hecha de granos de arroz y madera. Pude hablar con el artista y me dijo que quería mencionar  al arroz como símbolo de Japón  y  que cada pieza aludía a diferentes ciudades y a la densidad poblacional que existe en las metrópolis que ha visitado en sus cuatro viajes a Japón. Este argumento elemental ha dado como resultado unas obras mucho más complejas en las que actúan nociones estéticas propias del Japón como son la simplicidad minimalista adecuada a las características del espacio expositivo, la sutileza del color blanquecino del arroz con la madera que son dos fundamentos de la nutrición y la arquitectura japonesa, junto a nociones formales de gran  arraigo en nuestra tradición estética occidental, tales como la escala, la proporción, la acumulación, el ascenso y el descenso. En estas obras se ven algunos vínculos con otros escultores como Isabel Banal o el difunto Ramón Guillén Balmes quienes han trabajado con la idea de miniaturización , escala y agrupación de elementos dispersos: semillas, pigmentos, arena…etc.

 La acción de  Agrupar los granos de arroz en torno a la madera es como reunir elementos dispersos que tienden a la expansión y concentrarlos en torno a seis  estructuras geométricas simples:  Línea Vertical, Horizontal, Cruzamiento, Líneas paralelas de  una escalera en el suelo, paralelepípedo convertido en mesita y una obra de escala que hace unos años, de la mano de Chari Mur en lugar de arroz ,hubiera contenido clavos, espinas y pétalos de rosas.

En este sentido sacrificial me permito una digresión interpretativa en torno al nombre de la galería. Como he leído el nombre de la galería sin “h” intercalada lo he relacionado inmediatamente con un nombre de la tradición cristiana: San Simón. Es curioso que en el santoral cristiano  a San Simón se le representa siempre junto a San Judas Tadeo. Ambos nombres , igual que el término “Shimón” para los budistas significan valores asociados a la verdad ,según dicen en su nota de presentación  sobre el nombre de la galería, el término "Shimon" se refiere a las cuatro puertas hacia la verdad, en el sentido budista, lo que implica el deseo de la galería de que sea un lugar para la expresión de los artistas que buscan la verdad de la actividad creativa y  la intersección transversal de varias prácticas  artísticas.

San Judas Tadeo otorga favores , Judas significa en hebreo  "alabanzas sean dadas a Dios" y Tadeo quiere decir: "valiente para proclamar su fe".Simón significa: "Dios ha oído mi súplica". En la búsqueda de la verdad , San Judas Tadeo escribió una de las Cartas del Nuevo Testamento. En la misma, ataca a los gnósticos y dice que los que tienen fe pero no hacen buenas obras son como nubes que no tienen agua, árboles sin fruto, y olas con sólo espumas, y que los que se dedican a los pecados de impureza y a hacer actos contrarios a la naturaleza, sufrirán la pena del fuego eterno. La antigua tradición cuenta que debido a la proclamación de estos principios de su fe cristian a San Simón lo mataron aserrándolo por medio  y, a San Judas Tadeo, cortándole la cabeza de un hachazo.

Al margen de esta deriva sobre el nombre de la galería quiero resaltar el puente efectivo que  se ha  establecido en este Yokohama – Barcelona Art Session 2009  de la mano de Joan Navarro que es profesor destacado de la sección de escultura de la Escola Massana de Barcelona y buscador de verdades.Shimon.

                 

 

 

 

  

 

 

 

     

                          

KREA II ENCUENTRO INTERNACIONAL DE CREACION Y DIFUSION SONORA

jesusmc | 03 Septiembre, 2009 09:13

 Hoy día 3 de Septiembre se inaugura :Silencio, KREA II Encuentro Internacional de Creación y Difusión Sonora. Esta  es una confirmación más de que el arte electrónico, el arte sonoro debe ocupar un lugar de privilegio en las prácticas artísticas contemporáneas. Ya no se puede demorar más su plena incorporación a lo medios críticos y a la prensa de arte. Dentro de este encuentro esta la presencia de un “rompehielos”en este campo como es Jose Manuel Berenguer y  en Vitoria-Gasteiz presenta su instalación sonora Autofotóvoros   en la Sala Araba. 

 

http://www.kreared.com/es/actividades/muestras-exposiciones/autofotovoros-instalacion-sonora-de-jose-manuel-berenguer 

Presentación

Del 3 de septiembre de 2009 al 13 de septiembre de 2009 ·       Sala Araba ·       La Paz, 5 - 1ª planta (Centro Dendaraba) 01005 Vitoria-Gasteiz ·       +34 945 16 23 81 'Autofotóvoros’ es el nombre de la propuesta sonora que presentará Berenguer, Premio ARCO-Beep de Arte Electrónico 2008. En palabras del propio autor, el espíritu de la instalación “radica en el interés por la organización espontánea y la aparición de fenómenos emergentes complejos. Ello acostumbra a ocurrir en colectividades integradas por estructuras individuales de características funcionales idénticas y elementales que se organizan en red”. Para ello, trabaja con autofóvoros, unos dispositivos electrónico-mecánicos dotados de fototaxia positiva, la habilidad de dirigirse por sus propios medios hacia las fuentes de luz más brillantes de su entorno.José Manuel Berenguer (Barcelona, 1955) es director de la Orquesta del Caos y del Festival Música 13, fundador de Nau Côclea, miembro de la Académie Internationale de Musique Eléctroacoustique de Bourges y Presidente de Honor de la  International Conference of Electroacoustic Music del Consejo Internacional de la Música de la UNESCO. Ha sido objeto de premios y distinciones otorgados por instituciones como Internationale Ferienkurse de Darmstadt, Gaudeamus foundation, Prix de Musique Electroacoustique de Bourges, Concorso di Musica Elettronica. Fondazione Russolo-Pratella, International Rostrum of Electroacoustic Music del CIM-UNESCO,  Festival de Músiques Contemporànies de Barcelona, Radio Nacional de España y Premio de Video de Castilla-La Mancha.En los últimos años, ha tendido a expresar su pensamiento artístico por medio de la instalación y los dispositivos de computación en tiempo real, con la reflexión acerca de la filosofía y la historia de la ciencia, los límites del lenguaje, la ética, la vida y la inteligencia artificiales, la robótica y el metabolismo de la información, los límites de la percepción y la comprensión humanas. Sus trabajos más recientes incluyen instalaciones como, por ejemplo, ‘Silenci’, ‘Trànsfer’, ‘la Casa de la Pólvora’ o ‘Mega kai Mikron’. Su pieza ‘Luci, sin nombre y sin memoria’, ganó el premio ARCO/BEEP 2008 de Arte Electrónico. 

 

                  

      

                     

 

 

                               

 

 

Miguel Alvarez-FernándezSeminario Los espaciotiempos del sonido. Una aproximación a la práctica del arte sonoro04/09/09   17.00-20.00 La palabra en el espaciotiempo del arte sonoro05/09/09   10.00-14.00El sonido en el espaciotiempo del arte sonoro05/09/09   17.00-20.00La imagen en el espaciotiempo del arte sonorohttp://www.kreared.com/es/actividades/cursos-y-conferencias/seminario-de-arte-sonoro-impartido-por-miguel-alvarez-fernandez Miquel BernatConcierto de percusión de músicas electroacústicas05/09/09 20:00Aula Fundación Caja Vital Kutxa Aretoahttp://www.kreared.com/es/actividades/musica/concierto-de-miquel-bernat-percusion-y-musica-electroacustica  KREA Expresión Contemporánea,  proyecto cultural de la Obra Social de Caja Vital KutxaColabora : Asociación Sinkro Más información en www.kreared.com   

MANUEL BORJA VILLEL Y EL NUEVO REINA SOFIA

jesusmc | 01 Septiembre, 2009 17:25

MANUEL BORJA-VILLEL  Y EL NUEVO REINA SOFIA. 

Manuel Borja Villel ,nuestro hombre en Madrid, la está armando. Mientras los articulistas desde Barcelona lo argumentan y defienden, los que le pagan, desde Madrid, lo critican.

