Administrar

MURAKAMI ´ S

jesusmc | 21 Marzo, 2009 19:28

 MURAKAMI ´S

    

           En cierta ocasión, estaba viendo un reportaje de la “2”  y descubrí la pesca con cormoranes en China. Los pescadores colocan a los amaestrados y resignados pájaros sobre una tabla que flota sobre las aguas del río, dan pequeños saltitos balanceando la “embarcación” mientras cantan una canción. El cormorán se lanza al agua y va sacando peces en su pico, el pescador los recoge y de vez en cuando les da a comer uno de ellos. La ceremonia me llamó la atención pero aun más, el hecho de que todos los que se dedican a este antiquísimo oficio pescador se llaman: WANG.

       En Japón, actualmente, llamarse MURAKAMI es sinónimo de creatividad. Ryu Murakami (1952) es director de cine y escritor, Haruki Murakami (1949) es escritor y  Takashi Murakami(1963) es artista plástico y muchas cosas más. En los tres los dos “kanjis” que corresponden a su apellido tienen el sentido de “pueblo y arriba”. Etimológicamente se podría decir que los tres llevan inscritos en su apellido su deriva hacia lo popular, hacia lo Pop.

    El martes pasado a las siete de la tarde, una gran cola de dragón daba varias vueltas alrededor de la biblioteca Jaume Fuster en la plaza de Lesseps. El motivo era una conversación pública entre Haruki Murakami e Isabel Coixet (Madame Wasabi).

Fui  sobrado de tiempo con la idea de que sería un encuentro íntimo entre los dos creadores y algunos amigos más porque me habían dicho que este escritor,  protegía su intimidad de modo casi patológico que era raro verle en fiestas, que no recibía premios, que no daba conferencias, ni  charlas, ni firmaba libros. Que prácticamente no concedía entrevistas, ni dejaba que lo fotografiaran, por todo eso pensé que estaríamos solos. No fue así.

Una multitud de lectores y fans del escritor se habían presentado de la cita y finalmente no pude entrar, a pesar de ir con amigos de Isabel Coixet y haber cenado con ella hacía una semana. Marché decepcionado, algo cabizbajo pero pronto encontré remedio. Empecé a pensar en este “post” para dar cauce a mi frustración, con regusto de venganza y me di cuenta que bueno, no era para tanto, que en realidad el Japón que representa Murakami no es el Japón que me interesa y que aunque parece ser que su abuelo era monje budista , él ya no era otra cosa que hijo de la ocupación americana tras la guerra y que lo suyo no era el “Wabi-Sabi”, sino los discos de jazz y su bar  "Peter Cat " en Tokio. Que lo que le gusta es vivir en Europa.Con su literatura post-posmoderna pop , humorística y  algo surrealista da “cancha” al “Manga” popero, y a todos aquellos que en lugar de decir japoneses, dicen de un modo snob “japos”.

Me sorprende la fascinación que algunos japoneses tiene por los americanos que no son otra cosa que los verdugos de su tradición y cultura, me sorprende que Art Blakey & the Jazz Messengers cumplieran  su propósito evangelizador cuando Murakami tenía dieciséis años y sus padres le regalaron una entrada para un concierto  por su cumpleaños. Fue entonces cuando USA se  presentó ante él con todo su esplendor. Desde entonces, no me sorprende que se dedique  a traducir autores americanos al japonés como F. Scott Fitzgerald, Raymond Carver o John Irving. Que le guste el béisbol o que uno de sus libros favoritos sea  “La traición de Rita Hayworth” de Manuel Puig. Que le encanten las series de televisión, las películas de terror, las novelas de detectives, la ropa de sport, las canciones pop y que busque la complacencia de los lectores.Pero lo peor es que en lugar de pasear junto a un templo rodeado de musgo, prefiera correr un triatlon.

       Takashi Murakami es el más versátil de los tres, toca varios palos, pero como sucede con su “tocayo” está  fascinado por lo “popy” de la cultura americana y los nuevos medios. Su estética es la de un niño cibernético rodeado de dulces y empalagosas chucherías.

       Sus esculturas o mejor sus figurines tienen la amabilidad de un muñeco de peluche carnívoro dispuesto a darte un “bocao” en cualquier momento.  El cómic y la cultura del anime y el manga, dominan todas sus historias y son un buen reflejo de en que lugar se encuentra la moderna vida japonesa. Por si fuera poco , a este Nipon, le gustan las setas  y “Smooth Nightmare" , con sus hongos Murakami  alude a temas de la cultura underground y psicodélica.

   Buscando un estilo no contaminado por las influencias esteticas del arte contemporáneo  occidental se ha inventado un modelo de gestión y producción como si se tratara de un reloj “Casio”.Asi la firma de Murakami produce: figuras de vinilo, juguetes de peluche, llaveros, camisetas, carteles, y  todo tipo de contaminaciones estéticas. Su estilo se llama “Superflat”, se caracteriza por colores planos e imágenes gráficas, con un estilo de carácter derivados de anime y manga.  Superflat es un estilo artístico que surge del estilo de vida y la subcultura Otaku, basados en el consumismo y el fetichismo sexual. Murakami acepta que el arte y el comercio se mezclen, y se extraña de que en Occidente exista una rígida y pretenciosa  jerarquía entre "gran arte" y “arte menor”. He leído que en mayo de 2008, "Mi Solitario Cowboy" (1998), una escultura de un niño masturbándose, se vendió por $ 15,2 millones en una subasta de Sotheby's.

     Este Murakami artista, dinamita la tradición, arrasa con los valores seculares y confirma la “empanadilla” japonesa contemporánea, en la que los jóvenes quieren redondear sus oblicuos ojos y tener pechos y penes inverosímiles y es que no puede ser bueno pasar de la edad media a Warhol, Oldenburg o Lichtenstein sin que se te atragante el sushi.

 

                                   

 

 

 

 

                                     

 

 

 

 

                          

 

 

 

                         

CAPTAIN BEEFHEART PROJECT FAST´N´BULBOUS

jesusmc | 17 Marzo, 2009 20:36

No es la primera vez que me sucede. Me llama Javier, me dice que hay un concierto que vale la pena y sin pensarlo voy. En esta ocasión se trataba de: Captain Beefheart  Project Fast 'N' Bulbous + Za.

 

Asistí al concierto, lo disfrutÉ, había poca gente y la sala Apolo se convirtió, por un par de horas, en una especie de “the knitting factory” de Nueva York. Fast 'n' Bulbous es un grupo que se ha  creado con la participación de unos músicos con talentos diversos  procedentes del mundo del  rock y del jazz contemporáneo: el guitarrista Gary Lucas,(que fue sustituido por accidente) el saxofonista/compositor Phillip Johnston (de Microscopic Septet), el bateria Richard Dworkin, el  saxo baritono  Dave Sewelson , el trombonista Joe Fieldler ,el contrabajo Jesse Krakow y el trompetista Rob Heinke .

 

En este comentario quiero destacar el interés musical de la banda Fast 'N' Bulbous y para ello he seleccionado uno de sus videos , pero sobre todo quiero hacer mención al  homenajeado “Captain Beefheart”.

 

Captain Beefheart es el pseudónimo de Don Van Vliet la quintaesencia del músico y artista “outsider” de la segunda mitad del siglo XX. Compañero de aventura musical de Frank Zappa, lideró su propio grupo llamado “Magic Band” desde los años sesenta a los ochenta, después se retiró como músico y continúo su carrera como artista, actualmente vive con salud precaria, huraño y aislado. Su influencia en la música contemporánea está fuera de toda duda. Proyectos como los de John Zorn, Marc Ribot o los propios componentes  de Fast 'N' Bulbous  le deben mucho. Una marginalidad de público y ganancias pero con devotos seguidores que se dejarían la piel por él.