 Creo que unos y otros hacen lo que se esperaba. Nuestra cultura da signos de pobreza intelectual cuando actúa por “topicazos”. Ante la nueva presentación de la colección, ya se suponía que iba a pasar lo que esta pasando. Unos que si y otros que no. Los articulistas que no suelen hablar del hecho concreto, de la materia expuesta del arte, se apresuran a generar opinión, pensando equivocadamente con otro tópico de nuestro mundillo que asegura que tu comentario se engrandece por la importancia del tema tratado y si puedes escribir sobre  la filosofía expositiva de una gran institución, siempre será mejor que no hablar de un artista que no conoce nadie y que te ha llamado la atención porque expone en una pequeña galería de enfrente de tu casa. La materia fundamental de lo artístico queda a salvo de tantos “dimes y diretes”.Nada perturba la soberanía de lo artístico. Nada perturba su auténtica naturaleza.

A mi me gustaría contribuir con una pequeña noticia, con un dato fascinante y es que el REINA SOFIA SERA GRATIS ENTRE LAS  7 y LAS 9 HORAS DE CADA DÍA LABORABLE.

 Esas dos horas de visita pueden crear una adicción fascinante a los interesados en el arte contemporáneo. A dosis pequeñas, tal como deben verse los grandes museos, sin “panzadas” de propuestas complejas que se acaban atragantando al más sensible de los especialistas que tras una mañana entera de visita ya no piensa en su cabeza sino en lo adoloridos que tiene los pies.  

Me imagino a jóvenes furibundos, amantes de Matthew Buckingham  o de cualquier otro que visitan una y otra vez las salas en esas horas ya vacías de curiosos turistas que no saben porque están viendo lo que ven. Se producirá un proceso de redefinición del tiempo y la experiencia de lo artístico que sacarán al museo de la memoria histórica y lo redefinirán como un nuevo generador de  emociones furtivas. Con la misma intensidad que alguien se cita  entre las siete y las nueve con su amante secreto, el visitante tendrá una nueva visión de lo artístico, su percepción ya no estará condicionada por la prisa y podrá constatar una nueva experiencia del tiempo. Podrá ir un día a una obra y otro a otra, con lo que construirá también su propia historia del arte compuesta de modo fragmentario, más allá de las criterios, fechas y recorridos impuestos por los comisarios. Y además, porque no, en esa nueva experiencia de tiempos y fragmentos pueda coincidir, a menudo, con alguien que comparta sus propios gustos y emociones, serán los amantes furtivos del arte entre las siete y las nueve.

 

Matthew Buckingham            

Fragmento de The Spirit and the Letter (2007).

VICTORIA CAMPILLLO: "AMEN" EN SITGES

jesusmc | 05 Agosto, 2009 22:18

VICTORIA CAMPILLO: “AMEN”  EN SITGES.-

                       

Este es un post. recordatorio para alertar a los que estén por la localidad estival de Sitges que no duden en pasar por el Mercat Vell, junto al Ayuntamiento. Allí encontrarán una escogida muestra de las series que Victoria Campillo ha hecho en estos últimos años y que  muestra en este singular espacio con el nombre genérico de “Amen”. La exposición durará hasta el 6 de septiembre y  ha sido comisariada por Ricard Planas; con este motivo se ha editado un extraordinario catálogo en el que el lector podrá recorrer varias sendas de aproximación , podrá caminar por la obra de esta artista a través de dos artículos de presentación y una extensa entrevista que yo  le realicé recientemente y en la que expone muchas reflexiones interesantes sobre su obra y sobre la historia del arte contemporáneo.

    La pieza principal consiste en los bodegones con naturaleza muerta, “alusivos a la Santa Cena, en los que un mismo personaje vestido con polos Lacoste de diferentes colores hace con las manos  gestos santificados y bendice alimentos diversos ante unos recipientes ,sobre este fondo aparecen superpuestos los nombres de los artistas: Jim Dine sobre la sonrosada textura de un corazón de vaca , un pollo desplumado, a punto de entrar en el horno, alude a Rindo Kawauchi, Damián Hirst  a una magnífica escórpora roja, un pan integral  al demiurgo transformador de materia de artista Piero Manzoni, todos ellos con un fondo de polo rojo con algunas excepciones como Zachary Zavislak que tiene una gran calabaza ante unas manos en oración con fondo de Lacoste Amarillo y del que dudamos si es el verdadero o el falso. La alusión al artista como marca es obvia. En la obra de Victoria Campillo  se alude también al exceso de documentación nominal sobre arte contemporáneo que  cada vez es más extensa, debido al gran número de artistas emergentes, que están sobre la palestra, y aunque es incierto su pase a la inmortalidad, las listas no cesan de crecer y la lista de Victoria los recoge y utiliza.”

  

He puesto comillas en el párrafo anterior porque corresponde a una crónica que hice de su trabajo en un artículo  publicado en el suplemento Cultura/s   297 de  La Vanguardia/ Miércoles,27 febrero 2008 con el título de PROYECTO INTERMINABLE, y que el lector puede encontrar entero en este Blog.  con buenas ilustraciones. Su proyecto interminable no deja de crecer y en su blog personal “ IDEM”, Victoria  ofrece sus nuevos hallazgos, sus nuevas series de manera continuada, allí se pueden ver con buena definición la mayor parte de las obras de esta exposición fotografiadas y permitidas por la propia  artista.

    Por último, me ha resultado curioso el contraste entre las imágenes del mercado antiguo que adornan la parte superior de las enormes paredes y en  las que se ven productos nutrientes y frescas verduras de temporada en un añejo color oscuro  con las imágenes de la Santa Cena en las que Victoria ha fotografiado nítidamente y a todo color: conejos, pescados o pollos desplumados. El tiempo y el arte contemporáneo han convertido la pura y dura materia nutriente en metáfora y símbolo. Aquí hay tomate. 

   

 

                   

                      

                              

                                         

RALPH BERNABEI Y LA GALERIA HORIZON EN COLERA

jesusmc | 23 Julio, 2009 13:20

RALPH BERNABEI Y LA GALERIA  HORIZON EN COLERA.  

 

Ralph Bernabei expone su  “Recent Work” en la Galería Horizon de Colera  desde el 4 de julio al 30 de julio 2009.

La Galería.- 

Desde hace algunos años, me impongo, entre las tareas de mi veraneo Empordanés, la visita  a la Galería Horizon de Colera. Horizon es un proyecto compartido entre una galerista belga Silvy Wittevrongel  y el artista nacido en NuevaYork Ralph Bernabei. A dos horas de Barcelona y diez minutos de la frontera francesa, en la población de Colera, que no se parece en nada a Cadaqués, Ralph y Silvy han conseguido tener un lugar en el mapa de la cultura artística empordanesa , catalana y universal. Galería, estudio, casa y huerto componen la base de su modo de vida. Si el visitante tiene curiosidad , podrá entrar en un lugar reservado a la amistad y la conversación a la sombra fresca, al aire libre, tal como me imagino que sería  la casa de un filosofo griego. Allí, es posible que el visitante vea al artista trabajando en su estudio, a la galerista tomando un té en el salón de su casa  o que encuentre sobre la mesa la recién escogida cosecha de tomates de su  huerto de verano. Todos estos indicios indican que Silvy y Ralph  quieren vivir de otra manera. No fuera del sistema, pero sí en la frontera y por eso están cerca de un melancólico Portbou, allí donde reposa el gigante iluminado Walter Benjamín , allí donde se halla su magnífico cenotafio.

La Revista en el Horizonte- 

Como digo, todos los indicios indican  que ellos quieren, por un lado vivir instalados en el  tópico “Carpe diem” que significa” cosecha cada día”, esa máxima grecorromana tan propia de la cultura mediterránea que aconseja vivir el momento , disfrutar la cosecha de tomates recién cortados, gozar de lo que  tienes en ese momento ,  así   reivindican que debemos aprovechar cada instante de nuestra vida con intensidad. Es el lado meridional de Ralph.

Pero, por otro lado parece que buscan algo que va más allá del poder del instante, algo más planeado, más proyectado y que por eso han utilizado  la fuerza convocadora de la palabra “Horizonte” para nombrar su galería y como título de su magnífica revista de arte y filosofía : “Outer horizons” que se encuentra tanto en Colera como en Nueva York.

    Un horizonte es algo nunca alcanzado, es la visualización plástica de una intención nunca satisfecha, de un anhelo al final de un camino. Como las cosas más secretas del mundo, el horizonte, desaparece a medida que te acercas, ellos saben que además del horizonte oficial que hace avanzar a las sociedades hacia delante, existen “otros horizontes” no menos importantes a pesar de ser alternativos.

    Desde la presentación hace cuatro años del número cero de esta revista trilingüe se sabe que a sus editores les preocupa tanto cualquier suceso de impacto humano y social como la compleja obra del escultor Gabriel,la vida en las ciudades como la obra de Uclés, Bourgeois o Viaplana, arte y humanismo definen el clima general de esta revista que mantiene desde sus inicios la sobria y magnífica maquetación diseñada por eStudio Calamar.Creo que el sentido último de esta revista se encuentra en un mini manifiesto De Ralph Bernabei en el número cero, allí hacía una comparación entre la obra “La parábola de los ciegos” de Brueghel y la obligación de los artistas de conducir los pasos de la sociedad ,estimular conciencias guiándolas hacia OTROS HORIZONTES.

  

La obra de Ralph Bernabei.-

Ralph Bernabei vive en Cataluña desde hace veinte años. Siempre me ha gustado la imagen de un Salvador Dalí viajando de Port-LLigat al centro de Manhattan. Empiezo a pensar que es una costumbre muy ampordanesa, es lo mismo que hace mi amiga Lluisa entre Llança y Nueva York, Alex Gifreu desde Figueres o Ralph desde Colera hacia todo el mundo.  Ralph ha expuesto su obra en diferentes lugares: Nueva York, Conneticut o Chicago, en Europa en  Bruselas, Copenhague  y más recientemente en el Japón.

 Los que sigan mis crónicas se habrán dado cuenta de que soy amigo de los términos en oposición, de la dialéctica entre el vacío y el lleno de la existencia. Por esta razón me ha gustado esta exposición de obras recientes en las que la superficie pictórico-caligráfica se integra con armonía en los volúmenes escultóricos creados por Ralph Bernabei. En sus picto-esculturas que sobresalen de la pared o en ocasiones se encuentra exentas, reposando sobre unas peanas, se intuye una geometría oculta e irregular, un armazón, un esqueleto invisible hecho de madera de roble viejo aprovechado de barricas de vino antiguas que quedan totalmente ocultas y renovadas al ser envueltas por numerosas capas de papel japonés. El sudario envuelve el cuerpo de la obra y en la superficie de esta materia tan singular  traza caligráficamente, con tinta, numerosos gestos informales que contrastan con las estructuras de la cristalografía invisible que las sustenta. Entre el negro y el rojo se va produciendo una dialéctica elemental entre lo orgánico y dinámico del trazo vivo del artista y la inmutabilidad de sus estructuras irregulares.

    Hecho una ultima mirada sobre la pared blanca de su jardín, entre la calma de Silvy y el ímpetu de Ralph, en lo alto , fuera de la mirada ordinaria, marcando otro horizonte solo visible para quien quiera mirarlo, veo la estructura desnuda de una forma, que en su simplicidad irregular me parece altamente misteriosa. En el fondo del jardín sombreado, veo los restos acumulados de  cerámicas rotas, fragmentos de platos y recipientes que me sugieren que Ralph tiene una memoria personal, que pertenece a una tradición antigua  hecha de cálculo y medida  de la que no quiere olvidarse.   

  

 

 

 

Galeria d’Art Horizon

Francesc Ribera 22

17496 Colera Girona

Tel. 972.389.185                    info@galeria-horizon.com

 

GALERIA TONI TÀPIES.MANIOBRAS:ARTE Y MATERIA

jesusmc | 18 Julio, 2009 16:57

                 

Artículo publicado en Cultura´s del periódico la Vanguardia de Barcelona 

Nº 369  15 Julio 2009

MANIOBRAS: ARTE Y MATERIA. 

 

La comisaria y crítica Natasha Hébert presenta en la Galería Toni Tàpies una selección de artistas canadienses o de adopción: el Grupo BGL, Catherine Bolduc,Michel de Broin, Jérome Fortín, Ed Pien y Jana Sterback. La muestra es un manifiesto a favor de la inteligencia formal en el arte y una apología poética del absurdo, una exaltación de lo imposible. Las obras expuestas son una buena muestra de la tendencia actual en el arte que reivindica la cualidad material, unas obras que imponen su condición física para elaborar misteriosos arte-factos.

 Las Mani-obras de estos jóvenes artistas nacidos en los años setenta, vienen a sustituir el afán gestor, documentalista y archivero de la generación anterior que aun está presente en la Bienal de Venecia de este año. Al artista archivista le ha salido alguien que le construye, con destreza artesanal, un archivo de madera que es absurdo porque no puede abrirse. Los materiales utilizados son  reciclados, sencillos sin pretensión de exceso ni lujo: papel, tinta, unas pilas usadas, un enchufe, un árbol de vinilo, un ventilador, dos fotografías y un DVD.

Cuando el artista usa la mano, aparecen, inevitablemente, conceptos que parecían repudiados u olvidados en las ultimas manifestaciones artísticas. La propia comisaria ha escrito en su texto de presentación que estas obras son el resultado de una acción física comprometida  que requieren los valores clásicos del arte: destreza, habilidad, disciplina y concentración, a medio camino entre el concepto y el bricolaje.

 En esta exposición domina la antigua querella entre Forma y Función. Se podría pensar que nos encontramos ante una recuperación del objeto dadaísta, pero aquí el elemento dominante, no es el concepto sino el objeto. Lo imposible y la crisis de función son evidentes en las obras del grupo BGL que presentan una fotografía en la que podemos ver el nombre de un barco misterioso “Nowhere 2”. En esta exposición, como indica el nombre del buque, hay obras que n os dan noticias de ninguna parte, de un lugar inexistente y real a la vez, en el que existe una bicicleta que echa humo, o una moto de gran cilindrada que va por la calzada impulsada por unos patinadores, unos altavoces de los que no salen sonidos, ni música solo aire; Jérome Fortín ha hecho dos cortometrajes que no son otra cosa que unas tiras fijas de papel reciclado, el armario perforado de Catherine Bolduc genera con sus puertas cerradas destellos lumínicos y ruidos tormentosos en su interior; aunque la contradicción máxima, el shock de sentido, se da en la obra de Michel de Broin, en la que el agua brota del interior de un enchufe de la pared, una paradoja extrema, una metáfora límite del conflicto y el riesgo al poner en relación agua y electricidad.

Estos artistas se han puesto manos a la obra, porque saben, tal como afirmaba Bartomeu Marí, en la presentación de las nuevas incorporaciones a la colección del Macba, que no hay arte sin materia.

 

 Fuite
Michel de Broin
Tubo, rejilla, bomba y enchufe
Medidas variables
2009

 Dead Star
Michel de Broin
Pilas, uretano y poliestireno
59 x 35 x 33 cm
2008

Nowhere 2
BGL
Fotografía color
90 x 60 cm
Edición de 7
2009

 She Dreams in Tree Spirits
Ed Pien
Tinta sobre papel Shoji recortado
144.5 x 194 cm
2009

 Court métrage I
Jérôme Fortin
Papel reciclado
64 x 85 cm
2009

 Autoportrait
Jérôme Fortin
Papel reciclado y bambú
Dimensiones variables
2007

Escultura amb perxell
BGL
Contrachapado, árbol, vinilo y ventilador
Dimensiones variables
2009.

 

CÔCLEA X JB / S.T : RECORDANDO A JORDI BENITO

jesusmc | 15 Julio, 2009 08:58

CÔCLEA  X  JB / S.T  : RECORDANDO A  JORDI BENITO:.