 

Una mención aparte merece su trabajo pictórico que es la manifestación plástica de su música. Su pintura esta influida por los antecedentes del Expresionismo Americano: Kline, Motherwell, De Kooning ,etc, etc

 

Finalmente la música de unos y otros se compone de unas distorsiones guturales, sonoras, en las que la repetición es muy importante. Los patrones sencillos e insistentes a lo Thelonius Monk, dan paso a unas desaforadas improvisaciones en los que la guitarra eléctrica tiene un lugar de privilegio. Creo que los proyectos musicales contemporáneos como los del propio grupo “ZA” o el “Masada” de John Zorn no serian posibles sin la influencia y antecedentes de músicos como Captain Beefhearth en el rock avanzado o de la libertad absoluta del jazz de Ornette Coleman.   

                                                                                                                                                                                                                                                         

  

                             

 

 

 

 

                   

 

 

 

ver:

           http://www.dailymotion.com/video/x5ldx1_captain-beefheart-some-yoyo-stuff_music

          http://video.google.es/googleplayer.swf?

                       

                         

J.C.BRACHO:DIBUJO,TIEMPO Y SILENCIO

jesusmc | 13 Marzo, 2009 18:25

                       

                       Jesús Martínez Clarà

  

 

ARTÍCULO PUBLICADO EN EL SUPLEMENTO CULTURA´S  Nº 351 DE LAVANGUARDIA DE BARCELONA. 11 DE MARZO 2009. 

 

  

El paseante puede ver en Barcelona cuatro exposiciones en las que el dibujo recupera el terreno que le pertenece: Antony Williams en Artur Ramón, Lluis Lleó en Raiña Lupa, Jack Balas en Ego y Juan Carlos Bracho en la Galería Carles Taché . Todos ellos, de modos muy diferentes, demuestran la vigencia de un medio muy eficaz para experimentar y comprender la realidad.

 

El dibujo es un sistema de pensamiento mágico , necesita silencio y constancia  para que se produzca la taumaturgia que transforma lo real en  imagen, eso se produce en una  atmósfera de extraña concentración y con una atención majestuosa.  Viollet-Le-Duc  en 1879 utilizó la expresión latina: “Nulla dies sine linea”  y con ese lema estaba definiendo la segunda  condición del dibujante, aquella que le exige un esfuerzo diario y permanente.

  

J.C. Bracho(1970) tiene predilección por las estructuras constructivas, por el espacio y los muros. Ya lo había demostrado en trabajos anteriores:   Hangar,  Double Team”, en sus dibujos para una sala rectangular del 2003 o en sus “Quantum Continuum”.

  

 Ahora , con el título general de “Magnificent Obsession” presenta  sus dibujos sobre  grandes superficies murales , paredes maestras o muros exentos  sobre los que interviene con un instrumento minúsculo: el lápiz de grafito de diversas durezas  “hb”, o de colores luminosos escogidos al azar. De modo minucioso, va realizando ritmos oscilantes  que en ocasiones parecen registros sismográficos en un papel ,  latidos de un corazón o paisajes.

  Cuando parece que con el dibujo ya sería suficiente y que el muro está acabado después de horas de intervención laboriosa, Bracho da un paso más y registra su intervención dibujística a través de la fotografía. El dibujo en el muro desaparecerá cubierto por pintura blanca y en su lugar queda una fotografía idéntica al original y eso es lo que expone en una serie de  grandes formatos  C/Print sobre soporte de aluminio.   

Cuando el paseante  mira sus dibujos de cerca, se encuentra con la superficie resbaladiza, casi cristalina de la textura fotográfica,  no hay ningún rastro material del característico polvillo del grafito, la “pulchritudo” domina en todas ellas y  ya se sabe que eso es  sinónimo de orden y belleza.

  Bracho entierra definitivamente la dualidad estéril mantenida por los ortodoxos de ambos medios, para los que la fotografía y el dibujo nada tienen en común. Incluso  se atreve a negar a Nam June Paik cuando decía que el tubo catódico vendría a sustituir a la tela y  demuestra, con un video de cuatro horas y diecinueve minutos, en el que se le puede ver trabajando, que eso no ha sido así.

Culmina el recorrido con una obra realizada en el mismo espacio de la galería una maqueta 1:1 para una escultura que es un gran cubo de 244x244x244  absolutamente dibujado en su superficie. Este sólido platónico, cósmico y perfecto de caras regulares se llama : “Everlasting Love”, una la alusión  al amor eterno a propósito de un humilde hexaedro regular.

 

   

                     

                             Películas de mí mismo.C print 200x266

                    

                          Dibujo para un muro exento

 

                     

Everlastin Love 244x244x244.Proyecto virtual a realizado  en la Galería Carles Tache.

FERRAN GIMENEZ:OBRA PARALACTICA

jesusmc | 09 Marzo, 2009 18:44

 

             Ferran Giménez ha escogido un título complejo , pero acertado, para nombrar la  exposición que actualmente está realizando en la Escola Massana de Barcelona: PARAL.LAXI. Como le debe suceder al lector de esta crónica, cuando leí la palabra, empecé a hacer todo tipo de especulaciones interpretativas. Algunas equivocadas , otras iban por buen camino. Sabiendo de su afección a la geometría  empecé a pensar en el  paralex de ingenieros y arquitectos,  esa herramienta que utilizaban antes de la revolución digital y que sirve para trazar líneas paralelas horizontales, apoyando en él la escuadra o el cartabón o para trazar líneas paralelas verticales con múltiples grados de inclinación. También pensé en la preocupación que los fotógrafos tienen por el paralaje cuando retratan edificios o los límites de  un paisaje, buscando otras referencias incluso fui a parar a la astronomía y  encontré que es un ángulo formado por dos rectas que  se unen en el centro de un astro, una con un punto de la superficie de la tierra y el otro con un punto cualquiera, etc, etc, algo así como dos puntos de esas líneas paralelas que se juntan en el infinito.

             Esta primera incursión en el nombre nos indica varias cosas: la primera,la del  interés de este artista por la ciencia a través del rigor geométrico, las leyes ópticas e incluso la astronomía. Ante esto, uno que es de letras, lo único que puede hacer es i r a lo suyo y deducir que en esas definiciones sobre lo paraláctico lo que domina es un doble punto de vista sobre las cosas y el deseo de una unión en el infinito,  pero sobre todo, lo que me gusta es la raíz griega de la palabra paral.laxi que quiere decir literalmente :cambio.  

              Ferran Giménez inicia un cambio radical en su vida y tras un paréntesis profesional que le llevó a dejar los pinceles por lo impreso, ahora, recupera su origen y vuelve a pintar. Bueno, pintar no es la palabra más adecuada para unas obras fotográficas, pero el trasfondo de su trabajo continúa siendo el mismo que cuando utilizaba los pinceles, es decir: preocupación por los espacios estructurales de la superficie, colores extraordinariamente escogidos de gamas austeras, relevancia de los detalles, líneas perpendiculares, redes y mallas.

             Su mirada fotográfica la imprime digitalmente y la enmarca sobre bastidores  gruesos, unas impresiones de gran detalle ante las que el espectador duda “paralaxicamente” si se encuentra ante una fotografía o no. La sensación ambigua despierta en el espectador recelos que quiere contestar rápidamente, y puede pensar que hay manipulación digital, pero no, aquí no hay más que fotografía. Paral.laxi sirve tanto para definir su sistema de trabajo como para el tema escogido que, a mi modo de ver, no es otro que el cambio.