                                         

 

Al atardecer la nave visiosónica  Côcleaica se encontraba asentada sobre un campo de tallos de cebada recién cortados. Si se observaba con atención se podían ver, en medio de numerosos amigos y conocidos, a dos de los seres que habitan ese singular artefacto: Clara Garí  y José Manuel Berenguer . Ellos generan energía proteica por sus cuatros costados. Si alguien pretende seguir sus pasos es imposible. La aceleración es máxima, sus actividades se superponen las unas sobre las otras. Andan sobre nubes de electrones acústicos de máxima potencia y eficacia. El caos y el orden se suceden en intervalos mínimos y  son capaces de proponer un recuerdo a Jordi Benito( X  JB ) junto al inicio de su XVII Festival de Música 13 ( S.T) una propuesta hipercosmopolita en  medio del Empordà. Mientras, aun con luz , dos estelas de humo de avión dibujaban una X en el cielo.

   El verano pasado, pude ver, en La Laboral de Gijón, la obra-instalación de J.M.Berenguer llamada “Lucie”. Una nube de pequeños destellos electrónicos que creaban una galaxia al alcance de la mano. La primera inspiración para esta obra  la encontró en el Amazonas, donde pudo observar como las luciérnagas creaban un maravilloso espectáculo lumínico-sonoro.(ver vídeo).

 Creo que dentro de la cosmología creativa de estos dos seres lo más próximo y lo más lejano coinciden en idéntico plano, pero sobre todo, como sucede con “Lucie”, lo que hacen es tejer una maraña hipermultiplicada donde infinidad de micro puntos acaban teniendo relación  entre si formando una gran metáfora del todo. Eso es Côclea.

 Ese hipervínculo energizante y caracolado, permitió, en una noche de privilegio, la coincidencia de personas haciendo música, audiovisuales, danza, poesía y acciones, tales como: Olivia Silver, Carles Hac Mor, Antoni  Mercadé, Lluisa Climent, Manel Guerrero, Teresa, Joan Pueyo, Agustí Fernandez, Mariona Sagarra, Benet Rosell,Vicenç Viaplana, Rosa Queralt, Josep Parera, Vicenç Altaió i Joaquim Pibernat  o Francesca Llopis entre otros compartiendo homenaje y plato de cena  con total naturalidad. La música avanzada de Agusti Fernandez, compartía lugar con un “blues” cantado “a capella” por Clara Gari. Olivia tocaba por primera vez sus canciones  en un piano de cola Steinway, cuando llegó Evru estaba saliendo una luna esplendorosa. Y Joaquim Pibernat hacía el segundo poema visual de toda su vida. Como  se leía en la web de Côclea, se trataba de participar de cualquier manera pero con alguna excepción : ”Podeis participar con lo que se quiera La participación está abierta a todos y a hacer cada cual lo que considere oportuno: danza, performance, música, poesía, prosa, canto, vídeo, palabras…excepto con obra plástica destinada a colgar en los muros o esculturas. Las aportaciones plásticas deberán ceñirse a las posibilidades del libro blanco (se pueden insertar dibujos, pinturas, textos, collages, partituras, etc.) “

    Carles Hac Mor  de  modo ingenioso y divertido, dio nuevamente en el clavo, cuando en su intervención dijo que él mismo , había inventado unas acciones ficticias de JB que sesudos universitarios citaban como ciertas y también que Jordi Benito, no sabía nunca qué hacer: ¡que faig! Exclamaba a menudo. Y que esa era precisamente su principal virtud. La negación de la intención lo convertía en un ser imprevisible en materia artística.

    

                                                   

                                                           

Cuando marchábamos, tras dejar  nuestro recuerdo en el libro blanco que quedará abierto durante el mes de Julio, me vinieron unas imágenes confusas a partir de las  iniciales del acto: X  JB. Estas siglas me sugerían varios enigmas en  la misma X que habían dibujado los aviones en el cielo, en JB, ví las iniciales de Jordi Benito y  una botella de  whisky , también una señal masónica con el mismo nombre: JB, vi el  efecto Stormbird X JB System de uso electro acústico para DJ´S de discotecas, aunque la cima de los guiños herméticos lo consiguió el cartel que anunciaba el festival de música. Una S, un corazón con cruz o con un T que podía entenderse como S.T., sin título, esa expresión que tanto gusta  a los artistas o quizá una alusión críptica a los jesuitas que en el siglo XVI rivalizaban  en poder hermético con los rosacruces. O una simple indicación de devoción mariana al Sagrado Corazón de Jesús ¿quién lo sabe? !

Clickar a la vez con unos tres segundos de in tervalo.

 

                          

                     

EL CRITICO DE MODA

jesusmc | 30 Junio, 2009 16:42

EL CRITICO DE MODA

  

   Uno de los problemas más graves que afecta al arte contemporáneo es la tiranía epocal. Quiero decir que cada época tiene sus artistas “DE MODA”, pero también sus críticos de moda que deben aprovechar ,con  exceso de celo, la oportunidad que se les presenta. Los más despiertos saben que  es así y cuando aparece una oportunidad definitiva, la aprovechan o miran de ubicarse en el mullido sillón de alguna institución que los acoja como asesores o directivos.

    Si no es así, pasan a una segunda división artística donde reposan los que no aprovecharon su oportunidad.

    Esta tiranía que se da cada diez años aproximadamente, es justa e injusta, como todo. Es justa, en el sentido en que los jóvenes críticos saben captar, con antenas privilegiadas, lo que le sucede a la sociedad en un momento determinado. Lo que acontece, lo que está en el aire. Frecuentan grupos de influencia, asisten a fiestas y aquelarres en donde se habla de unos y se ningunea a otros y sobre todo tiene la ilusión de que ellos podrán cambiar todo aquello que les parece. Son los “protas”.

     Y es injusta, porque el crítico que lo es por auténtico afecto al arte, tiene una curiosidad sobre la causa del arte que no caduca nunca. Eso le lleva a estar presente en todos los eventos que crea conveniente para seguir alimentando la llama.

   

    En este sentido, creo que existen unos prejuicios en nuestro entorno que quema críticos y artistas con una inusitada combustibilidad. En el contexto anglosajón y más concreto norteamericano esto no es así. La crítica y la opinión se van considerando más y más con los años, solo es importante la calidad o el acierto de un comentario u otro.

  

     Acercando el ascua a mi sardina, diré que yo también  tuve mi  década prodigiosa, mi edad de oro pero en el fondo, lo que pretendo es aproximarse al arte contemporáneo con la discreción del que no acepta esa dictadura epocal.

      Para acabar,  no pondré nombres del mundo del arte, sino de la música popular , de la música de mi época y diría que estoy muy cerca de aquellos  que como: Arthur Russel, Daniel Johnston, Brian Eno, Jonathan Richman, Shannon Wright o John Martyn no son tan conocidos como U2, pero su calidad, introspección musical y acierto  no necesita de espectaculares golpes de bombo y platillo ,gustan a unos pocos y solo han caducado con su muerte o su locura.  

  

  

 

 

Ilustro este comentario con unos videos en los que aparecen Simon Marchan Fiz, Santiago Amón,Andrés Trapiello y Santos Amestoy afamados críticos de finales de la década de los años setenta presentados por la crítica de arte Paloma Chamorro.

Otro video con un cambio de look espectacular de la misma crítica en el programa de TVE “ La edad de oro” (1983-1985),  sirvió de para mostrar al público las últimas tendencias en música y arte de los primeros años ochenta en España. Treinta años después, aun se recuerda sus pelos transgresores y punteros y la fuerte influencia musical y artística en la “movida” madrileña.

   El tercero presenta una Paloma con pelo recogido y más sensata, su último trabajo público fue sobre Goya.

 

 

                  

 

 

 

 

 

 

 

                     

 

 

 

 

 

                     

ACCNEO EN LOOP

jesusmc | 18 Junio, 2009 21:44

   

De las muchas referencias que se podrían poner del reciente festival  Loop 2009 en Barcelona he escogido la instalación ”deaf struggle” que realizó el grupo incívico ACCNEO en el espacio SETBA. Se puede ver en  www.accneo.com .Allí tambien estan colgados los trabajos preparatorios en “La Fábrica”. Podemos ver como crean las miniaturizaciones de los dos miembros del equipo, unos personajes "virtuoreales" y  superincivics que aparecen en más de dieciocho micro videos colgados en Youtube. Una sensibilidad mito-galáctica que los emparenta con la tradición barcelonesa de los trabajos   del v ideo artista Joan Pueyo o del celebrado Marcel.li Antunez.


 

 

 

 

                               

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                               

 

 

 

 

                                   

BODA ENTRE "AIXONOESPANIC" Y "REACTABLE" EN EL ELECTRIC

jesusmc | 18 Junio, 2009 18:27

BODA ENTRE “AIXONOESPANIC “ Y  “REACTABLE” EN EL ELECTRIC     

 Ayer por la noche asistí a una boda anunciada. Me encontré con Lourdes y me comentó que en el “Electric” se iba a celebrar un evento secreto, una boda furtiva entre la música del grupo “aixonoéspanic” y el  “reactable” ,ese ingenioso invento lumínico-sonoro desarrollado por el grupo de tecnología musical de la UPF. Cervecita en mano me dispuse a ser arrollado por la locomotora sónica que suma el clarinete eléctrico de Victor Nubla, el bajo  ingenierizado de Albert Guitart y la bateria “a pelo” de Quicu Samsó. Todo era una amalgama de música sintetizada, emociones eléctricas que dialogaban  con el aire percusivo y analógico lanzado desde los parches de la batería y los címbalos de Q.S.

En la primera parte, el invitado tuvo un claro protagonismo en el climax de libertad e improvisación que suelen exigir los  músicos contemporáneos.  

 

   La Reactable es un instrumento musical electrónico, una especie de mesa redonda para celebrar una “Güija”  sonica en la que el músico llevado por espíritus desconocidos mueve las fichas de diferentes tamaños por la superficie de la mesa iluminada. Marca trayectorias sobre el círculo y cada decisión de los espíritus convocados crea movimientos, genera  sonidos y distorsiones muy sugerentes. En el entreacto una chica quería mirar lo que había tras el faldón que cubre la mesa, seguramente con el ánimo de descubrir la trampa, con la intención de demostrar que allí no había convocatoria de espíritus sino algún artilugio que era la causa de aquellos sonidos extraños.

 

       El invento del Reactable lleva la firma de Sergi Jordà, Marcos Alonso, Günter Geiger y Martin Kaltenbrunner. En esta ocasión no pude saber quien era el interprete, supongo que Sergi Jordá que es uno de los miembros más activos del grupo Reactable, aunque, bien mirado, podían haber estado los cuatro o más porque este “instrumento” esta pensado para poder intervenir de modo colectivo.

     El encuentro de un clarinete eléctrico con una mesa de distorsión de sonidos, junto al bajo y la bateria  creaban una atmósfera muy densa que añadido al calor sofocante de la pequeña “sala” del Electric me hacían estar flotando en una nube tóxica y feliz. De hecho fue la primera boda a la que asisto en la que  en lugar de comer y engordar,  perdí unos gramos de peso por deshidratación. Y eso es raro. ¡Viva los novios!   

 

                                                            LA NOVIA

 

 

                  

               

                                      EL NOVIO

              

                

ORIOL VILAPUIG: ARTE Y ENSAYO

jesusmc | 05 Junio, 2009 06:43

                                                       

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia. Nº 363 .3 de Junio 2009

      

                                                      

 

 

                   

ARTE Y ENSAYO

 

Oriol Vilapuig (1964) trabaja desde hace tiempo bajo la influencia filosófica de Michel de Montaigne y por ello ha titulado su actual exposición con el nombre de las famosas reflexiones de este filósofo escéptico: "Essais".

      Los "ensayos" son aproximaciones que permiten la equivocación, la experimentación ,el extravío y la duda. Esta palabra alude al legítimo camino de búsquedas provisionales que lleva a cabo este artista inquieto, también menciona al dibujo con lápiz o tinta que siempre tienen algo de prueba circunstancial, de ensayo efímero.

      La contradicción, la duda, las tímidas afirmaciones y el escepticismo son algunos de los valores de la obra y de la actitud de Montaigne, pero, también, son cualidades de la obra de Oriol Vilapuig.

      Su trazo infantil le permite argumentar a favor de la espontaneidad frente al trazo adiestrado de la mano adulta y ,tal como hacen los niños y Montaigne, puede negar y afirmar a la vez: asumir todas las contradicciones. De mirada traviesa, discreta y algo melancólica, Oriol, se mueve entre una aparente mente ingenua y desinformada y la perspicacia del máximo refinamiento intelectual. En su imaginario conviven Artaud con Catherine Zeta-Jones, Dreyer con Kafka o Búster Keaton con Goethe.

    Desde su posición de artista se suma a aquellos que, como el diseñador Milton Glaser, creen que dibujar es una manera de ejercer el pensamiento. Una especie de reflexión activa situada en la punta del lápiz. (Drawing is thinking.2oo8)

    Siempre he mantenido y escrito que Oriol Vilapuig es radicalmente fenomenológico, que su fe icónica le lleva a querer visualizarlo todo, incluso sus lecturas. Ilustra la palabra con la imagen y trata con igual sensibilidad la letra como la imagen y a través del ejercicio del oficio artístico obliga al espectador a ver y a leer. La mirada culta y académica del espectador queda desarmada y se vuelve dionisíaca e infantil, se llena de ímpetu, fuerza vital, arrebato impulsivo, instintiva y algo orgiástica.

    Con su mano, los aforismos de Zürau de Kafka se convierten en unas líneas borrosas sobre fondo negro. Un mapamundi perfectamente cartografiado esta garabateado con el garabato vigoroso e instintivo de un niño. La imagen de un mártir cristiano es revivida a la manera románica en el siglo XXI y recoge la idea de Tarkovski del vínculo entre pasado y presente. La citación a Aby Warburg y su "Atlas Mnemosyne", le permite coleccionar imágenes a manera de memoria cultural y tal como hacía Warburg con su archivo general de imágenes, justifica vínculos, establece asociaciones inverosímiles entre los dibujos que son muy diferentes entre ellos.

 

    Sea por Bergman o por Montaigne hay un pesimismo latente en su trabajo y en él, sobrevuela la noción de que no hay nada permanente, un elogio a la provisionalidad de todo aquello que consideramos como fijo e inamovible. Oriol Vilapuig utiliza la estrategia del pensamiento inconcluso, todo se mueve en su obra y sus dibujos tienen la categoría del óleo sobre lino pero con la modestia del que sabe que en el arte y en la vida todo es frágil: un ensayo perpetuo.

 

RAMON HERREROS:STUPOR MUNDI

jesusmc | 27 Mayo, 2009 10:56

 

 El encaje de los tiempos-7

Ramón Herreros: “Stupor Mundi”.

 

  La última exposición de Ramón Herreros se llama:”El encaje de los tiempos”. Una vez más, ha hecho honor a su derecho de artista , es decir, a la capacidad de buscar y encontrar, de equivocarse o seguir.

En esta exposición ha ido aun más allá de lo que nadie podía imaginar; ha reconciliado dos tiempos, el primero que todo el mundo recuerda con nostalgia y alabanza, dominado por una abstracción poética y geometrizante de hace dieciséis años, y el segundo, en la que la figura del árbol y la mujer se convierten en arquetipos simbólicos. El pintor ha hecho un largo periplo en el que partiendo de la abstracción, ha derivado a la figuración, apelando al derecho del artista a hacer lo que le de la gana. Ahora,Ramón Herreros ha encajado tiempos en el momento conveniente y ha vuelto a crear un “stupor mundi”. Nos ha vuelto a sorprender.

  

   La expresión “ estupor del mundo” es una expresión que se utiliza para nombrar al emperador Federico II Hohenstaufen (1194-1250) personaje de carácter excéntrico, heterodoxo y extraordinariamente culto para su época.