            El cambio, el desplazamiento continuo que se encuentra en la raiz de la palabra griega no lo constato solo en su recorrido personal, sino también en los sujetos  inmóviles que Ferrán Gimenez ha escogido para sus fotografías. Como un reportero bélico, este artista busca, entra, a veces con peligro de su integridad física en arquitecturas derruidas, edificios, solares próximos a su estudio en  Sants. Su fotografía se nutre de los cambios incesantes, de la destrucción que aniquila su barrio y con él, parte de su biografía y de sus recuerdos. 

 

 

                  

 

 

 

                 

 

 

  

                 

 

 

 

 

                 

 

                      

 

 

  

                       

 

 

 

                  

 

    

TADANORI YAMAGUCHI:SINTESIS EXTREMA

jesusmc | 08 Marzo, 2009 19:10

 

                

   

              

Artículo publicado en las paginas de Cultura´s  n º  350  4 de Marzo del 2009 en el periódico La Vanguardia  de Barcelona

Tadanori Yamaguchi(1970) nos muestra en LA GALERIA unas pesadas esculturas de granito negro, seis polígonos irregulares junto a veinticinco piezas ligeras de papel. En la exposición, la densa oscuridad del granito y el blanco del papel crean un evidente contraste entre fortaleza y fragilidad, entre la opacidad mineral y la luz. Las esculturas de ángulos irregulares  son formas bellas, de gran armonía pero inquietan por el desorden asimétrico de sus aristas.  

 

 Para la mirada occidental, la belleza se manifiesta en el orden, la regularidad, la búsqueda de coherencia, pero la cultura japonesa es  dada a los contrastes, a las paradojas  de lo insólito, a lo desigual. La casa del té es la morada de la asimetría y del vacío, cobija las  síntesis de opuestos: si la tetera es redonda, el recipiente para el agua será angular,  la severa geometría del espacio, siempre incorporará algún elemento natural ,desequilibrante e imperfecto.   T. Yamaguchi  confirmó su gusto por estos contrastes en la  exposición  “Blanco y Negro”(2008) en la Galería Guillermina Caicoya de Oviedo, y también cuando transformó el espacio de la capilla barroca de la Trinidad de Gijón del Museo Barjola (2007) acercando el suelo al espectador , obligándole a dirigir su mirada hacia lo cercano, pues su filosofía  le  dice  que el camino verdadero esta bajo los pies y no en la lejanía celeste.

 

  Todas estas dualidades estéticas producen una perturbación, una tensión positiva similar a la  que se encuentra en los enigmáticos  fragmentos de Heráclito , para quien : “la armonía del mundo en orden es una armonía de tensiones contrarias igual a la del  arco y su cuerda”.Yamaguchi  tiene un programa de trabajo que en  obras anteriores ha llamado: “existencias sin forma” ,  un estado abstracto, amorfo, previo a la definición concreta del objeto, unas pre-formas que no son visibles, pero si captables a través de otros sentidos como cuando el viento da en el rostro.  

Buscando una nueva dualidad me he permitido ir más allá de la presencia ensimismada , silenciosa de estas esculturas y  en  una de las obras expuestas, llamada  “Diamante Negro”(2008) ,   he reconocido similitudes con el misterioso polígono irregular del célebre grabado de Dürer  sobre La Melancolía (1514). En él hay un ángel  sentado en medio de muchas herramientas que aluden a la actividad y a la creación, pero no hace nada, tan sólo tiene la mano en la mejilla. Yamaguchi , ¿sin saberlo?, despereza al ángel melancólico  y Saturnal de Dürer , le hace dar cuenta que frente a su innata tendencia a la vaguedad nihilista y a la ausencia, se encuentra una energía activa que debe manifestarse, una forma poligonal irregular que ha sido tallada con el esfuerzo de alguien y eso supone una nueva visión integradora entre la melancolía quietista de Saturno y la actividad energética de Júpiter, un nuevo encuentro de contrarios en una síntesis extrema.

               

 

 

 

 

 

                                           

 

 

 

 

                        

JAN LAUWERS & NEEDCOMPANY EN LA LABORAL

jesusmc | 06 Marzo, 2009 20:32

  En La Laboral de Gijón se ha representado la obra Isabella´s Room, una de los espectáculos de más éxito de la compañía belga Needcompany. Me ha gustado mucho el concepto expandido de la obra de Jan Lauwers (Amberes 1957) en ella, la danza contemporánea, la música en directo, las voces, la teatralidad, los objetos y la puesta en escena convierten el espectáculo de dos horas en una auténtica “Performance”. Jan Lawers  esta considerado como uno de los creadores escénicos más importantes de la actualidad. Después de estudiar pintura en Ghent, en 1986 Lauwers funda la Needcompany compañía en la que domina la visualidad plástica y una frontera sutil entre actuar y no actuar: miradas al público, miradas entre ellos, unos  breves segundos de quietud tras la participación de cada interprete, etc.

El espectador se encuentra con los protagonistas ya en escena, les miran mientras la veterana actriz Viviane De Muynck que es Isabella presenta a los diferentes personajes de la obra. Entre otros los hemisferios izquierdo y derecho de su cerebro. Los objetos en escena son reales y auténticas maravillas antropológicas dejadas por el padre de Lawers, Felix , como herencia a su familia. La frontera entre lo verosímil y la ficción, las verdades y las mentiras están siempre presentes.

  

Nueve actores y bailarines multilingües recrean la historia de Isabella, una mujer ciega de 94 años que vive retirada en una habitación de París llena de objetos antropológicos y etnológicos. Recuerda acontecimientos, sus padres, sus maridos, sus viajes. La vida de Isabella esconde un terrible secreto y mientras no se revela el espectáculo transcurre por casi todos los principales acontecimientos  del siglo XX: de la Primera y Segunda Guerra Mundial, Hiroshima y el colonialismo, pasando por el desarrollo del arte contemporáneo con Joyce, Picasso y Huelsenbeck, los viajes a la luna y Ziggy Stardust de David Bowie. La presentación de los objetos rituales de diferentes culturas es un repaso por las emociones más básicas del ser humano: sexualidad, muerte, divinidad. En el aspecto musical no dudé  en comprar un CD con la banda sonora del espectáculo en la que sobresale el tema  “Song for Budhanton” compuesto y cantado por Hans Pether Dahl y el resto de la compañía. Un espectáculo extraordinario de dos horas sin interrupción que fue seguido y aplaudido con entusiasmo por el público asistente.

                       

Presentación Isabella´s Room 

                       

Performance  "The Porcelain Project"

ARCO 2009 Y ALREDEDORES

jesusmc | 18 Febrero, 2009 18:40

TODO PASA, VNA SOLA COSA TE SERA CONTADA Y ES TV OBRA BIEN HECHA. NOBLE ES EL QVE SE EXIGE Y HOMBRE, TAN SOLO, QVIEN CADA DIA RENVEVA SU ENTVSIASMO, SABIO, AL DESCVBRIR EL ORDEN DEL MVNDO, QUE INCLVYE LA IRONIA. PADRE ES EL RESPONSABLE, Y PATRICIA MISION DE SERVICIO LA POLITICA. DEBE SER CATOLICA, QVE ES DECIR, VNIVERSAL, APOSTOLICA, ES DECIR ESCOGIDA, ROMANA ES DECIR, VNA. VNA TAMBIEN LA CVLTVRA, ESTADO LIBRE DE SOLIDARIDAD EN EL ESPACIO Y CONTINVIDAD EN EL TIEMPO QVE TODO LO QVE NO ES TRADICION ES PLAGIO. PECA LA NATVRALEZA, SON ENFERMIZOS OCIO Y SOLEDAD QVE CADA CVAL CVLTIVE LO QVE DE ANGELICO LE AGRACIA, EN AMISTAD Y DIALOGO.

 

EUGENI D´ORS.  Monumento en Pº del Prado.