  

La fascinación de Ramón Herreros por este personaje le llevó a visitar su tumba en Palermo y dedicarle una de sus obras de la antigua época y también de la nueva que se llama Jesi (1993-2009) y que aquí reproducimos. La citación culta no extraña en este artista que no limita sus intereses intelectuales a la pintura, como a demostrado a través de la edición de la revista Arc Voltaic y que siempre ha estado rodeado de amigos cultos que celebran, se interesan o cuestionan sus hallazgos.

  

    En la actual exposición nos muestra nueve obras, en las que la mujer-modelo comparte el espacio con formas-modelo. Un reencuentro en el que la síntesis permite ver a la figura como abstracción y a la abstracción como figura. En ambos casos nos encontramos ante modelos .La mujer está aquí posando en lo que podría llamarse “arquetipos posicionales” es decir una forma de recogerse sobre si misma en cuclillas o en mirar hacia el suelo de modo ensimismado, en inclinar melancólicamente la cabeza, en tocarse un pie o en acariciarse el pelo. Estas mujeres calladas son tan herméticas como las propias formas abstractas que las acompañan. Este momento de síntesis, es el auténtico encuentro entre figura y forma. Entre forma y símbolo. Este artista ha convertido a la mujer en una portadora de secretos y silencios, la ha convertido en la depositaría de un secreto que a través de una reservada “anunciación” conoce algo que no revela. Algo que se guarda y calla.

 

   Con igual reverencia, representa dos octógonos  irregulares unidos en uno de sus vértices de un azul magnífico. Los perfiles crean límites precisos y diáfanos, los colores bien escogidos crean belleza y una luminosidad extraordinaria para tratar, tanto en la figura como en la abstracción, temas muy oscuros de alta significación simbólica. 

RAMON HERREROS : EL LUGAR DE LA FELIZ LLEGADA 

En Enero del 2008 , Ramón Herrero hizo una exposición en la René Metrás en la que presentaba una serie de ocho cuadros con el título de :EL LUGAR DE LA FELIZ LLEGADA.Como se puede suponer , de inmediato pensé en el reposo, en el encuentro con la felicidad última, el regreso a un lugar celeste y definitivo y sobre todo en LOS CAMBIOS. En un magnífico texto de tono personal y reflexivo, Ramón Herreros  reconocía que el estado anímico que los había generado, no era un estado de alegría sino que, dice : " está mucho más cerca de una reflexión sobre la muerte. La muerte como misterio último, no dramática, más bien serena y conectada con un desconocido intuido de un modo esperanzado".El título alude a la traducción del término griego Eleusis, como : El lugar de la feliz llegada".  

     Ramón Herreros ha cogido el lado femenino del misterio Eleusino, ha hecho aparecer unos cuerpos de mujer junto a unos elementos, atributos que dialogan con la figura y que según el mismo artista reconoce, contienen misterios estremecedores que le han hecho cambiar la comprensión de muchas cosas. La mujer aparece aquí, como en la ciudad de Silvia de José Luis Guerin, como la portadora del secreto inalcanzable.     Sobre Ramón Herreros se han escrito muchos textos interesantes: Antoni Marí, Jorge Wagensberg, Eugenio Trias y sobre todo los hermanos Felix  y  Jordi Ibáñez Fanés.

 

Cada uno de ellos, a su manera, se han acercado a la obra de Ramón Herreros.Pero, sobre todos ellos, siempre recuerdo lo que escribió Félix Ibáñez Fanés sobre Ramón, cuando éste se encontraba en el apogeo de su etapa abstracta para un catálogo de la Galería Alejandro Sales, en ese momento nadie dudaba de la calidad y la belleza abstracta de la obra de Herreros y Félix escribió un comentario magnífico  frente a la tela :"Le Lion Vert" en el Otoño de 1988.Un texto con clave literaria  que acababa de un modo inesperado:  Dos amigos se encuentran después de mucho tiempo, pasean por la ciudad, un grupo de titiriteros danzan y bailan, de repente uno de ellos se dirige a una mujer del grupo y le da dos fuertes puñetazos, ante la sorpresa de todos, los espectadores y los dos amigos se van, continúan su paseo y más tarde los vuelven a encontrar, comiendo en una taberna, uno de los dos amigos, no puede evitar su rabia cuando vuelve a encontrarse ante el autor de la agresión y sin poderlo evitar, señalándole con el dedo amenazante, le pregunta: ¿Por qué le has pegado? A lo que el titiritero, de un modo sorprendentemente culto, contesta: el entorno se mueve, nosotros permanecemos quietos, ¿el que no nos movamos, el que continuemos siendo los mismos, significa que es eso lo que queremos o es que, quizás, no somos capaces de ser de otra  manera? No tener respuesta para esta pregunta me saca de quicio ¿y por eso has pegado a la mujer? El hombre se encogió de hombros y dijo: "A veces  me parece que ella tiene la respuesta y no quiere dármela".

Esta terrible reflexión sobre el secreto que posee la mujer sobre la naturaleza de la permanencia y el cambio cobró rabiosa actualidad, cuando unos ocho años más tarde, hacia 1995 Ramón Herreros dió un giro inesperado que sorprendió a todos los amigos  que asistimos , en su estudio de Horta, a la nueva deriva de su acción artística: la aparente sustitución de una gramática de formas abstractas, ya asumidas totalmente por el artista, hacia una nueva figuración en la que las claves simbólicas sustituían al poder de la forma fue una sorpresa mayúscula para todos. Yo incluso pensé que  era una broma inteligente. No era así, el camino iniciado por Ramón Herreros era deliberado y honesto, aunque no fuera del agrado de todos. El autor es soberano y decide en cada momento lo conveniente.

 

 

 

 

 

 

 

                                                

                        El punto inmóvil(tres telas 195x130) O/s/T 1996.

            

       

            

                        

                       La Montaña Invertida (97x162) O/s/T.1996   

En esta nueva etapa, como si un hilo invisible uniera las dos épocas, hizo una exposición doble en la Galeria Senda y Rene Metrás, en el catálogo escribía Jordi Ibáñez Fanés , hermano menor del ya citado. El texto se llamó "El Punto Inmóvil" que era el título de un tríptico que Ramón Herreros presentaba en esa exposición. Los principales argumentos los cifraba en torno a las dos obras que he reproducido: "La Montaña Invertida" y "El Punto inmóvil" .Los argumentos de Felix Ibañez eran crípticos, literarios y daban en el centro de la cuestión. Los de Jordi Ibáñez, recogían el tema , donde su hermano lo había dejado, y se hacía una especie de cesión del testigo en una carrera de relevos. Los argumentos de Jordi Ibáñez Fanés no eran herméticos, sino que se construían sobre un autor hermético, que no es lo mismo, se construían sobre el libro de René Guénon: Símbolos Fundamentales de la Ciencia Sagrada. El sentido axial de la montaña invertida, los árboles, los corazones y las mujeres.

 

 

 

 

He aquí el prodigio, mientras la etapa abstracta generaba discursos crípticos, del hermano oscuro, la nueva etapa  aparentemente críptica descubría símbolos explícitos de diccionario hermético del hermano claro. Entre ambos, el artista escribe en su última exposición una imagen extraordinaria, dice: "Ahora yo también he pasado a ser un espectador más de mi propia obra. Como les sucede a algunos animales, para los que en un preciso  instante sus hijos dejan de serlo y pasan a convertirse en otros animales, así sucede con mi trabajo. Sin saber porqué en determinado momento mis cuadros dejan de ser mis cuadros." La extrañeza, la perplejidad ante la naturaleza de lo cambiante crea desasosiego y un agobio invisible y falso, actúa sobre aquellos que creen que debiendo cambiar no lo hacen.Creo que una de las claves del conocimiento consiste en comprender la auténtica naturaleza del libro de los cambios y como estos se producen de un modo suave e involuntario, se producen cuando debe ser, pasando a ser espectadores de nuestros propios eventos y derivas. 