Arco                                                           Hirst en Ivory Press

 

Fiesta en Le Cock                                       Caixa

 

   

 Indian Food                                             Carne de Dijkstra en  La Fábrica

 

                         

Ivory Press                                                                         Foster/Ochoa

 

Cow Art                                                     Casa Encendida

 

  

India Arco                                                  Rineke Dijkstra

 

                 

 La Fábrica                                                                                         Bacon

 

 

 

 

 

                   Sombra

 

 

                                    

                                      Nuevos Ministerios

 

 

 

 

 

 

 

Monumento a Eugeni D´Ors en Madrid.

http://jacobalbablank.blogspot.com/

jesusmc | 18 Febrero, 2009 16:30

                 

 

video colgado por Jacob en su Blog.   

Todo el mundo sabe que el mejor teórico sobre arte en la red es mi amigo José Luis Brea. El net art suele ser un arte complejo, computacional y de alto riesgo conceptual. Eso ya está claro.

  

 

Lo que no es tan normal es encontrar en la red de redes alguien que  haya utilizado este medio para crear con la misma  sensibilidad del que utiliza el papel, la tela, los pigmentos y los pinceles. Yo lo he encontrado en alguien que vive en la Serra de Tramontana, en Mallorca y que sigo desde hace casi dos años, se llama Jacob y no  vive en Nueva York sino en algún lugar de la isla de Mallorca. Este internauta tiene una gran sensibilidad y la desprende por los cuatro costados, sus textos breves, sencillos, tienen voluntad poética y junto a sus fotografías ,(http://www.flickr.com) sus obras y el propio diseño del blog. envuelven al visitante en un clima de alta calidad estética. Sensaciones, meditaciones breves, el taller del artista, la naturaleza que lo rodea en su soledad, las variantes del tiempo y el clima, así como una evidente contemporaneidad que le permite estar al día en todo desde su entrañable retiro.

Jacob  dosifica sus “posts”, los distancia en el tiempo, no tiene prisa, tal  como les sucede a algunos pintores, incluso en alguna ocasión ha dejado de emitir ,quizá como consecuencia de la melancolía y lo ha borrado todo. Sabemos que viaja a Italia, a Padua, que conoce bien el linaje judío de la isla y que tiene buenas amigas que saben corresponder a su sensibilidad extrema. Jacob es la confirmación de que la sensibilidad no está reñida con Internet.

http://jacobalbablank.blogspot.com/

 

 

LLUIS LLEO

jesusmc | 12 Febrero, 2009 18:57

UROBOROS:LA MIRADA CIRCULAR DE LLUIS LLEÓ

Jesús Martínez Clarà. 

 Artículo publicado en el Nº 347  de 11 de Febrero 2009 en CULTURA´S DEL DIARIO LA VANGUARDIA DE BARCELONA

                       

        

 

 


El lector de este documental debe visitar sin demora la página web de Lluis Lleó (www. lluislleo. com); allí encontrará la posibilidad de dar un paseo virtual por su pulcro estudio neoyorquino. A través de un travelling circular, el visitante puede dar vueltas y más vueltas alrededor de su estudio, detenerse, aproximarse a una obra o a otra que le llame la atención, meterse dentro de sus campanas de formas, subir o bajar el punto de vista y continuar el recorrido circular que inevitablemente le lleva al mismo punto de partida. La circularidad domina la obra que el artista presenta en las páginas de este documental y en su obra reciente. Con un profundo sentimiento arquitectónico, Lleó ha construido un muro con unas piezas de barro encajadas en una estructura de acero inoxidable que irá creciendo poco a poco, línea a línea, y en el que se marca una diferencia entre el interior y el exterior. En el interior, la imagen yel color de los cadmios: rojo, naranja y verde. En el exterior, la cruda y resplandeciente nada del acero tecnológico y brillante. El espectador entra y queda rodeado por un muro iconográfico lleno de obras hechas con la tradicional técnica del fresco. En esta ocasión, la geometría sutil a la que es dado este artista no se encuentra sólo como tema en sus dibujos y pinturas con homenajes a Ellsworth Kelly,sino en el soporte mismo. Obligada a contemplar, la mirada del espectador se hace oblicua como en el ciclo necesario de todo lo que acaba y comienza. Aparece así una alegoría del final y del inicio propios de toda renovación y una citación biografiada de la muerte. Ese moderno Uróboros mural recuerda la serpiente hermética que se muerde la cola y que no es otra cosa que una alegoría al aforismo griego según el cual todo es uno y todo regresa  

LABORAL GIJON: Nowhere / Now/ Here del diseño contemporáneo.

jesusmc | 31 Enero, 2009 20:19

                     

 Artículo publicado en Cultura´s de La Vanguardia.Miércoles,28 Enero 2009

Nowhere / Now/ Here Explorando nuevas líneas de investigación en el diseño contemporáneo LABORAL GIJÓN Los Prados. 121 Tel. 985-185-577 www. laboralcentrodearte, org Hasta el 20 de abril

Jesús Martínez Clará 

Rosina Gómez-Baeza ha sido durante veinte años valedora del arte contemporáneo en ARCO, y ahora se ha propuesto un nuevo reto con LABoral-Centro de Arte y Creación Industrial. En su nuevo proyecto, lo sustancial es la interacción entre arte, ciencia, tecnología y sociedad en el marco de la cultura digital, una apuesta que le otorga el papel de institución pionera en nuestro país y ha creado una línea expositiva arriesgada y coherente que llama la atención de artistas y críticos de todo el mundo.

LaBoral está ubicada en las inmensas naves remodeladas de la antigua universidad del trabajo de Gijón, una especie de Escorial del mundo obrero durante el franquismo y que puede convertirse en el megacentro de arte y creación post industrial del siglo XXI. Estos días se puede visitar Nowhere/ Now/ Here,que presenta a partir de unos adverbios que indican situaciones y sugieren acontecimientos, un panorama de la vanguardia del diseño actual. La pregunta sobre las cuestiones de lugar, tiempo o situación: En ningún lugar, ahora y aquí son siempre fundamentales. El arte yel diseño viven en una pregunta adverbial constante: En ningún lugar, pero: ¿Dónde? Ahora, pero: ¿Cuándo? ¡Aquí!


Este complejo entramado situacional y temporal se da en un momento en el que habitamos en una contradicción positiva, por un lado como demuestran el banquete de redes y nodos: la inter-territorialidad, las conexiones múltiples, las redes de información que nos sugieren un lugar que es todos los lugares (nowhere),una ubicación inexistente en la casa globalizada. Por otro lado la exigencia revolucionaria de lo local, la exigencia de lo propio y de la raíz: Ahora (Now) y Aquí (Here).La inter-territorialidad la demuestra la variada procedencia de los artistas y diseñadores escogidos para ambas exposiciones. Los propios participantes en la organización de la exposición actual demuestran la complejidad del sistema en el que estamos inmersos: los comisarios, Roberto Feo y Rosario Hurtado, tienen estudio en Berlín, Patricia Urquiola y Martino Berghinz, los diseñadores de la exposición, lo tienen en Milán, Fernando Gutierrez, el diseñador gráfico lo tiene en Londres y yo escribo esto en Barcelona. Por eso se trata de hallar solución al dilema que se encuentra en armonizar lo local y lo global.