CHEMA COBO EN MIGUEL MARCOS

jesusmc | 19 Mayo, 2009 20:43

 

 

 

 

 

 

Artículo publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia.Nº 360 13 Mayo 2009

 

 

 

 

 

                 

 

 

 

 

Chema Cobo:  la desaparición del color.

   

El MNCRS revisará ,  de  junio a septiembre de este mismo año, el movimiento pictórico de la Nueva Figuración de los años ochenta  con una exposición  comisariada por el crítico Quico Rivas   con el polémico titulo de “Los Esquizos”: Alcolea, Franco,  Pérez Villalta, Pérez Mínguez ,Quejido,  Martín Begué, Molero , Albacete ,  Gordillo y Chema Cobo.  Este título alude al mote que les pusieron los artistas abstractos del grupo Trama (Broto,Grau,Tena,Rubio) en Barcelona. Ambos grupos leían el “Tel Quel” y apostaban por la pintura; los de Madrid con un peculiar uso de imágenes eclécticas , la pincelada abierta y el color; los de Barcelona  con la austeridad abstracta de un monje franciscano,  la ideológia de un maoísta y la seriedad de un psicoanalista. Por cierto que Trama también tienen pendiente un reconocimiento institucional.

          El gaditano Chema Cobo, se encontraba entre los principales representantes de ese Madrid neo-figurativo,  sus cuadros eran un puro manifiesto pictórico de la movida culta y  posmoderna. Desde entonces su obra se ha caracterizado por los planos superpuestos, el zig-zag,los laberintos, espejos, senderos, objetos convertidos en palabras de un lenguaje jeroglífico y  colores acrílicos e intensos.

          Ahora, expone una serie de obras dominadas por una decoloración absoluta, en la que la pintura o mejor dicho el color  postula su desaparición. No como género pues la pintura sigue muy viva, sino que en estos cuadros, el color se ha hecho “duchampianamente” infra-leve como el polvo o el vapor y se ha convertido en grisalla con diferentes tonos de gris, blanco y negro.

 

       El uso del óleo crea una atmósfera de ligereza y misterio en el que las pinceladas parecen recoger el temblor de algo que esta aconteciendo. Su obra ha derivado hacia un esencialismo pictórico que lo aproxima al sueño abstracto o a la bruma. Se ha constatado un progresivo despojamiento de la acumulación barroco-manierista que ya se intuía en algunas obras de exposiciones anteriores, para derivar a unas imágenes concretas , absolutas que ocupan la totalidad de la tela y casi siempre enfatizan el re-encuadre poniendo un sutil límite a la imagen, justo antes de llegar al final de la superficie de la tela, tal como sucede con el cuadro “The Doors of Heaven”, 200 x 250 cm. (Arco2009)el perímetro, el reencuadre  convierte la imagen en una mención fotográfica, ese margen blanquecino también es pintura al óleo y la re-enmarca, alude al tiempo, al sueño o al recuerdo.

 

       Cobo trata en este cuadro, uno de los grandes iconos de lo que fue la Nueva Pintura Posmoderna.  Me refiero al conocido  fresco del Manierista Giulio Romano en el  “Palazzo del Tè” y en el que se ve el derrumbe de las columnas de un templo que se interpretó en los “ochenta”, como el tránsito de la seguridad y certidumbre de las ideologías fuertes a una etapa nueva hecha de movilidad , cambio y alegría. Este tema vuelve hoy a la palestra, ahora ya no hay diversión, sino una nueva premonición del momento actual, augurando zozobras y temores: el color ha desaparecido.

 

INAUGURACION DE LA EXPOSICION LOS ESQUIZOS EN CENTRO REINA SOFIA

                  

   

ESTER PARTEGÀS:EL EFECTO REBABA.EN GAL.NOGUERAS BLANCHARD

jesusmc | 04 Mayo, 2009 11:29

           

 

  

Artículo publicado el 29 de Abril 2009  en el Nº 358 de  Cultura´s de LaVanguardia de Barcelona. 

ESTER PARTEGÀS:  EL EFECTO REBABA. 

 

          Un austero  cartón gris oscuro en el que tan solo aparece  la palabra:”Rebaba”, el nombre de la artista, y poca cosa más, anuncia una nueva  presencia en Barcelona de Ester Partegàs (1972)

 

          La economía  estética en la tarjeta de presentación domina en toda la exposición.Vemos una   nueva versión de  su escultura árbol Eclipse del 2007, que empezó siendo de color y ahora está carbonizado y del que penden  unas bolsitas de té usadas. Una estructura de madera  enmarca  y delimita el espacio en una de las esquinas de la galería, formada por una video- instalación y  unos metacrilatos pintados. Todo  confirma que   Ester Partegàs, nos vuelve a proponer unas cuestiones que ya aparecen en obras anteriores como: “Yo Recuerdo” (2003) , “Civilisation is overrated”(2004) en las que  mostró una clara  preocupación hacia el exceso de consumo y  la Fisura que hemos creado entre naturaleza y artificio.

 

           Al lector, le puede sorprender  la contradicción de que  Partegás ,queriendo hacer una exaltación de la naturaleza, utilice para su trabajo, los materiales más emblemáticos de la sociedad industrial, los más contaminantes : vinilos , acetatos , polyestirenos, esmaltes ,sprays, pigmentos de impresoras o metacrilatos. Pero aquí, reside la propuesta de la artista que nos propone  que aceptemos la contradicción en la que vivimos: por un lado, el reconocimiento de esa Fisura que nos separa dramáticamente del entorno que   maltratamos y por otro, la urgencia de valorar los residuos que genera la vida cotidiana , los excedentes de  todo lo que necesitamos para vivir.

 

           Para salvar esta contradicción, nos propone que junto a la revisión del modo en que vivimos,  aceptemos  aquello que nos perturba y le demos un  valor; debemos otorgar categoría estética a todo lo que poluciona y oscurece  nuestra vida  y ello crea el efecto Rebaba.

 

           La Rebaba alude a algo que ha sido valioso y que después se mezcla con otras cosas que, aparentemente no lo son. Así, crean Rebabas la madera al cortarla, los ladrillos al adherirlos o el oro de los orfebres al limarlos, son los restos, que hay que filtrar, depurar para recogerlos  y  volverlos a utilizar. Esa es la estética de la Rebaba, la belleza que se encuentra en los colores de los residuos pintados con rojos, negros y azules sobre metacrilato, o  en una charca putrefacta en la que se refleja una paloma al vuelo, (vídeo Fantasma 2009).

            Ester Partegàs demuestra la  infinidad de objetos superfluos que se imponen sobre lo necesario. Con nuestra impertinente ambición de conquistadores urbanos , despreciamos los valores de lo menor, de lo sencillo y  próximo. No nos  damos cuenta,  de que en el horror que hemos producido, en lo pobre ,quedan destellos de belleza ejemplar, como  cuando alguien  confecciona un vestido con los restos de las ropas de los cadáveres que se queman en el Ganges, cerca de donde bueyes y personas, liban con agua turbia sus cuerpos y sus almas.    

ARTE Y TERAPIA

jesusmc | 09 Abril, 2009 07:42

 

Artículo Publicado en el suplemento Cultura´s de La Vanguardia Nº 354   1 de Abril 2009 

Arte y transformación

JESÚS MARTÍNEZ-CLARÀ

Cuando el poeta H. W. von Kleist y Henriette Vogel se suicidaron el 21 de noviembre de 1811 en un pinar, junto a un lago cerca de Postdam, se pusieron los cimientos del arte contemporáneo.