 


La mayoría de nosotros formamos ya parte del nomadismo intercultural, del hola y adiós en los aeropuertos, nos googleamos constantemente para saber quiénes somos y en dónde nos encontramos. En este contexto de intersecciones culturales e hibridación queda un poco lejos la noción vinculante y estrecha entre identidad nacional y diseño o entre arte y territorio. Los sistemas de comunicación en red están dificultando esta clásica relación, expresiones como cooperación cultural en red, la evolución hacia la complejidad social o la propia definición de nodo interconectado hecha por Manuel Castells no nos permite pronunciar, hoy, con el mismo orgullo que hace veinte años expresiones como: ¡es diseño catalán! ¡escultura vasca! ¡confort nórdico! ¡maquinaria alemana! ¡microprocesador japones! Ahora todo es de " ninguna parte", pero hecho " ahora" y " aquí" y quizá, si preguntamos mucho, sepamos de dondeode qué está hecho. El arte postindustrial puede caer en un vacuo esteticismo si no considera la cualidad y el sentido profundo de donde nace lo artístico. En la actualidad, y mientras no aparezca una nueva generación desconectada , el arte propuesto por Laboral es el futuro ahora y aquí.

         Vista General

            Alejandro Mazuelas   

 

 

 

        Martí Guixé 

 

 

 

            Alon Meron

 (Más)

LA PERSEVERANCIA PICT0RICA DE AMPARO CORES

jesusmc | 31 Enero, 2009 18:21

  

 Art.Publicado en "Cultura´s de La Vanguardia.21.Enero 2009

La Sala “Libertad” hace honor a su nombre y ha optado por liberarse de algunos prejuicios estéticos propios de la contemporaneidad; lo ha conseguido apostando por un arte basado en criterios de calidad pictórica, sin considerar la fecha de nacimiento de los artistas o que estos, sean más o menos conocidos.

En esta ocasión presentan la obra de Amparo Cores (Oviedo,1929).En la exposición hay pintura y escultura desde 1958 hasta hoy, cincuenta años de trabajo continuado y perseverante en los que el reconocimiento no ha sido su principal objetivo y eso, es virtuoso, porque en el texto de Shi –Tao, que abre el catálogo, se lee :”Los antiguos pintores viviendo en el anonimato, obtenían la gloria. Perfeccionaban su formación y comprendían la vida”. Me fascina la perseverancia de Amparo Cores y de las mujeres artistas de su generación como Mercedes Gómez-Moran o Maruja Moutas que en los años cincuenta iban a París, fuera a la Académie de la Grande Chaumière , a la Académie Julian o a asistir al “atelier” del pintor y teórico francés André Lhote.

 Amparo Cores conoció, en Bruselas, a finales de los años cincuenta, a su  esposo, el pintor y diseñador Jesús de la Sota con quien estableció una gran complicidad intelectual y estética. En el Madrid de los “60” crearon un ambiente  transversal y expandido entre : la arquitectura de Alejandro de la Sota, el diseño de mobiliario, la pintura, escultura, tapices o la fotografía de Antonio Cores de quien ella misma ha recuperado, recientemente, las fotos que hizo a Picasso en 1966.

En esta exposición se presentan cincuenta y ocho obras dominadas por dos sensibilidades diferenciadas y que, a primera vista, pueden parecer contradictorias entre lo mesurable e inconmensurable que habita en las formas y en la naturaleza. Por un lado, la medida aparece en unas series de óleos sobre tela o tabla de mediano formato con títulos tan significativos como:”Ritmos”,“Simultáneos”,“Armónicos”,“Composiciones” o, también los “collages”: “La bola” o “El Círculo”.Estas obras se basan en el estudio de las leyes que operan sobre las estructuras geometrizadas de la forma. Amparo Cores busca en ellas la coherencia , mesurada, lucida y equilibrada,   lo que André Lhote llamó: las “invariantes plásticas” del arte. En todas, la relación entre música, número y forma insinúan un misterio pitagórico que les pertenece desde antiguo, porque solo las circunstancias cambian y lo fundamental se mantiene. Pero,  a diferencia de la luz  de Klee, el rigor frío de Mondrian o del Movimiento Moderno, ella incorpora la sensibilidad exquisita que deriva de una geometría sentimental, en las que la regularidad del círculo, el triángulo, el cuadrado y la cruz son tratados con delicadeza, inspiración y silencio como si fueran rosas frente a una ventana.

En sentido contrario, opone a esa precisión de la forma que conoce bien: la naturaleza inconmensurable de unos “paisajes” abstractos inmersos en la atmósfera y la bruma;  son vistos desde un risco, una marisma, una colina o un amanecer y en todos ellos, domina un sentimiento melancólico del espacio. Con una discreción ejemplar, tímidamente, consigue captar ,con la sutileza de un paisajista chino del siglo XVII, el pulso vital de la naturaleza o penetrar sin estridencias en el centro oculto de los objetos como en sus obras “Sobre la mesa” o “Bodegón III”. En estos paisajes vaporosos también hay normas, pero las trata con la libertad de quien se encuentra liberado de la exigencia de un método. Amparo Cores ha conseguido conciliar con su pintura unos principios estéticos antagónicos y convierte esta exposición en un manifiesto de síntesis posible entre lo determinado y lo indeterminado, entre el caos primigenio de la naturaleza y el sentido ordenador del número, entre la razón y el sentimiento. En todas ellas se vislumbran tenues ausencias, nostálgicos recuerdos, amor y mucha perseverancia pictórica.  

     Jesús Martínez Clarà.

  "La Bola"  (2000)

"La Colina" (1971)

El círculo (2000)

 

"El tiempo de la cosecha" (1970)  

                        

                  Amparo Cores y Jesús de la Sota (1960)             Foto de J.R.Cores 

JOSE LUIS GUERIN EN LA CIUDAD DE SILVIA.

jesusmc | 17 Enero, 2009 20:47

                     

1 de Octubre 2007 19:48

DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 7     

Jesús Martínez Clarà | 01 Octubre, 2007 19:48 

En algunas ocasiones, de ciento a viento, salgo de casa y veo en la esquina, como buscando un taxi, a José Luis Guerin. Lo reconozco de inmediato por su característica gorra de cineasta de los años veinte, por su espigada y desgarbada figura y sobre todo porque siempre lleva una cartera portafolios debajo del brazo. La última vez fue hace muchos meses, hablamos unos minutos y me dijo que se iba a Italia a ver pintura. La verdad es que  no me sorprendió porque es conocida su inquietud intelectual , sus querencias hacia la belleza y he aquí que me encuentro sentado en una butaca de cine ,viendo en imágenes lo que durante tantos meses llevó en su cartera portafolios. Su proyecto se ha hecho realidad visible  y se llama "En la ciudad de Sylvia" una película que ha concurrido en la sección oficial del Festival de Venecia 07 junto a veintidós insignes candidatos.

 (Más)

JAVIER PUERTOLAS EN MONTSERRAT

jesusmc | 17 Enero, 2009 18:26

 JAVIER PUERTOLAS Y EL MANTO PROTECTOR   

 

21 Septiembre, 2007 23:11DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6              

 

 

                 

 

 

Javier Puértolas expone en www.galeriafidelbalaguer.com  hasta el 27 de Octubre, con  un título general : "Sota l´epidermis". Ya hace algún tiempo que vengo diciendo en foros y tertulias artísticas que la Iglesia católica debería recoger el testimonio del mecenazgo que ejerció durante tantos años y desplegar su manto protector sobre el arte contemporáneo, y que los jóvenes, con menos prejuicios ideológicos que hace unos años, deberían reclamar ese amparo. La iglesia ha hecho tímidos intentos parroquiales, casi siempre nefastos, de  restaurar una vidriera o colocar un Cristo crucificado con el lenguaje estilizado de lo pseudomoderno. No, me refiero a eso, sino a lo que valientemente han hecho en la abadía de Montserrat los monjes, al habilitar un espacio único destinado a hacer exposiciones de artistas que llevan una práctica activa y atrevida como en el caso de Javier Puértolas. El ha sido el escogido como primer artista para inaugurar el espacio Pere Pruna dedicado al arte contemporáneo.   Este artista (Binéfar,1947) ha tenido el honor de  inaugurar junto al abad del monasterio Josep M.Soler. El Espai Pere Pruna  es una parte habilitada dentro del museo montserratino que  acoge valiosísimas obras de todas las épocas y culturas. Entre marzo y junio de este año los visitantes de la montaña  se encontraban con la exposición de Puértolas:" Los laberintos de lo visible". Cuando asístí a la inauguración , ya me pareció que tanto el abad de Montserrat, como el monje Josep de C. Laplana decían cosas muy interesantes  con la soltura de los conferenciantes especializados en materia artística contemporánea . Yo en esa ocasión pensaba con que criterio habrían escogido la obra de Puértolas, que es lo que habían visto en ella que pudiera relacionarse con el mundo que ambos monjes representan y hoy cuando he leído el texto que acompaña a la actual exposición:"Sota l´epidermis”, lo he entendido.    El título parece indicar que bajo la superficie de las cosas existe algo más, algo que debe buscarse en un viaje hacia el interior y eso es lo que ha hecho el monje y Director del Museo de Montserrat Josep de C.Laplana en su escrito titulado: "Un viaje maravilloso a las entrañas de un mundo fascinante que es y no es." Cuando salí de la exposición y mientras me tomaba un té negro en una terraza cercana a la galería de la calle Consell de Cent , leí el texto de un tirón y no es corto. Esta muy bien escrito y  con una sinceridad difícil de encontrar en catálogos de arte, está escrito desde la amistad y haciendo un recordatorio de situaciones vividas por ambos, un recorrido por la trayectoria creativa de Puértolas, pero sobre todo reflexiona en unos términos significativos y útiles para comprender los valores y actitudes artísticas que pueden ser  adecuados para que el director de un museo religioso extienda su manto protector sobre un artista    

TOM CARR : DEL JARDIN PERFECTO

jesusmc | 27 Diciembre, 2008 13:16

            09 Septiembre, 2007 21:51                           DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6     

 

Entre los día 8 Septiembre a 30 Octubre en  la  Aliance Française  de Sabadell se puede ver la obra reciente del escultor Tom Carr  que con el título "del jardín imperfecto", muestra una parte del recorrido que inició en las galerias  Astarté,  Sala Maior  y Studio Franck Bordas de Paris. Tom Carr trabaja en formatos y proyectos siempre diferentes que van desde obras monumentales como su "Seed & Helix" que se encuentra en la sede principal de  la  Société Générale  en la Defense de Paris,  a proyectos de incidencia pública como: Project Principium  en la Illa Fantasia del Maresme  y otras obras que se pueden consultar en su página  http://web.mac.com/tomcarr1/  i  Web/footsteps/footsteps.html.

    Los  trabajos que le dieron las primeras señas de identidad artística fueron  sus ensayos con la luz, las sombras y las proyecciones, una etapa aun poco estudiada de este artista y que, desde mi punto de vista, contiene  aspectos muy interesantes que  aún no ha superado con su trabajo actual. Pudo verse indicios de esta etapa en  su instalación  "Cycle et coïncidence", que realizó en el Museé d'Art Moderne de Céret en el 2002.Pensando, brevemente, en el título de la actual exposición, he encontrado la clave de porque me gustaba tanto su época de luces y sombras. Actualmente, su trabajo es de una perfección extrema y por este motivo el título general de la exposición podría haber sido : de el Jardín Perfecto. Es cierto que, como indica el magnífico escrito de Carme Miquel de Enero de 2007 el Jardín es muchas cosas y entre ellas, yo destaco las siguientes: dentro de su aparente control y simplicidad, el jardín puede ser un laberinto, un lugar donde todos los abismos del yo son posibles, la pulsión de lo escondido se revela, afirmando contundentemente su existencia.

Me parece que Tom Carr ha ido arreglando y cuidando ese jardín hasta dominarlo absolutamente.Una vieja historia, que leí o escuche en algún sitio explica lo siguiente: Un padre y un hijo están arreglando el jardín, las hojas de otoño caen incesantemente y el hijo es el encargado de recogerlas, una y otra vez realiza esa labor pulcra bajo la atenta mirada de su padre. Recoge todas las hojas, no queda ninguna y le dice a su padre: -Padre ya he acabado el trabajo-, el padre le contesta que continúe, que el jardín  aún no está perfecto, el hijo vuelve una y otra vez y la respuesta del padre siempre es la misma: aún no está perfecto, llegado un momento y cuando ya todo era limpieza absoluta,  el padre  llama  a su hijo y sin mediar explicación coge con las manos unas cuantas hojas del cesto y las vuelve a tirar por el jardín, diciendo: ahora si que está perfecto .  

ARTE CONCEPTUAL EN LA SALA TRES DE SABADELL(1972-1979)

jesusmc | 27 Diciembre, 2008 11:53

ARTE CONCEPTUAL EN LA SALA TRES DE SABADELL (1972-1979)         

    07 Septiembre, 2007 00:31            DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6  

 

 

             

 

Las vanguardias artísticas del siglo XX son  la consecuencia del encuentro feliz de unas personas en un tiempo y con una inquietud común que los cohesiona en un lugar. Ese es el caso que hoy estoy comentando. Ayer estuve en la inauguración de una exposición repleta de añoranzas y nostalgias. En varias ocasiones escuche comentarios, como: "de todos los que estamos en la foto, ya faltan varios. Mira este y este y este otro.", "¿habeis visto a fulanita? :creo que va en silla de ruedas." .Y es que ha pasado mucho tiempo desde que en el año 1972  unos cuantos jóvenes tuvieron la suerte de coincidir en un tiempo y en un lugar. El momento de privilegio fue en la década de los años setenta en los que por una iniciativa de unos cuantos activistas culturales de la ciudad de Sabadell, se inició un períplo expositivo autogestionado por los artistas en la llamada Sala Tres de l´Acadèmia de Belles Arts, en ella se realizaron 56 exposiciones a lo largo de siete años de actividad, es decir, unas ocho exposiciones de promedio por temporada, que en el gélido ambiente cultural de la época tenía mucho mérito. Paradójicamente, la aventura cultural acabó  en los últimos días de la dictadura, en 1979, cuando se vislumbraba la feliz aurora de la democracia.   

 (Más)

LA LEY FELLINI

jesusmc | 26 Diciembre, 2008 23:28

                                             

         DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6                          05 Septiembre, 2007 11:02

  Los que hayan visto algunas imágenes del Festival de Cine de Venecia de este año se habrán sorprendido por la escenografía que preside la entrada a la famosa alfombra roja de los famosos. Ahí se pueden ver  los cuatro leones alados que son el símbolo de la ciudad y cuya miniatura se convierte en la preciada estatuilla de oro a la mejor película. En la entrada al recinto había un espectacular e impresionante péndulo negro de esos que se utilizan en la   destrucción de edificios. Su creador es Dante Ferretti y es idéntico al que él mismo, diseñó junto a Federico Fellini para "Ensayo de Orquesta". No soy crítico de cine, sólo quiero referirme a esa enigmática  esfera negra. En 1979 vi la película de Federico Fellini : "Ensayo de Orquesta".  (Más)

ANSELM KIEFER : ESCENOGRAFIAS SIMBOLICAS

jesusmc | 26 Diciembre, 2008 22:42

 

ESCENOGRAFIAS SIMBÓLICAS DE ANSELM KIEFER 

 

 

 

 DE LA REVISTA AVATAR BCN Nº 6   01 septiembre 2007 10:11 

 

 

 

 Los rezagados aun tenéis tiempo de hacer una escapada al Museo Guggenheim Bilbao que ha decidido prolongar  hasta el 9 de septiembre, la exposición antológica dedicada al artista alemán Anselm Kiefer, ante el éxito de público que ha tenido.Cerca de 540.000 personas han visitado hasta hoy esta muestra antológica, que reúne obras monumentales de los últimos 10 años del artista alemán, entre ellas un cuadro de 15 metros de altura realizado ex profeso para el museo de  Gehry.Desde la inauguración de la exposición hace cinco meses, el pasado 28 de marzo, y a tan sólo una semana de su clausura, prevista en un principio para el 3 de septiembre, una media diaria de más de 3.500 personas, procedentes de distintos puntos de España y del extranjero, han visto la muestra. Uno de ellos era yo. 