 Se inauguraba un modo de entender el arte que nada tenía que ver con el pasado. Nunca nadie, hasta la llegada a la escena del movimiento romántico, había convertido la desdicha y la desgracia individual en motores del arte. No fue un momento, ni un episodio, fue la apertura hacia el sentimiento interior, la lamentación y la melancolía. De ese baúl recién abierto por los dos amantes, salió lo más doloroso de la condición humana y, desde entonces, no puede existir la noción de arte sin que aparezcan los conflictos en torno al conocimiento de todo lo que nos perturba: la identidad, el cuerpo, la forma, el amor o la muerte.  Desde hace 200 años hemos oído hablar de esteticismo y decadentismo en el siglo XIX, de pesimismo existencialista en el XX, de la crítica freudiana que pronunció su profecía sobre el malestar y las pulsiones íntimas, hemos atendido a los corrosivos augurios nihilistas de Cioran. Más recientemente, Harald Szeeman, en la Fundació Miró (2004), propuso el dilema: La belleza del fracaso... el fracaso de la belleza,muestra en la que hizo fortuna la frase del artista croata Jokanovic: "Si buscas el infierno pregunta al artista dónde está...".

 

 

 En estos últimos años, se ha llegado al cenit del progreso postindustrial, a la cima de la complejidad conceptual y, sin embargo, casi sin darnos cuenta, la revolución cibernética convive con el dolor y la crisis; hoy, ya no se habla de la tan anunciada muerte del arte, sino de la muerte en el arte. Es indudable que los artistas son seres lúcidos que de un modo privilegiado captan los sutiles indicios del malestar, tal como se afirma en un momento de la película de Scorsese sobre el genio de Minnesota: "La poesía de Bob Dylan nace de una dolorosa conciencia de la tragedia que subyace en la condición humana contemporánea".

 

 Cuando el arte se emancipó de su función mimética o ideológica, los artistas encontraron su auténtica naturaleza, se recuperó la figura del artista tal como había sido en el principio, es decir, como alguien que poseía claves sobre la existencia y un extraño poder. Desde las lejanas acciones dadaístas de Duchamp pasando por las performances del grupo Fluxus o por Joseph Beuys, nos hemos encontrado con unos modelos de artistas que la crítica de arte no ha dudado en calificar de chamánicos y ha empezado a plantearse que estaba ante un fenómeno nuevo que no aceptaba las sofisticadas estrategias del pensamiento lógico.

  Las obras de Antoni Tàpies, Evru y Gabriel, aun siendo muy diferentes entre ellas, poseen la intuición como valor, un instinto que actúa siempre sobre algo que les sucede y nos afecta. Un don augural que periódicamente los lleva a exponer al mundo sus hallazgos sobre cualquier aspecto de la vida que invocan con nombres, palabras y gestos formales enigmáticos, ejecutados con precisión. El arte contemporáneo se funda sobre el dolor, pero, a su vez, posee el antídoto eficaz que se encuentra en su propia práctica, augura renovación y felicidad.

 

 Hay algo común a los tres citadosy es que ninguno de ellos discrimina ente la inteligencia formal y la inteligencia conceptual,ahí se encuentra parte del remedio de sus obras, porque han sabido encontrar la expresión correcta, una concordancia exacta entre instrumento y fin que multiplica el efecto, además conocen la manera adecuada de hacer inmanente lo trascendente. Sus caminos no se detienen en la mera contemplación quietista, sino en un modo de vivir esforzado, austero, que les permite una actividad constante para hacer visibles sus intuiciones. El artista hace, resuelve, toma decisiones, yeso le da fuerza para resistir.  

 

 

En el caso de Tàpies su palabra plástica, su intuición creativa, confirman la ilusión que ha tenido siempre: ser útil a la sociedad y a las personas. Tàpies, con su actitud y con su obra, nos ofrece señales que, si se saben interpretar, se convierten en guías ejemplares de comportamiento. El esfuerzo y la voluntad es algo común a los buenos artistas, pero es especialmente relevante en alguien que a su edad manifiesta una vitalidad constante, la voluntad de continuar en el camino como el que tiene algo que quiere compartir o una misión que cumplir. Tàpies reconoce que quiere hacer un arte útil en una etapa de su vida en la que él mismo dice que "está desnudo de prejuicios y con más ilusión que nunca" y que "nunca se ha sentido tan libre". En este estado de necesidad, aparece el artista como alguien capaz de actuar sobre la realidad, capaz de cambiarla y ser útil, capaz de transformar y transformarse, y por qué no, incluso de curar.  

 

 

Evru, con sus tres mutaciones en vida, Porta / Zush / Evru, se ha propuesto algo así y nos anuncia desde su instalación interactiva en la Fundació Suñol (2009) que el arte "te cura". El escultor Gabriel, por su parte, va más allá del pensamiento dominador de la razón de especie; la publicación de su libro Ultra la forma autárquica (2003) fue un hito en el que demostró que hay que superar el significado convencional del arte, más allá del pensamiento común, buscando siempre efectos y transformaciones profundas. La vigilia y la concentración son estados previos a la creación, una liturgia personal que les permite una máxima y atenta concentración que también aplican a su modo de vivir. Tàpies, el mayor de los tres, vuelve a ser útil, vuelve a ser un modelo y nos enseña que, con la misma actitud de naturalidad que tenemos ante la aparición de una nueva vida, debemos celebrar su inevitable ausencia, que todo es efímero y que es posible la transformación a través del arte.         

BAYRLE.MEIRELES.RABASCALL:LA I.F EN EL MACBA

jesusmc | 22 Marzo, 2009 19:22

 BAYRLE.MEIRELES.RABASCALL : LA INTELIGENCIA FORMAL EN EL MACBA.

    

    La triple exposición de Thomas Bayrle , Joan Rabascall  y Cildo Meireles que se está llevando a cabo en el MACBA es una buena ocasión para profundizar en una cuestión que nunca pierde actualidad, me refiero a la antigua querella entre conceptos y formas.

   La batalla más reciente de esta “querella” se produjo hace un par de años en la ciudad alemana de Kassel , cuando en la  doceava edición de la Documenta, Robert Buergel escogió a Ferrán Adrià como representante del arte español. Artistas y crítica  ardieron de ira  por esta elección y  para más "inri", el comisario argumentó que Ferran Adrià generaba celos porque: " no hay nadie en España, de esa generación, que se le pueda comparar con su nivel de inteligencia formal."

   La expresión  Inteligencia Formal despertó muchos recelos y antiguos agravios, pero , milagrosamente, la historia equilibró la balanza con  la elección de Ignasi Aballi como representante español en la Bienal de Venecia, eso supuso un triunfo de la inteligencia conceptual que ,como sabemos ,ha hecho de la documentación, la  reflexión , el archivismo y la imagen sus principales herramientas .

 

  Es muy conocida la expresión de Baudelaire de que cada tiempo tiene su gesto, su sonrisa y su mirada. La concordancia entre los artistas, críticos o pensadores con la época que les ha tocado vivir es uno de los fenómenos más inquietantes de la cultura moderna. Todos estamos sujetos a la caducidad que imponen las modas y tendencias  en el arte contemporáneo. Debido a ello hemos tenido que soportar soporíferas sesiones  escogidas por la crítica moderna en las que la obra más interesante, era  en un documento fílmico  que recogía como un palestino cruzaba el paso de Erez en Gaza para regresar luego a su domicilio, por ejemplo.

Ahora, por el vaivén de las circunstancias, hasta los críticos más reacios a considerar el poder de la forma, los surgidos del antiguo círculo de Santa Mónica  que les sentó como una patada en las ingles la elección de Adriá, ya no están en guerra y han hecho críticas respetuosas hacia la triple exposición que ha propuesto el actual director del MACBA Bartomeu Marí. Estas muestras son  el reconocimiento de que en el arte, la FORMA  Y LO INTELIGIBLE deben ir de la mano siempre. 

El equilibrio entre medios y fines, entre el tema y el sistema de ejecución de la idea, nunca debe perderse. La obra contemporánea debe mantener el “musterion” griego, el enigma que permite  una interpretación afectiva y respetuosa. Para ello, el concepto no es aislable de su producción material, se manifiesta en el acto de la realización, es decir en el momento de su epifanía, de su aparición, el momento sublime en el que la sagrada forma aparece con su poder, la debemos celebrar como un éxtasis estético.  

 

Bayrle. 

Meireles

         Rabascall

 
 
Powered by Life Type - Design by BalearWeb - Accessible and Valid XHTML 1.0 Strict and CSS