 Fui con unos amigos y entre ellos una auténtica admiradora de la obra de Kiefer que se llama Ana . Este artículo va dedicado a ella, pues creo que durante la visita los tres restantes acompañantes fuimos un estorbo para su devocional visita.

 

 

 (Más)

LOAN NGUYEN: L A ARTISTA DIAFANA EN EGO GALLERY

jesusmc | 16 Diciembre, 2008 15:37

  

             

               

 

 

 

 

 

 

 

              

 

 

 

 

 

 

 

               

 

 

 

 

 Artículo publicado en la Revista Avatar BCN  Nº 9.  16-Diciembre-2008

 Jesús Martínez Clarà

La artista Loan Nguyen tiene tres nacionalidades: Suiza, Francesa  y Vietnamita. Ahora expone en la Galería Ego algunas obras de sus series fotográficas: “Mobile” y “De Retour”. Movilidad y regreso son dos palabras activas, indican un estado de alerta, de cierta tensión y cambio, sin embargo  Loan Nguyen consigue dar a sus obras una calma absoluta e intensa y lo hace con tres elementos: su propia presencia, el lugar y la luz.

 

 

 

Presencia: para realizar su obra se toma a sí misma como modelo, hace un ejercicio de conciencia personal y eso la convierte en un ser sereno que reposadamente, siempre de pie, se muestra en un lugar escogido y se auto- fotografía. No hay nada de narcisismo, ni de auto citación, a la manera de Cindy Sherman, ni rastro de auto referencia como hace Sarah Lucas. A diferencia de ellas, sin un yo idolátrico activo, la actitud personal de Loan es la de quien no quiere trabajar con ficciones, reflejos pasajeros o sombras que velan, empañan la claridad del espejo, ella se presenta a si misma sin ideas preconcebidas, sin crear ilusionismos: es concreta. En ocasiones, mide con su cuerpo, en otras compara y siempre: contrasta. A Loan Nguyen le gusta decir que adopta una  postura para que  parezca que el personaje fue colocado allí como por arte de magia, sin voluntad ni propósito, como si estuviera en medio de la nada, absorta y en calma.

 

 

 

Lugar: ahí, instalada en un no-lugar, hace sus fotos de manera solitaria, concentradamente, hasta el punto que esa actitud tan relajada se convierte en meditación. Este aspecto de alta contemplación, similar a la percepción del vacío, favorece una paradoja interesante: por un lado, el lugar no es relevante porque desaparece como consecuencia de su extrema concentración, pero a su vez esa cualidad meditativa le permite ver las cosas y esos mismos lugares de un modo diáfano: tal como son. Por eso, los lugares en los que hace sus fotografías no quieren tener nombre propio, no necesitan definirse. Bajo la óptica de Nguyen  la vacuidad genera anonimato, pero, a su vez, por el contraste que he mencionado, sabemos, con precisión,  donde están esos sitios: un exterior en Laussane, junto al lago Leman, en el que se  fotografía a si misma con los puños enfundados en  unos guantes rojos,  un montículo en Madrid con un avión de papel entre las manos y en el que se ve una línea marcada en el suelo, o en el interior de un espacio sin importancia, mirando tras una cortina verde en Suiza , ese es el extraordinario efecto de las obras de Loan Nguyen y es que siendo fotografías de ella misma y de  lugares concretos y localizados ambos aspiran a la categoría de no-lugar, de no-presencia, dos estrategias de desaparición en una atmósfera estática.

 

 

Luz: la luz es el auténtico causante de esa sensación diáfana, de esos espacios, de esos lugares que no quieren definirse. La luz, la diafanidad y la transparencia otorgan a sus imágenes el misterio más sublime, aquel que se encuentra tras lo claro, tras lo evidente. Loan evita cualquier tópica  utilización de  la misteriosa bruma propia de la estética oriental, por otro lado tan seductora. La luz de sus obras es la de un día cubierto por nubes ligeras que le sirven de “parasol” sin tener que utilizar otros recursos técnicos, la naturaleza le da la luz que necesita para conseguir unas tonalidades, unas atmósferas blanquecinas, claras, limpias. Una mujer diáfana haciendo unas fotografías en las que, aparentemente, no sucede nada y en las que ni su cuerpo, ni los objetos generan sombras.

 

DAVID LEVINTHAL: TODO ES REAL

jesusmc | 13 Diciembre, 2008 20:28

  

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

                          

                             DAVID LEVINTHAL: TODO ES REAL.  Jesús Martínez Clarà

          Artículo publicado en el nº 337 del suplemento Cultura´s de LA VANGUARDIA.3 Diciembre 2008

 

  La Galería Raíña Lupa de Barcelona presenta una buena muestra del recorrido del  fotógrafo David Levinthal (San Francisco,1949),allí se pueden ver parte de algunas de sus series más conocidas como: “The Wild West”, (87-89)“American Beauties”(89-90), “Blackface”(95-96) de esta última se ha hecho una edición con un texto inédito de Antonio Muñoz Molina, también presenta su serie  reciente sobre la guerra de Irak (2008).

 

Este fotógrafo ha dirigido el objetivo de su cámara, en  sistema Polaroid Polacolor, hacia los acontecimientos, a los hechos más significativos de la historia americana, esos que  marcan a una generación. David Levinthal ha encontrado, en su imaginario, el lado oscuro de la realidad a través de la miniaturización, a partir de unos muñecos de juguete convertidos en alegorías de la vida adulta que utiliza como modelos para sus fotografías. Su primera serie bélica “Hitler Moves East”(75),o  “Mein Kampf (93)  revisa, bajo su  peculiar óptica minúscula el apogeo del nazismo, sugiere nuevas miradas sobre el amor en “Modern Romance”(84) o el sexo extraduro en su serie “Desire”(90).Este artista recrea mediante un ambiente desenfocado , brumoso y saturado por el color ,  unas atmósferas alusivas a los arquetipos de la vida humana: historia, amor, guerra o muerte Casi nada, todos ellos son aspectos vitales que bajo su óptica adoptan las maneras de un juego perverso.

 Levinthal consigue hacer una simulación, un simulacro de todo lo fundamental. Los antropólogos saben que para aprender, para conocer mejor la realidad en la que se vive, se utiliza  en muchas culturas, la simulación de la muerte anticipada. Tener en vida la experiencia del tránsito a otra vida  ha sido, también, un lugar común de la literatura jesuítica desde el siglo XVI. Sin ir tan lejos,  ese simulacro está en el juego de los niños, cuando con las artes de un actor, simulan la muerte heroica e incruenta de un soldado o  de un vaquero en el oeste salvaje. Todos estos procesos simuladores de experiencias, ese mundo de ficción es trasladable a la fascinación adulta por la belleza tópica americana o a los delirios de sexo extremo. El tiempo es otra condición del juego de Levinthal, juega con el espacio de sus escenarios y figuras, pero sobre todo es un manipulador del tiempo, puede citar la situación histórica, cuando y cómo le parece, por eso le resulta factible recrear el auge del nazismo en 1993, una visita al oeste en 1989 o explicar lo que pasó en Irak en el 2008.

 

El uso del juguete no es inocente, y muchas historias contemporáneas han explorado el carácter terrorífico de la realidad simulada en un muñeco. Dar vida a un muñeco suele tener graves consecuencias, así sucede con el primitivo Pinocchio, con  Chucky el muñeco diabólico o con los mitos clásicos de terror. El Golem, en las tradiciones mágicas y místicas del judaísmo, habla de la creación de un hombre artificial que nace de un muñeco con todas las trazas de un  ser misterioso, un malvado capaz de las mayores destrucciones. La exposición culmina con unas fotografías recientes en copia digital “pigment prints” que es el procedimiento por el que llegan a USA las noticias sobre la guerra en Irak. Ya en 1990, con motivo de la del golfo, se habló de una guerra virtual en la que la imagen informativa de televisión había  sustituido a la realidad de los muertos y los heridos. En el 2003, en Irak, se gestó una guerra falsa, donde finalmente no había armas de destrucción masiva, tan falsa como se dice ahora que es la pisada de Armstrong sobre  la luna.

Con los  argumentos  de la sutil frontera entre la verdad y la mentira, Levinthal nos ofrece  una ocasión única para comprender el sentido profundo de la palabra "pensar"(noein), que significa, más bien, percatarse de la auténtica situación o de la verdadera naturaleza de una cosa, cuya realidad solo puede aprehenderse de forma inmediata, lo hace a través de la estrategia de sus simulaciones. Interpreto que el arte de David Levinthal, con sus simulaciones, quizá  nos propone que abramos los ojos  y que conozcamos plenamente la auténtica naturaleza de las cosas que se encuentra tras su artificio fotográfico: nada es real, todo es real. 

AGUSTIN FRUCTUOSO : CONTEMPLAR LA MISMA VISTA

jesusmc | 13 Diciembre, 2008 18:05

         

 

 

 

 

 

 

 

 

 

     

 

 

 

 

 

 

     Como editor de la revista Avatar, creada el 22 de Junio de 1993 a las 22 horas en el Motel Empordà de Figueres me interesan mucho los fenómenos reencarnativos y los reencuentros tal como el nombre de la revista indica. Hoy he asistido a  uno de ellos. En “La Xina A.R.T.”, la sala de arte de la calle Doctor Dou se ha producido un hecho milagroso, un reencuentro misterioso. El pintor Agustín Fructuoso ha presentado su obra reciente entre el 13 de Noviembre y hoy sábado, 13 de Diciembre del 2008, día en el que, precisamente, estoy escribiendo esto, unas horas antes de su cierre. La exposición tiene el título de:  “Mont Ventoux” 1336-1964.Homenaje a  Tom Simpson”.

Desde mi punto de vista se han producido cuatro encantamientos, citaciones o reencuentros que  nos proponen contemplar la misma vista y compartir la misma experiencia. Una fuerza ignota en la galería lo  ha hecho posible gracias a este artista que reencarna vivencias, experiencias y miradas a través de su obra y de un texto escogido para presentar su exposición. 

  

El Primer reencuentro alude a una fecha que según el texto que acompaña a la exposición, recuerda el hecho de que Petrarca visitó ese monte el 26 de Abril de 1336 que como se sabe es una cumbre famosa en la Provenza Francesa, según se dice subió con el único propósito de contemplar la misma  vista y experimentar lo mismo  que Tito Livio el famoso historiador de Roma. Inaugurando así, el placer de mirar el paisaje desde una cima, en ese momento la visión se constituye como principal argumento de lo artístico desde el Renacimiento hasta la actualidad.

 

El segundo reencuentro es extenso y resumido queda así: Agustin Fructuoso cita a un escritor del que no conozco absolutamente nada, se llama Luzien Verneuil y que ha escrito  un texto llamado “La domesticación del paisaje”. En él, explica una historia entre el escultor Bernard Fabvré y su tio- abuelo Roland Fabvré. Este, era irónico y fabulador estaba al borde de la ceguera debido a unas grandes cataratas, tan inmensas que las bautizó con el nombre de Niagara. Es decir no veía nada y bromeaba sobre su condición. A pesar de esa ceguera en ciernes le pidió a su sobrino que quería experimentar lo mismo que Petrarca, cuando quiso experimentar lo mismo que Tito Livio. Así lo hizo, con la mala fortuna que al subir al Mont Ventoux una densa niebla no dejaba ver más allá de un palmo de sus narices. El sobrino no dijo nada sobre esa niebla impertinente, dejo que su tío abuelo contemplara el paisaje desde el mirador hacia el abismo cubierto de niebla, este sin ver ni torta, debido a su ceguera incipiente, más que al mal tiempo dijo: “Es la mejor vista que nunca hubiese podido imaginar: esa ultima visión, o quizás la que retuvo bajo sus párpados, encerraba , de forma nítida y verdadera, el secreto de todas las imágenes, el elixir de todos los silencios, el molde de todas las formas y la esencia de todos los colores” .

  El tercer reencuentro es que Agustín  Fructuoso ha querido experimentar lo mismo que experimento el pintor Gonzalo Tena hacia 1978,hace ahora treinta años, cuando lideraba el  grupo Trama  en Barcelona y hacia una pintura idéntica a la que hoy nos enseña Agustín Fructuoso. Este artista ha reencarnado en vida de ambos, el mismo espíritu de Gonzalo Tena, es decir :  una obra abstracta dominada por la oscuridad y especialmente por el no-color negro. Sus superficies están llenas de pequeños detalles que solo pueden percibir los visitantes atentos, una superficie aparentemente monocroma, deja ver una rozadura, un pequeño relieve, casi imperceptible. Hay, en alguna de sus obras unos límites que enmarcan la superficie, unas franjas distinguidas del resto de la pintura por un ligero matiz tonal. Sus obras exigen una visión atenta, concentrada y minuciosa. En un texto de esa época: “La pintura a oscuras”, Gonzalo Tena, confirmando la actitud de Fabvre, dice: “Paradojicamente , las tres únicas formas de ver pintura en la actualidad son: o bien a oscuras, o bien con muy poca luz, o peor aun con muy pocas luces. Para Javier Cruz, autor del libro “El Grupo de Trama, Gonzalo Tena defiende la pintura a oscuras, donde el fenómeno de la pintura-pintura deviene en tautología carente de adjetivos, la que tan sólo precisa el gesto de encender  la luz”.

 En mi experiencia pedagógica me he encontrado con alumnos ilusionados que creían haber descubierto el expresionismo abstracto, el cubismo sintético o el hiperrealismo. Yo siempre lo he encontrado legítimo cuando lo hacen desde el corazón y la buena intención, nunca como copia devaluada de un original. En esta ocasión  Agustín Fructuoso, sin saberlo, quería experimentar lo mismo que Gonzalo Tena experimentó hace treinta años, o que Tito Livio, o Petrarca o Roland Fabvre  con la feliz coincidencia de que ambos pintores han recurrido a similares reflexiones teóricas sobre el papel fundador de la visión y de la mirada en el “paisaje” abstracto, y en el uso del negro en el arte contemporáneo.

   El cuarto reencuentro es muy críptico aparece en el título de la exposición no sé porqué razón .Recuerda algo que sucedió en  la vuelta ciclista a Francia, el “Tour”, en el ascenso al  Mont Ventoux, allí el ciclista británico Tom Simpson, en 1967, dos años después de la ascensión del tio abuelo de Bernard Fabvre, dejo su vida, exhausto, en la carretera, algunos  dicen que debido a una sobredosis de anfetaminas y alcohol y otros aun malestar intestinal que ya arrastraba desde la salida.
 
Powered by Life Type - Design by BalearWeb - Accessible and Valid XHTML 1.0 Strict and CSS